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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Pocos músicos reconocen sus errores o sus desaciertos, se sinceran y se ríen tanto de sí mismos como lo hacen Enrique y Roberto Cubero en la conversación que mantienen con Emilio Gancedo. Y de ese modo, son los dos hermanos quienes nos cuentan su propia historia, la historia de dos chavales, nacidos en los 70 en una Guadalajara poblada por desertores del arado, que, en una habitación con muebles de aglomerado y paredes pintadas al gotelé, se afanan en sacar con una guitarra prestada los acordes de una canción de Sabina o de reproducir unas melodías de Scotty Moore con un viejo laúd de rondalla. Después, la migración a Cardedeu, en la Barcelona posolímpica, y la formación de la primera banda, RC Brothers, un grupo de bluegrass nacido en 1998 con el que maduraron personal y musicalmente recorriendo el circuito catalán de country. Mientras tanto el aprendizaje de las dinámicas musicales y el estudio del cancionero tradicional castellano. Y tras la separación de la banda, la apertura a un nuevo proyecto construido solo con guitarra, mandolina y palabras y alentado por la libertad de no ceñirse a un estilo. Y, en 2010, el golpe de gracia definitivo: el primer lugar de la segunda edición del Premio Europeo de Nueva Creación de Folclore Agapito Marazuela. Jota castellana con aires de los Apalaches. El resto de la historia de estos dos músicos hechos a sí mismos está escrita en sus armonías recogidas en media docena de discos y en las letras de sus canciones que ahora traemos aquí.
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La melodia del violí d'en Lev va fascinar Helena Attlee d'ençà que la va sentir en un concert. Aviat va esbrinar que es tractava d'un vell instrument italià que portava el nom del seu antic propietari rus i tenia una rica història. Delerosa de descobrir els detalls del seu origen i la resta de secrets que amagava el seu delicat cos de fusta, Attlee es va dirigir a Cremona, el bressol del violí italià i el punt de partida d'un viatge extraordinari de final inesperat. Mitjançant les visites a tallers polsegosos, boscos alpins, esglésies venecianes, luxoses corts florentines i remots mercats russos, El violí d'en Lev ens porta del cor de la cultura italiana als seus confins més llunyans. Una història sorprenent de lutiers i científics, prínceps i rodamons, instrumentistes, compositors i viatgers, que és a la vegada una meditació punyent sobre el poder dels objectes, dels relats i de la música per crear cultures senceres i transformar la vida de les persones.
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Por qué Beethoven tiró el estofado es un apasionante recorrido por lavida y la obra de seis compositores geniales, Johann Sebastian Bach,Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, JohannesBrahms e Igor Stravinsky, por los cuales el gran violonchelista sienteuna especial admiración.Con un tono humorístico y en apariencia despreocupado, Isserlis nosintroduce en el mundo mágico y fascinante de estos autores que, cada unoen su época, dieron un giro a la historia de la música clásica y lahicieron llegar a millones de personas.
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Durante una breve época, en una Europa amenazada y posteriormente ocupada por la Alemania nazi, el jazz fue el estilo musical más escuchado del momento, tan ubicuo y popular como más tarde lo sería el rock and roll. Definido como «música americana negrojudía de la selva» por Joseph Goebbels, el jazz no tardó en ser calificado como «degenerado» y oficialmente prohibido por el régimen. Sin embargo, era la banda sonora de la vida nocturna en Berlín, París y otras capitales europeas, y sus entusiastas, a pesar de los riesgos, no estaban dispuestos a renunciar así como así a su música predilecta.Embarcado en una investigación personal de aquel turbulento periodo, el músico y periodista Mike Zwerin dedicó dos años a viajar por Europa entrevistando a aquellos singulares individuos que interpretaron y disfrutaron el jazz a la oscura sombra de Hitler, consignando para la memoria historias tan fascinantes como trágicas, tan espeluznantes como excepcionales. Entre ellas, la del único miembro superviviente de los Ghetto Swingers, una orquesta judía de jazz que «actuó» en Theresienstadt y Auschwitz la del piloto de la Luftwaffe que escuchaba a Glenn Miller mientras bombardeaba Londres la del pianista polaco que pasó de tocar en clubes clandestinos de Varsovia a tocar el contrabajo en un sexteto de jazz en el campo de concentración de Flossemburg la de los pandilleros berlineses aficionados al swing y los entusiastas zazous de París que desafiaron a las autoridades, arriesgándose a terminar en prisión por la oportunidad de bailar en público una música prohibida y, cómo no, la de Django Reinhardt, el brillante guitarrista gitano que se negó a huir de la Francia ocupada por los nazis.El resultado es Swing frente al nazi: el jazz como metáfora de la libertad, una crónica fascinante con un punto de vista único sobre el papel adoptado por el jazz en el peor de los momentos.
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Las biografías de compositores e intérpretes suelen conceder excesiva atención a la música, cuando no a las propias memorias de los artistas, en perjuicio de una comprensión cabal y ponderada de la vida y obra del artista y su circunstancia. Ensayos estos que, a la usanza academicista, rara vez van más allá de los límites de la investigación bibliográfica, obviando otras posibilidades que brinda el trabajo de campo -ya sea por medio del periodismo de investigación o vía la reveladora exhumación de los testimonios de otras fuentes, tanto o más relevantes que la memoria selectiva del autohagiografiado-. Así pues, en lugar de relatar, como dicta el canon, el ascenso y declive del objeto de esta reconstrucción arqueológica --con tintes de investigación detectivesca-, Blackbum nos propone otra aproximación: permite que sean las voces de los personajes que trataron y conocieron a Billie Holiday quienes tomen la palabra. Invocación espiritista que ha sido posible gracias a un inesperado hallazgo: las más de 150 entrevistas realizadas por Linda Kuehl en los años setenta a acólitos, vagos y maleantes. No obstante, cuando llegó el momento de transcribir dichas grabaciones, escudriñar entre recortes de periódicos, zambullirse en su correspondencia y examinar otros artefactos, Kuehl se vio abrumada por la responsabilidad de tener que pronunciarse sobre la relevancia y el valor de las fuentes consultadas. Para colmo, el material reunido fue rechazado por el editor que la animó a acometer tal empresa, y de nuevo por otro que tampoco supo apreciar el valor de ese polifónico retablo. Kuehl se suicidó en 1978 pero las grabaciones se conservaron y, tras diversas vicisitudes, fueron a dar con sus cintas en manos de un coleccionista a cuya generosidad debemos la materialización póstuma de aquel encargo frustrante y frustrado. El gran acierto de Julia Blackburn está en el tratamiento y la orquestación de esa multiplicidad. Poco importa si las historias no concuerdan, si tropezamos con alegatos contradictorios o incluso si estas contrapuntísticas semblanzas parecen versar sobre un ser irreconocible. El desafío era liberar a la artista no solo de las ensoñaciones que recitó a William Dufty en Lady Sings The Blues, sino también del reduccionista estereotipo que se nos ha servido hasta la saciedad. Y eso, precisamente, es lo que con gran tino consigue Blackburn, invitando al lector a que extraiga sus propias conclusiones.
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Josep Pons es la nueva cara del Archivo de Creadores, una serie que recoge el testimonio de los grandes nombres de la cultura española en primera persona. Repasa su biografía, que es historia de la música clásica de nuestro país. Es más que un director de música, es un creador de orquestas que ha buscado un sonido propio para cada una de ellas. En 1999 recibió el Premio Nacional de Música. Ha grabado más de 50 discos. El compromiso con la modernidad, la proyección internacional y la búsqueda de nuevos públicos son los rasgos que le definenEste volumen forma parte del Archivo de Creadores, una serie que recoge el testimonio de los grandes nombres de la cultura española en primera persona. Un proyecto que nace de una larga conversación filmada con cada autor, que se condensa en una serie documental y que completa su recorrido en forma de libro. Artistas, cineastas, escritores, actores, arquitectos, cocineros o filósofos hablan de sus experiencias vitales, sus procesos creativos y su visión del mundo. Un proyecto ideado para conservar y transmitir el legado de las personas más valiosas de nuestro tiempo.
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Las múltiples facetas de la cantante Madonna en un completo estudio que analiza su influencia en la cultura popular.Ser un referente para varias generaciones y mantenerse en la cumbre del mundo de la música desde hace cuarenta años no es una tarea fácil. Y más si eres mujer y si nunca has tenido reparos en tomar las riendas de tu vida y de tu carrera (lidiando con las críticas, el machismo, la censura… y el paso del tiempo).Controvertida y admirada, polémica e incombustible, Madonna es una figura clave de la cultura popular. Estudiar sus múltiples facetas nos permite profundizar en la industria musical, el videoclip, la moda, la publicidad, el cine, la sexualidad y, por supuesto, la historia de los sonidos y los estilos de la música pop.Bitch She’s Madonna mezcla lo lúdico con lo académico para aproximarse a la reina del pop desde diversos puntos de vista y desentraña la relevancia de la artista en cada uno de sus roles: compositora, cantante, transgresora sexual, creadora de tendencias, mujer de negocios, diva musical, feminista, icono gay…Organizado en ocho capítulos, el libro engloba tres bloques temáticos: el primero se centra en su música (trabajos discográficos y giras en directo), el segundo aborda su producción audiovisual (cine, videoclips y publicidad) y el tercero analiza los discursos relacionados con el género y la sexualidad (feminismo, público LGTB y Sexología).«Madonna ha abierto camino y ocupa una posición respetada, no ha sido una reina tirana, sino todo lo contrario, ha roto con la dinámica patriarcal de la lucha entre divas y ha apostado por la sororidad (…), a pesar de que los medios de comunicación no cejen en su empeño por encontrarle una sucesora» De la introducción de Eduardo Viñuela.
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THE CURE, EL GRAN REFERENTE DEL ROCK ALTERNATIVO QUE HA ALCANZADO UN EXTRAORDINARIO ÉXITO MUNDIAL Fundado por Robert Smith, uno de los mejores músicos surgidos en Inglaterra, The Cure está considerado como uno de los grupos más exitosos de la historia del rock. Sombríos, profundos, introspectivos, ligados para siempre a la cultura popular gracias a canciones tan evocadoras como ''Friday I''m In Love'', ''Boys Don''t Cry'' o ''Just Like Heaven'', el impacto de su música es directamente proporcional a su imagen como grupo de culto. Este libro recorre el camino trazado por una banda que nació bajo los ecos de la música punk pero que fue canalizando su evolución hacia otros géneros, con esa rara habilidad que su líder ha sabido impregnar en cada una de sus fascinantes canciones. MÁS DE 30 MILLONES DE DISCOS VENDIDOS. INFLUENCIA, CULTURA, TENDENCIAS Y CONCIERTOS MEMORABLES.
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“El vestíbulo de un hotel. El reencuentro de dos viejos amigos. Un abrazo y dos besos separados por un cariñoso e irónico «tranquilo, no hace falta que te levantes». Todo normal. Alegría, risas y un desayuno por delante en el que el té, el café y las tostadas estorbarán seguramente a las palabras. Tan cotidiano como intrascendente, Carlos, uno de los amigos, recela del interés que puede tener explicarme la escena. Tal vez debiera darle la razón, de no ser porque su amigo, el bromista, el del irónico «no hace falta que te levantes» es Sting y porque él, Carlos, va en silla de ruedas desde que nació”. Así da comienzo Good Times, un libro de memorias, concebido y redactado mano a mano con Julián García Hernández, que recorre la trayectoria profesional de Carlos Carreras-Moysi, uno de los promotores de conciertos más importantes surgidos en España durante la década de los ochenta del pasado siglo. Desde su responsabilidad en la promotora GIGS como director de contratación, Carlos consiguió que muchas giras de grandes bandas internacionales pasaran por España en una época en la que el país apenas empezaba a familiarizarse con los grandes conciertos de rock en estadios. Queda aquí relatada su experiencia junto a músicos como Mike Oldfield, Peter Gabriel, Elton John, Eric Burdon o Robert Palmer, y grupos como Dire Straits, The Police, Roxy Music, The Smiths, AC/DC o Iron Maiden, entre muchos otros.
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¿Sabía que Frank Sinatra sostenía que ''Something'', compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Este libro arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los actores secundarios que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió.Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este.
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Un volumen colectivo que profundiza en la figura de Ocaña, uno de los artistas más admirados, libres y transgresores de los años de la Transición.¿Qué tiene la figura de José Pérez Ocaña que, cuarenta años después de su muerte, sigue despertando admiración? Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es un volumen colectivo coordinado por Carlos Barea que trata de responder a esta pregunta a través de una mirada multidisciplinar a la vida y la obra de uno de los artistas más destacados de la contracultura catalana de finales de los años setenta y principios de los ochenta.Con la intención de arrojar algo de luz sobre un personaje del que mucho se ha dicho pero poco se ha escrito, el libro reúne a un gran plantel de autoras y autores que se han encargado de investigar su trabajo y todo aquello que rodeó su figura: desde su sexilio casi forzado a su obsesión por el imaginario religioso en sus pinturas o performances, pasando por un análisis del contexto artístico-cultural en el que se desenvolvió.Además de textos de personas tan cercanas a Ocaña como el director de cine Ventura Pons, su amigo íntimo Nazario o una entrevista a su hermano mellizo, se incluyen dos documentos inéditos: un relato biográfico firmado por el propio artista y una carta de su puño y letra que escribió a Felipe de Paco.Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es, en definitiva, un libro que pretende desentrañar el misterio de un artista absolutamente libre que se marchó vestido de sol y cuyo resplandor ha llegado hasta nuestros días.
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La última y más profunda biografía sobre la mítica banda The Velvet Underground que revolucionó los parámetros de la música para siempre, publicada con motivo del 10º aniversario de la muerte de Lou Reed.Una extraordinaria obra que se sumerge en la naturaleza vanguardista del grupo, de cómo impusieron un lenguaje que rompía con lo heteronormativo, su aportación al feminismo a través de Moe Tucker y Nico, de cómo Lou Reed introdujo la literatura en el rock y cómo Cale relacionó las músicas de vanguardia, de cómo crean el patrón de lo que años más tarde será la música independiente, a la vez que plantaron las semillas del glam y el punk, y de cómo la influencia de Warhol sobre la Velvet origina un modelo que muchas otras bandas neoyorquinas como Blondie o Talking Heads aplicaron a su manera. En definitiva, una historia apasionante que ocurre en un lugar -Nueva York-, y un momento de la historia -los años sesenta-, que se desarrolla como un drama humano -amistad, celos, juegos de poder, pasiones- que terminarán dejando una huella profunda en la cultura futura.
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En el lenguaje metafórico del tándem Lennon-McCartney a finales de 1966, por un penique de fresas acaso significaría por amor al arte, sentir que llevó a quien suscribe, cinco décadas después, a ahondar hasta el límite en dos canciones que marcaron la transición estilística del cuarteto de Liverpool: ''Strawberry Fields Forever'' y ''Penny Lane''. Mientras pertenece al dominio público el que John fraguase la primera composición en Almería, se ignora por completo que Paul lo hacía con la segunda al atravesar Andalucía y arribar a Sevilla, en un malogrado intento de reunirse con su compañero y embebido así mismo del folclore de la región. Bajo la perspectiva de un experimentado intérprete viajero, original y replicante, el autor ha recuperado en este libro la otra parte de la historia, identificando la semilla española del disco que cambió a Los Beatles, con sus vivencias personales, los testimonios de numerosos implicados y una copiosa información antes inédita. ''Strawberry Fields Forever'' y ''Penny Lane'' conforman un single indivisible, que definió un momento coyuntural en la andadura artística de la banda más popular del planeta. Un vinilo con tenue sabor andaluz, al que jamás se le ha dedicado tanto en una sola obra.
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Un acercamiento al sentido de la vida a través de la músicaLa música es capaz de dar respuesta a las cuestiones que más nos importan y más nos afectan: las que tienen que ver con el amor, la muerte y la trascendencia. Por eso constituye una auténtica vía de conocimiento. La música despliega su enorme poder transformador, penetrando suavemente en el ámbito más íntimo del ser humano y convocándonos a un encuentro que, si nos sentimos interpelados, posee la capacidad de cambiarnos y volvernos mejores personas. Con un registro cercano y profundo, este ensayo sitúa a la música -la gran música- en diálogo con una realidad cultural más amplia, y nos muestra cómo el contacto con la belleza puede ser una verdadera solución a muchos de los problemas que aquejan al mundo, haciéndonos conscientes de la importancia que realmente tiene en nuestras vidas.
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Sumérgete en la apasionante historia del fandango flamenco con “Fandango”, el nuevo libro del experto en flamenco Miguel Ángel Fernández Borrero. Este relato histórico y sociológico recorre el medio siglo que va de 1880 a 1930, época en la que el fandango nuevo experimentó un impulso espectacular gracias al Concurso de Cante Jondo de Huelva de 1923, que lo reconoció oficialmente como cante flamenco. Descubre cómo el fandango pasó de ser considerado un mero canto folclórico a convertirse en la bandera popular del flamenco, gracias a factores como la expansión del disco, la aparición de la radio, la afluencia de los públicos de masas a los grandes espectáculos y la coincidencia en el tiempo de una extraordinaria generación de cantaores fandangueros. Pero “Fandango” no solo nos cuenta la historia del fandango flamenco, también nos adentra en aspectos extra flamencos que fueron determinantes en su evolución, como los cambios sociales y políticos del momento, la primera Guerra Mundial o el desarrollo del maquinismo y las comunicaciones. A través de las páginas de este libro, conocerás figuras estelares del mundo del flamenco como Antonio Chacón, la Niña de los Peines o Manolo de Huelva, y descubrirás cómo surgieron los cafés cantantes, la discografía y sus máquinas reproductoras, el antiflamenquismo, y la polémica entre si era cante grande, cante chico o simplemente folclore.
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La biografia d'un temps i d'un país. L'home que ha construït la banda sonora de diverses generacions.A propòsit de Joan Manuel Serrat no és només un llibre seu. És la biografia d'un temps i d'un país, des que va néixer el 27 de desembre de 1943 fins l'últim concert que ha fet, el 23 de desembre de 2022 a Barcelona, vista pels ulls d'un periodista i escriptor que l'ha seguit des que era petit, quan el va sentir per primera vegada i va demanar a familiars emigrats a Barcelona que li portessin els seus primers discos gravats en català. Serrat ha construït la banda sonora de diverses generacions. Ara, Juan Ramon Iborra escriu sobre el noi del Poble Sec com una peculiar magdalena de Proust, intercalant capítols de les seves trobades i entrevistes en el seu context, des que es van conèixer el 1973, després del concert que va fer a la plaça de toros de València. Serrat representa, més enllà de les seves cançons, un exemple d'honestedat, de conceptes morals ben arrelats. Va néixer quatre anys després que s'acabés la Guerra Civil en el si d'una família de perdedors que va patir la postguerra de l'estraperlo i les penúries. Ell va saber pujar fins a dalt de tot. Ara que s'ha jubilat dels escenaris, en un món polític cada vegada més sord, dividit entre bons i dolents, rics i pobres, val la pena acostar-se al bagatge que ens deixa Serrat amb un manat de boniques cançons i una ètica a prova d'insensats. I de nostàlgies.
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Una cuidada recopilación de las canciones más populares y famosas de España y Latinoamérica, con las letras y los acordes para guitarra y piano.Este cancionero incluye algunas de las más conocidas y recordadas canciones de hoy y de siempre con los acordes para piano y guitarra. No es fácil realizar una antología como esta, ya que el acervo musical en español no solo es rico en calidad sino también en cantidad.
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* Un elenco estelar de periodistas y músicos de rock analiza los 15 álbumes de los reyes del rock ¡que desafían el género! * Con 300 millones de discos vendidos en todo el mundo, Queen se encuentra entre los gigantes de la historia del rock. Este libro rememora cada uno de los álbumes de la banda a través de entretenidos y profundos debates moderados por el autor, Martin Popoff. * Las reflexiones, opiniones y anécdotas resultantes exploran todo, desde la temprana evolución del grupo británico con influencia blues hasta su dominio y fusión de géneros, así como los singles que ahora forman parte de la cultura popular. También se habla sobre los papeles indispensables de cada uno de los cuatro integrantes: Freddie, el carismático front man de la banda, el innovador guitarrista Brian May, y la inmejorable sección rítmica, que incluye a los compositores ocasionales John Deacon y Roger Taylor. Ilustrado con fotografías de conciertos y en el backstage, así como con objetos del recuerdo, es un merecido homenaje a los reyes del rock.
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En Bodies, Ian Winwood explora los muchos fallos de la industria musical, desde la adicción y los problemas de salud mental hasta la continua explotación de los artistas.Winwood presenta un argumento convincente y da la vuelta a algunas nociones arraigadas sobre el 'exceso de rock and roll', uniendo hábilmente una gran cantidad de información... y aderezándola generosamente con humor negro y autocrítico.Mucho más que un reportero de la línea de banda, cuenta también la historia de su propio colapso de salud mental, tras la espeluznante muerte de su padre, en la que una industria imprudente dio perfecta cobertura a un comportamiento en vías de extinción.Se trata de un libro astuto, divertido, psicológicamente perspicaz, franco, bien escrito y asombroso.
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¿Qué significa, desde el punto de vista filosófico, musical e histórico, hablar de la música en términos de «obras»? Lydia Goehr propone de forma elegante y persuasiva una respuesta, describiendo cómo el concepto de obra musical cristalizó plenamente en torno a 1800, y posteriormente definió las normas, expectativas y pautas de comportamiento que han llegado a caracterizar la práctica de la música clásica. En el contexto de un relato filosófico más general sobre el auge y la decadencia de los conceptos y los ideales, y de sus funciones normativas, Goehr aborda también los debates entre directores de orquesta, intérpretes de música antigua y músicos de vanguardia.Este libro es una de las principales contribuciones al campo de la filosofía de la música en los últimos cincuenta años. La presente edición revisada incluye un nuevo ensayo introductorio de la autora y un provocador prólogo de Richard Taruskin.
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La historia sigue a Kiedis desde su nacimiento en 1962 hasta el día presente. Habla sobre sus experiencias con la drogadicción y con el estrellato, y detalla las peleas con las que se enfrenta en la actualidad. Criado en el Medio Oeste, se trasladó a Los Angeles a los once años a vivir con su padre Blackie, proveedor de pastillas, marihuana, y cocaína a la élite de Hollywood. Después de una breve carrera en la Universidad de California se retiró y se sumergió en el mundo de la música underground de Los Angeles. Formó la banda con tres compañeros de colegio. Atravesando el país, los Chili Peppers innovaron el panorama musical e influyeron de manera decisiva a toda una generación de músicos.
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La vida de El Hombre de negro revelada a través de las letras de sus canciones con fotografías inéditas del archivo familiar y otras rarezas aportadas por amigos y familiares, en edición ilustrada y autorizada por la familia del artista. Venerado por sus coetáneos (de Elvis a Bob Dylan) y considerado custodio de las esencias del country y del folk sureños, Johnny Cash es una de las estrellas más respetadas e influyentes de todos los tiempos, habiendo compuesto más de 600 canciones y vendido más de 90 millones de discos. Ha recibido, a lo largo de su carrera, veintinueve discos de oro, platino y multiplatino, y ha dejado su impronta en el Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Salón de la Fama de la Música Country y el Paseo de la Fama de Hollywood. Es esta la primera vez que se edita una antología que abarca cincuenta años de carrera con las letras de 125 canciones y las historias que hay detrás de cada una de ellas. Más que ningún otro artista estadounidense, Cash habló al alma de la nación, mas sin olvidar tampoco la crónica de sus propia vida y tribulaciones. Un documento de época de gran valía que nos acerca al hombre y al artista, así como a la propia historia de Estados Unidos que él mismo y el country contribuyeron a forjar. Entrelazar las venturas y desventuras del bardo con las historias de sus propias canciones es una fórmula sin parangón en el género y acaso más reveladora que cuanto accediera a compartir en sus propias memorias.
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Para conmemorar el ochenta aniversario del nacimiento de Joan Manuel Serrat, Luis García Gil, el mayor experto en su obra, ha elaborado este extraordinario diccionario que recopila muchas de las palabras incluidas en su cancionero. Términos que, en ocasiones, escuchamos por vez primera en su voz y que ya son patrimonio de varias generaciones de oyentes a ambos lados del Atlántico.Las palabras de Serrat propone un itinerario por los vocablos más singulares de sus canciones, que nos permite conocer mejor su poética y el mundo que despliega en sus composiciones. Una aproximación que revela, con precisión y detalle, su lenguaje esmerado y culto, recuperando expresiones olvidadas o ya en desuso y que, al mismo tiempo, permanece apegado a la calle y a lo popular. La riqueza de Serrat en el uso del lenguaje —y además escribiendo en dos idiomas, castellano y catalán— es digna de encomio, y el planteamiento de García Gil multiplica su juego cómplice con el lector, acercándose a una obra casi infinita que sigue sorprendiéndonos en cada escucha a través de sus múltiples y sugestivos recovecos.El lector puede introducirse en este diccionario hojeándolo de principio a fin o de forma aleatoria, buscando una palabra que le atraiga o que haya memorizado sin conocer su significado. Aquí encontrará su sentido, el contexto y los guiños serratianos de cada concepto, reconstruyendo así las claves de un cancionero monumental que permanece vivo y del que aún nos quedan muchos secretos por descubrir.
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Paco de Lucía no nació siendo una estrella. Vivió de joven a veces en las giras, una vida de aventurero. Aprovechó una reyerta en un restaurante en México para echar mano a dos helados con un amigo e irse sin pagar el almuerzo. Pisó muchos camerinos cutres con espejos rotos y olor a humedad, pero lo recordaba como una época de juventud y libertad. Desde ahí, en un abrir y cerrar de ojos, su nombre en la marquesina de un teatro de ópera en cualquier ciudad del mundo era garantía de colgar el ''no hay billetes'' dos meses antes de la actuación. Alonso Escacena explora la personalidad del guitarrista a través de cientos de anécdotas, al mismo tiempo que analiza las habilidades tanto humanas como técnicas que hicieron posible su ascenso a la categoría de figura mundial destacada. “Paco atrae enormemente a las mujeres. Atrae a la gente, se mete en su piel. Esa expresión seria, los ojos cerrados, ese aire de misterio lo hace atractivo para los jóvenes. Tiene una inteligencia superlativa. Ha conocido la fama, pero lo irrita. La necesita, pero le ha robado la paz y la soledad. Puede tocar durante horas. Pero nunca dice: ¡Hoy he tocado bien! Disfruta de las pequeñas cosas. Busca la compañía de gente sencilla, de Bartolo, un perro sin raza ni pedigrí. De su papagayo brasileño que le canta flamenco, por canasteras” (Casilda Varela, primera esposa de Paco de Lucía, en una entrevista en 1978). “Me parece magnífica, pero magnífica, la sensibilidad con la que están reflejados los matices. Creo que has intuido muy bien los rasgos de Paco. Difícil en un hombre con tantos matices” (Casilda Varela, al autor).''
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