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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Quan a Louis Armstrong li van posar una corneta a les mans perquè despertés tot l’orfenat, amb la primera nota va entendre que havia nascut per ser músic. Ella Fitzgerald vivia al carrer, vestia parracs i duia sabates d’home, però es va jurar que un dia faria seus els escenaris. En plena allau de repressió racista, el veïnat de Harlem va ser capaç d’inventar el ball més excitant dels anys trenta. Als camps de concentració nazis, hi havia joves que cantaven swing a mitja veu per sobreviure dia a dia. I, moltes dècades després, a la Nova Orleans devastada pel Katrina i la negligència política, centenars de persones es conjuraven entre les runes perquè les trompetes, les tubes i els timbals els ajudessin a reconstruir les seves vides.A Swing, swing, swing, Jordi Martí-Rueda ens ofereix un vibrant mosaic de relats entrellaçats que evidencien que el swing i el lindy hop van ser molt més que una música i un ball. Un viatge apassionant que ens transporta a Louisiana, Nova York, Chicago, la França ocupada o l’Alemanya nazi per reviure les extraordinàries històries dels homes i les dones que van revolucionar les pistes de ball mentre desafiaven el racisme, el feixisme i el masclisme. Vides de jazz, rebel·lia i ball que ens han deixat un llegat extraordinari: com obrir escletxes d’esperança en temps de foscor.Aquesta obra ha rebut una ajuda a l’edició del Ministeri de Cultura.
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Tothom pot cantar en una coral. Hi ha sempre una coral per a cada aspirant a cantaire que la busqui. En aquest llibre, Teresa Forns, se serveix de la seva llarga experiència com a directora de corals per a confeccionar un breu i entenedor manual per a cantaires. Hi trobarem una mica d'història del cant coral, nocions de tècnica vocal, exercicis, i també consells per a l'organització i la gestió d'una coral.
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Kent Nagano, director de la Orquesta y Coro Nacionales de España, rememora 10 lecciones inesperadas que aprendió a lo largo de su carrera y que transformaron su forma de entender la música y la vida. El libro recorre momentos clave de su trayectoria y los convierte en breves historias llenas de significado. No es solo el relato de un gran director, sino el de una persona que ha descubierto que escuchar -de verdadpuede cambiar la manera de pensar, de trabajar y de relacionarse con los demás. Entre sus recuerdos aparecen figuras inolvidables: Leonard Bernstein, capaz de desmontar certezas con una sola pregunta, Olivier Messiaen, que convirtió el sonido en una experiencia casi trascendente, Frank Zappa, un creador radical que hizo de la libertad su lenguaje, Björk, exploradora incansable de nuevos territorios sonoros...
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Maryní Callejo comenzó en la producción discográfica (¡dirigiendo a Los Brincos!) en un tiempo en que era impensable que una mujer realizara ese trabajo. Fue la primera productora del pop español, y la única durante décadas. En este libro decide hablar casi por vez primera.Maryní Callejo es algo así como el secreto mejor guardado del pop español. Pionera en la producción discográfica, en 1964 lideró el lanzamiento de Los Brincos, un trabajo impensable para una mujer de aquel tiempo, en una industria dominada por hombres, cuando la propia figura del productor musical era toda una rareza. También arreglista, compositora y pianista de formación clásica, su meteórica carrera la llevó a colaborar con artistas como Massiel, Los Relámpagos,Marisol, Nino Bravo, Fórmula V,Mari Trini o Rocío Dúrcal.Su discreción iba unida a esa actividad que suele permanecer en la sombra, en los locales de ensayo o estudios de grabación, creando el arreglo que daba entidad a una canción, componiendo la línea melódica, ese detalle que la convertía en un hit o dirigiendo a músicos de primer nivel.Maryní Callejo, tras una vida dedicada a la música, se ha animado a rememorar en estas conversaciones con Esther Zecco la que es una de las trayectoriasmás asombrosas del pop. Y lo ha hecho consciente de que con sus palabras y recuerdos ayuda a sacar a la luz una parte esencial de la intrahistoria de nuestra música.Maryní Callejo no fue solo la primera productora del pop español—y de las pocas en la escena internacional—, sino prácticamente la única hasta tiempos recientes, cuando otras mujeres han reclamado su sitio en trabajos que hasta hace muy poco eran exclusivamente masculinos.Desconocida para el gran público es, sin embargo, una de las figuras imprescindibles de la música española.
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A mis amigos (Eine Mitteilung an meine Freunde, 1852), inédito hasta ahora en español, constituye uno de los documentos más significativos dentro de la producción literaria de Richard Wagner, tanto por su valor estético como por la función que desempeñó en la construcción de su figura pública y en la defensa de su proyecto artístico.
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Robert Schumann (1810-1856) no sólo fue un importante compositor, sino también un atento testigo de su tiempo que simpatizaba con la Revolución de 1848. Víctima de frecuentes desequilibrios nerviosos y alucinaciones, sufrió a causa de la fama de su esposa, Clara,y, tras un intento de suicidio, se fue apagando en un hospital para enfermos mentales. Apasionado poeta y audaz precursor musical, Schumann supo reunir genialmente sensualidad e intelectualidad, realismo y ensoñación, y sigue figurando en los programas de conciertos del mundo. Martin Geck arroja nueva luz sobre la vida de este genio del Romanticismo y su polifacética obra, al tiempo que presenta un apasionante panorama social y cultural de la época.
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El legado de Leonard Cohen. Un compendio de poemas, canciones y notas personales inéditas Un libro concebido por el propio Cohen como un elocuente adiós a este mundo. Sin duda uno de los artistas más relevantes de las últimas décadas, Leonard Cohen ha dejado una huella indeleble en el espíritu de varias generaciones. Pocos meses antes de su muerte, acaecida en noviembre de 2016, confesó en una entrevista: «Estoy preparado para morir. [...] Llegado a cierto punto, y si todavía estás en tus cabales, [...] tienes que aprovechar la oportunidad de dejarlo todo atado. Tal vez sea un cliché, pero se subestima su poder analgésico. Dejar todo en orden, si puedes hacerlo, es una de las actividades más reconfortantes, y los beneficios son incalculables.» Esta obra final es una generosa muestra del sinuoso periplo y la amplia variedad de voces de un poeta y cantante lírico y filosófico a un tiempo, feroz y corrosivo a otros. Este volumen incluye poemas sobre la guerra, el arrepentimiento y la amistad, como el conocido homenaje a Enrique Morente, las letras de sus más recientes canciones, fragmentos de los numerosos cuadernos que guardó con celo desde la adolescencia, y una emocionante serie de autorretratos y otros dibujos.«Conmovedora y valiente, iluminada con destellos de ira, La llama es una muestra brillante y clásica de Leonard Cohen.»Booklist
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'Sin música la vida sería un error'', he aquí el lema que preside este libro. La música nos ayuda a romper el silencio y el aislamiento a los que conduce la sociedad de nuestro tiempo, en la que el otro es percibido como una amenaza, un competidor o un enemigo. Frente a ello, la música llega desde afuera, requiere de nosotros el gesto de ponernos a la escucha, y nos permite así salir de nuestro encierro y ponernos en movimiento hacia lo Otro, hacia otros mundos, hacia otros seres. Este libro se detiene sobre todo en algunos de los principales creadores de rock, pop y jazz (The Rolling Stones, The Smiths, The Beach Boys, David Bowie, Frank Zappa, Raffaella Carrà, Kraftwerk, Radiohead, Sex Pistols, Nirvana, Phil Ochs, Cecil Taylor, Nina Simone y Laibach) que, desde finales de los sesenta del siglo pasado, nos han ayudado a soportar los tiempos de vacío existencial. Estos músicos nos han mostrado nuestras patologías, pero también nos han enseñado cómo debería ser la resistencia contra los males de nuestro tiempo. Incluso nos han permitido sentir y pensar los límites de una rebeldía juvenil que no nos emancipa. Esta obra nos recuerda que la música popular contemporánea nos vuelve conscientes de los quebrantos que sufrimos, pero también nos ofrece una esperanzadora alegría de vivir.
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Sesenta años después de su nacimiento, el rock mantiene vivo su espíritu rebelde y anticonformista. Este magnífico primer volumen describélos orígenes del rock hasta la psicodelia y constituye una herramienta excelente para conocer en profundíad y, por qué no, de manera divertida, la evolución de un fenómeno artístico y cultural que cambió el mundo. Y que, aunque de modo diverso, lo sigue haciendo.
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Fa tres dècades que la música dels 80 sona i no s?atura. Ara mateix la pots sentir a un centre comercial, a la ràdio, a la TV, auna discoteca... Quin secret amaga que es manté més viva que mai? Els 80 concentren un munt de tendències a un ritm
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Winterreise és un cicle de lieder que evoca el viatge emocional d'una ànima turmentada per la melangia i la desesperació. En diàleg amb l'obra mestra de Schubert, Joan Fontcuberta trasmuda aquests sentiments en imatges que il·lustren una memòria fràgil com el glaç que es fon. Perdre els records és també endinsar-se en l'hivern fosc de l'esperit. Què som sense la llum de la memòria? Aquí, fotografies que s'esvaeixen, tràgicament amnèsiques però d'una bellesa que trasbalsa, emprenen el seu propi viatge d'hivern, tot resseguint el rastre intens dels versos i la música del Winterreise.
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Este tercer volumen de canciones de Bruce Springsteen recoge las letras en versión bilingüe de las 66 canciones publicadas en Tracks, cuatro discos que abarcan toda la trayectoria de The Boss: “Esta recopilación contiene todo, desde las primeras notas que canté en un estudio de grabación de Columbia, mis trabajos iniciales y posteriores con la E Street Band, hasta mi música de los noventa. Es la ruta alternativa a algunos de los destinos a los que viajé en mis discos, una invitación al estudio en una de las muchas noches que pasamos haciendo música en busca de los discos que finalmente os presentamos. Me alegro de, al fin, poder compartir esta música, aquí están algunas de las que se escaparon.” (Bruce Springsteen, septiembre, 1998)
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¿Otra biografía de Iron Maiden? Déjate, anda. Probablemente ya conozcas su historia, lo que ahora necesitamos es reflexionar sobre ella. El ensayo que tienes en tus manos aspira a desentrañar aspectos musicales, estéticos y discursivos en relación al grupo e interpretarlos de forma amena, entendible para el público general, una disección que indaga en tejidos tan sensibles como las éticas artísticas, el sentido del liderazgo y la identidad grupal, la conciencia de clase, el nacionalismo británico, las sorprendentes conexiones con el mundo del fútbol, la mercadotecnia salvaje en los tiempos del neoliberalismo o la masculinización que ha rodeado a Iron Maiden durante su medio siglo de vida. En la segunda mitad de la década de los setenta del siglo XX, cuando el punk sacudía los cimientos de la industria musical, una banda de melenudos capitaneados por un bajista pusieron patas arriba los tugurios y pubs de Londres, cinco décadas después, continúan siendo venerados como uno de los mayores fenómenos sociales que ha dado el heavy metal como género y subcultura. Iron Maiden. El ADN de la Bestia propone un recorrido trepidante, mordaz, riguroso e igualmente emocional sobre canciones, ideas, valores y símbolos que han hermanado a millones de personas de todo el mundo sin importar su clase, sexo, origen, raza o religión.
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Durante la transición española, la música se convirtió en un poderoso espejo de las transformaciones políticas, sociales y culturales que vivía el país. Este libro propone una nueva mirada sobre aquel periodo a través de un protagonista inesperado: la prensa. Entendida como archivo, como mediadora y como generadora de discursos, la prensa no solo documenta la historia musical de la transición, sino que la construye. A partir del análisis de los cuatro grandes diarios del momento -El País, ABC, La Vanguardia y Diario 16-, esta investigación explora cómo se configuraron los relatos sobre la música en un tiempo de efervescencia y cambio, y cómo estos discursos participaron en la creación de un canon que aún hoy condiciona nuestra memoria cultural. Combinando herramientas cuantitativas y cualitativas, el estudio examina la presencia mediática de artistas y escenas, los mecanismos de inclusión y exclusión que operan en los medios, y las formas en que la prensa modeló la relación entre música, poder y sociedad. A través de varios estudios de caso, el libro reconstruye una historia poliédrica de la música española de la transición, revelando las tensiones entre modernidad y tradición, centro y periferia, mainstream y contracultura. En última instancia, invita a repensar la prensa no solo como fuente, sino como un agente activo en la producción cultural de una época que definió el presente.
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¿Cómo ocurrió verdaderamente el accidente que segó la vida de Bessie Smith? ¿Cómo era la ciudad de Chicago que dominaba la música de Joe Oliver? ¿Cuánto hay de realidad y de ficción en la figura de la gran Billie Holiday? ¿Por qué triunfó Benny Goodman? ¿Quiénes eran las personas desconocidas que impulsaron el jazz? ¿Cómo era el hombre que se escondía detrás del mito de Charlie Parker? ¿Era Chet Baker un demonio vestido de ángel?El autor ofrece a través de la voz de los protagonistas, un vívido reflejo de la historia del jazz hasta casi finales de siglo XX. Sus ciudades, sus clubes, sus gentes y su música. Son esos mismos artistas los que nos cuentan sus peripecias y cuitas.
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Londres 1976, un muchacho irlandés deambula por sus calles buscando crear una revolución, como la mayor parte de adolescentes de la época, sin saber tocar, ni cantar, ni leer una partitura, John Lydon se hizo cantante y compositor, su disco God save the queen fue un grito de alivio y un desastre casi al mismo tiempo, como no podía ser de otra forma. Cantante de los Sex Pistols y de PiL este libro sitúa su epicentro en esa explosión instantánea que desató el grupo británico y, describiendo una onda expansiva que pronto desvió su trayectoria gracias a la ambición o la estupidez de muchos de sus artifices, nos invita a imaginar «otro punk». Porque, más que la historia de los Sex Pistols, Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs expone las instrucciones de una manera de Vida, redactadas a fogonazos, con tanta aportación del cerebro como del corazón y sin un plan maestro detrás.
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La primera biografía en castellano sobre My Bloody ValentineJusto cuando se cumplen 35 años de su influyente álbum Loveless (1991), piedra angular del shoegaze y una obra maestra indiscutible, Convierte mi cabeza en sonido: Una historia de Kevin Shields y My Bloody Valentine narra la historia de uno de los grandes innovadores en términos sonoros de finales del siglo XX y principios del XXI.My Bloody Valentine solo han publicado tres álbumes a lo largo de sus cuarenta años de carrera, pero cada uno de ellos ha tenido un impacto cultural sísmico y no se había publicado ningún estudio exhaustivo sobre su obra ni la trayectoria de la banda. Hasta ahora.Convierte mi cabeza en sonido es el resultado de investigaciones recopiladas a lo largo de décadas, así como de entrevistas con personas que fueron testigos aquellos momentos, algunas de las cuales hablan por primera vez. Quienes hayan seguido a la banda desde sus inicios encontrarán aquí mucha información nueva, incluida la historia completa de su tortuosa etapa en Island Records tras el lanzamiento de Loveless.Kevin Shields es, sin duda, un músico único en su género, y este libro —que llena vacíos, corrige errores y ofrece una visión objetiva de toda su carrera y la de su banda, con todos sus defectos— dibuja un retrato completo de uno de los artistas sonoros más revolucionarios de nuestro tiempo, incluyendo su trabajo fuera de My Bloody Valentine como ingeniero, productor, remezclador y miembro de Primal Scream, así como sus contribuciones a varias películas de Sofia Coppola.
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Taylor Swift es un fenómeno global, debido sin duda a su talento, pero también a la íntima comunión que ha conseguido con sus fans, los swifties. Son varios los factores que nos hacen entender esta conexión con su público: desde su honestidad y su forma de expresar sus sentimientos y emociones, hacer de su estilo una marca personal, su perfeccionismo y sus ganas de renovación, hasta su idea del espectáculo y el uso de alta tecnología en sus conciertos.
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Renovó el rock español, rompió los límites de la canción de autor, se empapó de todas las tradiciones, combinó la alta cultura con el lenguaje de la calle, de la ironía saltó al humor, vivió al límite para escribir las canciones más emocionantes, tendió puentes con la actualidad, fijó la crónica poética de un tiempo y la memoria sentimental de varias generaciones de hispanoblantes. Casi sin darnos cuenta, Joaquín Sabina se reveló como uno de los más excepcionales compositores e intérpretes del último medio siglo. Su canon no admite comparación. Hablamos de alguien que, sin desearlo, es mito en vida. En Sol y sombra, Julio Valdeón nos invita a recorrer la vida y obra de Sabina en un viaje eminentemente musical que cuenta con las voces del propio biografiado (en el extraordinario epílogo) y de la mayor parte de los músicos, compositores, productores, colaboradores y amigos que le han acompañado a lo largo de los años: de los imprescindibles Pancho Varona y Antonio García de Diego a los integrantes de Viceversa, de Alejo Stivel a Leiva, de Ariel Rot a Caco Senante, de Álvaro Urquijo a Andrés Calamaro, de Olga Román a Rubén Pozo, de Mara Barros a Luis García Montero, de Pedro Guerra a Carlos Narea, de Felipe Benítez Reyes a Miguel Ríos. Más de cuarenta entrevistados para aproximarnos a la gestación de las canciones, a la creación de los discos, a los procesos de trabajo, a los escenarios y a la vida en la carretera.
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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Esta biografía explora la vida y la carrera de una de las, si no la, pianista más emblemática del siglo XX. Es una obra imprescindible para los amantes de la música académica y para aquellos interesados en conocer la vida de una artista cuya intensidad y genialidad continúan inspirando a nuevas generaciones. Olivier Bellamy compone un estudio íntimo y detallado de la vida de Argerich, desde sus primeros años en Buenos Aires hasta su ascenso en los escenarios más prestigiosos del mundo, presentando no solo sus logros, sino también los desafíos personales y profesionales que ha enfrentado a lo largo de su extraordinaria carrera. Revela los matices de su singular pensamiento artístico, su compleja relación con la fama, su fresca rebeldía y su poco convencional búsqueda de la perfección musical. Este libro captura la esencia de Argerich, presentando un retrato conmovedor y auténtico de una mujer cuya vida es tan apasionada y compleja como la música que interpreta.
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Libros del Kultrum
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Luis Eduardo Aute vivió muchas vidas en una sola. Poeta que se nutría de su experiencia, pintor precocísimo, cantautor reacio al éxito que, sin embargo, llegó a disfrutar en los años ochenta, su época más creativa. También compuso himnos generacionales como ''Al alba'', particularmente celebrado y simbólico. A lo largo de su vida se debatió muchas veces entre el lienzo y el poema, entre la canción y el sueño audiovisual. Creador polifacético, libre, gozoso en la manera de sentir el arte, Aute fue un artista infinito. No cultivó nunca la presunción ni la vanidad. Encontró en la expresión artística su refugio. Pocos cantautores ofrecen una discografía tan exquisita y rotundamente lírica y expresiva como la de Aute, edificada muchas veces a contracorriente, de Rito a Templo, de Espuma a Segundos fuera, discos recorridos por el perfume de lo sagrado, amorosos, eróticos, carnales, impredecibles y auténticos, que implicaron un riesgo al fraguarse contra las convenciones de la industria musical. AUTE. infinito, de Luis García Gil atiende a las multiples facetas de este artista singular a través de un relato tan riguroso como personal, escrito desde la intimidad y el conocimiento de la persona retratada. Ampliamente ilustrada, con una selección de vídeos comentados y una playlist de Spotify seleccionada por el autor, esta biografía permite un acercamiento completo a la música, la creatividad y la vida de Luis Eduardo Aute.
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Elton John, uno de los artistas más prolíficos y de mayor éxito comercial en la música pop moderna, ha sido galardonado con seis Grammy y ha vendido más de 300millones de discos durante una carrera que abarca más de medio siglo. Su Candle In the Wind 1997 continúasiendo el single de mayores ventas de todos los tiempos. Justo a tiempo para su gira mundial de despedida, esta magnífica retrospectiva no oficialonmemora laincreíble vida y carrera del artista. Profusamente ilustrada, esta obra incluye recuerdos de archivo pococonocidos y fotografías que no se han publicado nunca. Abarca desde la infancia de Elton como prodigio delpiano en el suburbio londinense de Pinner hasta susprimeras actuaciones en el West End y su fortuito encuentro y posterior colaboración vitalicia con el letrista Bernie Taupin. El libro se remonta a la cancióncon la que comenzó todo, 'Your Song', y recorre su ascensoeteórico al estrellato, los retos que afrontó enel camino y su incansable trabajo por las causas benéficas, incluyendo la Elton John AIDS Foundation. Unrecuerdo definitivo para todos los fans de Elton John.
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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El Wu-Tang Clan es uno de los grupos de hip-hop másimportantes de todos los tiempos, y su impacto ha trascendido el ámbito meramente musical, sin embargo, ningún miembro del grupo había contado su historia hasta la aparición de En carne viva. Mi viaje con el Wu-Tang Clan, escrito por Lamont «U-God» Hawkins, quien aprendió a sobrevivir en los años setenta y ochenta enlas calles de los distritos más desamparados de la ciudad de Nueva York, donde la violencia era omnipresente y el futuro para un niño negro como él se cifraba, casi sin remedio, en clave de crack, armas y tragedia.
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No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.” Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.
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El guitarrista Francisco Gómez Amaya (Morón de la Frontera, 1944) es hoy el máximo exponente de lo que muchos conocen como «toque de Morón». Paco del Gastor hadesarrolla de manera genial el inconfundible toque de su tío Diego del Gastor al armonizar una música aparentemente sencilla pero de gran profundidad, hasta alcanzar una personalidad propia. Este libro está escrito a partir de una serie de conversaciones que RamónSoler ha mantenido con el maestro de Morón en las que desgrana todos sus recuerdos desde sus inicios, dela mano de su tío y mentor Diego Amaya Flores, hastasus últimos pasos como profesor de guitarra en el Conservatorio de Música de Morón de la Frontera. La doble faceta como tocaor solista y de acompañamiento (Bambino, Juan Talega, Mairena, Fernanda y Bernarda, Paquera de Jerez, El Funi, Gaspar de Utrera, Chano Lobato, José el de la Tomasa, El Cabrero ), y su amistad con maestros como Niño Ricardo, Sabicas, Marote y Pacode Lucía salen a relucir en Paco del Gastor, de otracuerda, libro que cuenta con numerosas fotografías yque se completa con glosas sobre su figura por partede amigos y compañeros y con la discografía de este tocaor gitano. AUTOR Ramón Soler Díaz (Málaga, 1966) es licenciado en Matemáticas y profesor de esta materia. En el ámbito del flamenco tiene publicado varios libros, dos de ellos en colaboración con su tío Luis Soler Guevara (Antonio Mairena en el mundo de la siguiriya y la soleá, 1992, Los cantes de Antonio Mairena:comentarios a su obra discográfica, 2004). Otro libro en solitario está dedicado también al maestro de los Alcores: Cuatro estudios sobre Antonio Mairena (2012). En 2003 publicó la biografía Antonio el Chaqueta,pasión por el cante, y en 2011 Lírica acuática. Coplas sobre el agua en la poesía tradicional y el flamenco. Con Paco Roji y Paco Fernández escribió La Repompa de Málaga (2012), y a medias con Roji La Cañeta deMálaga, José Salazar y La Pirula (2013) y Ángel de Álora, lo dulce que yo cantaba (2018). Ha escrito la parte correspondiente a los cantes en los tres libros de la Colección Carlos Martín Ballester: Don Antonio Chacón (2017), Manuel Torres (2018) y Tomás Pavón (2019). Soler ha publicado decenas de artículos en revistas especializadas, ha leído conferencias, producido discos y ha dirigido montajes teatrales sobre música flamenca.
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Vencido el primer cuarto del siglo XXI, un cantautor vasco como Gontzal Mendibil, un juglar heredero de aquellos representates del grupo Ez dok amairu que compartieron proyectos y amistad con Blas de Otero, echa al viento (como José Martí) los versos necesarios de entonces y de siempre, de hoy y mañana, para que suenen libres y vivos y espontáneos.
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Música, Historia y Política. Aportaciones musicales al análisis historiográfico es una compilación de textos propios editados en diversas publicaciones durante el período comprendido entre 2014 y 2023. En todos los casos —una ponencia y tres artículos—, sus contenidos han sido revisados y considerablemente ampliados. Asimismo, cuenta con un extenso aparato documental que consta de 116 piezas, muchas de ellas originales e inéditas (fotografías, documentos oficiales, partituras manuscritas, hojas volantes…).Como protagonistas destacados de la presente investigación figuran Rafael del Riego, Pau Casals, Carlos Palacio y Rafael Pérez Contel, artífices, creadores o inspiradores en sus distintos campos profesionales y/o artísticos de propuestas dirigidas a intervenir en la dirección política de la nación. Su proyección temporal discurre desde el régimen absolutista de Fernando VII (s. XIX) hasta las postrimerías de la dictadura militar del general Francisco Franco y la transición (ss. XX-XXI).Adquiere especial relevancia en el presente volumen la consideración de la música como un elemento del discurso historiográfico y, por tanto, con plena capacidad, al igual que otras expresiones artísticas, de actuar como sistema vertebrador de la narración histórica. La multiplicidad de funciones confiere al discurso musical la condición de registro sonoro de su tiempo, de todos los tiempos, con una acreditada capacidad transformadora que lo sitúa en el centro del debate social, político e institucional. Algunas de las partituras estudiadas rememoran, frecuentemente, existencias trágicas propias de tiempos convulsos, cuyos ecos resuenan en el presente como invitación inexcusable a la reflexión sobre las circunstancias que las hicieron posibles y sus consecuencias. El ejemplo y la conciencia cívica de quienes denunciaron la barbarie deben ser considerados estímulos para la desautorización moral tanto de aquellos que prefirieron colaborar en su comisión o inhibirse ante ella, como de los que, décadas después, optan por ignorarla, negarla o, incluso, asumen sus postulados y su simbología. Su objetivo es recuperar políticas de exclusión y exterminio en distintas partes de Europa y de otros continentes. El genocidio actual del pueblo palestino es buena muestra de ello. Enrique Téllez Cenzano
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La música ha sido una herramienta habitual en la política exterior de los Estados para mejorar su imagen internacional desplazando melodías, artistas, agrupaciones e instrumentos que representaban simbólicamente la nación y que permitían alcanzar a la ciudadanía de otro país. Esta acción exterior ha sido denominada diplomacia musical. Estados Unidos y el jazz, la Unión Soviética y el Ballet Bolshói o Corea del Sur y el K-pop son prototipos conocidos de esta acción exterior, pero existen otros ejemplos en los que los géneros musicales, los avances culturales, las relaciones internacionales y las transformaciones políticas convergieron en un mismo momento, como fueron los casos de Reino Unido y España. Las características de la diplomacia musical británica y española en la segunda mitad del siglo xx sufrieron una importante modificación en consonancia con los cambios políticos internos y los reajustes de las prioridades exteriores. El análisis de las acciones musicales desarrolladas de forma bilateral entre ambos países permite esclarecer los géneros musicales proyectados internacionalmente, la influencia del estado de las relaciones bilaterales en la calidad y la cantidad de las iniciativas y la confluencia de factores internos y externos para la formulación de la diplomacia musical de cada país.
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Jaime Urrutia comenzó a vestir camisas de lunares porque se las vio Jordi Vila, batería de Loquillo y Trogloditas. Edi Clavo, sus patillas, como las de Alberto García-Alix. Y, Ferni Presas, la inscripción ''Gnade Uns Gott'' en el bajo por la influencia del cine expresionista alemán. Los tres, tan parecidos y a la vez tan diferentes, formaron Gabinete Caligari en 1981 bajo la sombra del after punk y se separaron en 1999, terminando siendo una sombra de lo que fueron. Cómo perdimos Madrid es un compendio de hemeroteca, entrevistas y análisis crítico a través de los testimonios de los miembros de la banda, músicos, managers, allegados y otras figuras clave de la escena, como Carlos Entrena, Enrique Bunbury, Servando Carballar, Pito Cubillas, Lars Mertanen, Phil Manzanera, Javier Andreu, Esteban Hirschfeld, Mikel Erentxun... ''Camino Soria'', ''Que Dios reparta suerte'', ''Golpes'', ''La culpa fue del cha-cha-chá'', ''Cuatro Rosas'', ''El calor del amor en un bar''... Escribía José Ortega y Gasset que ''la historia del toreo está ligada a la de España, tanto que, sin conocer la primera, resultará imposible comprender la segunda''. Aplíquese pues la cita a Gabinete Caligari, que, castizos ellos, templaron con sabor las suertes del rock and roll.
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El presente libro rastrea y compila las posiciones en torno a la idea de lo popular en las obras de Manuel de Falla (1876-1946) y de Béla Bartók (1881-1945) teniendo en consideración tanto las ideas musicales como sus connotaciones políticas.Poner en comparación a Falla y Bartók nos permite observar y describir la máxima distancia posible que con respecto a la cuestión de lo popular se puede encontrar en la música culta del siglo XX. Falla y Bartók son las dos posiciones fuertes más alejadas que ha habido dentro de este campo de juego social. Se reúnen aquí una selección de los textos de ambos autores donde se apuntan o desarrollan las ideas clave sobre el tema y un estudio preliminar que trata de poner esos textos en su lugar histórico.
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Componer bajo el régimen de Stalin no fue fácil. Los músicos tuvieron que someterse a la línea ideológica del partido. Músicos de la altura de Shostakóvich y Prokófiev eintérpretes de fama internacional como Rostropóvich, Richter, Oistrakh, Kogan y Yúdin
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La biografía largamente esperada de una de las figuras más incomprendidas, reconocidas y estigmatizadas («la bruja que separó los Beatles») de los últimos años. Yoko Ono, con la participación directa de la protagonista. Descrita por John Lennon como la artista desconocida más famosa del mundo, «todo el mundo conoce su nombre, pero nadie sabe lo que hace», la biografía definitiva de David arrojará nueva luz sobre este individuo tan complejo, permitiendo un replanteamiento de la narrativa que ya conocemos. La balada jamás contada de Yoko y John. David describe cómo el arte de Yoko «doblega las mentes, haciendo que el espectador o el público piensen en sí mismos y en el mundo de forma diferente», y eso es lo que promete hacer este libro. Nos hará pensar en Yoko bajo un nuevo prisma, al tiempo que pensamos en nosotros mismos y en el poder de la percepción pública a la hora de distorsionar e incluso destruir una vida.
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De la afición por lo infernal al consumo de drogas yalcohol a raudales, el campo del metal está sembradode excesos y vidas licenciosas. La imaginación de estos muchachos, a la hora de vivir al límite no tiene precio. Cualquier cosa con tal de salir de la monotonía y convertirse en una estrella de la música. Ese particular descenso a los infiernos de grupos como Metallica, Black Sabbath, Judas Priest, Motörhead y otrosmás, así como de alguno de sus componentes queda retratado en las páginas de este libro de forma amena y divertida por quien pasa por ser uno de los periodistas musicales de mayor proyección. El autor ha sabido elevar la anécdota, la curiosidad y la nota a pie de página a historia principal de uno de los géneros musicales que mayor trascendencia ha tenido en los últimos cincuenta años. Ronnie James Dio: Feo, bajito y genial. Alice Cooper, «una linda y dulce niñita escondiendo un hacha a su espalda». Great White: La banda conpeor suerte del mundo. Motörhead y un funeral vikingo. Manowar: mitología nórdica y épica motera.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
