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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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La inspiración suele entenderse como la presencia de un influjo extraordinario en la creación artística, como un elemento misterioso directamente vinculado al carácter perdurable de la obra tocada por este hálito trascendente. Además, la capacidad de la música de ahondar en este ámbito elevado, asociado a la divinidad, impulsa la obra artística a la categoría de revelación: ya era esta la intención última de los aedos de la antigüedad, y quizás también la ha sido para grandes compositores que, como Bach, Beethoven o Brahms, escribían conscientes de tocar con su arte los resortes de la intimidad humana y vigorizarlos. Como decía George Steiner, la música es la teología de los que no tienen ningún credo formal. En este ensayo, el musicólogo y cantante Josep Maria Gregori reflexiona sobre la relación íntima de la música con la inspiración, la sacralidad y el pensamiento simbólico. Y lo hace sumergiéndose en la experiencia trascendente de la creación de algunos grandes compositores, transmisores del vínculo que une el mundo humano y el arquetipal. Estudia el relato platónico de la armonía de las esferas y analiza su aplicación a los mitos de las sirenas y las musas. Por último, se adentra en la figura de Orfeo y en la obra que Striggio y Monteverdi le dedicaron, y propone un análisis afinado de este hito musical que conjuga sonido, número y palabra como expresiones de un único verbo.
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El baix d'òpera Miquel Riera (Manacor, 1859-1939) va cantar al Teatre Alla Scala de Milà, al de Sant Petersburg, a Odessa, al Teatro Colón de Bons Aires, a l'Albisú de l'Havana, al Teatro Real de Madrid, a Mèxic, Puerto Rico, l'Uruguai i molts altres indrets. La seva carrera fou, sens dubte, de dimensió internacional, però la seva figura no és coneguda. Aquesta obra presenta un treball coordinat per Bàrbara Duran sobre dos estudis previs: els records, les anècdotes i els articles reunits per Ramon Codina Bonet, i la recerca realitzada per la mateixa Duran a partir d'una biografia elaborada pel net del cantant Riera, l'arquitecte Antoni Riera Jaume. El pròleg de Maria del Mar Trias Magraner enquadra els dos treballs, i també la riquesa del món mallorquí de la música escènica al final del xix i al començament del xx, que arribava a més de cent cinquanta representacions per temporada.
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Cocteau escribió Le coq et l'arlequin como manifiesto estético a favor de la música despojada de Erik Satie. Eran los años de la polémica entre los partidarios de Wagner y Debussy. El poeta, novelista y cineasta se sitúa al margen de ambos, pues dice buscar una música que sea ajena a las brumas, que esté definida por la claridad. Las sentencias ingeniosas de este texto pueden calificarse como el acta de nacimiento de una nueva forma de hacer música en Francia, la del llamado Grupo de los Seis. Cocteau reflexiona también sobre su propia aportación a la historia de los estrenos escandalosos, el ballet Parade con música de Satie.
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Robert Gerhard i Ottenwaelder (Valls, 1896 – Cambridge 1970) es el compositor catalán más importante del siglo xx y seguramente uno de los pocos compositores catalanes universales. Su periplo vital, estético e intelectual es fascinante y explica de forma paradigmática la desdichada historia de Cataluña, de España y de Europa. A pesar de todo ello, todavía es una figura bastante desconocida para el gran público y su música de calidad y modernidad deslumbrantes sigue ausente de las programaciones.Con este libro, el apasionado gerhardiano Oriol Pérez i Treviño llena un vacío inexplicable. A partir de la bibliografía y de los estudios existentes, relativamente abundantes pero parciales y muy a menudo hechos desde ópticas extranjeras, construye un relato personal, documentado y con nuevas aportaciones de la trayectoria personal y artística de este creador único que dejó Cataluña para exiliarse a Cambridge, donde falleció en 1970.Les ofrecemos, ahora que las conmemoraciones de Gerhard ya han pasado, una verdadera invitación al descubrimiento de una mente privilegiada y apasionante de un hombre comprometido de la forma más radical, y sobre todo una invitación a escuchar una música extraordinaria y a profundizar en la misma.
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Tras el éxito de La Música de la Memoria, libro dedicado a los grandes músicos del siglo XIX, Xavier Güell se adentra en los años más oscuros del siglo XX para analizar la relación entre la música y el poder totalitario. Y para ello narra la historia de cuatro compositores que luchan por su vida y por su música cuando los totalitarismos y el horror bélico asolan Europa. Béla Bartók, Richard Strauss, Dmitri Shostakóvich y Arnold Schönberg se enfrentan al poder político de su tiempo, para evitar que su obra sea sometida, dirigida y utilizada, a la vez que procuran desesperadamente la supervivencia de los seres que aman. En Richard Strauss y el nazismo. Nadie logrará conocerse, Richard Strauss, considerado el mayor compositor de su tiempo, decide permanecer en la Alemania nazi y aceptar la presidencia de la Cámara de Música del Reich con el propósito de proteger a su familia -su nuera y sus dos nietos son judíos-, asegurar el estreno de su ópera La mujer silenciosa, cuyo libreto ha escrito el judío Stefan Zweig, y favorecer la cultura alemana. Decisión controvertida que le hará aparecer a los ojos del mundo como un colaboracionista y ser sometido, al final de la guerra,
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Granada Tango reúne poesía, ensayo y música en un volumen fundamental para comprender el cruce entre la cultura del tango y la renovación poética española. Publicado originalmente en 1982 y hoy recuperado, el libro reúne a autores clave de la llamada “otra sentimentalidad” junto a estudios y letras del tango.
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Un viaje por España y por el tiempo, con desvíos que llevan a festivales de música en Amsterdam y a hospitales al borde del colapso. Hay castañuelas de imitación y castañuelas viejas de ébano que suenan a duende zascandileando dentro de un tonel. Guardian
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Publicado por primera vez en 1978, este fue el primer libro que alumbró, de manera documentada y precisa, la ascensión y disolución del grupo por antonomasia del punk británico. Compuesto a modo de collage, el presente volumen es un originalísimo, poliédrico y vívido artefacto punk, aderezado con el material gráfico que creó para el grupo el inclasificable Jamie Reid y un buen número de fotografías.
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Todos sabemos al menos una canción de Siniestro Total. Todos sin excepción. De hecho, las conocen incluso quienes jamás han abierto una novela de Pérez-Reverte o Paulo Coelho. Porque Siniestro Total lo ha cantado todo: ha cantado a los toreros, a la nicotina, a los bocatas de morcilla, a dormir la siesta, al origen del mundo, al síndrome de Estocolmo, a tumbarse a la bartola y a esa chica muy mona que nació en Barcelona. Siempre con el más férreo buen humor. Gallego, universal y con cuarenta años de aclamación popular, Julián Hernández nos ofrece la historia de su banda partiendo de las influencias que lo marcaron como músico. En Folla con él (un título cuyo origen se explica en estas páginas) nos encontramos un recorrido por el rock de todas las décadas, y unas soterradas memorias de un artista y una banda para quienes se acuñó un adjetivo, «inclasificable», que luego nos han robado en miles y miles de textos de contracubierta.
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Un viaje, en fin, por la historia de la música para piano, desde las primeras espinetas a los teclados máscomplejos, desde Bach hasta la penúltima modernidad,plagado de arte y pasión y escrito por uno de los críticos musicales de referencia. Estas páginas son unregalo para aquellos que se interesen por la músicaparapiano y sus autores. Un regalo repleto de emociones musicales que repasa las creaciones más importantes yemblemáticas del género. Más allá de la historiadel propio instrumento, con certeza el que más y mejor música nos ha legado, el autor nos guía a través del «pianismo» de Mozart y de románticos como Chopin,Liszt oBrahms, con Beethoven y Schubert como eje central, pero sin dejar de mirar hacia los necesarios orígenes:Cabezón, Frescobaldi, los Couperin, DomenicoScarlatti y, naturalmente, Bach. No solo como antecesores dederecho sino como portadores de verdades musicales transmisibles al teclado moderno desde sus viejas consolas instaladas en los grandes órganos y losmás domésticos clavicémbalos. Páginas que miran hacia la modernidad de Debussy, Albéniz o Ravel, sin olvidar al «mestizo» Gershwin o al padre de la música actual norteamericana, Charles Ives, analizando su procedencia y sus fundamentos, amén de la inasible bellezade sus composiciones. A través de estas, conoceremoslas distintas maneras de afrontar la creación y la personalidad de cada compositor para comprender su realidad más intangible y su propio e indeleble sello personal, algoque, sin duda, supone mucho más que unadeterminada manera de combinar las notas. «El autor,fundamentado ensu larga experiencia de aficionado yde estudioso, vallevando al lector por un camino bien delimitado, orientándolo, conduciéndolo suavemente.» ARTURO REVERTER, crítico musical «Pedro González Mira tiene una pluma rigurosa, veterana, melómana y amena de la musicografía española (...), es un humanista en el más hermoso y legítimo sentido de la palabra.» JUSTO ROMERO, crítico musical
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Not For You. Pearl Jam, vivir en presente es la primera biografía completa de una de las bandas más importantes de las últimas décadas, surgida en Seatle en los años 90. Polémica y divertida al mismo tiempo, Not for You explora los orígenes y la evolución de Perl Jam a lo largo de treinta años, desde su fundación (Ten), en plena irrupción del grunge, en 1991 a través de su época dorada (Vs., Vitalogy, No Code y Yield) para desembocar en su período de madurez (Binaural, Riot Act) y sus últimas propuestas sin olvidar la relación de la banda con Kurt Cobain, Chris Cornell, R.E.M., Red Hot Chili Peppers, Neil Young, el punk de Washington...Pero la historia de Pearl Jam y Eddie Vedder es mucho más que música. A través de la resistencia, la integridad y la pura fuerza de voluntad, el quinteto de Seatle ha estado presente con su voz en momentos clave de la historia reciente de Estados Unidos: desde la Operación Tormenta del Desierto hasta la defensa del derecho a decidir de las mujeres desde «Jeremy» a la matanza de Columbine desde el activismo antiracista al Black Live Matters desde el enfrentamiento con Ticketmaster a la aparición de Trump. Ronen Givony, un fan sin paliativos ni complejos, ofrece mucho más que un estudio crítico o una biografía musical al uso Not For You. Pearl Jam, vivir en presente es, además, una reflexión sobre el arrebato de la adolescencia, la locura de los fans y la responsabilidad de los artistas y también un ensayo sobre el placer, la nostalgia y el paso a la madurez. En parte historia social, en parte historia de la música popular, narrada en tono autobiográfico, Not for you rememora uno de los momentos más interesantes y creativos del rock.
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Una ficción científico-política, una narración fantástica de estilo cuidado, que anuncia y nos imagina a nosotros mismos desde la distancia y nos previene antepeligros inminentes: el autoritarismo y la opresión,los riesgos de la guerra, el progreso técnico, la búsqueda de una verdad absoluta
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En España, la llegada de la democracia tuvo el efecto de mil primaveras e hizo que la gente tomara las calles para, en palabras del autor de este libro, «bailar, beber, volar, follar, vivir». Madrid se convirtió en el centro neurálgico de esa gran fiesta colectiva, en la que una serie de artistas de distintas disciplinas coincidieron y conformaron, sin planificación alguna, un ambiente lúdico/cultural que recibió el nombre de «Movida». La novedad de este volumen reside en que trasciende los contornos canónicos de la Movida y de sus vacas sagradas ?Almodóvar, Alaska, Rock-Ola, Radio Futura?? y, sin olvidarlos, va más allá. De tal forma que en sus páginas se recogen otros muchos nombres que también estuvieron allí y se relatan esas otras movidas que sucedieron mientras la Movida oficial se desarrollaba. Rico en datos, curiosidades y rebosante de ironía, en Madrid sí fue una fiesta se detallan los atributos de aquel período de nuestra historia, desde las figuras (músicos, actores, cineastas, pintores, fotógrafos, diseñadores) a los escenarios (calles, salas de conciertos, bares), pasando por los objetos (ropa, complementos, vehículos) y las sustancias estupefacientes.Un retablo de una gran riqueza por su variedad y por las aportaciones que, en unos años imperecederos, todos sus protagonistas hicieron a nuestra cultura popular.
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?El azaroso paso de George Harrison por este mundo fue demasiado breve, murió con tan solo cincuenta y ocho años, pero le dio tiempo a ser uno de los protagonistas del siglo xx, junto con sus compañeros de aquelgrupo de Liverpool que ayudaron con sus canciones a que el mundo fuera mucho más bello, mejor y divertido.En este libro uno puede vivir los primeros años deGeorge con los Beatles y sus aportaciones musicales,sus años en solitario, que fueron tan prolíficos, asícomolas guitarras que utilizó, los amigos con los que compartió ese inmenso viaje, las mujeres de su vida, elcine, que tanto le apasionó, las carreras de coches ysuparte más espiritual. ?Piscis, dual, esquivo, maravilloso, un imán para gente interesante, talentosa ydivertida?, en palabras de su esposa Olivia TrinidadArias. Esta es su apasionante vida.
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En 1989 David Foster Wallace se traslada a Boston para cursar un posgrado en Harvard y se instala en el apartamento de Mark Costello, antiguo compañero de universidad. Juntos descubren su común interés por la naciente música rap. DFW se aventura en un ensayo con el que desmenuzar el ADN cultural del género. Costello escribe pequeñas réplicas que devienen ensayos completos, entrelazados con los de Wallace. El resultado será “Ilustres raperos”, una suerte de tratado que intenta encontrar el sentido del rap a partir de la sociología, la economía, la filosofía, la ley y otras tantas disciplinas.
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Paco Loco es nuestro productor musical más emblemático. Es nuestro Phil Spector. Grammy nominated, columnista ocasional, víctima de un síndrome de Audiógenes incurable, Paco Loco nos abre las puertas de su estudio y nos invita a descubrir los secretos de su sabiduría chiflada y de sus míticas grabaciones.Conoceremos a Muni, pero también a Hiss & Hum, huiremos de coches que explotan, entenderemos lo de los ruidos que no se oyen, pero sí que se escuchan, aprenderemos cómo se puede ser un yonqui de lo retro y afirmar que el futuro es el pasado y que hay que volver al cassette y que lo peor es la rutina (Turner) y que los Pactos Locos (Donald, Lucas) es un gran nombre de grupo y que… Hay que leer este libro que cuenta con la participación de algunos de los nombres más significativos del panorama musical: Muni Camón, Nacho Vegas, Fran Nixon, Joaquín Pascual, John Agnello, Paco Neuman, Steve Wynn, Mikel Erentxun, David Carabén, Juan Santaner, Pedro Vigil, Miguel Fuentes, Pablo Errea, Josh Rouse, Gary Louris…
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Elvira de Hidalgo (1891-1980) fue una de las más destacadas sopranos del primer tercio del siglo XX, rescatada ahora del olvido gracias a esta monumental biografía de Juan Villalba Sebastián, que ha contado con la colaboración de musicólogos y especialistas de distintas nacionalidades. Nacida en Valderrobres, Teruel,Elvira fue reconocida por todos los públicos y críticos a nivel internacional como la mejor Rosina de suépoca, la pizpireta protagonista de la popular óperade Rossini, El barbero de Sevilla, que cantó con éxito en teatros de toda Europa, Hispanoamérica y EstadosUnidos. Cantó con las más grandes figuras de los años dorados de la ópera: tenores como Caruso, Fleta, Lázaro, Gigli, Smirnov, Bonci, Schipa o Lauri-Volpi, barítonos como Battistini, Campanari, Montesanto, Galeffi, Stracciari o Ruffo, y bajos como Chaliapin, Didur, Journet o De Angelis. Actuó siempre en los mejoresescenarios del mundo, como el Metropolitan de NuevaYork, el Covent Garden de Londres, La Scala de Miláno la Ópera de París, aunque también reinó en otros deprimerísimo nivel como el Colón de Buenos Aires, Costanzi de Roma, San Carlo de Nápoles, Liceo de Barcelona y el Teatro Real de Madrid. Fue dirigida, además,por batutas de leyenda como Pietro Mascagni, Thomas Beecham, Arturo Toscanini o Tullio Serafin. A su vez,Elvira no fue una maestra de canto al uso, y los fundamentos de sus enseñanzas se cimentaron en aquella dilatada y exitosa carrera profesional, desarrollada durante más de tres décadas. Su más famosa discípula fue Maria Callas.
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Leone Magiera nos ofrece en este libro de recuerdos una visión completamente nueva de Herbert von Karajan.Amigo y colaborador del Maestro durante muchos años,además de analizar en profundidad su técnica de dirección, Magiera nos cuenta en sus encuentros con Karajan detalles curiosos y sugerentes de la personalidadmás escondida y secreta del gran director salzburgués.
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Cuando una devastadora tragedia personal aplastó sus sueños de adolescente, Kid Congo Powers encontró consuelo a través del fandom, como fundador del club de fans de los Ramones de la costa oeste. Un encuentro casual con otro inadaptado punk chicano que dirigía el de Blondie, Jeffrey Lee Pierce, en la fila del Whiskey-A-Go-Go para entrar a un concierto de Pere Ubu, cambió el curso de su vida. Pierce le propuso formar una banda. Nació así The Gun Club, y comenzó la que parecía una improbable transición de admirador hasta artista. En Pierce encontró hermandad, una voz creativa y una causa común por la autodestrucción que se alargaría durante años. Extravagante, graciosa y conmovedora, con una evocación perfecta del tiempo y el lugar, el libro es una memoria de transformación personal, adicción y recuperación, amistad y pertenencia, en contraste con la implacable creatividad y el exceso de las escenas musicales underground de los las décadas de 1970 y 1980.
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¡El miedo acecha al territorio! reúne los escritos del músico Thom Yorke y el artista visual Stanley Donwood entre los años 1999 y 2000, un período marcado por el proceso creativo que dio lugar a dos de los discos más experimentales y aclamados de Radiohead, Kid A y Amnesiac.Faxes, notas, letras de canciones, dibujos, listas, garabatos, todo un collage que documenta el trabajo de dos artistas en plena ebullición. El resultado es una fascinante inmersión en dos álbumes que son ya dos clásicos de la música contemporánea, reflejo de los miedos, augurios y fantasías que el mundo provocaba con la llegada del nuevo milenio.«Los temas que el libro explora -el calentamiento global, la vigilancia gubernamental, el poder corrosivo de internet- siguen siendo sorprendentemente vigentes».The Scotsmanrix de Flore y el Prix Maison Rouge, esta divertid¡sima y afilada sátira llena de matices sobre la cultura de la cancelación y el choque generacional ha confirmado a su autor como una de las voces más interesantes del actual panorama literario francés.uando la atracción femenina entra en conflicto con una cultura masculina en crisis.el Manzano Martos, protagonista, junto con Chueca, del rescate del Arco de la Latina y su subsiguiente reconstrucción en la Ciudad Universitaria.
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¿Por qué se unió Tragabuche a los bandoleros llamados Siete niños de Écija? ¿Murió dos veces el Beni de Cádiz? ¿De quién se dijo que el que no fuera a escucharlo cantar es que no tenía vergüenza? ¿Qué relación tenían las Camelias con Valle-Inclán o los hermanos Romero de Torres?, ¿Por qué se organizó realmente el Concurso flamenco de Granada? ¿Qué se escondía en los cafés-cantantes? ¿Qué mágica relación existe entre el toro y el cante? ¿Quién era la bailaora de la que decían que mareaba mirarla? El flamenco es un tesoro inabarcable en sus formas y en sus tiempos. Desde que el flamenco no era flamenco hasta que fue declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco ha estado presente en todo el mundo, desde el cabo de Trafalgar al Paralelo de Barcelona, desde el Levante hasta los fandangos de Huelva. E incluso, cómo no, traspasando las fronteras, no en vano la primera cátedra de guitarra flamenca se creó en Róterdam. Pero como todo gran tesoro esconde grandes secretos. Eduardo J. Pastor Rodríguez desentraña en esta apasionante y deliciosa obra muchos de los interrogantes que rodean al mundo del flamenco dotándole de ese embrujo que lo hace eterno. «Eduardo Pastor, conocido por sus numerosas publicaciones sobre flamenco, se expresa en un lenguaje sabroso, espontáneo y elegante». Jacques Issorel, Catedrático honorario de la Universidad de Perpignan (Francia)
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Cuando Harry Styles hizo el primer cásting para The X Factor en 2010, soñaba con convertirse en cabeza de cartel como solista. Ahora, tras haber liderado la boy band más popular del siglo -One Direction- y tener una carrera como solista y como actor, Harry se ha hecho con un estatus de culto en el panorama internacional. Vida y música de Harry Styles explora el fenómeno en que se ha convertido, resiguiendo su vida y su carrera hasta el más mínimo detalle. Del chico descarado y fresco de su primera aparición en pantalla al artista polifacético y seguro de sí mismo, esta es la historia de cómo nace un icono del siglo XXI. Músico ganador de un Grammy, aclamado actor y creador de tendencias, Styles rompe fronteras continuamente, desde su aparición en la portada de Vogue con un vestido hasta su apoyo a organizaciones benéficas y a la comunidad LGBTQ+. Y a pesar de todo, nunca ha perdido su encanto, su optimismo y su lema, TGCA: Trata a la Gente Con Amabilidad.
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Un honesto relato en primera persona sobre los límites del éxito y el fracaso, del amor y el odio a uno mismo.Una historia de amor, música, ansiedad, sueños y locura. Volvió otra vez la primavera y yo volví a sacar del bolso un cuaderno. Pero no era el cuaderno de las canciones. Era este cuaderno que tienes entre las manos. Al principio estaba asustada, no te voy a engañar, pero esta vez me sentía más tranquila. Sonreía con los ojos llenos de polvo de estrellas... Espera, espera... ¿te has perdido? No te preocupes, te explico rápido: en 2002 entré en Operación Triunfo, pero me expulsaron la primera. Me convertí en la perdedora más famosa de España. Tres años después, formé el grupo Nena Daconte. No era la primera vez que tenía un grupo, pero en esta ocasión dimos en la diana. Nos fichó Universal y llegó el éxito arrollador. En qué estrella estará sonaba grande y con derecho propio. Premios, giras, todas las puertas abiertas... Pero en aquella época fumaba porros y empecé a abusar del alcohol. Comenzó una etapa de autodestrucción que terminó en mi primer brote psicótico. Un año después, con la canción Tenía tanto que darte el éxito fue imparable, demoledor. Continuaron las paranoias, la ansiedad y el miedo. Difícil combinación. Todo era malo en mi cabeza. El triunfo me sentaba fatal, la culpa me comía por dentro y destruía todo lo que viniera de mí. Hicimos más de doscientos conciertos en un año. Mi salud mental empeoró. Desde entonces, tuve varios diagnósticos psiquiátricos diferentes: depresión psicótica, trastorno bipolar de la personalidad, ansiedad... Un médico me dijo una vez que con los años se iría agravando. Y así fue. De todas las relaciones tóxicas que tenía, la peor de todas era con la música, así que lo dejé. Abandoné. Desaparecí. Hui. Al menos hasta hoy, cuando volví a sacar del bolso este cuaderno... He hecho un largo viaje hasta llegar aquí. ¿Quieres saber cómo fue? María Isabel Meneses nació en Madrid en el seno de una familia numerosa que, por motivos laborales, se mudaba a menudo de ciudad. Desde niña se interesó por la música, influenciada por sus hermanos mayores. Y siendo ya una adolescente formó su primer grupo, con el que hacía conciertos en pequeñas salas. En 2002 entró en Operación Triunfo. Tras su fugaz paso por el programa musical, formó junto a su entonces pareja, el músico Kim Fanlo, el grupo Nena Daconte, nombre tomado del personaje de una novela de Gabriel García Márquez. En 2006 publicaron su primer álbum, He perdido los zapatos, que logró el Disco de Oro y por el que Nena Daconte recibió el Premio Ondas como Artista Revelación. El segundo sencillo de ese álbum, En qué estrella estará, fue escogido como la canción oficial de La Vuelta Ciclista a España 2006 y se convirtió en el primer número 1 de Nena Daconte en Los 40 Principales. En 2008 publicaron su segundo trabajo, Retales de Carnaval, que alcanzó ese mismo año el Disco de Platino. Tenía tanto que darte fue el primer sencillo de este álbum y estuvo varias semanas en el número 1 de la lista de Los 40 Principales. El videoclip de la canción ha tenido más de doce millones de visualizaciones en YouTube. En 2010 el dúo Nena Daconte se separó y Mai continuó su carrera en solitario. Publicó tres discos, Una mosca en el cristal, Solo muerdo por ti y Suerte# Este año sacará su nuevo álbum con la discográfica Subterfuge.
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Cumplidos los 250 años de su nacimiento, ¿por qué sigue Beethoven estando tan vivo y tan de actualidad? En palabras del propio Beethoven El Arte exige que no nos quedemos quietos, motivo por el que seguimos celebrando su inconmensurable genio -cercanos a conmemorarse los 200 años del estreno en directo de la Novena Sinfonía- con la edición en castellano de la novela gráfica Beethoven. La sinfonía final.
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En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».
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Los múltiples y variados proyectos artísticos realizados por Niño de Elche durante los últimos años desbordan las categorías tradicionalmente asociadas a ''lo musical'' y se sustentan en un conjunto de reflexiones que, a su vez, se extienden más allá del terreno estrictamente artístico, para alcanzar otros ámbitos como el del pensamiento político o la teología. Sobre todo ello se dialoga en este libro, en el que esa subjetividad escindida entre Francisco Contreras / Niño de Elche conversa con Miguel Álvarez-Fernández, con quien ha colaborado en diversas iniciativas artísticas, y que hace emerger en estas páginas el pensamiento singular, indócil y provocador de Niño de Elche. Todo ello configura un texto que aspira a ensanchar la noción de ''música'' mucho más allá de lo que ciertos críticos, académicos, programadores, instituciones y melómanos parecen dispuestos a admitir. Se trata, en fin, de una invitación a ejercitar una escucha más dilatada y generosa, que quizá pueda servir para ampliar nuestras perspectivas sobre el arte (e incluso la vida, si es que se trata de algo diferente).
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¿Está la música de nueva creación ante la encrucijada de salirse de tono, no ya del bello tono de los instrumentos, sino del medio exclusivamente sonoro como tal?La música de nueva creación (aquélla que aún no hemos creado y, por tanto, sólo está si acaso en nuestras mentes) se halla ante una bonita encrucijada, fruto de una situación más patente que latente: ya hemos escuchado todos los sonidos. Y no solamente los hemos escuchado, sino que, hoy en día, si bien quizá es un poco arriesgado afirmar que hemos escuchado todas las combinaciones posibles de sonidos, no lo es tanto decir que rara vez encontramos alguna combinación que nos sorprenda.Y aquí surge la primera pregunta ante la encrucijada: ¿es importante la sorpresa? Quizá no, y podemos simplemente colgar el cartel de Fin de la Historia y seguir componiendo sin más, utilizando todas esas técnicas ya históricas que hoy en día tenemos tan bien estudiadas y enseñadas. Pero quizá sí. O quizá echamos de menos aquello que, entre otras cosas, también nos aportan la sorpresa y lo nuevo: el no saber (lo que es, lo que viene, lo que suena), el cuestionarse, el que nos saquen de nuestro tono.Quizá hemos perdido la fascinación por lo meramente sonoro, es decir, por el medio tradicional de la música como tal. Quizá el medio de la música ya no es sólo lo musical (como lo aportado por los instrumentos musicales históricos), sino también el sonido cotidiano (de la calle, de la gente, de las diversas máquinas de nuestra sociedad), o quizá ya ni siquiera es sólo el sonido, y no podemos contener el desbordamiento del medio hacia otros medios más o menos sonoros como lo performativo, lo visual, lo socio-político.
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Por fin tienes entre manos el primer volumen antológico de las más destacadas delicias del periodismo musical español.Escogida y compilada por el periodista Bruno Galindo, esta exquisita selección recoge 51 míticos artículos escritos a lo largo de los últimos 60 años por leyendas del periodismo como:José María Íñigo, Joaquín Luqui, Tina Blanco, Carlos Tena, Diego A. Manrique, Ángel Casas, Constantino Romero, Pepe Ribas, Jesús Ordovás, Magda Bonet, Jordi Sierra i Fabra, Nativel Preciado, Rafa Cervera, Fernando Navarro, Mercedes Arancibia, Ruth Baza, Íñigo Munster, Ignacio Juliá, Santi Carrillo, Grace Morales, Tina Blanco, Claudi Montañá, Jerry Corral, Aïda Camprubí, ... KOKOTXAS está cronológicamente dividida en seis capítulos: ‘Todo esto era campo’ (1965-1972), ‘Underground’ (1973-1979), ‘Modernidad’ (1980-1989), ‘Revistas y suplementos’ (1994-2005) y ‘Presente y el futuro’ (2010-2022)
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La carrera de Adolfo Rodríguez está marcada por su pertenencia a dos bandas puntales de la historia de la música popular española, Los Íberos y Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Transitando por el camino púrpura, la música ha marcado el ritmo de su apasionante vida desde que con dieciséis años se echó la guitarra al hombro, Ajeno al mito, Adolfo se considera un trabajador de la música, Adolfo. Por el camino púrpura recorre su infancia en el madrileño barrio de la Ventilla durante la posguerra, sus comienzos musicales en el Madrid pop de los sesenta y en el legendario Torremolinos de la época, la grabación en Londres con Los Íberos de algunas de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos y el tortuoso y brillante camino recorrido con Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Asistimos a su participación en la versión española de The Rocky Horror Show en los estertores del franquismo, su trabajo en una orquesta o su colaboración en decenas de anuncios y discos de diferentes artistas, así como su presencia en dos de las mejores películas del pop español Un, dos, tres… al escondite inglés y Topical Spanish, Acontecimientos que hacen de Adolfo una figura incontestable del pop español y dan forma a una larga carrera en la que la pasión por la vida ha primado por encima de cualquier otra circunstancia,
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¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que ''Something'', compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los actores secundarios que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió.Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este.
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El inicio y el auge de la popularidad de la cantante Estrellita Castro, entre 1921 y 1936, a través del prisma de los acontecimientos sociales y políticos de la época.La trayectoria de Estrellita abarca desde que actuó con 11 años ante la reina Victoria Eugenia hasta que logra salir del Madrid republicano de la guerra, gracias al ministro socialista Indalecio Prieto, sin olvidar la dictadura de Primo de Rivera, la proclamación de la II República, la Revolución de Asturias, el terrorismo y el inicio de la Guerra Civil. Fruto de tales hechos, la artista pasa de ser apolítica a considerarse públicamente republicana de Lerroux y a simpatizar con el sindicalismo de Pestaña, años en los que, entre las violencia social, se dedicó a crear la canción andaluza, como génesis de la copla española. La novela, que toma como hilo conductor de las convulsiones sociales la vida de Estrellita Castro, hace un homenaje a los espectáculos de variedades, a olvidados y recordados artistas y compositores y a los teatros que daban vida tanto a los pueblos de la España de los años 20 y 30 como a los concurridos music-hall barceloneses y los teatros madrileños. Junto con esto, se muestra la realidad de los movimientos obreros, principalmente el anarquismo, y las perspectivas de la educación reglada. El ansia de libertad motiva y cambia la vida de los personajes. La novela contiene información desconocida o novedosa sobre Estrellita Castro hallada en la prensa de la época.
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Se dice que, mientras cumplía una condena de dos meses en la prisión de Holloway por arrojar piedras contra las ventanas de los políticos que se negaban a reconocer el derecho al voto de las mujeres, se pudo ver a Ethel Smyth dirigiendo a través de los barrotes de su celda, con el cepillo de dientes a modo de improvisada batuta, una interpretación de La marcha de las mujeres, el himno que poco antes había compuesto para el movimiento sufragista.La anécdota retrata a la perfección el carácter de la que fuera una de las voces femeninas más celebradas de la música clásica occidental: autora de más de diez libros de memorias, seis óperas y una rica variedad de piezas corales, orquestales o de música de cámara, Ethel Smyth combinó su pasión por la música con el compromiso feminista y fue testigo y protagonista de algunos de los principales hitos de la historia europea de los siglos XIX y XX. Si su militancia en el movimiento sufragista le granjeó el afecto de Emmeline Pankhurst o Virgina Woolf, su formación musical germanófila la puso en contacto con Brahms, Mahler o Clara Schumann, figuras todas que desfilan por las numerosas páginas que la compositora dedicó a recoger sus vivencias.El presente volumen recoge una cuidada selección de los pasajes más destacados de estos escritos autobiográficos para ofrecer una puerta de entrada a una vida singular dedicada a la música y la lucha por los derechos de las mujeres.
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A partir de casi un centenar de entrevistas y un proceso de documentación de más de dos años, ''Balearic'' cuenta ''a través del relato en primera persona de sus protagonistas'' la historia de una de las mecas del clubbing mundial: Ibiza. Por primera vez, y a partir del testimonio de DJs y músicos de fama internacional, periodistas, disqueros, bailarines, promotores, hosteleros y propietarios de discotecas míticas como Pacha, KU (ahora Privilege), Amnesia o Space, y bares como Café del Mar y su DJ José Padilla ''artífice del fenómeno de las puestas de sol con banda sonora'', se da cuenta de la fascinante historia de la cultura de club de la Isla Blanca. El relato arranca a finales de los años cincuenta, cuando empieza a acudir el turismo internacional, primero los beatniks norteamericanos, y luego los hippies, en los sesenta, huyendo de la guerra de Vietnam y atraídos por la cultura de libertinaje y desinhibición retratada en aquel film de culto con música de Pink Floyd que fue ''More'', rodado entre Formentera e Ibiza. Con el sustrato musical de estos viajeros, las drogas que trajeron consigo y la iniciativa de algunos empresarios entre visionarios y chalados, se cimentaron las bases de un paraíso del ocio nocturno que explotaría en 1987, cuando unos intrépidos clubbers ingleses se quedaron prendados de la ecléctica sesión musical de los DJs Alfredo Fiorito y Leo Mas en las noches de Amnesia. Cuando exportaron el fenómeno a Inglaterra y lo bautizaron como ''Balearic beat'', la cultura de club se extendió como un reguero de pólvora por todo el mundo al grito de acieeeeeed. Lo que siguió fueron oleadas de turistas en busca de la salvaje descarga de música y espiritualidad telúrica de la isla, amén de otras sustancias, e Ibiza devino, para bien o para mal, en emporio mundial del turismo y del clubbing. Con la intervención de: Carl Cox, Peter Hook, Paul Oakenfold, Danny Rampling, DJ Harvey, Luciano, Louie Vega, Alfredo Fiorito, José Padilla, Nightmares on Wax, Julien Temple, Irvine Welsh, Trevor Fung, Terry Farley, Bill Brewster, Phil Mison, César de Melero, Pippi y muchos más...
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Tras el éxito de 100 musicales que deberías ver (Amat, 2020), Joan Francesc Cánovas nos presenta una nueva selección de los mejores musicales de la historia que complementa y amplía su anterior obra. En 100 musicales MÁS que deberías ver aparecen muchas obras que han sido galardonadas con los premios Tony y/o Laurence Olivier (y que no habían sido citadas en el primer libro). Aparecen, también, muchas de las que han conseguido reabrir en Broadway y el West End después de la pandemia de la COVID-19 y algunos clásicos hasta los años ochenta/noventa.
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Con apenas 14 años e interpretando temas country con su guitarra, Taylor Swift se convirtió en la novia de América. Luego cambió su estilo hacia un pop espectacular, cargado de emoción y lleno de influencias de la música de los ochenta y los noventa para convertirse en una artista intergeneracional y en la cantante más aclamada y popular del planeta.Pura fuerza y creatividad y con la capacidad musical de reinventarse en cada disco, Taylor Switf es hoy un fenómeno cultural de alcance mundial y la cantante que mejor conecta con varias generaciones de fans, gracias a su música fascinante y a unas letras en las que vuelca su experiencia y sus sentimientos.Como escritor musical preferido y de mayor confianza de Taylor Swift, Rob Sheffield ha disfrutado durante años de la amistad de la cantante y ha llegado a conocerla mejor que cualquier otro periodista del mundo del espectáculo. En Heartbreak is the National Anthem, la primera biografía en profundidad de Taylor Swift, Sheffield fusiona reportaje y crítica de una manera que solo él puede hacer, repasa los momentos más icónicos de la vida de la cantante, su evolución como intérprete y compositora y descubre cómo su vida personal forma parte de las letras de sus canciones.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
