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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Olvídate de gente seria y trajeada, con aires de superioridad que se toman la ópera como si fuera un lujo para unos pocos. La música es, ante todo, expresión, comunicación entre seres humanos, tanto da si la escuchas en un gran teatro muy puesto, como
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Galanes, dandis, cortesanos, periodistas disolutos y aristócratas esnob, en un mundo de salones elegantes y desenfrenados carnavales callejeros. Las operetas de Offenbach, inmensamente populares, se consideran parte de la amnesia histórica y el escapismo de las postrimerías revolucionarias de 1848. Mediante el examen de la superficialidad y la mistificación de la experiencia colectiva, Kracauer ofrece una fisonomía reveladora de la realidad social. Los reinos de fantasía de sus operetas seguían por un lado con la irreal mascarada imperial de Napoleón III, pero por otro hacían una importante burla de la pompa, las pretensiones, el fraude y la corrupción de los aparatos del poder.
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El festival Canet Rock (1975-1978) va ser fill de l’ambient artístic i social dels anys setanta. Eren temps de canvis, d’esperança per a un futur millor, tot i les incerteses de l’època. La gent més conscienciada estava mobilitzada i sortia al carrer a cridar les seves ànsies de llibertat. A Canet van trobar un hàbitat favorable per començar a experimentar els nous temps que s’albiraven, amb la banda sonora del primer rock català i l’Ona Laietana.Un esdeveniment protagonitzat per artistes que van definir una època: Pau Riba, Sisa, Companyia Elèctrica Dharma, Orquestra Mirasol, Fusioon, Ia-Batiste, Iceberg, Música Urbana, Oriol Tramvia… L’auge, caiguda i circumstàncies que van fer possible l’any 2014 la resurrecció d’un festival fonamental, explicada pel periodista Donat Putx en veu de testimonis i protagonistes. Una crònica il·lustrada amb imatges de Francesc Fàbregas, Ferran Sendra i Xavier Mercadé, entre altres fotògrafs.
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En siete conferencias, José Iges nos acerca al arte sonoro. La selección recoge intervenciones públicas desde 1998 hasta la actualidad, uniendo un criterio divulgativo auna aproximación transversal. Varios son los temas que Iges despliega en esas pá
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En 1983, Luis Eduardo Aute protagonizó uno de los discos en directo más importantes de la historia de la música española: Entre amigos. Un álbum crucial, publicado en un momento álgido de su carrera, en el que congregó sobre el escenario a cuatro tótems de la canción a ambos lados del Atlántico: Joan Manuel Serrat, Teddy Bautista, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés.Una noche histórica grabada en Madrid, en el antiguo teatro Salamanca, que aborda con precisión el escritor José Manuel García Gil en este libro.Entre amigos. Luis Eduardo Aute, queda la música es el resultado de una minuciosa labor de investigación, enriquecida con los testimonios de los protagonistas, en la que se contextualiza la preparación del concierto y se reconstruye con detalle todo lo que aconteció en aquel escenario. Un relato que el propio Aute quiso escribir en vida y que García Gil resuelve de manera brillante, logrando trasladar al lector hasta el epicentro de aquel momento musical, social y político y, sobre todo, al instante exacto en el que el cantautor pisó las tablas.Un libro que pone en valor un concierto único, que ha permanecido en la memoria sonora y emocional del público durante cuarenta años, y que marcó un punto de inflexión en el panorama discográfico, inaugurando el modelo de álbum en directo con invitados, inédito hasta entonces en España.Una lectura necesaria para comprender y descubrir las claves de un disco fundamental en la escena musical iberoamericana.
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«Compositoras» revela las extraordinarias vidas y obras de mujeres que revolucionaron la música, desafiando los cánones de su tiempo. A través de biografías profundas y reveladoras, Silvia Olivero rescata del olvido histórico a compositoras fundamentales como Clara Schumann, Alma Mahler y Sofia Gubaidulina, exponiendo no solo su extraordinario talento musical, sino también las barreras sociales y personales que debieron superar. Descubriremos las complejas trayectorias de estas artistas, cómo navegaron en un mundo musical dominado por hombres, donde sus composiciones fueron sistemáticamente marginadas o directamente invisibilizadas gracias a mecanismos históricos y sociales. Olivero reconstruye sus luchas profesionales, las presiones familiares, los obstáculos académicos y sociales que enfrentaron, revelando historias de resistencia, pasión y resiliencia creativa. Cada capítulo es un viaje que desentraña no solo la obra musical de estas mujeres, sino también sus universos emocionales, sus estrategias de supervivencia y sus aportaciones a la música, que lejos de convertirlas en figuras periféricas, demuestran que fueron auténticas innovadoras que expandieron las fronteras del arte. Esta obra no solo rinde homenaje a estas pioneras, reescribe la narrativa de la música clásica, recordándonos que la genialidad no conoce género y que la historia del arte está incompleta sin las voces de quienes fueron deliberadamente silenciadas.
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La discusión sobre la identidad en Latinoamérica sigue ocupando un espacio de debate en el momento actual’, afirman Consuelo Carredano y Victoria Eli, editoras-autoras del volumen. Ellas mismas manifiestan en la introducción que ‘el análisis del hecho musical ha sido abordado como proceso cultural íntimamente vinculado con las corrientes del pensamiento estético, los movimientos sociopolíticos e identitarios y los avances científicos y tecnológicos’. Con cautela y un punto de audacia, este libro nos orienta con clarividencia sobre las claves de un territorio musical mucho más cercano a partir de ahora. Juan Ángel Vela del Campo (director de la colección)
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Kent Nagano, director de la Orquesta y Coro Nacionales de España, rememora 10 lecciones inesperadas que aprendió a lo largo de su carrera y que transformaron su forma de entender la música y la vida. El libro recorre momentos clave de su trayectoria y los convierte en breves historias llenas de significado. No es solo el relato de un gran director, sino el de una persona que ha descubierto que escuchar -de verdadpuede cambiar la manera de pensar, de trabajar y de relacionarse con los demás. Entre sus recuerdos aparecen figuras inolvidables: Leonard Bernstein, capaz de desmontar certezas con una sola pregunta, Olivier Messiaen, que convirtió el sonido en una experiencia casi trascendente, Frank Zappa, un creador radical que hizo de la libertad su lenguaje, Björk, exploradora incansable de nuevos territorios sonoros...
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El llibre-disc d'Obrint Pas, un viatge literari i sonor que recull les emocions que han despertat en diverses personalitats els temes d'aquest nou disc.
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Una historia alucinante que bascula entre la autobiografía, la literatura musical y la penitenciaria. Las memorias de un DJ pionero de la música y la cultura de club escritas a trepidante ritmo de funk. Ángel Francisco López Morán (Ciudad de México, 1963) no ha tenido una vida convencional. Tras leer ''Así habló Zaratustra'' de joven, decidió que lo suyo no era la religión y se metió de lleno en la música y el arte. Cuando se mudó a Toronto, no tardó en sumergirse en las noches hedonistas y narcóticas de sus modernas discotecas y fue perfilando su afición por la cultura de club. Una de esas veladas locas acabó en Nueva York, bailando en el Paradise Garage con el mítico Larry Levan tras los platos. Tocó en diversos grupos oscuros de influencia post-punk como Jesus and the Mutants o Fandango, que apenas han dejado registro sonoro, aunque también en Bambi, que grabaron un álbum, y en On, que llegaron a producir un disco con Warner Suecia apadrinados por el mismísimo Malcolm McLaren, el mánager de los Sex Pistols. Pero fue como productor y tras los Technics de las pistas barcelonesas bajo el alias de Professor Angel Dust donde se forjó un nombre y se consolidó como uno de los DJ más reputados de los noventa, oficiando en las principales cabinas de la Ciudad Condal y en algunas de las más selectas de Europa, desde donde impartió su cátedra de funk y ritmos rotos. El éxito le llegó con su rutilante versión del ''Oye cómo va'' de Santana, que lo arrastró hasta el mainstream —del que renegó—, y brilló junto a su hermano Diego Delippo en las noches Bongo Lounge de La Paloma, a principios del nuevo siglo. Sin embargo, todo se vino abajo de golpe cuando se vio inmerso en una trama siniestra que lo llevó a pasar casi cinco años privado de libertad en algunos de los centros penitenciarios más inhóspitos de Panamá. Pese a todo, supo reinventarse entre rejas y reformó un viejo estudio de grabación, donde empezó a trabajar con los reclusos y a grabar música de nuevo. ''En el estómago de la bestia'' son sus memorias, que avanzan a un ritmo frenético por las luces y las sombras de una vida vivida al límite.
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Este libro ofrece un análisis retrospectivo de la diseminación, consumo y producción de la música y el baile de la salsa desde 1980hasta la actualidad en Barcelona. Partiendo de los antecedentes del baile de la salsa, su emergencia en Estados Unidos y s
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El presente libro reúne por primera vez todos los poemas musicados por el célebre compositor austríaco Hugo Wolf, que Richard Stokes, reputado experto en Lieder, acompaña de sus iluminadores comentarios. El análisis de cada una de las canciones incluye una breve introducción sobre el autor del poema en cuestión-Byron, Goethe, Hebbel, Heine, Ibsen y Shakespeare, entre muchos otros-, una nota sobre las conexiones de Wolf con el poeta, extractos de cartas que arrojan luz sobre las canciones y las circunstancias de su composición, además de los poemas originales y sus traducciones. Un volumen indispensable para todo amante del Lied del Romanticismo alemán.
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Detrás de esta recopilación de conversaciones con personajes legendarios vinculados al surf se esconde un viaje en el tiempo en busca de las olas más famosas del mundo y la conexión de este deporte con la contracultura. Un relato oral (con ecos de novela de aventuras) protagonizado por el guionista de Hollywood que trajo el surf a Europa, la plana mayor de la revista Surfer en la década de los sesenta, uno de los ilustres pioneros que domó la bestia de Waimea, el director de la película The Endless Summer, un diseñador gráfico que se codeó con los Rolling Stones, el gran cronista del surf australiano, la viuda de un icono del arte psicodélico, un millonario con sueños extravagantes, una estrella de la música comprometida con el medioambiente, varios fotógrafos que aspiran a dejar una huella imborrable con sus imágenes, un creativo publicitario que adora los coches clásicos y otros tantos rebeldes sin causa que no pueden vivir alejados del océano. El periodista David Moreu ha desempolvado sus grabaciones originales con aroma a salitre para transportarnos a pie de playa y reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de un deporte que se ha convertido en un fenómeno de masas a su pesar. Como se acostumbra a decir en estos casos: “Conecta, sintoniza y déjate llevar”.
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La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.
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ENCUENTRA A TAYLOR SWIFTUNA CARTA DE AMOR A SU DISCOGRAFÍAEsta increíble y original biografía es un homenaje a todas las etapas de los álbumes de Taylor Swift y recorre gráficamente su trayectoria musical. Una carta de amor a la evolución de Taylor, desde la adolescente resuelta hasta el icono mundial del pop que es hoy, pasando por rupturas amorosas, triunfos y regrabaciones. Sumérgete en estas láminas magistralmente ilustradas, cada una inspirada en una era crucial en la vida de Taylor, como su disco debut o The Tortured Poets Department.Cada página está repleta de detalles y mensajes secretos que cualquier swiftie reconocerá al instante. ¿Conseguirás localizar los 13 objetos o la icónica chaqueta de punto? ¡No te pierdass los cameos de Meredith, Olivia o Benjamin Button! ¡SWIFTIE, SUBE EL VOLUMEN, PONTE LAS BOTAS DE COWBOY Y LÁNZATE A LA BÚSQUEDA!En el interior encontrarás: • La biografía no oficial de busca y encuentra de la discografía de Taylor Swift • Preciosas ilustraciones hechas a mano por el galardonado artista Gus Morais • Un tesoro oculto de entresijos donde cualquier swiftie podrá pasar horas buscando los objetos ocultos y huevos de Pascua propios de cada etapa de Taylor Swift • Una forma interactiva de pasar el tiempo durante vuelos, viajes por carretera o en familia • El regalo perfecto de Navidad, cumpleaños o cualquier ocasión para swifties de todas las edades, ya sean niños, adolescentes o adultos No se trata de un simple juego o rompecabezas. Se trata de una carta de amor a la evolución de Taylor, desde adolescente resuelta hasta icono mundial del pop, pasando por rupturas amorosas, triunfos y regrabaciones. Revive los momentos clave que dieron forma a su trayectoria hasta convertirse en la estrella favorita de América, desde su primer Grammy hasta su forma tan personal de rescatar canciones inéditas y lanzar álbumes por sorpresa. Recorre cada una de las etapas bañadas en brillo, teñidas de desamor o con aires de venganza que Taylor Swift nos ha regalado. Píntate los labios de rojo, sube el volumen a tope, ponte tus pulseras de la amistad y lánzate a la búsqueda..., porque allá donde va Taylor, nosotros la seguimos.
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Tirant Humanidades
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«El único libro sobre jazz que le recomendaría a mis amigos.» Keith Jarrett Pero hermoso es un libro de jazz. Ocho historias imaginadas que recogen anécdotas de las vidas de Lester Young, Bud Powell, Charlie Mingus, Chet Baker, Ben Webster, Thelonius Monk y Art Pepper, todas ellas hilvanadas por el relato (imaginado también) de un viaje en coche que Duke Ellington y Harry Carney realizan en una de sus giras por Estados Unidos. Inspirándose en fotografías y textos sobre los músicos, Geoff Dyer compone estas variaciones sobre episodios muy conocidos de las vidas de las ocho leyendas del jazz, y las acompaña con una breve reflexión acerca de la evolución estética del jazz, su tradición, sus influencias y su capacidad de innovación. Galardonado con el premio Somerset Maugham, en Pero hermoso «Dyer convierte el jazz en poesía y a sus protagonistas en una melodía hermosa y triste. Pocos quedarán impasibles ante su pasión y su elocuencia» The Washington Post.Reseñas:«Una hermosa y lírica colección de ensueños nocturnos de jazz». The New Yorker «Tan maravilloso que duele [...]. Evoca las vidas de los músicos de tal manera que puedes saborear el whisky, oler las colillas pisoteadas, oír el suave chasqueo de las válvulas, las toses, y los pies que se arrastran entre toma y toma». Jonathan Lethem«Un conmovedor y original homenaje a la música negra americana». Tobias Wolff «Suena a jazz desde la primera página. [...] Este libro más que leerse se escucha como una de esas melodías que te arrastran a ese lugar de donde no se vuelve». Montero Glez, elDiario.es
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El periodista Fernando Navarro ha escrito, después de años de entrevistas con los cuatro protagonistas y todo su entorno, la bella y conmovedora historia de Supersubmarina: el relato de su éxito y su tragedia. Esta es la historia de cuatro amigos que subieron al cielo y bajaron a los infiernos. Cuatro niños que empezaron jugando al fútbol bajo el sol en el paseo de la Constitución de Baeza y que acabaron jugando a hacer música con su propio grupo en el quiosco de ese mismo paseo bajo la luna pocos años después. Un relato acerca de cómo los sueños se hacen realidad, pero también de su fragilidad. Supersubmarina ha sido y es una de las grandes bandas de pop-rock nacional de las últimas décadas. Su éxito fue abrumador, su talento, inconmensurable, su caída en desgracia tras un gravísimo accidente, inesperada y triste. El periodista Fernando Navarro les da voz a los cuatro y, después de escucharlos a ellos y a sus familias y amigos narrar sus recuerdos durante meses, ha escrito este libro para llenar sus silencios. Un testimonio de amistad, creación, éxito, dolor y superación. Una historia fieramente humana cuyo final es un enigma.«Este libro es un acontecimiento». Manuel Jabois «Emociona, duele y da esperanzas». Jordi Évole «Te conectacon una de las mejores cosas que te pueden pasar en la vida (si tienes suerte): tener buenos amigos». Victoria Martín «Un rugido de vida y emoción. Un gran libro». Aimar Bretos «No voy a ser capaz de resumir todas las emociones que este libro me ha causado. Un libro necesario». Dani Rovira «Confieso que, por momentos, la emoción no me permitía seguir leyendo este libro mágico». Elvira Lindo
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La música pop no empezó con los Beatles en 1963, ni con Elvis en 1956. Ni siquiera con los primeros sencillos de siete pulgadas en 1949. Hubo una prehistoria que se remonta a la primera música grabada, a principios del siglo XX...¿Quiénes fueron las primeras estrellas discográficas? ¿Eran, en algún sentido, «estrellas del pop»? ¿Para quiénes componían canciones figuras como George Gershwin? ¿Por qué el swing, el sonido que triunfó durante una década o más, se volvió casi invisible después de la Segunda Guerra Mundial?La precuela de «Yeah Yeah Yeah», Let’s do it, de Bob Stanley, es el primer libro que narra la historia definitiva del nacimiento del pop, desde la invención del disco de 78 rpm a finales del siglo XIX, pasando por la primer vez que se usó el término (un anuncio de 1901 en el Stage para una biblioteca de préstamo de partituras prometía ''toda la música pop más reciente''), hasta el auge del rock'n'roll, desde el music hall hasta Muddy Waters.Incluyendo a superestrellas como Louis Armstrong, Bessie Smith, Duke Ellington y Frank Sinatra, junto con los compositores y arreglistas desconocidos responsables de algunas de nuestras canciones más perdurables, Stanley pinta un retrato auditivo de los años de formación de la música pop con una claridad asombrosa, desvelando los hilos de plata y las agujas de oro que unen la forma.Admirablemente sencillo en su enfoque, Stanley hace uso de un lenguaje ingenioso y tiene un ojo fantástico para los hechos oscuros y llamativos, dotando a su narración de un entusiasmo contagioso que nos hace correr al servicio de streaming más accesible para descubrir a qué se debía tanto revuelo. La maestría de Let's do It para revivir el pasado reside en su capacidad para establecer paralelismos con el presente o, al menos, con la historia más contemporánea.
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Este es un libro sobre la música de John Coltrane. Pero no sólo es eso. En el momento en el que el jazz revolucionaba la música del siglo XX, sus músicos vivían otra revolución: la de la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos. Coltrane no fue ajeno a esa lucha. Su talento lo puso a la vanguardia de la música de su tiempo, pero su saxofón, más allá del ritmo y belleza de sus sonidos, se convirtió también en una de las voces de la resistencia frente al racismo.
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Hugh Macdonald ahonda en la vida cotidiana de los protagonistas de su relato para mostrar cómo la internacionalización de la escenamusical hizo posible que se gestaran las innovaciones que caracterizarían la música de las siguientes décadas. Una vívida
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En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido –desde la música a la forma de grabar o de vestir–, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el “archienemigo” Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.
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¿Qué ocurre cuando decides dejar de agradar para empezar a sentir? Este es un libro valiente, íntimo y poderoso. La artista Sandra Delaporte abre sus diarios, muestra sus heridas y comparte sus poemas para contarnos -sin filtros- cómo se vive cuando el miedo, la dependencia emocional, la exigencia o el vacío ocupan demasiado espacio. Del barro al poema no es únicamente un testimonio o relato de dolor. Tiene algo de alquimia y transformación. Una voz que encuentra en la escritura un refugio, una amiga, un hogar. Con una mezcla única de lucidez, humor, vulnerabilidad y belleza, Sandra escribe para sí misma... y en ese gesto, acaba escribiendo para todos. Porque todos, en algún momento, hemos necesitado sentirnos menos solos. Se trata de un libro concebido como un itinerario de pequeñas conquistas, pero no es un libro de autoayuda. Este libro es para quien busca respuestas, para quien está cansado de huir, para quien quiere aprender a amar(se) sin dejarse atrás. Un acto de amor radical. Un viaje honesto, ferozmente humano y profundamente poético por las heridas que más duelen y las palabras que más sanan. No hay fórmulas ni promesas, pero sí algo mucho más valioso: una verdad contada con amor y palabras que curan. Del caos nace el verso. Del barro, el poema
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Si hay dos grupos que han combinado diversión con protesta son los navarros Tijuana in Blue, primero y, Kojón Prieto y los Huajolotes, después. Dos proyectos musicales cuyo embrión se gestó en la cabeza y el corazón de un cantante inigualable, querido y genial cuyo nombre de pila era Marco Antonio Sanz de Acedo Montoya (como a él le gustaba remarcar), aunque saltó a la fama con el sobrenombre de Eskroto, al que luego sucedería el de Gavilán. Es difícil encontrar dentro del abigarrado panorama musical navarro de la década de los 80 y 90 del siglo XX, un temperamento, una inteligencia, un compromiso, una actitud y una originalidad como la suya. Como casi toda la generación vasca de los ochenta, vivió rápido e intensamente y tuvo un final trágico, pero, a pesar de ello, o precisamente por ello, dejó una huella indeleble en nuestra memoria colectiva, marcando el devenir musical de varias generaciones que tuvieron en él a todo un referente político, social y vital. Esta es la primera biografía de un tipo excepcional cuyo único fin fue ser, de profesión, artista. · Primera biografía completa de uno de los iconos del Rock Radical Vasco y el NaparMex · Completado con las imágenes de los principales fotógrafos culturales de la época (Ikor Kotx, Joxe Lacalle, Javier Bergasa…) ''De profesión: artista es una biografía minuciosa, rigurosa, pero al mismo tiempo escrita con la calidez que da el respeto y el cariño hacia su protagonista, en la que los seguidores y admiradores de Tijuana in Blue y de los Huajolotes reconocerán y revivirán la figura de su inolvidable y dicharachero cantante, pero en la que también encontrarán hallazgos, datos desconocidos u olvidados, pistas para continuar recordando y descubriendo como se merece a Eskroto/Gavilán/Marco Antonio'' -Patxi Irurzun, en el prólogo “A través de estas páginas he tratado de ensalzar, en orden cronológico, cuáles y cómo fueron las abundantes andanzas como persona y como personaje de Eskroto-Gavilán. Un homenaje desde la admiración, el respeto y el cariño. Un recorrido a través de los grupos que formó y con los que llegó a “ser afamado como una estrella del rock”, que decía en la canción que da título a este trabajo. Ya dijo en su día un gran compañero suyo, y lo comparto en cierta manera, que resultaría un trabajo imposible hacerle una biografía al uso, ya que, debido a las condiciones de desfase de la época, mucho de lo vivido se quedó en aquellas noches. Pero he asumido ese reto y ha sido una bella parranda haber repasado sus peripecias” -Txus Pérez Artuch, autor
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Avalancha, el último disco de estudio de Héroes del Silencio, una de las bandas más legendarias de nuestro rock, representó su amarga despedida en la cumbre de su carrera. Un final que ni ellos mismos esperaban y que fue fraguándose a medida que la grabación de su álbum más maduro avanzaba. Producido por el histórico Bob Ezrin (Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper ... ), Avalancha cristalizó la evolución artística y personal de Héroes del Silencio y dejó himnos como ''La chispa adecuadá: ''Iberia sumergidá' o 'J.valanchá'.Los demonios de la memoria de Héroes del Silencio transita desde la reclusión inicial del grupo en la soledad de las montañas de Benasque a la grabación definitiva en Los Ángeles, sin olvidar hacer parada en las canciones inéditas así como en la intensa gira posterior, con una producción y puesta en escena innovadoras. Relatando y analizando minuciosamente, con un estilo directo y ameno, los detalles, anécdotas y circunstancias que hicieron de Avalancha un disco tan fundamental como impactante, este volumen revela su creación.A modo de relato oral, Carlos H. Vázquez une a la perfección sus reflexiones con declaraciones de los principales protagonistas (Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel, Pedro Andreu y Alan Boguslavsky) y quienes pivotaron a su alrededor: productores, mánagers, técnicos e incluso algunos seguidores esenciales para entender la mítica que rodeó al grupo. Con las palabras de todos ellos -recogidas especialmente para este libro y otras recuperadas de la hemerotecaconforma un brillante puzle que reconstruye el recorrido de Avalancha, cuando todo estaba dicho y, al mismo tiempo, todo parecía a punto de estallar.
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En 2008 vio la luz Balmoral, uno de los discos más celebrados de Loquillo y un verdadero punto de inflexión en su carrera. Era su primer álbum tras abandonar los Trogloditas y en él consiguió hermanar el rock con la poesía, el jazz, la canción francesa y un sinfín más de influencias. En este libro se repasa la travesía que recorrió Loquillo para alcanzar su gran obra, un camino de aprendizaje y defensa de su libertad artística que volvió a situarlo en las puertas del inmenso éxito del que disfruta en la actualidad.Para narrarlo, Javier Escorzo ha contado con los testimonios directos del propio Loquillo, así como de quienes jugaron un papel destacado en la creación de Balmoral: Gabriel Sopeña, Igor Paskual, Jaime Stinus, Sabino Méndez, Jaime Urrutia, Luis Alberto de Cuenca, Juan Mari Montes, Andrés Calamaro, Carlos Segarra, Laurent Castagnet, Laura Gómez Palma, Thomas Canet y David Bonilla.
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A través de un viaje mágico y musical, ya que está repleto de ilustraciones atractivas y divertidas, nuestra amiga Cordalina (inspirada en la voluta de los instrumentos de cuerda) nos presenta este método de cuatro volúmenes para aprender a tocar el violín y la viola, siguiendo los contenidos y objetivos de las enseñanzas musicales de grado elemental. La introducción y práctica de cada elemento técnico, tiene como propósito un innovador y progresivo aprendizaje. La dilatada experiencia docente de las autoras las ha motivado a realizar este proyecto didáctico para mejorar el proceso de aprendizaje del alumnado y ofrecerlo como eficaz herramienta al profesorado. Todas las piezas tienen audio de acompañamiento, y fichas de seguimiento y evaluación para el profesorado. ¡Ven a conocer a nuestra amiga Cordalina!
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Mozart padecía el síndrome de Tourette, lo que le provocaba expresarse en términos escatológicos compulsivamente las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que los n
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Las entradas, concisas e interesantes, nos ayudan a entender los datos fundamentales en solo medio minuto. Así, esta es una guía imprescindible para los recién llegados al instintivo y diverso mundo del jazz. El jazz nació en Estados Unidos casi al mis
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Del latido de Nueva Orleans al alma del mundo. La historia del Jazz. Del bullicio de Nueva Orleans al bebop de los años cincuenta, Breve guía del jazz clásico es un viaje vibrante por la música más creativa e innovadora. Con retratos de artistas legendarios y relatos llenos de color, esta obra revela cómo el jazz transformó culturas, rompió fronteras y sigue siendo hoy la banda sonora de nuestras vidas. Una invitación irresistible a descubrir la historia viva de un género eterno.
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Estas sentidas remembranzas nacen de una pasión precoz por la música infusa (a lomos de ondas radiofónicas y entre discos heredados). El resultado es un amenísimo y sagaz catálogo de perplejidades sonoras (dejémoslo en canciones) que, sin razón aparente, pasan a tejer la banda sonora de sus vivencias y recuerdos. Y en este viaje a lo más recóndito de la memoria musical, allí donde aún resuenan las vibraciones de nuestras canciones favoritas, trata la autora de comprender por qué la música goza de tan profunda raigambre en nuestros sentimientos, pero también cómo llega a desempeñar un papel de tanta importancia en nuestras vidas -hay quienes sostienen que desde avanzada ya nuestra gestación hasta los últimos días que pasamos entre nuestros congéneres-. La propia historia de la autora, con meridiana y ejemplar claridad, así lo atestigua: cómo las canciones la ayudaron a lidiar con el dolor de la pérdida de su padre, a forjar su propia identidad como adolescente solitaria, a alimentar sus relaciones, tanto las reales como las imaginarias, durante los primeros años de su madurez amatoria, y también a impulsar su propio viaje iniciático rumbo a la vida laboral, la edad adulta y la maternidad, y a barruntar incluso cuánto le deparaba el futuro... Estructurado en torno a doce canciones, que van de «Super Trouper», de ABBA, a «Buffalo Stance», de Neneh Cherry, pasando por «Radioactivity», de Kraftwerk, «Heat Wave», de Martha Reeves and the Vandellas o «Drive», de R.E.M., la crónica de esta precoz adicción a la música aúna recuerdos y análisis históricos, científicos y culturales a fin de ilustrar cómo esta puede moldear diferentes versiones de nosotros mismos, cómo dependemos de ella para hallar consuelo, para la conexión sexual y física, cómo crecemos con las canciones y cómo estas crecen dentro de nosotros, ayudándonos a aceptar el dolor, la vejez y los recuerdos. Versa, en suma, sobre el inefable poder de la música para ayudarnos a contar nuestras propias historias, sean cuales sean, y hacerlas cantar.
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El relato en primera persona de una de las leyendas del punk español. Un recorrido nostálgico por las décadas que marcaron y cambiaron para siempre la historia de la música de este país. Guitarras, resacas y alguna que otra verdad. Más que unas memorias, este libro es un parte de guerra. ¡Esas palmas, coño! es la historia de un chaval de Vigo que nació entre calles de barro, aprendió a tocar la guitarra con un trasto canjeado por cupones de supermercado, montó una banda punk sin saber muy bien cómo... y acabó llenando estadios por toda España. Luego, cuando todo iba viento en popa, cogió su Gibson SG y se largó. Con la honestidad de quien ya no tiene que impresionar a nadie, Miguel Costas recorre en estas páginas su propia vida: entre el cachondeo punk y las pérdidas que no avisan, entre la fanfarronería de los noventa y la vulnerabilidad de quien aprendió —nunca es tarde— que pedir ayuda no te hace más débil. Desde el barrio del Calvario hasta los escenarios más sudorosos del país, estas memorias cuentan el viaje de un hombre que lo ganó casi todo, lo perdió a ratos y aprendió que algunas deudas no se pagan con dinero: se pagan sobreviviendo.
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Con más de cuarenta años de trayectoria, Bon Jovi son una banda de gran atractivo comercial en cuya historia caben reflexiones que nunca se realizan. En este libro podrás encontrar consideraciones que van más allá de lo habitual, partiendo de la extraña génesis del grupo para llegar hasta su controvertida etapa actual, incluyendo un minucioso análisis de álbumes que te permitirá volver a escucharlos partiendo de nuevos puntos de vista. Bon Jovi: Juramento de sangre te propone desmarcarte tratando de responder a las preguntas que nadie se hace: ¿Es 7800º Farenheit en realidad un disco infravalorado? ¿Fue Keep the faith en verdad un triunfo? ¿Es These days más revolucionario de lo que parece? ¿Alcanzaron Bon Jovi su cima en 1996? ¿Cómo correlacionan los discos en solitario de Jon Bon Jovi y Richie Sambora con los de la banda? ¿Es This house is not for sale una de las grandes obras de la banda? Únete a un intento por encontrar nuevos enfoques a todas estas preguntas y muchas más.
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.El primer volumen se estrucura en 21 capítulos organizados en tres bloques temáticos, donde analiza aspectos relacionados con la música —como su desarrollo tecnológico, su impacto económico o los agentes que forman parte de la industria—, el artista o los aspectos clave de la música hoy y mañana.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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Una fascinante inmersión en el oscuro romanticismo de la música gótica Gótico es un viaje por la música y la cultura góticas, narrado por un verdadero entendido en la materia. Lol Tolhurst recorre la historia de las figuras que sentaron las bases del género -auténticos padrinos del gótico como The Cure, que él mismo fundó junto a Robert Smith, y bandas coetáneas como Siouxsie And The Banshees, Bauhaus o Joy Division- y de muchos otros grandes grupos que ofrecieron refugio a los inadaptados de los ochenta y siguen haciéndolo en la actualidad. Lol presenta un análisis fascinante y profundo de las figuras más influyentes de este movimiento incomprendido que saltó de Inglaterra a Nueva York, Los Ángeles y el resto del mundo, y lo impregna no solo de sus propios recuerdos sino también de los de sus compañeros músicos, prestidigitadores y artistas que lograron que este género resultase tan necesario y perdurable. A lo largo del libro también repasa la trayectoria de bandas como Depeche Mode y Cocteau Twins, a los que él llama «alquimistas espirituales» y que contribuyeron a la expansión de la oscuridad hacia la cultura. Por último, Tolhurst ahonda en el legado del género y muestra cómo hoy su influencia está presente en la música, el cine, la televisión, las artes visuales y las redes sociales. Tan detallada y rigurosa como evocadora, esta obra es un testimonio atemporal sobre el gótico,
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Tomás Cuesta ofrece neste libro un percorrido rigoroso e apaixonado polas vidas, estilos e achegas dalgúns dos protagonistas que marcaron a identidade sonora de Galicia. A obra parte dunha anécdota internacional para reivindicar o valor universal da música tradicional do noso país. A través de relatos biográficos, acompañados da forza icónica das ilustracións, Cuesta explora a música tradicional galega dende a transmisión oral e a vida rural ata a chegada das gravacións e a modernidade, reflexionando sobre o equilibrio entre tradición e innovación.Con vocación divulgativa e coa intención de animar á escoita activa, o libro presenta a música tradicional galega como unha memoria viva: un patrimonio colectivo, forxado pola necesidade e a creatividade, sempre en diálogo co seu tempo e aberto á reinterpretación no futuro.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
