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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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¿Cómo ocurrió verdaderamente el accidente que segó la vida de Bessie Smith? ¿Cómo era la ciudad de Chicago que dominaba la música de Joe Oliver? ¿Cuánto hay de realidad y de ficción en la figura de la gran Billie Holiday? ¿Por qué triunfó Benny Goodman? ¿Quiénes eran las personas desconocidas que impulsaron el jazz? ¿Cómo era el hombre que se escondía detrás del mito de Charlie Parker? ¿Era Chet Baker un demonio vestido de ángel?El autor ofrece a través de la voz de los protagonistas, un vívido reflejo de la historia del jazz hasta casi finales de siglo XX. Sus ciudades, sus clubes, sus gentes y su música. Son esos mismos artistas los que nos cuentan sus peripecias y cuitas.
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Londres 1976, un muchacho irlandés deambula por sus calles buscando crear una revolución, como la mayor parte de adolescentes de la época, sin saber tocar, ni cantar, ni leer una partitura, John Lydon se hizo cantante y compositor, su disco God save the queen fue un grito de alivio y un desastre casi al mismo tiempo, como no podía ser de otra forma. Cantante de los Sex Pistols y de PiL este libro sitúa su epicentro en esa explosión instantánea que desató el grupo británico y, describiendo una onda expansiva que pronto desvió su trayectoria gracias a la ambición o la estupidez de muchos de sus artifices, nos invita a imaginar «otro punk». Porque, más que la historia de los Sex Pistols, Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs expone las instrucciones de una manera de Vida, redactadas a fogonazos, con tanta aportación del cerebro como del corazón y sin un plan maestro detrás.
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La primera biografía en castellano sobre My Bloody ValentineJusto cuando se cumplen 35 años de su influyente álbum Loveless (1991), piedra angular del shoegaze y una obra maestra indiscutible, Convierte mi cabeza en sonido: Una historia de Kevin Shields y My Bloody Valentine narra la historia de uno de los grandes innovadores en términos sonoros de finales del siglo XX y principios del XXI.My Bloody Valentine solo han publicado tres álbumes a lo largo de sus cuarenta años de carrera, pero cada uno de ellos ha tenido un impacto cultural sísmico y no se había publicado ningún estudio exhaustivo sobre su obra ni la trayectoria de la banda. Hasta ahora.Convierte mi cabeza en sonido es el resultado de investigaciones recopiladas a lo largo de décadas, así como de entrevistas con personas que fueron testigos aquellos momentos, algunas de las cuales hablan por primera vez. Quienes hayan seguido a la banda desde sus inicios encontrarán aquí mucha información nueva, incluida la historia completa de su tortuosa etapa en Island Records tras el lanzamiento de Loveless.Kevin Shields es, sin duda, un músico único en su género, y este libro —que llena vacíos, corrige errores y ofrece una visión objetiva de toda su carrera y la de su banda, con todos sus defectos— dibuja un retrato completo de uno de los artistas sonoros más revolucionarios de nuestro tiempo, incluyendo su trabajo fuera de My Bloody Valentine como ingeniero, productor, remezclador y miembro de Primal Scream, así como sus contribuciones a varias películas de Sofia Coppola.
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Taylor Swift es un fenómeno global, debido sin duda a su talento, pero también a la íntima comunión que ha conseguido con sus fans, los swifties. Son varios los factores que nos hacen entender esta conexión con su público: desde su honestidad y su forma de expresar sus sentimientos y emociones, hacer de su estilo una marca personal, su perfeccionismo y sus ganas de renovación, hasta su idea del espectáculo y el uso de alta tecnología en sus conciertos.
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Renovó el rock español, rompió los límites de la canción de autor, se empapó de todas las tradiciones, combinó la alta cultura con el lenguaje de la calle, de la ironía saltó al humor, vivió al límite para escribir las canciones más emocionantes, tendió puentes con la actualidad, fijó la crónica poética de un tiempo y la memoria sentimental de varias generaciones de hispanoblantes. Casi sin darnos cuenta, Joaquín Sabina se reveló como uno de los más excepcionales compositores e intérpretes del último medio siglo. Su canon no admite comparación. Hablamos de alguien que, sin desearlo, es mito en vida. En Sol y sombra, Julio Valdeón nos invita a recorrer la vida y obra de Sabina en un viaje eminentemente musical que cuenta con las voces del propio biografiado (en el extraordinario epílogo) y de la mayor parte de los músicos, compositores, productores, colaboradores y amigos que le han acompañado a lo largo de los años: de los imprescindibles Pancho Varona y Antonio García de Diego a los integrantes de Viceversa, de Alejo Stivel a Leiva, de Ariel Rot a Caco Senante, de Álvaro Urquijo a Andrés Calamaro, de Olga Román a Rubén Pozo, de Mara Barros a Luis García Montero, de Pedro Guerra a Carlos Narea, de Felipe Benítez Reyes a Miguel Ríos. Más de cuarenta entrevistados para aproximarnos a la gestación de las canciones, a la creación de los discos, a los procesos de trabajo, a los escenarios y a la vida en la carretera.
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La música os hará libres es la autobiografía de Ryuichi Sakamoto. El músico va a la esencia de su vida y la relata sin adornos. Rememora casi seis décadas de existencia con un estilo directo que destila delicadeza y sensibilidad, y con la franqueza de quien quiere comprenderse a sí mismo. Ryuichi Sakamoto toma la música como hilo. Desde su primer contacto casi casual con un piano, en el parvulario, va desplegando un amplísimo abanico de influencias, que luego aflorarán en la heterogénea obra de Ryuichi Sakamoto, en una carrera tan rica como diversa. El libro parte de un extenso diálogo con el director de la revista japonesa Engine, que se publicó en sucesivas entregas a lo largo de dos años. Ryuichi Sakamoto (TOKIO, 1952) ha explorado todo el universo musical, desde las melodías populares de Okinawa a los futuristas italianos, su adorado Debussy, el minimalismo y la bossa nova. La primera formación en la que participó, la mítica Yellow Magic Orchestra, fue pionera en la música electrónica. Ha compuesto piezas para piano, un concierto para orquesta, una ópera, y participó en la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. También ha colaborado con músicos como David Byrne, Iggy Pop o Youssou N'Dour. Además de actuar, compuso la música de las películas Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima y El último emperador de Bernardo Bertolucci. También ha colaborado con los directores Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Brian De Palma o Alejandro González Iñárritu. Su larga carrera le ha reportado un Oscar, dos Globos de Oro, un Grammy, un premio de la MTV y muchos más reconocimientos internacionales.
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Mito erótico de la Transición, novia de España, imagen de la cultura comprometida con la justicia social, musa de dramaturgos, cineastas y compositores, Ana Belén encarna nuestra historia reciente. María del Pilar Cuesta Acosta, Ana Belén para el resto del universo, fue la última niña prodigio. Desde que empezó a cantar en los concursos radiofónicos, supo que quería ser artista, como Marisol, y darle a su familia una casa mejor que la que tenían en el madrileño barrio de Lavapiés. Lo consiguió a los trece años, cuando se convirtió en Ana Belén con Zampo y yo , su primera película. En esta conversación con el escritor y guionista Edu Galán, repasa su trayectoria vital y profesional, donde ha habido muchos éxitos y algún fracaso, y donde ha llevado en paralelo sus dos carreras artísticas: la de cantante, que ha desarrollado con su compañero de vida, Víctor Manuel, y la de actriz de teatro y de cine. Sus canciones y películas son hoy parte de nuestra memoria colectiva.En 2025 estrena nuevo disco, Vengo con los ojos nuevos , que presentará en la gira Más D Ana.
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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El Wu-Tang Clan es uno de los grupos de hip-hop másimportantes de todos los tiempos, y su impacto ha trascendido el ámbito meramente musical, sin embargo, ningún miembro del grupo había contado su historia hasta la aparición de En carne viva. Mi viaje con el Wu-Tang Clan, escrito por Lamont «U-God» Hawkins, quien aprendió a sobrevivir en los años setenta y ochenta enlas calles de los distritos más desamparados de la ciudad de Nueva York, donde la violencia era omnipresente y el futuro para un niño negro como él se cifraba, casi sin remedio, en clave de crack, armas y tragedia.
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No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.” Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.
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El guitarrista Francisco Gómez Amaya (Morón de la Frontera, 1944) es hoy el máximo exponente de lo que muchos conocen como «toque de Morón». Paco del Gastor hadesarrolla de manera genial el inconfundible toque de su tío Diego del Gastor al armonizar una música aparentemente sencilla pero de gran profundidad, hasta alcanzar una personalidad propia. Este libro está escrito a partir de una serie de conversaciones que RamónSoler ha mantenido con el maestro de Morón en las que desgrana todos sus recuerdos desde sus inicios, dela mano de su tío y mentor Diego Amaya Flores, hastasus últimos pasos como profesor de guitarra en el Conservatorio de Música de Morón de la Frontera. La doble faceta como tocaor solista y de acompañamiento (Bambino, Juan Talega, Mairena, Fernanda y Bernarda, Paquera de Jerez, El Funi, Gaspar de Utrera, Chano Lobato, José el de la Tomasa, El Cabrero ), y su amistad con maestros como Niño Ricardo, Sabicas, Marote y Pacode Lucía salen a relucir en Paco del Gastor, de otracuerda, libro que cuenta con numerosas fotografías yque se completa con glosas sobre su figura por partede amigos y compañeros y con la discografía de este tocaor gitano. AUTOR Ramón Soler Díaz (Málaga, 1966) es licenciado en Matemáticas y profesor de esta materia. En el ámbito del flamenco tiene publicado varios libros, dos de ellos en colaboración con su tío Luis Soler Guevara (Antonio Mairena en el mundo de la siguiriya y la soleá, 1992, Los cantes de Antonio Mairena:comentarios a su obra discográfica, 2004). Otro libro en solitario está dedicado también al maestro de los Alcores: Cuatro estudios sobre Antonio Mairena (2012). En 2003 publicó la biografía Antonio el Chaqueta,pasión por el cante, y en 2011 Lírica acuática. Coplas sobre el agua en la poesía tradicional y el flamenco. Con Paco Roji y Paco Fernández escribió La Repompa de Málaga (2012), y a medias con Roji La Cañeta deMálaga, José Salazar y La Pirula (2013) y Ángel de Álora, lo dulce que yo cantaba (2018). Ha escrito la parte correspondiente a los cantes en los tres libros de la Colección Carlos Martín Ballester: Don Antonio Chacón (2017), Manuel Torres (2018) y Tomás Pavón (2019). Soler ha publicado decenas de artículos en revistas especializadas, ha leído conferencias, producido discos y ha dirigido montajes teatrales sobre música flamenca.
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El segundo tomo de esta historia musical iberoamericana toma como punto de partida el renacer del repertorio lírico español, nos habla también del villancico sacro y otros géneros como la ensalada, de la música instrumental y la dedicada a la divinidad hasta llegar a la colonización musical en América. Ayuda, de una manera notable, a reforzar el conocimiento de la música hispana en lo referido al periodo del Renacimiento dentro del contexto de la cultura occidental, nutriendo esta edición con partituras, datos y grabados que permiten dar un panorama enriquecido de la evolución que esta práctica inherente al hombre ha tenido a lo largo de varios siglos.
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Vencido el primer cuarto del siglo XXI, un cantautor vasco como Gontzal Mendibil, un juglar heredero de aquellos representates del grupo Ez dok amairu que compartieron proyectos y amistad con Blas de Otero, echa al viento (como José Martí) los versos necesarios de entonces y de siempre, de hoy y mañana, para que suenen libres y vivos y espontáneos.
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Música, Historia y Política. Aportaciones musicales al análisis historiográfico es una compilación de textos propios editados en diversas publicaciones durante el período comprendido entre 2014 y 2023. En todos los casos —una ponencia y tres artículos—, sus contenidos han sido revisados y considerablemente ampliados. Asimismo, cuenta con un extenso aparato documental que consta de 116 piezas, muchas de ellas originales e inéditas (fotografías, documentos oficiales, partituras manuscritas, hojas volantes…).Como protagonistas destacados de la presente investigación figuran Rafael del Riego, Pau Casals, Carlos Palacio y Rafael Pérez Contel, artífices, creadores o inspiradores en sus distintos campos profesionales y/o artísticos de propuestas dirigidas a intervenir en la dirección política de la nación. Su proyección temporal discurre desde el régimen absolutista de Fernando VII (s. XIX) hasta las postrimerías de la dictadura militar del general Francisco Franco y la transición (ss. XX-XXI).Adquiere especial relevancia en el presente volumen la consideración de la música como un elemento del discurso historiográfico y, por tanto, con plena capacidad, al igual que otras expresiones artísticas, de actuar como sistema vertebrador de la narración histórica. La multiplicidad de funciones confiere al discurso musical la condición de registro sonoro de su tiempo, de todos los tiempos, con una acreditada capacidad transformadora que lo sitúa en el centro del debate social, político e institucional. Algunas de las partituras estudiadas rememoran, frecuentemente, existencias trágicas propias de tiempos convulsos, cuyos ecos resuenan en el presente como invitación inexcusable a la reflexión sobre las circunstancias que las hicieron posibles y sus consecuencias. El ejemplo y la conciencia cívica de quienes denunciaron la barbarie deben ser considerados estímulos para la desautorización moral tanto de aquellos que prefirieron colaborar en su comisión o inhibirse ante ella, como de los que, décadas después, optan por ignorarla, negarla o, incluso, asumen sus postulados y su simbología. Su objetivo es recuperar políticas de exclusión y exterminio en distintas partes de Europa y de otros continentes. El genocidio actual del pueblo palestino es buena muestra de ello. Enrique Téllez Cenzano
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La música ha sido una herramienta habitual en la política exterior de los Estados para mejorar su imagen internacional desplazando melodías, artistas, agrupaciones e instrumentos que representaban simbólicamente la nación y que permitían alcanzar a la ciudadanía de otro país. Esta acción exterior ha sido denominada diplomacia musical. Estados Unidos y el jazz, la Unión Soviética y el Ballet Bolshói o Corea del Sur y el K-pop son prototipos conocidos de esta acción exterior, pero existen otros ejemplos en los que los géneros musicales, los avances culturales, las relaciones internacionales y las transformaciones políticas convergieron en un mismo momento, como fueron los casos de Reino Unido y España. Las características de la diplomacia musical británica y española en la segunda mitad del siglo xx sufrieron una importante modificación en consonancia con los cambios políticos internos y los reajustes de las prioridades exteriores. El análisis de las acciones musicales desarrolladas de forma bilateral entre ambos países permite esclarecer los géneros musicales proyectados internacionalmente, la influencia del estado de las relaciones bilaterales en la calidad y la cantidad de las iniciativas y la confluencia de factores internos y externos para la formulación de la diplomacia musical de cada país.
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Jaime Urrutia comenzó a vestir camisas de lunares porque se las vio Jordi Vila, batería de Loquillo y Trogloditas. Edi Clavo, sus patillas, como las de Alberto García-Alix. Y, Ferni Presas, la inscripción ''Gnade Uns Gott'' en el bajo por la influencia del cine expresionista alemán. Los tres, tan parecidos y a la vez tan diferentes, formaron Gabinete Caligari en 1981 bajo la sombra del after punk y se separaron en 1999, terminando siendo una sombra de lo que fueron. Cómo perdimos Madrid es un compendio de hemeroteca, entrevistas y análisis crítico a través de los testimonios de los miembros de la banda, músicos, managers, allegados y otras figuras clave de la escena, como Carlos Entrena, Enrique Bunbury, Servando Carballar, Pito Cubillas, Lars Mertanen, Phil Manzanera, Javier Andreu, Esteban Hirschfeld, Mikel Erentxun... ''Camino Soria'', ''Que Dios reparta suerte'', ''Golpes'', ''La culpa fue del cha-cha-chá'', ''Cuatro Rosas'', ''El calor del amor en un bar''... Escribía José Ortega y Gasset que ''la historia del toreo está ligada a la de España, tanto que, sin conocer la primera, resultará imposible comprender la segunda''. Aplíquese pues la cita a Gabinete Caligari, que, castizos ellos, templaron con sabor las suertes del rock and roll.
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El presente libro rastrea y compila las posiciones en torno a la idea de lo popular en las obras de Manuel de Falla (1876-1946) y de Béla Bartók (1881-1945) teniendo en consideración tanto las ideas musicales como sus connotaciones políticas.Poner en comparación a Falla y Bartók nos permite observar y describir la máxima distancia posible que con respecto a la cuestión de lo popular se puede encontrar en la música culta del siglo XX. Falla y Bartók son las dos posiciones fuertes más alejadas que ha habido dentro de este campo de juego social. Se reúnen aquí una selección de los textos de ambos autores donde se apuntan o desarrollan las ideas clave sobre el tema y un estudio preliminar que trata de poner esos textos en su lugar histórico.
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En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido –desde la música a la forma de grabar o de vestir–, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el “archienemigo” Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.
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Componer bajo el régimen de Stalin no fue fácil. Los músicos tuvieron que someterse a la línea ideológica del partido. Músicos de la altura de Shostakóvich y Prokófiev eintérpretes de fama internacional como Rostropóvich, Richter, Oistrakh, Kogan y Yúdin
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Biografía minuciosa y amena en la que Schwandt (1956) examina con detalle las obras de un compositor que, tras un inicio accidentado, se convirtió en un prestigioso músico, en el que Italia vio consumadas sus aspiraciones nacionalistas, tras el agotamiento de la ópera con tema histórico y el sentimiento de desarraigo que proyectaban autores como Donizetti o Rossini, de estilo más bien francés. La obra contiene una útil cronología y las notas discográficas detalladas desde 1906 hasta terminar el siglo.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Billy Childish es mucho más que un músico, pintor o poeta, Es el último gran antiheroe del undergrounds británico. En esta biografía “autorizada pero no autorizada” el popular periodista musical Ted Kessler ahonda en las raíces del Childish y destila explora la vida del artista que continuamente ha rechazado las reglas del mainstream. Desde su infancia traumática hasta su salto a convertirse en un referente mundial, para figuras como Kurt Cobain, Jack White o Kylie Minogue, su único objetivo ha sido la incansable búsqueda de la verdad a través de su expresión artística, conformando en el un verdadero maestro de la contracultura.
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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El acceso al mensaje poderoso y transformador de la música exige una cierta pedagogía, que no siempre se ha sabido cultivar de la manera adecuada. Desgraciadamente, sucede muy a menudo que el enfoque de la enseñanza musical en las escuelas (e incluso en los conservatorios) no es el correcto. Como consecuencia de esto, una gran parte de la población más joven (y no tan joven) no siente ninguna afinidad hacia la gran música, la consideran una realidad lejana, incomprensible, propia de gente aburrida o extraña. Otros quizás albergan la sospecha de que se trata de un mundo fascinante y enriquecedor, pero les parece que no disponen de las claves para acceder a él, no saben cómo se han de acercar a las grandes creaciones musicales, y pronto se rinden con la amarga sensación de que han perdido ese tren. Escrito en un registro cercano y amable (tan lejos de la erudición como de la divulgación insustancial), Música para leer es una guía para iniciarse, profundizar y llegar a amar (hasta la completa adicción) el mundo de la gran música.
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Esta biografía explora la vida y la carrera de una de las, si no la, pianista más emblemática del siglo XX. Es una obra imprescindible para los amantes de la música académica y para aquellos interesados en conocer la vida de una artista cuya intensidad y genialidad continúan inspirando a nuevas generaciones. Olivier Bellamy compone un estudio íntimo y detallado de la vida de Argerich, desde sus primeros años en Buenos Aires hasta su ascenso en los escenarios más prestigiosos del mundo, presentando no solo sus logros, sino también los desafíos personales y profesionales que ha enfrentado a lo largo de su extraordinaria carrera. Revela los matices de su singular pensamiento artístico, su compleja relación con la fama, su fresca rebeldía y su poco convencional búsqueda de la perfección musical. Este libro captura la esencia de Argerich, presentando un retrato conmovedor y auténtico de una mujer cuya vida es tan apasionada y compleja como la música que interpreta.
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Libros del Kultrum
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Luis Eduardo Aute vivió muchas vidas en una sola. Poeta que se nutría de su experiencia, pintor precocísimo, cantautor reacio al éxito que, sin embargo, llegó a disfrutar en los años ochenta, su época más creativa. También compuso himnos generacionales como ''Al alba'', particularmente celebrado y simbólico. A lo largo de su vida se debatió muchas veces entre el lienzo y el poema, entre la canción y el sueño audiovisual. Creador polifacético, libre, gozoso en la manera de sentir el arte, Aute fue un artista infinito. No cultivó nunca la presunción ni la vanidad. Encontró en la expresión artística su refugio. Pocos cantautores ofrecen una discografía tan exquisita y rotundamente lírica y expresiva como la de Aute, edificada muchas veces a contracorriente, de Rito a Templo, de Espuma a Segundos fuera, discos recorridos por el perfume de lo sagrado, amorosos, eróticos, carnales, impredecibles y auténticos, que implicaron un riesgo al fraguarse contra las convenciones de la industria musical. AUTE. infinito, de Luis García Gil atiende a las multiples facetas de este artista singular a través de un relato tan riguroso como personal, escrito desde la intimidad y el conocimiento de la persona retratada. Ampliamente ilustrada, con una selección de vídeos comentados y una playlist de Spotify seleccionada por el autor, esta biografía permite un acercamiento completo a la música, la creatividad y la vida de Luis Eduardo Aute.
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Elton John, uno de los artistas más prolíficos y de mayor éxito comercial en la música pop moderna, ha sido galardonado con seis Grammy y ha vendido más de 300millones de discos durante una carrera que abarca más de medio siglo. Su Candle In the Wind 1997 continúasiendo el single de mayores ventas de todos los tiempos. Justo a tiempo para su gira mundial de despedida, esta magnífica retrospectiva no oficialonmemora laincreíble vida y carrera del artista. Profusamente ilustrada, esta obra incluye recuerdos de archivo pococonocidos y fotografías que no se han publicado nunca. Abarca desde la infancia de Elton como prodigio delpiano en el suburbio londinense de Pinner hasta susprimeras actuaciones en el West End y su fortuito encuentro y posterior colaboración vitalicia con el letrista Bernie Taupin. El libro se remonta a la cancióncon la que comenzó todo, 'Your Song', y recorre su ascensoeteórico al estrellato, los retos que afrontó enel camino y su incansable trabajo por las causas benéficas, incluyendo la Elton John AIDS Foundation. Unrecuerdo definitivo para todos los fans de Elton John.
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De la afición por lo infernal al consumo de drogas yalcohol a raudales, el campo del metal está sembradode excesos y vidas licenciosas. La imaginación de estos muchachos, a la hora de vivir al límite no tiene precio. Cualquier cosa con tal de salir de la monotonía y convertirse en una estrella de la música. Ese particular descenso a los infiernos de grupos como Metallica, Black Sabbath, Judas Priest, Motörhead y otrosmás, así como de alguno de sus componentes queda retratado en las páginas de este libro de forma amena y divertida por quien pasa por ser uno de los periodistas musicales de mayor proyección. El autor ha sabido elevar la anécdota, la curiosidad y la nota a pie de página a historia principal de uno de los géneros musicales que mayor trascendencia ha tenido en los últimos cincuenta años. Ronnie James Dio: Feo, bajito y genial. Alice Cooper, «una linda y dulce niñita escondiendo un hacha a su espalda». Great White: La banda conpeor suerte del mundo. Motörhead y un funeral vikingo. Manowar: mitología nórdica y épica motera.
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Largamente esperada, este trabajo nos trae el análisis textual y la transcripción musical de los villancicos que el maestro de capilla Francisco Juncá compusopara la catedral de Toledo entre 1781 y 1791. El libro incluye, en papel, el análisis y el estudio de lostextos, y en el CD ROM que le acompaña, la transcripción musical dispuesta para poder ser interpretada. Untesoro musical que merece la pena conocer y divulgar. LIbro con estudio y edición (389 p.) + CDROM (edición musical en pdf, 1814 p.)
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.El segundo volumen se estrucura en 14 capítulos organizados en tres bloques temáticos, donde analiza aspectos relacionados con la música grabada, la edición musical y la música en directo.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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Este libro constituye un sentido y documentado homenaje a la figura y trabajo del cantautor catalán Lluís Llach. A través de testimonios directos de quienes compartieron con él vida o escenario, los autores realizan un recorrido minucioso sobre los acontecimientos políticos y sociales claves para la comprensión de la trayectoria de este artista. Una obra supervisada por el propio protagonista que recoge algunos de sus canciones y fotografías más significativas.
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Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Presentar al autor de este libro es innecesario. Diego A. Manrique es, desde hace cuatro décadas, el periodistamusical en activomás respetado de nuestro país. Una trayectoria como la suya ha estado, inevitablemente, jalonada de vivencias de toda condición. Muchas de ellas las relata en El mejor oficio del mundo. Anécdotas profesionales y encuentros con grandes figuras de la música internacionales y nacionales a través de las que desvela las interioridades de un apasionante oficio vocacional. En estas páginas descubre el funcionamiento de la industria musical en momentos de vacas tanto gordas como flacas, y del siempre precario periodismo especializado. Con un estilo único, patentado y totalmente reconocible que atrapa desde la primera página, alejado de la vanidad y desde la posición de quien fue un desconocidomelómano «de provincias» con vocación enciclopédica y hambre de saber y conocer, nos relata, sin pretenderlo, cómo se fue labrando un espacio propio en los medios. En El mejor oficio del mundo sabremos del disco de Dylan en español que no fue, de entrevistas frustradas y otras de las que, sin esperar demasiado, acabaron siendo legendarias. Subiremos con él a un avión y aterrizaremos en Canadá a la búsqueda de Leonard Cohen o viajaremos a su lado en un autobús para asistir a un concierto desangelado en una cárcel que nada tiene que ver con los de Johnny Cash… Conoceremos su negativa a sentarse en la silla de un despacho porque su sitio está en las salas de conciertos, en las emisoras de radio, tecleando en la máquina de escribir y, también, en aquella televisión de los programas musicales que, hoy desaparecidos, le llevaron a la construcción de nuevos y sorprendentes formatos. Todo ello relatado con veracidad y algo de sorna, necesaria para rememorar los tiempos en que para algunos la música era cosa de melenudos que solo tenían ganas de molestar.Diego A.Manrique esHistoriaMayor del Periodismo de este país, y en Elmejor oficio del mundo se abre para contar, desde la perspectiva de la distancia, lo que ocurre en la trastienda, aquello que nunca se explica, homenajeando de paso a compañeros de profesión que anduvieron con él caminos paralelos. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad al oficio, este es un libro tan necesario como esclarecedor.
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Las memorias del célebre bajista y cofundador de la banda Red Hot Chili Peppers.Amaba a su perro. La vida lo levantó y lo sacudió por todos lados. A trompicones y tambaleándose, a ciegas y en una búsqueda constante, se enamoró de las cosas verdaderamente bonitas. Los corazones dulces lo calentaron con su brillo de amor. Otros corazones le fallaron. Se sentía desconectado y corrió por las calles buscando alivio. En el proceso hizo cosas que atenuaron la luz de su propio corazón. Una fría oscuridad de miedo creció en su interior. Pero en aquel lugar terrorífico, la Música, la Voz de Dios, le habló, diciéndole que compartiese su voz en esta tierra. Fue arrastrado por la gloria. —Flea En Acid for the Children, el icónico bajista y cofundador de Red Hot Chili Peppers transporta a los lectores a una gira profundamente personal y reveladora de sus años de formación, que abarca desde Australia hasta los suburbios de la ciudad de Nueva York y, finalmente, a Los Ángeles. A través de anécdotas hilarantes, meditaciones poéticas y vuelos ocasionales de fantasía, Flea cuenta la historia de su vida con todos los vertiginosos altibajos que se esperaría de una rata callejera de Los Ángeles convertida en estrella de rock mundialmente famosa, y narra hábilmente las experiencias que lo forjaron como artista, músico y persona. Su prosa soñadora, con inflexiones como de jazz, hace que Los Ángeles de los años 70 y 80 tenga una vida gloriosa, que incluye el potencial de diversión, peligro, caos o inspiración que acechan en cada esquina de la ciudad. Es aquí donde el joven Flea, buscando escapar de un hogar turbulento, encontró a su auténtica familia en una comunidad de músicos, artistas y adictos que también vivían en la periferia. Pasó la mayor parte de su tiempo de fiesta en fiesta y cometiendo delitos menores. Pero fue en la música donde encontró un significado más elevado, un lugar para canalizar su frustración, soledad y amor. Esto lo dejó abierto al momento de cambio de su vida cuando él y su mejor amigo, su hermano del alma y compañero de travesuras, Anthony Kiedis, tuvieron la idea de dar inicio a su propia banda, un grupo que se convertiría en los Red Hot Chili Peppers. Acid for the Children es el debut de una nueva y sorprendente voz literaria, tan ingeniosa, entretenida y tremendamente impredecible como el propio autor. Una historia tiernamente evocativa de la mayoría de edad y una estridente carta de amor al poder de la música y la creatividad de uno de los músicos más reconocidos de nuestro tiempo.
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El presente libro, tal y como se subtitula, es un manual básico y de obligatorio contenido para todas aquellas personas que quieran dedicarse en activo a realizar música para hacérsela llegar al público. En él no vais a encontrar chascarillos ni anécdotas ni tampoco morbosas y rocambolescas historias de esas que engrosan las leyendas urbanas sobre sexo, droga y rock & roll. Para eso ya hay biopics y memorias de artistas. Este libro versa sobre todo lo que hay que tener en cuenta para poder realizar un concierto de música en vivo, desde los preámbulos legales y administrativos hasta todos los elementos logísticos y de recursos humanos que hay que desplegar para que todo llegue a buen puerto. Este libro va destinado a estudiantes interesados en trabajar en un futuro en la música, a músicos emergentes, que aún desconocen los entresijos en los que desarrollarán su profesión. Finalmente, también va dirigido a todo amante de la música que desee conocer de manera más profunda todo lo que hay previo a esa maravillosa magia, que es el concierto al que asistirá y que quedará anclado en su memoria.
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Un libro insólito que recoge las fantásticas fotografías de Philomena Winstanley para Slash, a mitad de camino entre la crónica furiosa con fondo musical y la fuerza delamor, el relato crudo de dos figuras que siempre se movieron entre bambalinas pero qu
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
