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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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* Durante casi treinta años, Caetano Veloso y Carlos Galilea se han ido encontrando en Río de Janeiro, Salvador de Bahía, París, Londres, Madrid o Barcelona para conversar sin tapujos y con una gran complicidad sobre la canción, el cine, la política, el periodismo, el sexo, la vejez... * Las 19 conversaciones se recogen en este libro en el que, además, hay textos sobre aspectos destacados de su biografía, una selección de letras de canciones, la discografía completa y un índice de todas sus canciones. * ''Imposible que alguien tenga un conjunto de entrevistas dadas por mí que produzcan una visión tan completa y articulada de mi vida mental como el que ha reunido Carlos Galilea''. [Caetano Veloso, prólogo] Caetano Veloso, uno de los mayores cantantes compositores de nuestro tiempo, es a la lengua portuguesa lo que un Leonard Cohen al inglés, un Brel al francés o un Serrat al español. Desde que publicó su primer disco, hace ya más de medio siglo, se ha ido convirtiendo en referencia indiscutible de la música popular en el mundo y en vehículo privilegiado de la cultura de Brasil. Figura siempre compleja, caleidoscópica, y a menudo desconcertante, a la que han dedicado artículos elogiosos The New York Times, Le Monde, El País, La Repubblica, Clarín o The New Yorker.
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Huelgas, conflictos obreros, agitación, guerra sucia, crisis, represión, paro, desilusión, heroína y bombas. La de los ochenta es una década llena de emociones, de crudarealidad y de sueños. Entre pelotazos, controles, botes de humo y porrazos, el n
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Leslie Cavendish era un joven aprendiz de peluquero que trabajaba para Vidal Sassoon en la década del sesenta, cuando un día le tocó suplantar a otro peluquero y le cortó el cabello a la actriz Jane Asher que por entonces era la novia de Paul McCartney.
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Hay cosas que hieren el alma cuando la memoria las hace surgir. Cada vez que pensamos en ellas, la garganta se anuda. Cuando las decimos, es incluso peor puesengendran poco a poco, si buscamos compartirlas con aquellos que las wscuchan, que alzan la faz, que tienden su rostro, que atienden a lo que vamos a decir, una pena, o al menos, una vergüenza que las redobla.
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Christina Rosenvinge recoge en su Debut más de veinticinco años de canciones y recorre los lugares, los relatos y las reflexiones que subyacen a sus letras.Una canción nos evoca la época en que la descubrimos. Al que la ha escrito, le devuelve al momento preciso en que la creó. Christina Rosenvinge recoge en este libro las letras de toda una carrera junto con la recreación de los cuadernos que la acompañaron en cada momento. En ellos retrata la intimidad de esos días tranquilos entre gira y gira en los que aparentemente no pasa nada, y en realidad está pasando todo. Sus textos son también testimonios de una carrera musical que ha cruzado décadas, fronteras y estilos con una lucidez insobornable. Son testimonios de la siembra, el empeño y la incertidumbre ante cada proyecto, son también reflexiones sobre el amor, la libertad y el poder femenino, son, en definitiva, reflejo de los momentos que cruzan una vida y que la memoria se empeñaría en borrar si no estuvieran pegados a la chispa eléctrica de una canción.Cruzan este libro las referencias literarias, musicales y artísticas que han influenciado la obra de la cantautora y cierra el volumen «La palabra exacta», un ensayo en el que indaga en el arte de escribir canciones, una reflexión sobre los secretos de hilvanar palabra y melodía en el verso cantado.Críticas:«También recomendamos el libro de Christina, Debut, que ahora tendréis más tiempo libre para empaparos de buenas historias.»Mikel Erentxun, Los 40«Debut es la manera que ha tenido esta mujer de explicarse a sí misma lo que hay de asombroso en todo si se sabe observar. Basta con unas gotas claras de inteligencia, con una sed que no desaloja el agua. Esa sed que cuando es cierta se llama coraje. Se llama asombro.»Antonio Lucas y José Aymá, El Mundo«Es un libro tan bello y tan intenso como la propia Christina Rosenvinge. No les digo más.»Marta Robles, La Razón«Su libro [...]está lleno de humor, de amor , de emoción, de canciones y de buena literatura. Y es un ''Debut'' tan brillante que augura nuevos y deslumbrantes textos. Yo, desde aquí, los reclamo y los espero.»Marta Robles, La Gaceta de Salamanca«Es una minuta de preguntas, de certezas, de incertidumbres, de existenciabienvivida, de apetitos musicales y literarios. Aquí dentro hay un despliegue de autenticidad.»Antonio Lucas, El Mundo«Si hasta ahora sabíamos que Christina Rosenvinge podía hacer excelentes canciones, 'Debut' la destapa como narradora diestra, manejando materiales trascendentes sin ser pretenciosa, con sentido del humor y dejando un rastro del perfume de épocas y lugares en esos textos que cubren desde 1992 en adelante.»Jordi Bianciotto, El Periódico
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Seguro que más de una vez has hecho ''el paso del caballo'' para bailar la canción Gangnam Style o te suenan grupos como BLACKPINK o BTS, si es así, déjame darte la bienvenida al mundo del K-pop.En K-POP ROOKIEconocerás sus orígenes, desde Seo Taiji and Boys, pasando por BIGBANG, hasta grupos más recientes de la cuarta generación como Stray Kids o ITZY. Conoce el vocabulario imprescindible para entender cómo funciona la industria musical surcoreana que está arrasando enlas listas de éxitos de todo el mundo.El libro incluye también un capítulo especial dedicado al grupo de K-pop que está conquistando el mundo, BTS. Descubre cómo se formó el grupo, la trayectoria desde el debut hasta llegar al nº1 de las listas Billboard y la historia de cada uno de sus integrantes.
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Cada una de las grandes revoluciones lingüísticas yestilísticas en la historia de la música ha llevado la atención de los teóricos y de los músicos, mayoritariamente, a reflexionar sobre los aspectos propiamente técnicos y lingüísticos correspondientes a cada arte, llegando solo de modo indirecto a afrontar las cuestiones filosóficas y estéticas, y siempre, en cualquier caso, con una actitud vinculada a las nuevas experiencias artísticas. Esto es algo que podemos constatar en el paso del ars antiqua al ars nova, en el pasode la polifonía a la monodia, y también hoy en día en la invención de la dodecafonía y en las radicalmente nuevas experiencias lingüísticas conectadas a las más recientes vanguardias.
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El ''saber'' pedagógico teórico y el ''saber hacer'' aplicado son dos tipos de conocimiento imprescindible e inseparable que deben confluir y retroalimentarse para lograr buenas prácticas y una educación musical de calidad. El aprendizaje por competencias, la interpretación y la creatividad en el aula, el uso de las nuevas tecnologías y una experiencia musical práctica y vivenciada para todo el alumnado son objetivos que se deben plasmar en la realidad del aula y trascenderla. Una realidad que el docente debe saber gestionar hábilmente con sus alumnos mediante un ''afecto-efectivo'', construyéndose un perfil de competencias profesionales que den respuesta a las demandas singulares de la enseñanza secundaria obligatoria y de la tipología de su alumnado adolescente.
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Este libro pretende ser un manual de referencia para los maestros de música y que en un solo libro tengan material para todos los niveles de educación primaria.En un planteamiento interdisciplinar con otras áreas curriculares, la programación presentada a partir de la nueva legislación educativa no se olvida de las nuevas tecnologías, tampoco de la diversidad en el aula ni de la inclusión del alumnado utilizando la música. Todo ello con una metodología activa y vivencial.El libro explica paso a paso todo lo que se necesita para preparar un curso entero, desde la metodología, los recursos, las actividades a realizar, la evaluación, etc., tomando como marco de referencia la enseñanza por competencias.
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Uno de los grupos de rock más espectaculares y récord de ventas del mundo. Su álbum recopilatorio Greatest Hits (1981) es el más vendido en Reino Unido de todos los tiempos y ocho veces álbum de platino en Estados Unidos. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2001 y recibieron un premio Grammy por su trayectoria en 2018.
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Eric Clapton pasa por ser uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Un genio. Pero es también un personaje poliédrico como pocos. En las páginas que siguen vas a conocer la turbulenta vida de «mano lenta»: sus desencuentros con John Mayall o con sus compañeros de la superbanda Cream. Sus intentos de convertirse en algo parecido a sus admirados The Band y de levantarle la mujer a su amigo George Harrison. Sus recurrentes caídas en manos de las drogas y el alcohol. Y su redención. Este es el verdadero Clapton: con sus contradicciones e inseguridades, con sus aciertos y errores.
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Libro del año según Rough Trade y Mojo. El enorme legado de Mark Lanegan, de una intensidad brutal, y su voz cruda y cavernosa son ya parte de la historia de la música popular. Poco antes de morir, Lanegan dejó escritas sus memorias: un documento desgarrador y honesto como pocos de una vida dura que, a pesar de llevarlo a las puertas de la muerte en diversas ocasiones, vivió con una pasión incombustible. Además de su singladura musical y de su formación como cantante con una de las voces de barítono más personales del rock, Lanegan relata sin ambages su condición de politoxicómano, alcohólico y adicto al sexo, y el sufrimiento personal que padeció y el que infligió a los que le rodeaban. Plagado de anécdotas inolvidables, ''Sing Backwards and Weep'' es sin duda uno de los testimonios más sobrecogedores e inolvidables de la literatura del rock.
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365 días en la vida de Patti Smith: una emocionante inmersión en el universo de una mujer única a través de sus fotografías. Recoge 365 instantáneas, la mayoría inéditas, que, acompañadas de sus respectivos textos, nos permiten bucear en su universo íntimo y emocional y trazar un mapa inspirador de la vida de una artista icónica.
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El cancionero de Paul Simon, obra que, por vez primera, se publica en lengua castellana, constituye un hito en la historia de la música popular estadounidense, y presenta, en edición bilingüe, las letras del afamado cantautor desde su primer álbum en 1964. A lo largo de su laureada carrera, Paul Simon ha sido distinguido con numerosos honores y recibido otros tantos premios, entre los cuales destacamos sus doce premios Grammy, tres de los cuales (''Bridge Over Troubled Water'', ''Still Crazy After All These Years'' y ''Graceland'') fueron, a su vez, álbumes del año. En 2003 recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award por toda la composición de la música y las letras del dúo Simon and Garfunkel. Ingresó en el Hall of Fame de los compositores y en el del Rock n' Roll, como miembro de Simon and Garfunkel, y también por su carrera en solitario. Su canción ''Mrs. Robinson'', de la película El graduado, figura entre las diez primeras de las 100 canciones más importantes de los primeros 100 años de historia del American Film Institute. Fue galardonado también con el Kennedy Center Honors en 2003 y nombrado una de las ''100 personas que dan forma a nuestro mundo'' por la revista Time en 2006.
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A finales de los años sesenta, con la música pop convertida en el alimento anímico de miles de jóvenes en España, y todavía bajo el peso de la dictadura, se produjo la tan esperada revolución rockera que ya anidaba en gran parte del mundo después del fenómeno Beatles y ''los felices sesenta'', de los que aquí no disfrutamos demasiado. Llevar el pelo largo no estaba bien visto. Ser hippy era ser drogata. Amar el rock te convertía en un disidente peligroso para los buenos usos y costumbres del pacatismo nacional. Pero aquello ya fue imparable. 1969 empezó a cambiarlo todo, y al alumbrar los setenta, al producirse y estallar la mejor etapa de la Historia del Rock, por fin vivimos y disfrutamos de la mejor de las músicas, incluso en vivo, con las primeras actuaciones de algunos grandes. Seguía la censura global, los discos no llegaban o lo hacían tarde y, además, en algunos casos, cruelmente amputados. La prensa musical de los primeros años setenta (Franco murió a fines de 1975) fue una prensa heroica, única. Gracias a ella y a los que comenzaron a tomarse en serio esta vocación, como profesionales de la información, los miles de adictos se enteraban de lo que sucedía y cómo sucedía, porque ni la TV y raramente la radio programaban a la mayoría de grupos rockeros. En este contexto, como dice Jordi Bianciotto en el prólogo de este libro, la figura de Jordi Sierra i Fabra fue capital: ''Con él empezó todo''. Estas son algo más que unas ''memorias'' nostálgicas. Es el testimonio del tipo que ''estuvo ahí'', que convirtió Disco Expres en un referente y cofundó algunas de las publicaciones esenciales de esta historia, amén de escribir decenas de biografías y enciclopedias que marcaron un hito por únicas. Un libro que hace justicia a un tiempo y que cuenta el nacimiento de esas revistas con precisión milimétrica (fechas y datos), una de las características de esa enciclopedia con piernas que es Jordi.
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Suele decirse que el pop es la cultura popular de las sociedades contemporáneas, algo que, como mínimo, merece la pena examinar con un poco más de detalle, eludiendo las inercias que impone la teoría anglosajona. Esa es la tarea que se propone Hacia una teoría del pop, planteando, desde una visión crítica, una síntesis de los puntos fundamentales que ha tratado la reflexión académica y proponiendo una lectura alternativa del fenómeno de la música pop como lógica cultural dominante de nuestro presente. Se aúnan en este ensayo las reflexiones teóricas, con el imprescindible anclaje histórico, buscando establecer algunas líneas de demarcación que sirvan al lector para orientarse en el fenómeno cultural más apasionante de los discursos estéticos contemporáneos.
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«¡Pobre Puccini! ¡Qué mal te quieren los técnicos circunstanciales que padecemos y cuánto te aplaude el mundo entero! ¡Qué malo eres y cuánto ganas! ¡Los críticos te censuran y el público te ensalza!». Las palabras expresadas por el colaborador del diario El Correo, en enero de 1910, pueden servir como reflejo de cómo España recibió a uno de los grandes compositores de la historia de la ópera: Giacomo Puccini. El presente libro estudia las interrelaciones culturales entre España e Italia en el ámbito de la ópera, partiendo de la recepción española de la figura y obra del maestro italiano. Esta publicación cubre la necesidad de ofrecer un conocimiento exhaustivo de la recepción de Giacomo Puccini y sus óperas en España, dado que la bibliografía existente sobre el tema se ha limitado a unos pocos artículos de carácter divulgativo y referencias en estudios generales. La recepción del maestro italiano en España es la historia de un compositor novel que rápidamente experimentó una importante transformación, pasando del más profundo desconocimiento a alcanzar una popularidad notable. Puccini se convirtió vertiginosamente en uno los compositores de ópera italiana imprescindibles en la cartelera teatral del país. Mientras el público y las empresas teatrales vieron en Puccini a su nuevo compositor predilecto, un determinado grupo de críticos nacionales tuvieron motivos estéticos y comerciales para atacarlo. A pesar de enfrentarse a los negativos juicios de los partidarios de la ópera nacional y seguidores del músico alemán Richard Wagner, la influencia de Puccini en la cultura y sociedad española fue innegable.
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La denuncia de Bob Dylan. La nostalgia de Rocío Jurado. La soledad según los Beatles. Los hechos reales que inspiraron a Nirvana y The Cranberries y las leyendas inventadas sobre Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute. Las disputas de Oasis. Leonard Cohen y Enrique Morente unidos por García Lorca. Una historia de amor de Joan Baez, otra de Joaquín Sabina. La malinterpretación de Bruce Springsteen. Las coplas de Carlos Cano, Concha Piquer y Joan Manuel Serrat. El suicidio de Alfonsina Storni en la voz de Mercedes Sosa. Y mucho más.Hasta donde le alcanza la memoria, Jorge Decarlini siempre quiso escribir palabras para ser cantadas, pero tuvo que conformarse con escribirlas para ser leídas: el músico frustrado devino en escritor. De ese deseo incumplido surge esta declaración de amor y curiosidad hacia el delicado arte de ponerle palabras a una melodía. Decarlini desmiga veinte canciones emblemáticas, les aporta contexto, identifica referencias, deshace mitos y malentendidos, descubre secretos, valora prosodias, les aplica la ciencia de la métrica de la poesía, escarba en entrevistas y hemerotecas, y de cada letra construye una pieza precisa de arqueología social y mitomanía melómana. Un libro para escuchar en el sofá, mientras lees canciones. «Igual que cada persona tiene una historia que contar, cada canción tiene la suya. Gracias a este libro divertido y sorprendente podemos conocer íntimamente 20 canciones, su biografía y su árbol genealógico», Leonor Watling
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¡DÉJATE ARROLLAR POR LA APISONADORA DEL FUNK-ROCK! A principios de los años ochenta, cuatro adolescentes del Fairfax High School de Los Ángeles se subían a un escenario para un único concierto. Dos de aquellos chicos -Anthony Kiedis y Michael Balzary ``Flea``- formaron el núcleo germinal de los Red Hot Chili Peppers, una de las bandas más salvajes e irreverentes de la historia de la música. Alineados en lo que se ha llamado funk-rock, por el grupo han pasado numerosos músicos, algunos de los cuales han dejado su particular huella, elevando su trayectoria a lo más alto hasta el punto de llenar estadios por todo el mundo y convertirse en una leyenda viviente. Esta es su historia contada por uno de los periodistas musicales que mejor conoce a la fabulosa banda angelina. Hillel Slovak, un corazón que se detiene por una sobredosis. ``Californication``, una obra maestra escrita por Anthony Kiedis. Dave Navarro, el hombre que cambió el sonido de los Chili Peppers. John Frusciante, el músico que regresó de entre los muertos. 10 canciones imprescindibles (y la historia que hay detrás). Discografía y filmografía básicas.
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EMI fue el motor de la carrera de bandas y solistas tan míticas como Beatles, Pink Floyd, Kate Bush, Blur, Radiohead, Spice Girls y otros muchos. Pero en 2007, a merced de la revolución digital, experimentó una crisis sin precedentes, desde su fundación en 1931, que la dejó al borde de la extinción. Para entonces, la más veterana de las multinacionales discográficas y una de las cuatro grandes discográficas globales, EMI, necesitaba desesperadamente ventilación asistida, y Terra Firma se la dio: el fondo de buitre adquirió la discográfica por 3.600 millones de euros.Sin embargo, la empresa no pudo hacer frente a los numerosos créditos de los acreedores, y tuvo que desaparecer tres años más tarde.
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Alfonso Salazar presenta la evolución del tango, el bolero y la copla a través de las letras de las canciones, estableciendo la relación entre los tres géneros.El libro ofrece un panorama de las diferencias y las coincidencias de los géneros musicales aquí tratados, con un interés especial en la diferencia que se hace entre los géneros masculino y femenino: la masculinización de los cantantes de copla cuando utilizaban canciones cuya voz narradora era femenina, o cómo las cantantes de tango frecuentaban letras que no comprometiesen su voz cantora, su identidad de género que limitaba su repertorio o bien se veían o bien se veían abocadas a modificar sustantivos y adjetivos. De la misma manera, personas transgénero utilizaban la copla como una bandera de identidad, pues la folclórica seguía identificando a una mujer en vías de emancipación, como a ellas mismas les sucedía.En esa bifurcación de géneros, aparece el nosotros del bolero.
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La temática de este libro, la estimulación musical, se refiere al conjunto de actividades que utilizan el sonido o la música para desarrollar capacidades y habilidades musicales y no musicales, implicando la activación sensorial, motora, emocional, cognitiva, expresiva y creativa, en su conjunto o parcialmente. Se aborda desde una doble perspectiva, la integral, aplicada al desarrollo global del infante, y la terapéutica, aplicada a mejorar su estado general de salud y bienestar.Esta publicación va dirigida a profesionales que trabajan con población infantil (0-6 años) dentro de amplio espectro: educadores musicales, maestros de educación infantil, maestros de educación especial, estudiantes de educación superior de las áreas de ciencias de la educación o logopedas, entre otros. Asimismo, es también recomendable para consulta de los padres, entendido como una guía orientativa en el proceso de estimulación musical de sus hijos.La Dra. Laura Cuervo Calvo es profesora del Departamento de Didáctica de las Lenguas, Artes y Educación Física de la Facultad de Educación de la UCM.
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Estas ficciones, dignas herederas de aquella tradición narrativa que gusta de encontrar lo fantástico en lo cotidiano, y que tiene a Borges y Cortázar como referentes indiscutibles, llevan al lector a otros mundos dentro y fuera del nuestro –quizá un personal homenaje del autor a los relatos de Isaac Asimov y Ray Bradbury–, en un viaje literario simbólico donde el lector podrá descubrir ecos, menciones veladas y guiños aDante, Shakespeare, Goethe u Oscar Wilde. No falta en ellas el cariz humorístico, las numerosas referencias cinematográficas, las profusas citas musicales –Wagner, Richard Strauss, Debussy, Schönberg, Alban Berg–, algún que otro retrato costumbrista, los juegos delaberintos, círculos viciosos, espejos, luces y sombras, noche y niebla, los amores dantescos, el baile yel canto de los más sabios arcángeles, venganzas quetraspasan el hilo del tiempo, trasuntos mitológicos,y, cómo no, la hermosa y rutilante metáfora pitagórica de la armonía de las esferas, que vertebra todo eluniverso narrativo del autor.
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Vivències i reflexions dels anys de plenitud d'un cantant compromès i un intel·lectual connectat al seu tempsAl llarg de la dècada dels vuitanta, el cantant Raimon va portar un dietari on prenia nota per fixar vivències intenses, reflexions, viatges, lectures, concerts, relacions d'amistat amb personatges com Vázquez Montalbán, Pasqual Maragall, Maria del Mar Bonet, Rafael Ribé, Espriu, Fuster, Manuel Vicent, entre altres. Són anys d'agitació política, però també de decepcions i de la crisi de la cançó. Són temps de viatges arreu del món, per bé que els escenaris habituals són Barcelona, València i Roma, la ciutat de la seva estimada Annalisa. Els apunts d'aquells anys, revisats i triats avui, generen un llibre d'un interès testimonial extraordinari, com la revelació d'un tresor guardat durant molts anys.
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La guitarra es el instrumento en el corazón de la música popular. Desde Delta blues en acústica hasta rock &, roll eléctrico, y todo lo que vino después, la guitarra ha demostrado ser el conducto más versátil y emotivo para la expresión y experimentación musical. A lo largo de más de 300 años, los maestros guitarreros se han esforzado continuamente por alcanzar nuevos picos escultóricos y sonoros, pero la inmediatez y la intimidad de la guitarra perduran, por muy alto que se suban los controles de volumen de los amplificadores. Con 100 de los mejores y más innovadores modelos de guitarra desde el siglo XVII hasta la actualidad junto con los músicos que cambiaron la cara de la música popular, Guitar incluye historias fascinantes detrás de modelos icónicos de una mezcla ecléctica de marcas, incluidas Alden, D'Angelico , Fender, Gibson, Gretsch, Ibanez, Kay, Martin, Millimetric Instruments, Mosrite, Greg Smallman y Stauffer. El libro también incluye una gran cantidad de información fascinante y menos conocida sobre artistas como los Beatles, Woody Guthrie, Jimi Hendrix, Robert Johnson, Pat Metheny, Joni Mitchell, St Vincent, Sister Rosetta Tharpe, y Neil Young. Una delicia tanto para los entusiastas del diseño como para los aficionados a la música, el último libro de Guilfoyle traza el desarrollo de este pilar de la música popular y los carismáticos artistas que han utilizado la guitarra para transformar nuestras vidas.
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Una retrospectiva única de Mick Rock, el fotógrafo oficial y socio creativo de David Bowie, recopilada en 2015 con el consentimiento del propio Bowie.En 1972, David Bowie publicó su revolucionario álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Con él nació también el alter ego Stardust de Bowie: un ser de vestimenta reluciente, rímel en los ojos y sexualmente ambiguo que rompió las fronteras entre lo masculino y lo femenino, lo heterosexual y lo homosexual, la realidad y la ficción en un cambiante y brillante fenómeno de autoexpresión de los años setenta. Ziggy, el álbum, y Ziggy, el espectáculo, convirtieron al londinense de voz suave en una de las mayores estrellas del mundo.Uno de los pasajeros clave en ese viaje glam rumbo a la estratosfera fue Mick Rock, también de Londres. Rock estableció vínculos artísticos y personales muy estrechos con Bowie, pasó a formar parte del círculo íntimo del cantante y trabajó, en 1972 y 1973, como su fotógrafo oficial.Esta colección de fotografías reúne instantáneas espectaculares sobre el escenario y retratos íntimos en el backstage. El libro celebra la experimentación y reinvención audaz de Bowie. Una visión sin precedentes de las múltiples facetas del artista. Jugando con lo distante y lo accesible, lo divertido y lo serio, este apasionado tributo se regocija en la experimentación y la imprevisibilidad, y celebra la eterna inspiración de un artista audaz y excepcional que siempre será recordado.
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Antes de que Internet, la MTV y los iPods proporcionaran a los aficionados información y comunidades lejanas —en la era pre Never Mind—, los jóvenes de todo el mundo crecían en un relativo aislamiento del arte creado por ellos mismos para difundir lentamente escenas y tendencias. En estas condiciones, cuatro jóvenes de Boston formaron una banda llamada Pixies.Durante su carrera inicial de siete años, tocaron en algunos de los mejores festivales de Europa, mantuvieron a la prensa expectante y cultivaron una ferviente base de fans hambrientos de más y más. La banda trabajó rápido, produciendo cuatro álbumes a un ritmo vertiginoso, pero las presiones y los choques de personalidad pasaron factura: Pixies se disolvió justo cuando las bandas cantaban sus alabanzas como innovadores del rock'n'roll.
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Tras más de cinco décadas desde su disolución, Màquina! sigue siendo aquel grupo de culto que ha quedado como una referencia en la historia del rock underground de nuestro país. Esta historia se desarrolló durante una época compleja, en una lucha para sacar adelante un proyecto musical ambicioso, singular y al margen de concesiones, en cada una de sus diferentes etapas. Màquina! resulta un caso único, heroico, de un enorme mérito en una época musicalmente convulsa pero de gran creatividad en la que simbolizó una nueva manera de hacer y vivir la música.A pesar de todas las dificultades, Màquina! se convirtió en un reducto de creatividad y talento. A lo largo de su trayectoria, pasaron muchos músicos por el grupo y todos ellos acabaron siendo reconocidos profesionales de la música.Mientras la mayoría de conjuntos en España apostaban por la música comercial, este grupo introdujo la improvisación en la música pop, algo inusual en este país y más propio del jazz, un género con poca tradición aquí por aquel entonces.Un libro que explica fielmente la historia de Màquina!, un grupo que simplemente quería dar salida a sus ideas musicales, a sus ansias juveniles de hacer algo distinto, innovador y personal y, por supuesto, divertirse.
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En la cima de la escena musical durante más de cuarenta años, sus dieciocho álbumes de estudio reflejan sus profundas pasiones e inquietudes: desde su posición de obrero en The River y Nebraska, a sus relaciones personales en Tunnel of Love, desde los sombríos horizontes en Darkness on the Edge of Town a la rabia de Born in the U.S.A.
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Ahora que la poesía es el desván de un metaverso, Joaquín Sabina sigue estando ahí, despierto, contra todo pronóstico, como un dinosaurio superviviente, sí, maldita sea, y su voz cascada de ducados y paterninas. Y, ahora que corta orejas y le aplauden en los Goya, se permite hacer cameos en nuestra telenovela, entre poemas y canciones, como un Groucho Marx de cabaré en la España de pandereta. Disfrazado con las máscaras de toda una carrera de música y personajes en los escenarios, se desbroza a Sabina en este libro, sin dejarle colgado en calle Melancolía. Así que vengan, pequeños y grandes, y no olvidarán jamás el fabuloso homenaje a este maestro del vals: figuraciones del humor en su vida y obra, manifestaciones chirigoteras en los Carnavales de Cádiz, parodias de rap, imágenes de Peter Pan, de Dorian Gray y del Conde Drácula, deconstrucciones del huevo de Colón y hasta un paseo de la mano con Bob Dylan, todo aliñado de lírica y de narrativa. Ocupen su localidad y presten todos atención: estos capítulos son siete versos tristes para una canción.
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LA HISTORIA DEL GRUNGE, CONTADA POR ALGUIEN QUE ESTUVO ALLÍ DESDE EL PRINCIPIO. Escrito por Steve Turner, el legendario guitarrista de Mudhoney y uno de los padres fundadores del grunge, este libro es una crónica veraz y sin pelos en la lengua del nacimiento y la evolución de la escena grunge de Seattle: unos chavales punk inadaptados que se encontraron en pistas de skateboard y en conciertos underground de hardcore, y luego terminaron montando bandas juntos. Así, aparecen las influencias musicales y los experimentos que dieron forma al sonido grunge, y se relata la historia de las bandas de Turner, Green River y Mudhoney, que saltaron de los conciertos en locales de mala muerte a tocar en estadios repletos junto a Nirvana y Pearl Jam. «El libro es una montaña rusa de recuerdos musicales, tan lúcida a veces como lunática en otras ocasiones, extraña y sorprendente, y siempre propulsiva. Turner nos relata desde su perspectiva privilegiada la génesis del sonido de Seattle y de su espíritu, todo con humor, drama y esas pepitas de oro históricas que tanto aprecian los fans.» Jonathan Evison, novelista «Steve Turner me enseñó todo lo que sé sobre punk rock, arte folk y sobre cómo hallar el curso de tu vida: cómprate una guitarra barata, un ampli pequeño que ya no fabriquen más, y funda un grupo.» Stone Gossard autor del prólogo, guitarrista y miembro fundador de Pearl Jam «Este libro es un documento esencial: la historia de esa estética y de ese estilo que vino a denominarse grunge, de boca de uno de sus padres intelectuales y esprituales.» Greg Vandy, presentador de radio y autor del libro 26 Songs in 30 Days (Woody Guthrie) PRÓLOGO DE STONE GOSSARD (PEARL JAM)
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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DE LOS CLUBS DE LA PARTE BAJA DEL EAST SIDE A LOS ALMACENES DE WILLIAMSBURG: EL RELATO DE UNA ÉPOCA QUE CAMBIÓ LA MÚSICA Y LA CIUDAD DE NUEVA YORK PARA SIEMPRE, NARRADO POR SUS PROTAGONISTAS. A partir de casi doscientas entrevistas originales realizadas por una escritora que recuerda las resacas en primera persona, Meet me in the bathroom continúa la gran tradición del entrañable clásico Por favor, mátame de Legs McNeil y Gillian McCain. Este libro describe la primera década de nuestro milenio con su inagotable gloria épica y traza un retrato brillante de una ciudad, una industria y una generación al borde de un cambio sísmico.
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En ''Por qué Beethoven tiró el estofado'' el famoso violonchelista Steven Isserlis nos sorprendió a todos con un maravilloso regalo tal y como en su momento su profesor de chelo le hizo a él, la posibilidad de conocer a los grandes compositores como si fueran nuestros amigos y hablaran con nuestras propias palabras. En este nuevo libro nos dibuja con su atractivo lenguaje el mundo de otros seis compositores extraordinarios –Händel, Haydn, Schubert, Tchaikovsky, Dvorák y Fauré–, haciéndolos revivir en nuestra imaginación como si pudiéramos escucharles hoy en día. Amenizado con historias coloridas sobre estas increíbles personalidades y sus amigos, este libro es una lectura atractiva y accesible tanto para niños como para adultos.
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Luis de Pablo es uno de nuestros compositores más internacionales. Contamos con biografías y estudios sobre su obra, pero apenas trataban su mundo íntimo, sus experiencias ligadas a la música que creaba, su visión de las cosas y de la cultura. Conoceremos el modo en que componía, sus objetivos, sus deseos, su mirada única hacia el panorama cultural de nuestro tiempo y sus consideraciones críticas sobre la cultura en general y la música en particular. Veremos su casa, su ambiente íntimo y su día a día, las aspiraciones, éxitos y fracasos de uno de los artistas más relevantes de nuestro tiempo. Luis de Pablo poseía una mente privilegiada, fue un músico cultísimo, lector infatigable de filosofía, antropología, literatura, historia y música. Un artista único al que debemos conocer.
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La fama de Miguel Bosé es tal que la mayoría de nosotros le consideramos un viejo conocido. Alguien dequien creemos saberlo todo y que, pensamos, es muy difícil que nos sorprenda. Sin embargo, si hay algo para lo que el autor tiene un talento extraordinario, ylo ha demostrado desde el principio de su carrera, espara pulverizar los prejuicios. Todos los lectores que al ver este libro se hayan preguntado, ?¿qué me puede contar que yo no sepa?? se quedarán prendados de las primeras páginas (¡y qué páginas!) de unahistoria, la suya, que comienza con el aliento de loscuentos atemporales: unos niños perdidos a merced deun padre todopoderoso, acostumbrado a que su voluntad fuera ley, y una madre arrolladora de belleza legendaria. Generoso y audaz como nunca le hemos visto, el autor nos ofrece la cara menos conocida de personajes memorables, desde un Picasso vulnerable y crepuscular, al hermoso y maldito Helmut Berger. Y, destinada a permanecer con nosotros mucho tiempo despuésde cerrar el libro, la Tata, auténtico espíritu benéfico, que nos recuerda a las mujeres corajudas dispuestas a todo para proteger a las criaturas indefensas. Una historia que transcurre en el país de nuestro pasado, que bebe en los recuerdos de nuestra infancia y juventud y que demuestra, una vez más, que enla contradicción, en el dolor y en la alegría de vivir, Miguel Bosé nos entiende, nos acompaña y nos representa.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
