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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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'Cuando la pintura es un arte'' muestra una selección de ochenta extraordinarias obras de arte de todo el mundo, y analiza qué es lo que las hace tan extraordinarias, ( Miguel Ángel, Wermeer, Hopper,...) en las que se han incluido también unas pocas esculturas debido a su valor en la historia del arte. Andy Pankhurst y Lucinda Hawksley revelarán al lector las cualidades únicas y destacables de estas obras clave.
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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Da vida a seres fantásticos de todo el mundo con estos 57 tutoriales paso a paso, ideales tanto para artistas principiantes como expertos. En Dibujar seres míticos chibi, Naomi Lord, una ilustradora muy conocida en Instagram, comparte su afición por el dibujo de criaturas legendarias, ya caminen, vuelen, naden o acechen en las sombras, como un cerbero, una esfinge, una sirena o un vampiro. Ofrece lecciones artísticas acompañadas de consejos para dibujar y colorear que gustarán especialmente a los amantes de los esti los anime y chibi.
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CATÀLEG A PARTIR DE L'EXPOSICIÓ DEL CARRER A L'ESTUDI , DEL MUSEU DE VALLS _Del carrer a l'estudi_ preténámostrar dues visions entorn el grafit i l'art urbà. Per una banda, la seva història i pràctica en el context de Valls i el Camp de Tarragona, i per l'altra, l'apertura de mires dels seus practicants cap a altres llenguatges artístics. * El llibre inclou la contextualització, la història d'aquestes tendències a Valls i el Camp de Tarragona, un recull fotogràfic i les relacions entre la pràctica urbana dels creadors i la seva obra d'estudi.
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Saca, 1504 es un proyecto fotográfico de Manuel Naranjo Martell desarrollado a lo largo de casi una década en torno a la Saca de las Yeguas de Doñana (Huelva, España), hoy Parque Nacional y Patrimonio de la Humanidad. Regulada jurídicamente en 1504 por una ordenanza del Duque de Medina Sidonia, la Saca es heredera de prácticas ganaderas y ecuestres anteriores, vinculadas al mundo de Al-Ándalus y a la gestión histórica de la marisma. El libro sitúa a los yegüerizos como figuras centrales de este rito y los reconoce como antecesores directos de la cultura ecuestre americana. Su conocimiento del caballo y del territorio cruzó el Atlántico junto a los equinos llevados a América en 1493 —caballos de sangre marismeña— y dio origen, con el tiempo, a figuras como el cowboy, el llanero, el charro o el gaucho.Más que documentar un acontecimiento, Saca, 1504 propone una lectura visual de una herencia histórica y cultural compartida entre las tierras del bajo Guadalquivir y América, articulada en torno a un vínculo profundo con el caballo, arraigado tanto en los yegüerizos de Doñana como en las culturas ecuestres de los pueblos nativos norteamericanos, la llamada Horse Nation.
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Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.
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Entre el 1869 i el 1878, Josep Mirabent, el pintor decorador més important de la Barcelona de la segona meitat del segle XIX, va pintar divuit raïms per encàrrec de l'Institut Agrícola Català de Sant Isidre. Són unes obres de gran precisió tècnica que avui es mostren com objectes d'art i de bellesa, però que també contenen un gran interès vitícola, perquè són raïms prefil·loxèrics pintats amb gran detall. Els raïms de Mirabent són un patrimoni cultural que el pas del temps ha convertit en un patrimoni vitícola d'interès nacional de primer ordre.
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Renacimiento anacronista revela una red de caminos transitados por obras y artistas, un paisaje oscurecido por la obsesión disciplinaria con que la historia del arte fija todos sus datos en un momento concreto. Los edificios, las pinturas, los dibujos, las estampas, las esculturas y las medallas que este libro estudia no eran ajenos a la preocupación por la autenticidad, la referencia a precedentes y orígenes prestigiosos, y las implicaciones de la transposición de un medio artístico a otro. Los iconos bizantinos tomados por antigüedades cristianas, las imágenes aquiropoéticas o ejecutadas milagrosamente, el uso de spolia o fragmentos procedentes de construcciones antiguas y el empleo de citas, los diferentes acercamientos a la restauración, las leyendas sobre edificios móviles, las falsificaciones y los pastiches resultan ser estructuras conceptuales básicas del arte renacentista. Los autores muestran que las temporalidades complejas y estratificadas de las imágenes ofrecían un contrapunto a las cronologías lineales que fueron estructurando el comercio, la política, los viajes y la vida cotidiana en los siglos xiv y xv. Las obras de arte, además de dar testimonio del momento de su realización, presentan una inestabilidad temporal a la que debemos prestar atención: cómo señala a un punto lejano en el tiempo, cómo remite a unos remotos orígenes ancestrales, a una imagen o a una obra del pasado, e incluso a un origen divino situado fuera del tiempo. Los autores concluyen su estudio con el análisis de una serie de proyectos y episodios acontecidos en Roma en torno al año 1500 que culminaron en la Stanza della Segnatura de Rafael.
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Tres días en la montaña, tres días para conocer lo secretos de la naturaleza y, también, descubrirse a uno mismo. El viaje iniciático de Bruno y su enigmático tío. El narrador es un joven de diez años, que considera a Bruce como una especie de tío envuelto en misterios. Tras tres años de silencio, el hombre ha venido a cumplir la promesa que le hizo al niño: tres días en la montaña, tres días para descubrir el mundo de las montañas. Pero este viaje también será una oportunidad para descubrirse a uno mismo y, por qué no, aprender a trazar su propio camino.
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* Una historia que cautivará a cualquiera que desee levantar el velo de nuestra fascinación por lo espeluznante, lo mórbido y lo sobrenatural. * A través de un viaje en el tiempo, recorriendo sus distintas formas de expresión, este libro traza los caminos entrecruzados del gótico, desde las sombras de la historia hasta el corazón mismo de la cultura popular contemporánea. * Ruinas, demonios inmortales, pasajes oscuros y bosques repletos de terrores expuestos y escondidos: los bucles del gótico se han arrastrado por la arquitectura de iglesias, mezquitas y casas señoriales, irrumpiendo incluso en los grandes almacenes de las zonas periféricas y en ciudades superpobladas. La palabra gótico evoca asociaciones con lo oscuro y lo melancólico, lo extraño y lo temido, así como lugares y personas embrujados. Este libro es una mirada sin precedentes a las formas en las que este extraño estilo se ha manifestado a través de la arquitectura, la literatura, el cine, el arte, los videojuegos y más. Desde las obras de Victor Hugo y E. T. A. Hoffmann hasta el gótico del sur, el folclore antiguo y las películas de terror clásicas, se explora cómo una estética que comenzó en los márgenes se ha reinventado a lo largo de los siglos para convertirse en parte de la cultura global dominante. El libro empieza hablando de la arquitectura y la forma góticas, incluidos elementos como el arco, la casa y las ruinas. Analiza la representación del gótico en entornos rurales y urbanos, así como en el desierto y las zonas fronterizas. A continuación, se adentra en las tradiciones y escenarios góticos de todo el mundo, desde los sublimes Alpes y el interior de Australia hasta el páramo ártico, del oscuro reino folclórico del bosque hasta los paisajes postindustriales de hospitales y asilos abandonados, y luego más allá de los límites del planeta, al incognoscible horror cósmico. El autor investiga los monstruos que nos reflejan a nosotros mismos y a la sociedad, y demuestra que a medida que el gótico ha viajado por todo el mundo y a través del tiempo se ha transformado de acuerdo con la forma de nuestros miedos y ansiedades.
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Aquest volum és una monografia sobre l'obra pròpia de l'artista tèxtil Josep Royo, centrant-se especialment no en les col·laboracions amb Miró i Tàpies, que ja han estat prou divulgades, sinó en els tapissos propis, injustament poc coneguts. Josep Royo (Barcelona, 1945) es va formar a l'Escola de Dibuix de Sant Cugat del Vallès i a l'Escola Massana de Barcelona. Després del seu aprenentatge a la fàbrica Aymat de Sant Cugat, va treballar a l'Escola Catalana de Tapisseria. Va fer recerques experimentals amb materials no tèxtils que incorporà a la tapisseria: els seus Esfilagarsats incorporen jute, sisal, cànem, crinera de cavall, canyes i pals, i tenen intenció tridimensional. Ha exposat als Països Catalans, a la resta d'Europa i als Estats Units. El 1970 va crear l'Escola de Tapisseria de Tarragona, de la qual va ser professor. El 1986 guanyà el premi Aranjuez de tapís i el 2022 va rebre la distinció al Mèrit Cultural de l'Ajuntament de Tarragona.
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Durante los últimos seis años de la vida de Pablo Picasso, Roland Dumas fue su abogado y su amigo. Más allá de esta relación íntima, Picasso también le encomendó la misión de supervisar el destino del Guernica tras su muerte, en particular el traslado del cuadro a España cuando las condiciones políticas fueran las adecuadas. Conocedor de la vida privada del artista que había depositado en él toda su confianza, Dumas conserva numerosos recuerdos de esa época, anécdotas inéditas y abundante documentación. Por primera vez, el historiador del arte Thierry Savatier tuvo acceso a todos los archivos de Roland Dumas sobre Picasso. Durante sus conversaciones, los dos autores se acercan al genio a través de la obra del artista, la gestación del Guernica y la abundante creación de los últimos años. Estos diálogos revelan también aspectos menos conocidos, como la relación de Picasso con los maestros del pasado y sus contemporáneos, sus opiniones políticas, el lugar a menudo controvertido que ocupó su última esposa, Jacqueline, los procesos en los que estuvo involucrado o los tumultuosos episodios de su sucesión. De estos intercambios entre un historiador y un gran testigo surge el perfil, a veces inesperado y siempre fascinante, del último Picasso.
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Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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En Pintura al aire libre para artistas, la premiada artista y prestigiosa profesora de pintura Aimee Erickson le da las claves para aprender a capturar una gran variedad de efectos de iluminación y le ayuda a perfeccionar sus técnicas de pintura al aire libre con ejercicios prácticos. El libro se divide en los siguientes apartados: Materiales y equipo. Obtenga una visión general de todo lo que tiene a su disposición para no poner límites a su creatividad. Composición y valor. Explore los efectos de la proporción, el color, el valor, las líneas, los contornos, la forma y la textura. Color. Analice cómo los conocimientos y la intención, la paleta de colores y lo que ve (su perspectiva) se turnan para llevar las riendas del juego cromático, inventarse reglas y encontrar soluciones. Efectos de iluminación. Aprenda cómo las condiciones ambientales (cuánta luz hay y si esta es tenue, difusa, dorada, intensa, pálida o mortecina) influyen en todo lo que vemos y en nuestra forma de pintarlo. Diseño e idea visual. Descubra estrategias para desarrollar una idea visual, desde crear una serie de estudios hasta trabajar con la cámara de fotos o improvisar.
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'Manga. Del cuadro flotante a la viñeta japonesa' es una extensa monografía sobre el manga japonés incidiendo especialmente en el ámbito sociológico. A lo largo de 600 páginas se aborda no sólo la morfología, sintaxis y categorización del cómic manga, sino también su recorrido histórico, si factor de influencia y repercusión en el seno de la sociedad nipona y su imbricación en otras manifestaciones culturales, así como su importante valor de mercado en todo el mundo. Este libro es el resultado de una profunda
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Un libro de amplio alcance sobre la célebre artista visual, músico y activista por la paz Yoko Ono.Nacida en Tokio en 1933, Yoko Ono es una de las artistas vivas más importantes de la actualidad. En una carrera que abarca más de seis décadas, Ono ha experimentado con una amplia variedad de medios, incluida la música, el arte escénico y el cine.Más conocida como la autora del influyente libro Grapefruit y por su temprana participación en el movimiento artístico Fluxus a mediados de la década de 1960, el trabajo innovador de Ono ha influido en generaciones de artistas, así como su incesante campaña por la paz mundial.Laurie Anderson es una reconocida pionera creativa, conocida principalmente por su trabajo como compositora, artista visual, poeta y música. Eriko Osaka es directora del Centro Nacional de Arte de Tokio y exdirectora de la Trienal de Yokohama. Thierry Raspail es director artístico de la Bienal de Lyon y exdirector del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon.
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En Pintura y Dibujos Botánicos para artistas, la artista botánica y líder de taller experimentada Karen Kluglein revela sus secretos para representar de manera precisa y cautivadora hojas, flores, bayas, ramas y otros elementos. Después de una serie de consejos sobre la observación de flores y plantas y una descripción general de los términos y conceptos botánicos más importantes, encontrará en dos capítulos que proporcionan pautas detalladas y ejemplos para dibujar y pintar botánicamente con diferentes medios. Dibujo botánico: dibuje libremente, mida y calque con precisión y trabaje a partir de fotografías con grafito, lápiz de color, bolígrafo y marcador plateado. Pintura botánica: mezcla de colores, lavados, trabajo en capas, elaboración de sombras, tonos y detalles con acuarelas, gouache y acrílicos.
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El prestigioso crítico y Premio Pulitzer Sebastian Smee compone en este libro una historia del arte contada a través de las vidas paralelas de ocho artistas. Matisse - PicassoManet - DegasPollock - de KooningFreud - Bacon Manet rasga un retrato de él y su mujer pintado por Degas. De Kooning pelea con Pollock y al poco de la muerte de este se junta con su amante, Ruth Kligman. Freud rompe con su mentor y amigo íntimo Bacon tras haberse inmiscuido sin querer en su relación con un amante violento... La rivalidad es uno de los grandes motores de la innovación artística, pero es también uno de sus misterios más profundos. Casi todo artista que se precie ha sido arrastrado a algún tipo de enfrentamiento con sus contemporáneos, y Smee explora el modo en que la amistad y la traición estimulan la creatividad e incluso la búsqueda de la voz propia. Reseñas:«Apasionante. Smee es seductor y brillante, y sus virtudes como crítico son evidentes en cada línea.»The New York Times «Cada uno de los retratos que hace Smee de estos artistas es una auténtica joya.»The Boston Globe «Una combinación perfecta de gusto artístico y entendimiento humano, y una prosa cristalina.»The New Yorker «Hermosamente escrito. Ambicioso, impactante y del todo absorbente.»Publishers Weekly
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Conozca el arte gótico, desarrollado entre los siglosXIII y XV, con la vida urbana, la introducción de lamoneda y la banca y la creación de las universidades. Un estilo que destaca por el uso de la luz, el color, la expresividad y el naturalismo y una simbologíapropia . El libro comienza hablando de los principales acontecimientos de la época en la que se desarrollóel arte gótico, como la expansión de la vida urbana,introducción de la moneda y la banca, creación de las universidades, fortalecimiento del poder municipal,la reforma cisterciense, etcétera. A continuación,se describen los elementos técnicos y estéticos que caracterizan el arte gótico: arco apuntado y bóveda decrucería en el plano arquitectónico, humanización ynaturalismo en el resto de las artes, a lo largo de las distintas fases de evolución del estilo, tanto entodo el continente como, en particular, en la península ibérica, aportando un exhaustivo análisis de la simbología propia del gótico y una completa panorámicahistórica, coincidiendo con la descripción de las distintas fases del gótico. Se tratan las diversas crisis demográficas (la peste negra), políticas (fracaso de las cruzadas a Tierra Santa, guerra de los Cien Años) y religiosas (el Cisma de Occidente) que tuvieronlugar en Europa, así como el desarrollo de la Reconquista ibérica con las características del estilo en los diferentes reinos peninsulares, para terminar con la apertura geográfica al Atlántico que coincide con la última fase del arte gótico: flamígera o florida enEuropa, Perpendicular y Tudor en Inglaterra, Manuelina e Isabelina en Portugal y España. Una completa bibliografía y un glosario de términos técnicos y artísticos al final del libro aclara los distintos términos técnicos a lo largo del texto.
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'Aleshores [Dalí] va trucar a Picasso, i Picasso va dir, 'Què fas?' I Dalí va respondre, 'Bé, estic a punt d'agafar un vaixell cap a Nova York'. I Picasso va dir, 'Ah, te'n vas a Nova York. Per què?' Ja sabeu que ell mai havia estat a Amèrica. I Dalí va d
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La Historia Natural es de vital importancia para los estudios histórico-artísticos pues, en su desarrollo, ofrece un amplio corolario del arte griego y del coleccionismo romano. Es pues, no solo un gran compendio de la sabiduría romana de la Alta Edad Imperial, sino un texto que recoge los hallazgos de toda una civilización, la grecolatina. Además, es un texto de enorme relieve para el desarrollo artístico del mundo occidental desde el Renacimiento, ya que el ejemplo de los artistas y sus obras sirvió para que los maestros de la Edad Moderna, reivindicasen el valor y el estatus del arte. La traducción directa del latín se completa con un buen número de notas explicativas. Además, una extensa introducción estudia una serie de aspectos que ayudan al lector a comprender el contexto de la obra: la biografía del autor, el objetivo de sus escritos y su influencia en los siglos posteriores. La edición está ilustrada con un conjunto de grabados antiguos inspirados en la información ofrecida por los escritos sobre artes de la Historia Natural que, de forma visual, manifiesta el sostenido interés que el estudio de la Antigüedad y los escritos de Plinio, han suscitado desde el Renacimiento.
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La primera monografía completa sobre el pintor figurativo contemporáneo, publicada como complemento de la primera exposición individual del artista en los Estados Unidos.Spinneret se inspira en el órgano homónimo productor de seda que las arañas utilizan para tejer sus redes. Las pinturas figurativas de Anthony Cudahy reconstruyen con ternura escenas enigmáticas de objetos específicos y entornos equívocos a partir de referencias entrelazadas extraídas de archivos queer, historia del arte, cine, poesía, amigos y autobiografía.Coincidiendo con la exposición individual de Cudahy en el Museo de Arte Americano Ogunquit, esta monografía abarca la última media década de su carrera, incluyendo trabajos completamente nuevos, y revela su rica práctica artística.Organizado por cinco temas artísticos (alegorías, figuras, espacios, deslizamientos y fragmentos), Spinneret captura el tira y afloja continuo, conceptual y materialmente, a lo largo de la práctica del artista.
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«Locura y Arte» es un libro sobre el horror de quienes dedicaron su vida a crear belleza. Por sus páginas desfilan los nombres más ilustres de la historia de la música, la pintura y la literatura: Shakespeare, Cervantes, Poe, Rimbaud, Artaud, Edith Piaf, Frida Kahlo, Janis Joplin, Stevenson, Hemingway, Nietzsche, Joyce, Van Gogh, Goya, Schumann, Tchaikovsky, Alejandra Pizarnik y tantos otros artistas que, al mismo tiempo que eran atormentados por voces, angustias, pesadillas, demonios y una cautivante tendencia al suicidio, construían una obra única que elevó el espíritu de la Humanidad. Un libro sobre la locura, pero también sobre el alto costo que significa comprender demasiado el mundo, la vida y la realidad. Con un estilo sencillo y personal, el Dr. Adrián Sapetti vuelve a internarse entre los laberintos de la psiquiatría y desentraña los misterios de estos hombres y mujeres que murieron en las sombras, tras haber iluminado el camino para siempre. AUTOR Adrián Sapetti nació en Buenos Aires, en 1947. Es médico especialista en psiquiatría, psicoterapeuta y sexólogo. Desde hace años escribe y colabora en calidad de asesor sobre temas de psiquiatría y sexología en distintos medios periodísticos y revistas científicas. Es docente invitado en universidades de Argentina, Chile, Ecuador, Colombia y Portugal, miembro titular de la Asociación Argentina de Psiquiatras (AAP) y de la Asociación de Psiquiatras Argentinos (APSA), miembro de la Academia Internacional de Sexología Médica (AISM), miembro internacional de la American Psychiatric Association, presidente de la Sociedad Argentina de Sexualidad Humana (SASH) y director del Centro Médico Sexológico y del sitio de www.sexovida.com. Ha publicado «La sexualidad masculina», «Sexualidad en la pareja», «Los varones que saben amar», «Nuevo manual de sexualidad femenina: derecho al goce», «El sexo y el varón de hoy», «Los senderos masculinos del placer», «Los artistas y la depresión», «Confesiones íntimas» y la novela «La cara de Dios», entre otros.
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El catálogo de la exposición permanente del Centre Pompidou de Málaga, al igual que la muestra, aborda cinco temáticas -«Metamorfosis», «Autorretratos», «El hombre sin rostro», «El cuerpo político» y «El cuerpo en pedazos»- que ponen de relieve dos cuestiones fundamentales para los artistas contemporáneos: la de la identidad/alteridad y la del cuerpo desmaterializado, y en él están presentes las grandes figuras modernas (Pablo Picasso, Francis Bacon, Max Ernst, Frida Kahlo, René Magritte, Joan Miró, Jean Dubuffet, Marc Chagall o Alexander Calder) y contemporáneas (Georg Baselitz, Christian Boltanski, Annette Messager, Thomas Schütte, Tony Oursler o Kader Attia). Bajo la dirección de Brigitte Leal, directora adjunta del Musée National d'Art Moderne Centre Pompidou y responsable de colecciones, comisaria de la exposición, la presente edición, con la coordinación editorial de TF Editores y producida por TF Artes Gráficas, reúne los ensayos introductorios de la propia Leal y José M.ª Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros equipamientos museísticos y culturales.
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Personajes listos para dibujar y técnicas de ilustración paso a paso! Una guía práctica para aspirantes a ilustradores de fantasía que ofrece un gran repertorio de ideas y técnicas para crear personajes extraordinarios. Descubra todos los secretos del vestuario y las armas, y aprenda a dibujar poses de acción dinámicas, semblantes realistas, gestos y un lenguaje corporal lleno de expresividad. La ilustración definitiva de los personajes va acompañada de bocetos conceptuales y dibujos del proceso de construcción para que le resulte más fácil copiarlos o usarlos como punto de partida para crear sus propias figuras fantásticas.Tanto si trabaja con medios tradicionales como digitales, o si combina ambos métodos, este libro se convertirá en su obra de referencia básica. Los principiantes encontrarán instrucciones prácticas y muchas ideas valiosas. Matt Dixon es ilustrador profesional. Ha trabajado en distintos proyectos para la industria de los videojuegos, ha diseñado personajes y títulos originales para grandes sagas cinematográficas y ha ilustrado libros, revistas y novelas gráficas.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, entre el 17 de junio y el 6 de septiembre de 2026, y posteriormente en Madrid.El catálogo Minor White acompaña la primera gran retrospectiva dedicada en Europa a uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. A través de una amplia selección de imágenes procedentes principalmente del Princeton University Art Museum, el volumen recorre toda la trayectoria de White, desde sus primeras fotografías hasta sus trabajos más maduros, marcados por una intensa exploración espiritual e introspectiva de la imagen.La publicación presta especial atención a las secuencias fotográficas, formato esencial en la obra del autor, que él mismo definió como un “cine de imágenes fijas”. En ellas, cada fotografía adquiere sentido en relación con las demás, generando múltiples niveles de lectura.El catálogo aborda también su labor como profesor, editor y figura clave en la historia de la revista Aperture, así como su singular concepción de la fotografía como herramienta de conocimiento personal y transformación interior. Profusamente ilustrado, este volumen ofrece una visión rigurosa y completa de una obra fundamental de la fotografía moderna.
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El presente libro recoge la acción desarrollada a cabo por José Manuel Ciria en distintos lugares de la ciudad de Madrid, en el contexto de la celebración de ARCO en 2022. Una acción que, con su provocativo título, quería llamar la atención sobre la incursión del artista en el mundo de los NFT: en efecto, Ciria no estaba en ARCO porque se había trasladado al metaverso.El volumen principal se compone de un texto introductorio en el que el autor establece la genealogía de su acto dentro de la corriente de la performance y el accionismo de la segunda mitad del siglo XX. A continuación, viene lo que es la obra en sí: la acción propiamente dicha, recogida, como es canónico en este tipo de práctica efímera, mediante un amplio repertorio de imágenes que documentan todos los momentos y preparativos de esta compleja acción.A ellos se añade un pequeño cuaderno que constituye el verdadero eje teórico de la obra y que permite conocer las ideas, reflexiones e inspiraciones que hay detrás de todo el conjunto. Se trata de la verdadera ''fuente'' de la obra, una ocasión excepcional de asomarse al proceso creativo del artista.
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La presente edición ofrece la lectura de todos los escritos de Picasso publicados en 1989, a los que se suman un gran número de obras inéditas descubiertas en la antigua colección de Dora Maar, en colecciones privadas y en las de los museos Picasso de París y Barcelona. Compuestos a lápiz negro, en color, en tinta china, en bolígrafo o incluso en rotulador, estos textos adornan papel de dibujo, papel de carta, reverso de sobres, tarjetas de invitación, trozos de periódico. Algunos incluso están grabados, iluminados, litografiados o pintados, elevados así al rango de obras de arte, pero resultan esenciales para la aprehensión y comprensión de su obra. La sencillez y la complejidad se combinan como en sus pinturas, sus dibujos o sus textos, como en una habitación de su apartamento o de su estudio, como en él mismo. Un volumen a color, ricamente ilustrado con obras y manuscritos, que, como un recorrido por el museo, permite sumergirnos en el corazón del proceso creativo de uno de los más grandes artistas del siglo XX.
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Un análisis interdisciplinar de la concepción, construcción y representación del espacio en la obra velazqueña desde la pintura como la arquitectura.Velázquez y el espacio es un análisis de la concepción, construcción y representación del espacio en la obra velazqueña. En la Historia del Arte, su trayectoria creativa suele acotarse al terreno estrictamente pictórico, pero hay otro Velázquez. Tras los —pocos— datos que de su vida nos han llegado, podemos descubrir a un creador interdisciplinar, interesado tanto en la pintura como en la arquitectura, la escenografía y la reflexión teórica, labores oscurecidas, tanto por su propia genialidad como pintor, como por la clasificación académica de las artes, que tienden a encasillar la creación en cotos cerrados —pintura, escultura, arquitectura, artes menores, artes aplicadas…—. Este es un intento de trascender esas clasificaciones y abordar el trabajo de Velázquez en su conjunto a través del estudio del espacio en su obra.
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Oslo, tardor del 2011 Un mes després del 22 de juliol, la Rebekka i la Fariba comencen l'institut. La Fariba s'apunta a la Lliga de Joves Laboristes i la Rebekka intenta participar en la revista, conèixer millor en Daniel, el dels cabells arrissats, anar a les festes i seguir el ritme dels estudis i dels amics. Però el problema és que la Rebekka no pot deixar de pensar mai en el que ha passat. Trucada perduda és una novel·la gràfica sobre els atacs terroristes, sobre la vida de després i sobre tots els qui trobem a faltar sense haver arribat a conèixer-los mai.
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Una guía paso a paso con la que descubrirás que dibujar es muy fácilEste encantador libro le permite seguir unos sencillos pasos que le ayudarán a crear bonitos dibujos lineales. Solo tiene que copiar cada diagrama en serie y ver cómo se va completando, lo que demuestra cómo cada trazo del lápiz crea el dibujo hasta conseguir un diseño clásico. Desde animales a plantas pasando por personas y sus moradas, Qué dibujar y cómo dibujarlo es una guía de ilustración paso a paso.¿A quién va dirigido el libro Qué dibujar y cómo dibujarlo?Qué dibujar y cómo dibujarlo está dirigido a principiantes en el dibujo, a personas que desean aprender las bases de la ilustración de forma sencilla y progresiva. Se presenta como una guía ideal para aquellos que buscan una introducción accesible al arte del dibujo, sin necesidad de conocimientos previos. La metodología paso a paso lo hace adecuado para todas las edades y niveles de experiencia artística.Temas que trata el libro Qué dibujar y cómo dibujarloEl libro se centra en la enseñanza práctica del dibujo mediante una metodología de aprendizaje visual. Se abordan diversos temas a través de la realización de ejercicios paso a paso:Dibujo lineal: El libro enfatiza la importancia del trazo y la línea en la creación de imágenes, enseñando cómo construir dibujos a partir de líneas sucesivas. Se muestra cómo cada trazo contribuye a la formación de la imagen final.Dibujo de figuras: Se incluyen instrucciones para dibujar una variedad de figuras, incluyendo animales, plantas, personas y sus entornos. La guía paso a paso facilita la representación de estas figuras, incluso para principiantes.Construcción de imágenes: Se enseña cómo construir una imagen completa a partir de trazos individuales, mostrando la progresión desde líneas simples hasta diseños clásicos. Se enfatiza el proceso de creación y la construcción gradual de la imagen.Ilustración: El libro funciona como una guía de ilustración paso a paso, proporcionando ejemplos concretos y ejercicios para practicar diferentes técnicas y estilos.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Qué dibujar y cómo dibujarloAún no hay opiniones o críticas sobre QUÉ DIBUJAR Y CÓMO DIBUJARLO.
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Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica deldibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática delas extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas
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Historia cronológica de la creación de la Capilla Sixtina, uno de los espacios pictóricos más famosos de la historia del arte. Desde su primera impulso, con el papa Sixto IV, para responder a la puesta en cuestión de su liderazgo planteada por Mohammed II, y posteriormente con Julio II, la Capilla Sixtina muestra cómo la política se aprovecha plenamente del potencial comunicativo y propagandístico del arte.Si la decoración de la parte inferior de la Capilla Sixtina muestra la máxima expresión del dominio de los talleres toscanos durante el siglo XV, desde en 1505, es Miguel Ángel quien señala la evolución hacia la idea de genio creativo moderno, cuando la obra de arte comienza a ser reconocida como producto de puro ingenio. Con un enfoque doble, de historiador y de restaurador, con detalle pero también con la intención de llegar a todos los lectores interesados en el Renacimiento, Antonio Forcellino nos hace revivir el prodigioso proyecto de pintar la Capilla Sixtina, reconstruyendo las voluntades y las intenciones de sus artífices -los papas y los artistas- y la historia material, las técnicas y los estilos que reúne esta extraordinaria obra maestra.
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Sobre todo en sus primeros años, Franz Kafka dibujó intensamente y con ambiciones artísticas. A su muerte, sin embargo, no solo quiso destruir su legado literario, sino también todos sus dibujos. Después de que su amigo Max Brod lograra salvar muchos, la mayor parte de ellos se mantuvo oculta durante décadas. Aquí se publican por primera vez completos, y hacen visible a un segundo Kafka más allá de su faceta de gran escritor.
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¿Te gusta dibujar? ¿Quieres aprender a dibujar de una manera fácil y divertida? Crea tu propio superhéroe, consigue dibujos realistas, inventa tus personajes manga... En este libro, el ilustrador y youtuber Alejandro Rubio comparte sus conocimientos para que puedas aplicarlos con las herramientas básicas que todos tenemos en casa, de una manera sencilla y práctica. A través de descripciones paso a paso, consejos sobre materiales, técnicas y trucos especiales, Alejandro hace un repaso a todos los estilos de dibujo para que desarrolles tu creatividad y consigas grandes resultados. Conviértete en ilustrador y descubre tu potencial de la mano de Artemaster.
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El impacto inicial que provocó el impresionismo fue dando paso de forma paulatina a la aceptación y a la popularidad generalizada. Su infl uencia en el arte moderno es imponderable. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia fi gura un glosario indispensable de términos relacionadoscon el mundo del arte, un cronograma accesible y uníndice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionarátoda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un afi cionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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