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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Este magnífico libro de ilustraciones realizadas en diferentes momentos de la producción de Javier Zabala. Esta editado a modo de Cuaderno de Viaje. Prólogo de Jesús Marchamalo. Edición limitada.
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Joan Llaverias (4) 1910-19112
El llibre reuneix els acudits que el pintor i dibuixant Joan Llaverias va fer entre els anys 1910 i 1912. Es el quart volum dels llibres dedicats a Llaverias. Hi ha acudits de politica, societat, art, urbanisme, etc.
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Kagebunshin no jutsu!¡Entre las sombras llega el próximo número de Kaibun! ¡Un tomo protagonizado por el género ninja! Tras una increíble portada ilustrada por Toni Infante, ahondamos en un género tan mítico como misterioso. Desde obras legendarias como Naruto, hasta clásicos ineludibles como Basilisk o Ninja Hattori o propuestas contemporáneas como Jigokuraku. En este volumen nos adentramos en la evolución del mito ninja para revelar sus claves, reinterpretaciones y secretos mejor custodiados. Más allá de las sombras, también profundizamos en obras de rabiosa actualidad como Tower Dungeon, El Incidente Darwin, The Elusive Samurai o Takopii no Genzai.252 páginas en una edición de lujo en las que descubrirás temas como el «Moe gijinka», la efervescente nueva ola del City Pop en el anime o las temáticas tras las obras de Studio Ghibli.¡Tampoco faltarán entrevistas! En este número dos grandes mangakas como Yuka Fujikawa (Mushoku Tensei) y Takeshi Kawaguchi (Fate/Grand Order – turas réalta –). ¡Adéntrate en un nuevo tomo rebosante de pasión y cariño por el manga, el anime y la cultura japonesa!
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Volver las palabras del revés para encontrar lo oculto en las entrañas del lenguaje. Las vidas paralelas de las ideas, lo que se dice, lo que se indice, lo que se desdice y lo que no se dice, lo que se elimina. El encuentro y expresión de las ideas. Su viaje a través de nosotros, seres sociales. Un pensamiento sobre el pensamiento, pero pensamiento artístico. Un tiempo que no viene, sino que deviene. Ojo pinto: habla el ojo y habla en presente. Textos cortos que a veces son un relato y otras veces una máxima. También puede ser un dibujo, que nombra y adjetiva lo que figura en el verbo de la escena, de la composición. Sensaciones mentales, despertares en y de lo cotidiano. El comentario sabe lo dicho y el cómo se dice. También sabe lo que no se dice.
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Jassans
Tamarit Viena
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Jordi Benito. Idees com a imatges/ Documents com a obres d'art 1985 - 2008
Jordi Benito (Granollers, 1951 – Barcelona, 2008) morí pràcticament com un pòtol dandi, damunt la taula, preparant nous projectes, a finals del que fou el sistema artístic en l’estat del benestar, sota els símptomes d’una gran crisi. Presentem la segona part d’Idees com a imatges/Documents com a obres d’art, a cura de Vicenç Altaió i Museu de Granollers, ha estat plantejat tot fixant la cronologia dels documents i complementant-los amb les obres majors del fons del Museu, des de les primeres instal·lacions i accions dels setanta, les performances al Pompidou i la Miró, fins arribar als Assaigs per a l’Òpera Europa. El llibre reconstrueix, amb dades i literatura estètica, la biografia i la llegenda artística de Benito. Jordi Benito. Idees com a imatges/Documents com obres d’art és també un relat il·lustrat de l’època, dels artistes conceptuals, del paper dels espais alternatius i de les transgressions als primers espais museogràfics catalans i internacionals, així com de les idees polítiques i estètiques d’un dels artistes més radicals de la història de l’art.
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Este es el resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa y el fotógrafo Chema Madoz. Ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, demuestran que, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema a su ve
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Matisse soñaba con «un arte de equilibrio, de pureza, de serenidad...». Su trayectoria constituyó un meticuloso intento de encontrar el orden en medio del caos y la miseria, así como de afirmar la riqueza y la belleza de la vida. Vivió con intensidad y percibió cosas que normalmente no vemos, como la suntuosa luz de vainilla en Tahití o el movimiento sinuoso de un caracol de jardín que sale de su caparazón. Una sobrecarga de sensaciones: los vivos colores nos refrescan mientras se desata una energía poderosa y ceremonial. «Siempre he tratado de ocultar mis esfuerzos, deseando que mis obras tuvieran la ligereza y la alegría de la primavera, que no permiten imaginar a nadie el trabajo que ha costado...». así es... Esta colección presenta la historia del arte de forma visual y atractiva. Cada volumen contiene, además de textos muy amenos escritos por expertos en historia del arte, ilustraciones hechas expresamente para esta colección por algunos de los mejores ilustradores del mundo. Históricamente precisos y fruto de una investigación meticulosa, las ilustraciones dan vida a la historia de cada artista y explican el contexto de su obra y sus influencias. Los amantes del arte encontrarán en esta colección una introducción vívida y accesible a la vida y la obra de los artistas. Autores Catherine Ingram es historiadora del arte y trabaja como autónoma. Se licenció con matrícula de honor en la Universidad de Glasgow. Tras estudiar un máster en arte del siglo xix en el Courtauld Institute of Art, obtuvo una beca del Trinity College de Oxford. Después de concluir su doctorado, fue nombrada Prize Fellow por el Magdalen College de Oxford. Catherine ha impartido clases de máster en Christie's y ha dado conferencias sobre historia del arte a científicos en el Imperial College. También ha impartido cursos en la Tate Gallery y ha trabajado como asistente personal en la South London Gallery. Vive en Londres con su familia. Agnès Decourchelle es una ilustradora que trabaja principalmente con lápiz y acuarelas. Se graduó en ilustración en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2001 e hizo un máster en comunicación, arte y diseño en el Royal College of Art de Londres en 2003. Vive y trabaja en París.
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Desde su creación la Biblioteca Museo Víctor Balaguer ha contado con undepósito importante de cuadros procedentes del Museo del Prado.Inaugurada en 1884 en Vilanova i la Geltrú, en pocos años contaba ya conuna cincuentena de obras que complementaban las colecciones propias. Alo largo de estos 136 años la presencia de piezas del Prado ha sidoconstante y con obras realmente destacadas, como La Anunciación de ElGreco o el Dos de mayo de Sorolla, junto a pinturas de Murillo, Ribera,Juan Bautista Maíno o Goya. El libro muestra las piezas que actualmenteestán en depósito en la Biblioteca Museo, como producto de esta larga yfecunda colaboración con el Museo del Prado, y que en 2019 formaronparte de una exposición de gran éxito. Existe una edición en catalánpublicada por Angle Editorial
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Una tragèdia pintada
L'assassinat de l'arquebisbe de Canterbury Tomàs Becket el 1170 a mans dels homes del cercle de confiança del rei Enric II d'Anglaterra va causar un enorme impacte a l'Europa del segle xii. La seva mort violenta va ser el tràgic desenllaç d'un conflicte de gran transcendència entre el poder secular de les monarquies feudals europees i el poder espiritual de l'Església. Arran dels fets, la figura de Becket assolí un gran ressó i el seu culte va estendre's arreu, també a la península Ibèrica, on trobem obres que rememoren el seu martiri i santificació, com el conjunt pictòric de Santa Maria de Terrassa (ca. 1180). Una tragèdia pintada narra la difusió del culte a Tomàs Becket i il·lumina les relacions entre Anglaterra i el món peninsular de fa vuit-cents cinquanta anys. Per quin motiu Ramon Berenguer IV va confiar la tutela del seus fills al rei d'Anglaterra? Va tenir Elionor Plantagenet, filla d'Enric II, un paper actiu en la promoció del culte a Becket al regne de Castella? La presència d'un canonge anglès de nom Harvey a Santa Maria de Terrassa va ser determinant en l'elecció del tema de les pintures? Aquests són alguns dels interrogants d'un trencaclosques històric que va tenir com a principal escenari la Catalunya de la segona meitat del segle XII.
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Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en españa (1833-1931).La primera exposición que organiza el Museo Nacional del Prado tras su reapertura, «Invitadas», tiene como objetivo ofrecer una reflexión sobre el modo en el que los poderes establecidos defendieron y propagaron el papel de la mujer en la sociedad a través de las artes visuales, desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII. En este tiempo el Museo del Prado se convirtió en elemento central de la compra y exhibición de arte contemporáneo y desempeñó un papel sustancial en la construcción de la idea de escuela española moderna.
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La única monografía retrospectiva en español sobre la obra de Oscar Kokoscha. Este libro recorre la obra y vida del pintor, entre las que destaca fundamentalmente su pintura de retratos, con su característico enfoque psicológico y expresivo, pero también sus paisajes y alegorías políticas. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim de Bilbao y comisariado por Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer.
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La pintura mural romànica a l'Alt Urgell i Cerdanya
La pintura mural romànica a l’Alt Urgell i Cerdanya presenta tots els conjunts pictòrics que coneixem d’aquests comarques, conservats in situ o en institucions museístiques. De l’Alt Urgell destaquen l’absis de Sant Pere de la Seu d’Urgell, extraordinari, que obre la sala d’art romànic del MNAC, i el de Sant Vicenç d’Estamariu, notabilíssim, conservat in situ, així com l’esplèndida decoració de la capella de Santa Caterina de la catedral d’Urgell, dispersa en tres museus diferents. De la Cerdanya sobresurten el conjunt de Sant Andreu de Baltarga, suara restaurat, del Museu Diocesà d’Urgell, i el de Sant Romà de Càldegues, in situ, com els de Sant Julià d’Estavar i Sant Andreu d’Angostrina.La lectura d’aquest patrimoni, testimoni del seu temps, es presenta per comarques, estil i cronologia, amb breus introduccions, on es destaca la influència de la catedral de la Seu d’Urgell i del monestir de Sant Serni de Tavèrnoles, que reflecteixen els corrents artístics principals del país, des del 1100 ns ben entrat el segle XIII.
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L'Univers de Jean Prouvé
Jean Prouvé, constructor i dissenyador de mobles. Va treballar amb grans arquitectes de la modernitat en edificis prefabricats. El seu objectiu era la industrialització de la construcció i la producció en sèrie perquè els seus dissenys arribessin a tantes persones com fos possible. Per a Prouvé, l'arquitectura i el disseny eren eines de transformació al servei de la comunitat, el progrés era un ideal desitjable que permetria millorar la vida social i superar les desigualtats. Experimentava i innovava en benefici d'altres, perquè incorporessin les idees als seus projectes com a resposta col·lectiva a problemes compartits.
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La arquitectura del siglo XX se distingue por su asombrosa diversidad. Del mismo modo que el choque delo puramente estético con lo comercial produjo una feliz simbiosis, las visiones puristas y otras más experimentales, la estéticas monumentales y otras más pintorescas se encontraron cara a cara. Desde los grandes arquitectos estrella hasta nombres internacionalesmenos conocidos, esta panorámica cronológica nos transporta hasta el corazón de las ideas, tendencias y cambios que han definido el siglo XX.De Frank Lloyd Wright y Antoni Gaudí a Frank O. Gehry y ShigeruBan, todo está aquí. Los 31 capítulos, organizados cronológicamente, lo sitúan todo en perspectiva, ilustrados por cientos de fotografías en gran formato, asícomo por una pléyade de dibujos y planos. El apéndicebiográfico abarca a todos los arquitectos más importantes del siglo y también a los nuevos talentos. Y las espectaculares ilustraciones incluyen algunas de las mejores imágenes de la arquitectura moderna.Para aquellos que admiran el espíritu y el diseño deedificios del siglo XX, este es un título de referencia. La colección abarca no sólo a los autores sino también a los grupos, los movimientos y los estilos quedefinieron una era en el arte de la construcción. ¡Una obra indispensable para los amantes de la arquitectura!
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Baltasar Lobo (1910-1993) es el escultor zamorano demayor renombre internacional del siglo xx. Su obra, al margen de los academicismos imperantes y con una base popular, modela la definición escultórica de la figura humana dinámica a través de la sencillez formal.Sus tempranos contactos con Brancusi, Laurens, Picasso y otros artistas de categoría internacional hicieron de sus obras testimonio único de la belleza universal. Sus formas femeninas, esas diosas-madres primitivas extraídas de la memoria de la materia, entonanun canto al origen de la vida. Conocedor de los silencios del cuerpo femenino, Lobo extrae la música de lapiedra y el sonido del fuego en los bronces. Estecatálogo razonado es fruto de ocho años de minuciosainvestigación, un mapa biográfico imprescindible quereivindica la autenticidad del mercado del arte y delas investigaciones iconográficas.
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El trabajo de Theaster Gates en las áreas de práctica social, actuación interdisciplinaria, investigación de archivos y creación de objetos multifacéticos lo han convertido en uno de los artistas más convincentes del siglo XXI.Acompañando una importante retrospectiva el New Museum, Nueva York, que se inaugurará en noviembre de 2022, este libro cubre la gama completa de las actividades artísticas de Gates durante los últimos veinte años, capturando su concepción expansiva del arte como escultor social, organizador e improvisador y conservacionista.
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Desde finales de la década de 1990, Sarah Sze ha desarrollado un lenguaje visual característico que desafía la naturaleza estática del arte con un cuerpo de trabajo dinámico que abarca escultura, pintura, dibujo, grabado, video e instalación. En los últimos años, Sze ha vuelto a la pintura, medio en el que se formó por primera vez. Con constelaciones de elementos pintados y en collage, sus amplios paisajes abstractos exploran un mundo visual en constante evolución, degradación y generación de nuevas formas de ver. Sus pinturas son muy solicitadas y se encuentran en las colecciones permanentes de importantes instituciones y museos de todo el mundo. El libro incluye dos ensayos de Mark Godfrey y Tina Pang que exploran las influencias de Sze y su proceso de trabajo, además de una entrevista entre la artista y Madeleine Grynsztejn, que amplía los fundamentos teóricos de su práctica pictórica. Con cada copia numerada y firmada a mano por la artista, este volumen de lujo exquisitamente ilustrado, empaquetado en un estuche envuelto en tela, fue creado en estrecha colaboración con Sze y es la primera monografía dedicada a su práctica pictórica.tta Tharpe, y Neil Young. Una delicia tanto para los entusiastas del diseño como para los aficionados a la música, el último libro de Guilfoyle traza el desarrollo de este pilar de la música popular y los carismáticos artistas que han utilizado la guitarra para transformar nuestras vidas.
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Representar la luz sobre un papel consiste, en realidad, en oscurecer una superficie para crear una ilusión visual de luminosidad. En otras palabras, iluminar a través del oscurecimiento: ese es el reto de la representación visual de la luz y en este libro Peter Boerboom y Tim Proetel recogen cerca de 150 ejemplos comentados que nos desvelan las numerosas técnicas y recursos gráficos ?desde las sombras y los degradados hasta los contrastes y la perspectiva? que nos permiten solucionar esta maravillosa paradoja. Un compendio dirigido a principiantes y profesionales que sin duda se convertirá en un libro de obligada consulta a la hora de experimentar con las infinitas posibilidades de representación del dibujo.
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En aquesta guia t’expliquem en detall la iconografiai simbologia de cada una de les escenes que es trobena les dues façanes principals de la Basílica de la Sagrada Família, la Façana de la Passió i la del Naixement, que contenen multitud de detalls plens d’al·legories i misticisme.
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Este volumen ofrece una panorámica ricamente ilustrada de las importantes transformaciones culturales promovidas en Sudamérica por los movimientos artísticos tanto abstracto como concreto entre mediados de la década de 1940 y finales de la de 1970. Publicado para acompañar a una gran exposición celebrada en el Museumof Modern Art, el catálogo presenta obras de artistas que desarrollaron su labor en Argentina, Uruguay, Brasil y Venezuela —incluyendo a Lygia Clark, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero y Tomás Maldonado— y que exploraron los caminos abiertos por la abstracción geométrica a comienzos del siglo XX, creando así una nueva y moderna visión de laregión. El catálogo muestra una selección de obras donadas al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros entre1993 y 2016, las cuales tuvieron un efecto transformador en los fondos de arte latinoamericano que albergael Museo. La colección Cisneros, que incluye pinturas, esculturas y obras en papel, hace posible un estudio en profundidad del arte producido en la región durante ese periodo, permitiendo al Museo elaborar un relato más completo, plural y sólido de la contribuciónartística de la región y demostrando así el importante papel desempeñado por América Latina en la consolidación del arte moderno.
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Este libro contiene un montón de nuevos alfabetos y propuestas para que encuentres inspiración y practiques en las numerosas plantillas y ejercicios prácticos que vas a encontrar a lo largo de sus páginas. Te servirán como guía y aprenderás diferentes técnicas y recursos con los que dotar de frescura y vitalidad tus proyectos personales de lettering.
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Desde que fueron descubiertos a finales de la décadade los 90, los grafitos peñalbeses han sido objeto detodo tipo de estudios y elucubraciones. Sin embargo,aún era necesario un análisis profundo que explicaraa partir del método epigráfico moderno cuestiones tan importantes como su cronología, autoría o significado. Solo reconstruyendo el diálogo original entre losemisores y los receptores de los mensajes es posibleacercarse a toda la información que tan peculiares inscripciones hacen reverberar a través de los años. Con el mismo objetivo de arrojar luz sobre los grafitos, el libro recorre todo el conocimiento histórico, religioso y artístico que la bibliografía del monacatoberciano y peñalbés ha generado a lo largo del tiempo: este es el contexto del que emanan las inscripciones, que a su vez nos permiten conocer mejor el mundomedieval en el que surgen. El resultado final no es otro que la primera edición crítica, filológica y conjunta de estos importantes documentos esgrafiados en los muros de la iglesia de Peñalba de Santiago.
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En aquesta guia t’expliquem en detall la iconografiai simbologia de cada una de les escenes que es trobena les dues façanes principals de la Basílica de la Sagrada Família, la Façana de la Passió i la del Naixement, que contenen multitud de detalls plens d’al·legories i misticisme.
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Vamos a entrar en los estudios de Marina Abramovic, George Condo, Will Cotton, John Currin, Thomas Demand, Rachel Feinstein, The Haas Brothers, Alez Israel, Rashid Johnson, KAWS, Maya Lin, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Sarah Sze, Mickalene Thomas, William
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Friedrich Hölderlin es probablemente el poeta favorito de André Butzer, se encuentra, junto con Walt Disney y Henri Matisse, entre sus ''personajes favoritos''. Su identificación con el poeta va todavía más lejos, ya que el día de la muerte de Hölderlin coincide con el cumpleaños del propio Butzer.Cuando Butzer se mudó a Los Ángeles, la tierra de sus sueños de juventud, por primera vez en 2001, sintió nostalgia del hogar. El hogar que anhelaba no estaba ni en el viejo mundo ni en el nuevo. En California, leyó Hyperion de Hölderlin y quedó conmocionado: ''Mientras leía, sentía que comprendía cada palabra. Pensé que esas palabras salían de mí''.Butzer se reconoce en el fatídico protagonista de Hölderlin e inventa la figura del vagabundo Errante. Su hogar está en la pintura, así que inicia su camino por la ''Hyperion Avenue'', la calle donde se inauguró The Walt Disney Studio en 1926. En palabras de Butzer: ''Hölderlin, al igual que Disney, expresa anhelos. Y estos pueden llevarse a la práctica''.Para Hölderlin, la poesía es el lugar que hace posible la existencia humana en la tierra. Para Butzer, ese lugar es la pintura. En la poesía, encuentra el sostén para resolver y reconciliar las contradicciones extremas del mundo a través de su pintura.En este libro de artista, Butzer ha reunido 47 poemas escritos por Hölderlin entre 1793 y 1843 sobre las cuatro estaciones. Estos poemas vinculan el ciclo de las estaciones con el curso de la vida humana como una parábola: la culminación otoñal de la maduración veraniega, el florecimiento de la vida en primavera y la experimentada aridez del invierno.Los poemas pueden parecer sencillos, pero en ellos Hölderlin da forma a la resistencia humana en condiciones aparentemente críticas: esperanza, duda, asombro, anhelo, amor. Asuntos del corazón, sencillos, lúcidos y vulnerables. Basta con pensar en Diotima, la musa de Hölderlin. En Sin título (Diotima), ella contempla un lugar oculto a nuestra vista. ¿Está mirando hacia su yo más íntimo o hacia la distancia inaccesible? Al verla ver, nos reconocemos en su mirada.Para acompañar los poemas, Butzer ha creado 40 acuarelas. Sus personajes icónicos —el Errante, la Mujer, la Paz-Siemens— aparecen y reaparecen cíclicamente entre los delicados colores. Cada figura, cada objeto, cada trazo, cada mancha y cada matiz de color posee su propia esencia. Y, sin embargo, una y otra vez, una frágil armonía emerge de su vínculo contradictorio.El libro no sigue el tiempo cronológico cotidiano ni la sucesión ''factual'' de las estaciones. En lugar de eso, Butzer dispone los poemas y las acuarelas intuitivamente, formando constelaciones abiertas. Esto se corresponde con la fantástica y caprichosa datación de Hölderlin, en la que un poema de 1843, por ejemplo, puede atribuirse a 1758, 1648 o 1940. En el persistente tiempo poético, pasado y futuro se integran en un todo completo.Al unísono, palabras e imágenes reflexionan sobre la vida del hombre en la tierra de la forma más humilde y poética.
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La obra de arte puede sonar, resonar y hacerse escuchar. También puede ser escuchada desde del silencio, através de nuestros ojos o nuestra piel. Desde finales del siglo xix hasta nuestros días, se ha producidouna progresiva «sonorización del objeto artístico», y, con todo, ¿tiene sentido hablar de arte sonoro? Esta pregunta, formulada por el músico y artista experimental Max Neuhaus en el año 2000, es el punto de partida para los artistas, compositores y críticos que han escrito para este catálogo, un compendio esencial de las voces que mejor han reflexionado sobre la noción de arte sonoro. ¿Arte sonoro? incluye textos fundacionales de este debate, traducidos por primera vez alespañol, entrevistas y análisis históricos del cruceentre artes visuales y creación sonora. Con textos de Max Neuhaus, Suzanne Delehanty, Jean-Yves Bosseur,Maija Julius y Miki Yui, David Toop, Fiona McGovern,Ursula y René Block, y Arnau Horta, comisario de la exposición.
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A Jerónimo Bosch bien se le puede llamar el pinto misterioso pues en realidad es muy poco lo que se sabe de él. Así, los historiadores de arte que desde tiempos antiguosse han ocupado de ese pintor, solo han promovido discusiones acerca de sus oríge
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Descubra el placer del dibujo, el pastel y la caligrafía con estaenciclopedia ilustrada paso a paso con más de 1.700 soberbiasfotografías y dibujos.
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La evolución de la humanidad y la conquista del espacio son los dos grandes temas que se abordan en esta novela, en la que asistimos a cuatro episodios de la trayectoria de Mars Company, una pionera compañía dedicada a la exploración espacial.
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El valor que se da al dibujo y la ilustración ha idocreciendo en los últimos 50 años hasta considerarlo un arte mayor al lado de la pintura. Presentamos la nueva selección a cargo de 74 expertos (Comisarios, directores de museo, y críticos) de los 115 artistas vivos que están, en estos momentos, en el punto álgido de esta disciplina. Alguno de los 74 expertos que nomina son Iwona Blazwick, Louisa Buck, Mark Coetzee, Thelma Golden, Laura Hoptman, Geeta Kapur, Pablo León de la Barra, Christine Macel, Kate Macfarlane, Hans Ulrich Obrist, y Zoe Whitley. Algunos de los 104 artistas seleccionados son Miriam Cahn, Robert Crumb, Tom Friedman, Tania Kovats, Claudette Johnson, Rashid Johnson, Otobong Nkanga, Toyin Ojih Odutola, Deanna Petherbridge, Christina Quarles, Qiu Zhijie, Nathaniel Mary Quinn, Wael Shawky, Emma Talbot, y Johanna Unzueta.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la labor inicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así ese paso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se plantean al escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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