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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Una cartografía tan detallada como contextualizada de los grupos e intérpretes que han marcado las últimas décadas de nuestro rock.Un bestiario. Así le gusta definir a su autor este ensayo sobre la historia del rock en el Estado español entre 1991 y 2021. Pero este no es un bestiario de animales míticos y fabulosos. Sus protagonistas existieron y fueron muy reales, por mucho que una gran mayoría no dejase rastro en los medios de comunicación. De eso va este libro. De devolver a la luz una música y a sus protagonistas.El inicio del periodo señalado lo marca el nacimiento del rock alternativo y su cierre apunta tanto a la pandemia del coronavirus como a la irrupción de nuevas músicas urbanas (reggaetón y trap) que darían carpetazo al tiempo anterior. Durante esas décadas se vivió en el Estado un momento dulce para una música hecha de abajo arriba, antisistema y contestataria. Sus artistas a menudo pelearon contra el marco musical imperante, identificado a veces con la Movida y que hoy señalaríamos como Cultura de la Transición. Piedra contra tijera buceará ahí para cartografiar el heterogéneo conjunto de movimientos que se asoció durante ese tiempo al rock. Realizará su labor con esmero, intentando combinar exhaustividad y profundidad con ánimo pedagógico y regocijo en la escritura. Es el manual de trabajo de un apasionado del rock y la política, un libro de historia que mira de frente a su tiempo y toma la palabra con atrevimiento. Un libro que no pretende cerrar un conocimiento, sino mostrar los poliédricos caminos de lo cultural y lo social e invitar a recorrer nuevas sendas colectivas.
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Cuando el hip-hop surgió en la década de 1970, nadie esperaba que se convirtiera en la fuerza cultural que es en la actualidad. Pero para un joven negro criado en una familia musical en Filadelfia, lo era todo. Se quedaba despierto hasta altas horas de la madrugada para escuchar las últimas canciones que emitía la radio. Ahorraba para comprar vinilos en cuanto salían. Incluso empezó a componer sus propias canciones. Ese chico era Questlove. Ahora, en este libro único en su género, Questlove rastrea las fuerzas creativas y culturales que crearon y moldearon el hip-hop en EEUU, destacando tanto las joyas olvidadas pero influyentes como los éxitos innegables que encabezaron las listas de éxitos, y entrelaza este relato con historias que nadie más conoce. Hip-Hop es historia es a la vez un relato íntimo y agudamente descrito, y una teoría exhaustiva de la evolución de uno de los grades movimientos artístico y sociales de nuestro tiempo. Questlove aborda esta crónica del hip-hop con la sabiduría enciclopédica de un fanático obsesivo y la experiencia y la fluidez únicas de alguien que estuvo presente en muchos de los momentos de la historia.
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Carlos Marín: una voz eterna, un legado inolvidable.Uno de los cantantes españoles más brillantes de este siglo, Carlos Marín alcanzó renombre internacional como componente de Il Divo, cuarteto de crossover con el que vendió más de 30 millones de discos en todo el mundo y recorrió con ambiciosas giras los cinco continentes. Pero fue mucho más: un prominente artista de ópera, zarzuela y musicales que destacó también por discos y conciertos en solitario. Fallecido inesperadamente el 19 de diciembre de 2021, con solo 53 años, su recuerdo se mantiene imborrable en cada rincón del planeta donde apreciaron su enorme talento. A través de entrevistas a miembros de su familia, su exesposa (Geraldine Larrosa, conocida en la música como Innocence), el magnate Simon Cowell, fundador de Il Divo, y personas que fueron importantes en su carrera, este volumen repasa con minucioso detalle desde sus inicios como intérprete infantil a su gloriosa etapa en el grupo que le brindó fama global, e indaga en su parcela personal: su infancia en Alemania, donde nació, su singular historia de amor con Larrosa, su noviazgo con la actriz india Kim Sharma, su relación con otros grandes de la música como Barbra Streisand, Céline Dion o Julio Iglesias, y sus últimos días de vida casi minuto a minuto.
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Yeray S. Iborra y Oriol Rodríguez, periodistas ambos consagrados al muy grato oficio de dar noticia de cuanto se cuece en el universo de la cultura popular y, pasión obliga, ávidos profanadores de toda suerte de curiosidades biográficas y artísticas, emprenden en Buscando a Rosalía un road trip de no-ficción para dar cuenta de las epifanías, y también los no pocos sinsabores, que jalonan la búsqueda de esta simpar estrella mundial de la música, la moda y la estética concertística -si bien amparándose en una sola concesión a la ficción para hermanarse ambos en la figura de un narrador omnisciente que se nutre de las andanzas y vivencias de ambos-. El fruto de esa licencia es un relato que se adentra como ningún otro en la compleja, y a menudo enigmática, trayectoria de una artista de la que apenas hay bibliografía. Y es nada que escapa a la portentosa indagación de nuestros intrépidos plumillas en todo lo que concierne a su carrera artística. Entrelazando toda suerte de testimonios -inéditos, cercanos, insospechados, inconfesables, etc.- regresan a los lugares de los hechos referidos y, tras tropezar con no pocos noes por el camino, se aprestan a bucear en su infancia, su juventud, su pueblo, su discografía, sus colaboraciones y su épico desembarco en la industria americana del showbiz. «Conocí a Rosalía cuando apenas era una veinteañera que vestía bambas blancas de plataforma y tomaba café pasado el mediodía (como solo los veinteañeros pueden hacer). Todavía no era La Rosalía, ni mucho menos la Motomami o la Santa. Los dos éramos del Baixllo, compartíamos generación y pasión por las motos. Su disco debut, Los Ángeles, se acababa de publicar y, como periodista, tuve que convencer a mis editores para entrevistarla. Era una desconocida. Hablé con ella por WhatsApp, por Twitter, y, finalmente, cara a cara. Y seguí con pasión su carrera. Hasta que se esfumó. Y fui yo quien pasó a ser un desconocido...». Con este arrebato de nostálgica sinceridad, se nos conmina a zambullirnos en los prolegómenos de lo que devendrá una apasionada búsqueda que, a su vez, tórnase en pretexto infalible para dar cuenta de la vida y andanzas de una artista sin parangón en el panteón cultural contemporáneo.
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UNA NOVELA GRÁFICA QUE ROMPE BARRERAS El metal, con su deseo de tocar más rápido que nadie y la necesidad de expresar su malestar y su rebeldía, ha abierto desde hace más de cincuenta años un furioso camino hasta los tímpanos de un público apasionado. Del heavy metal clásico al grindcore, de Motörhead a Slipknot, desde las deprimentes periferias estadounidenses hasta los animes japoneses, este libro describe veinte estilos extremos de música, con sus características, sus filosofías y sus historias. Un cómic incandescente para arrojar luz sobre un género musical y unos artistas dotados de una creatividad y un virtuosismo sobresalientes.
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Este volumen colectivo, subraya la importancia y necesidad de distinguir los fines y misiones de cada etapa educativa musical (Educación Infantil, Primaria, Secundaria, Bachillerato, escuela de música, conservatorio profesional, conservatorio superior, universidad?) y se une a una creciente literatura acerca de la relevancia de la formación musical. También propone una reflexión académica para continuar dignificándola como un derecho y una herramienta de desarrollo integral para la persona. Así, se abordan muy diferentes temas y ofrecen tanto marcos teóricos como recursos prácticos diversos. El libro se estructura en catorce capítulos firmados por diecinueve autores, once mujeres y ocho hombres (por orden alfabético, Azahara Arévalo Galán, Raquel Bravo Marín, Cristina Cañamares Torrijos, Roberto Crespo-Joglar Fernández, Laura Cuervo Calvo, Marco Antonio de la Ossa Martínez, Rosa María Díaz Mayo, Felipe Gértrudix Barrio, Silvia Gómez Martínez, Ana Gómez Segura, Andreína Liendo Cárdenas, Narciso José López García, Fátima Martín Ruiz, Juan Rafael Muñoz Muñoz, Viviana Raquel Navarro Camacho, Francisco Manuel Peco Díaz, José Perea Zapata, Francisco Javier Romero Naranjo y Carmen María Sepúlveda Durán). Representan a la Consejería de Educación del Principado de Asturias, la Escuela de Música Mamamusica de Benidorm (Alicante), la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Alicante, la Universidad de Almería, la Universidad de Castilla-La Mancha (Facultad de Educación de Albacete, Facultad de Ciudad Real, Facultad de Educación de Cuenca, Facultad de Educación de Toledo), la Universidad de Córdoba y la Universidad de Murcia. Así, sus centros están ubicados en seis comunidades autónomas españolas (Andalucía, Asturias, Castilla-La Mancha, Comunitat Valenciana, Madrid y Murcia) y once localidades diferentes.
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¿Qué distingue a un gran pianista del resto? ¿Qué convierte a una interpretación en una experiencia inolvidable? Este libro recorre, con erudición y sensibilidad, la historia del piano del siglo XX a través de sus protagonistas más ilustres: los intérpretes que dejaron huella no solo por su virtuosismo, sino por su capacidad de transformar la música en una experiencia profundamente humana. De Rajmáninov a Martha Argerich, pasando por Rubinstein, Richter, Horowitz, Gould o Michelangeli, Juan Miguel Moreno Calderón traza en estas páginas un apasionante itinerario a través de los pianistas que definieron una época, reinventaron repertorios y establecieron nuevos cánones interpretativos. El lector encontrará en estas semblanzas mucho más que biografías: son retratos artísticos en los que se exploran estilos, repertorios predilectos, escuelas pianísticas, influencias y legados. Cada fi gura seleccionada representa una forma particular de abordar el instrumento, una estética propia, una relación singular con el público y con la tradición. Pero este no es un libro solo para especialistas. ''Los pianistas que dejaron huella'' se dirige tanto al melómano avezado como al lector curioso. En cada capítulo se hace particular hincapié en la discografía del intérprete de quien se trate, con recomendaciones de lo que el autor considera sus principales logros interpretativos. Grabaciones recomendadas, algunas de ellas históricas, que permiten apreciar directamente la personalidad sonora de cada pianista. Así, el libro no solo se lee: se escucha, se explora, se vive como una invitación a redescubrir el arte del piano a través de sus más altos exponentes. Con un estilo claro, riguroso y apasionado, Moreno Calderón —pianista, musicólogo y divulgador— ofrece una panorámica del arte pianístico desde el siglo XIX hasta nuestros días. Su enfoque combina la precisión analítica con la sensibilidad musical, evitando el dogmatismo y abriendo siempre la puerta al diálogo, a la comparación, a la escucha activa. Una obra imprescindible para quienes desean comprender cómo suena la genialidad, cómo se forja una leyenda musical, cómo se transmite —a través de un teclado— el poder transformador de la música.
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Running Up That Hill: 50 miradas de Kate Bush encapsula la trayectoria de Kate Bush para alimentar la curiosidad tanto de las mentes que la acaban de conocer como de quienes forman parte de su público desde hace décadas. A través de los testimonios de su círculo cercano y músicos como David Gilmour y John Lydon, se destapan sus múltiples facetas y su búsqueda por la independencia creativa.La figura Kate Bush, tan icónica como vanguardista, ha inspirado y transformado generaciones de jóvenes en busca de algo más allá.
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En los anales del rock and roll ha habido muchos personajes extraños, pero probablemente nadie tan extravagante como Screamin' Jay Hawkins, y esta es su historia. Conocido, principalmente, por aparecer con una calavera y un hueso en la nariz cantando I Put A Spell On You, encarnó como ningún otro artista a ese estereotipo del hombre negro sexualmente insaciable, empoderado por el vudú y temido por la América de los cincuenta. Pero, ¿quién fue realmente Screamin’ Jay Hawkins? ¿Un loco con un ataúd en el escenario o un genio incomprendido? En esta biografía, Steve Bergsman nos lleva de la mano por los excesos, encantos y oscuridades del primer gran showman del rock y símbolo de la performatividad afroamericana, personaje clave para entender el nacimiento del shock rock y sus implicaciones raciales. A pesar de su marginalidad en la industria musical tradicional, su influencia es evidente en generaciones posteriores que han jugado con lo grotesco y lo performativo como un modo de expresión artística y política. Sin duda, una figura adelantada a su tiempo, polémica, extravagante y absolutamente fascinante.
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El gran homenaje al legendario álbum de Prince, Purple Rain, en la celebración de su 40 aniversario. En 1984, Prince publicó el que se convertiría en su álbum más vendido y en una de las obras más importantes de la historia del rock. Andrea Swensson, periodista musical especialista en Prince, analiza con todo lujo de detalle esta icónica obra de arte, empezando en el barrio de Minneapolis, donde se crio Prince, y todos los éxitos que precedieron a Purple Rain, continuando con su legendaria banda, The Revolution. Examina cada canción, nota a nota, la película que se realizó con posterioridad y su banda sonora -ganadora de múltiples premios-, así como el resto de piezas que surgieron de este icónico álbum. Con prólogo de la gran experta en Prince, Maya Rudolph, e ilustrado con increíbles fotografías, incluye también extraordinarias reproducciones de objetos icónicos en la carrera de Su Majestad Púrpura. La máxima celebración de Prince, su figura y la obra que cambió la historia de la música.
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Una història íntimaLa cantant i poeta Ivette Nadal explora, en aquesta confessió íntima, el fil invisible que l'ha conduït a escriure cançons i a enfilar el camí d'una mena de vida i una mena d'amors. És una història punyent de dolors enterrats i d'amors descompensats, d'una inciació precipitada en el món dels adults, d'una adolescència fràgil que ha buscat el refugi de les cançons, d'una inquietud honesta que l'ha empès a expressar-se dalt dels escenaris. Al costat d'episodis d'una bellesa il·luminadora, hi ha també el malestar, el desconcert i una malaltia devastadora i incompresa: l'anorèxia.
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Cuando en 1979 los Clash comenzaron a pergeñar London calling, no podían imaginar que ese álbum doble devendría una de las obras absolutamente capitales de la Historia del Rock. Lo que sí sabían era que los límites del punk les quedaban estrechos, y se lanzaron a dar forma a un sonido que bebía tanto del rock clásico como del reggae, el pop, el ska o el rockabilly. Todo tenía cabida en una mezcla a la que dotaron de su vehemente propia identidad, esa que en gran medida definiría el rock de la década de los años ochenta y sería influencia para cientos de bandas de todo el planeta.Desde la gestación, grabación, puesta en escena y desarrollo posterior, London calling. The Clash rompiendo con todo se adentra en una obra que llevó al grupo liderado por Joe Strummer y Mick Jones a la primera división del rock internacional. Lo que lograron sin renunciar al compromiso social en sus letras, muy al contrario: la crisis económica e industrial, el desempleo, las drogas o la lacra del racismo que asolaba la Inglaterra de Margaret Thatcher forjan un repertorio tan sólido que, impermeable a la erosión del tiempo, permanece vigente cinco décadas más tarde. Entre la poesía de combate y la soflama concienciada, los Clash describieron con intensa pulsión musical la realidad de su tiempo, pero que, atemporal, se ajusta a interpretar el presente.London callling fue prácticamente un fenómeno social en el cambio de década de los setenta a los ochenta, una obra cuya huella Fernando Ballesteros reconstruye paso a paso en The Clash rompiendo con todo, relatando cada detalle, anécdota, discusiones, técnicas de composición y, sobre todo, exponiendo el desafío de unos músicos comprometidos que le dieron un vuelco al rock reafirmándose en sus convicciones artísticas sin complejos. Y sin pagar peajes comerciales. La Historia, sin duda, ha estado de su parte.
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«El esoterismo musical gira en torno al hecho de que no toda la música se escucha solamente con los oídos. Hay otra música del alma y de las esferas, que da su razón de ser a la música audible, aquella que es cantada por voces o interpretada con instrumentos.» Sobre esta premisa, en el primero de los dos textos de esta edición, Joscelyn Godwin, uno de los grandes conocedores de la tradición pitagórica y de su influencia en la música occidental, desgrana a través de distintos periodos dicho poder: de los míticos Apolo y Orfeo a la música renacentista, barroca o romántica. Filósofos, historiadores y teóricos de la música, desde Escoto Erígena, Macrobio y Boecio hasta Goethe, Steiner o Gurdjieff, pasando por Marsilio Ficino y Robert Fludd, son algunos de los nombres que se cruzan en estas páginas en las que la inspiración poética y filosófica se alía al estudio de la «música de las esferas» y de su influencia en el ser humano a lo largo de los siglos, desde el lejano Paleolítico, en el que lo simbólico era algo palpable, hasta nuestros días. Completa esta publicación otro texto de Godwin: El resurgimiento de la música especulativa, aquella que hace «observar el cosmos de manera musical, y la música de manera cosmológica». Aquella que, como un espejo (speculum), ayuda a contemplar la arquitectura del cosmos e interiorizar ciertas verdades que no pueden ser miradas directamente, sino como Perseo hace, mediante el reflejo de su escudo, para dar caza a la Medusa.
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Les bandes de música han estat, des de sempre, una part essencial del teixit cultural i social dels nostres pobles. La Banda de Música d'Esporles. 150 anys d'història, d'Antoni Aulí i Bartomeu Garau, ens convida a descobrir el llegat d'aquesta institució a través d'una recerca rigorosa que combina documents històrics, cròniques periodístiques i testimonis orals. Aquest estudi umpl un buit en la bibliografia musical mallorquina i ens apropa a la memòria col·lectiva d'Esporles. Una obra imprescindible per als amants de la música, la història local i la cultura popular.
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* Este libro celebra y rinde homenaje a las importantes aportaciones, a menudo fundamentales y en algunos casos legendarias, de las artistas femeninas al rock, al pop, al R&B y a los diversos géneros de la música actual. * Estas mujeres, pioneras o estrellas de hoy, son figuras inspiradoras cuya música resiste la prueba del tiempo y cuyos logros alientan y alentarán a generaciones de niñas y de jóvenes a perseguir sus sueños, ya sean artísticos o de cualquier índole * A pesar de las dificultades, las mujeres han desempeñado un papel crucial en la historia del rock, de sus antecedentes y de sus estilos derivados hasta llegar al presente. Chrissie Hynde, lideresa de la banda de rock The Pretenders, comentó en una ocasión que no le gustaba que la catalogaran como una «mujer en el rock» sino que desearía ser vista como una intérprete de rock, que es mujer, y cuya música es apreciada por sus cualidades inherentes y no por el género de quien la ejecuta. Sin Sister Rosetta Tharpe, tal vez el rock nunca habría nacido. Janis Joplin y Grace Slick estuvieron a la vanguardia de la subcultura hippie que definió la década de 1960, Aretha Franklin puso voz al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, riot grrrl contribuyó tanto al feminismo como al punk.
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Las entrevistas más personales, reveladas por primera vez All You Need Is Love retrata a uno de los grupos musicales más emblemáticos de todos los tiempos desde una perspectiva incomparable. Peter Brown, amigo íntimo de los miembros de The Beatles, y el escritor Steven Gaines recopilan en este libro una serie de entrevistas únicas y sinceras con Paul McCartney, Yoko Ono, George Harrison, Ringo Starr, sus familias, amigos y socios comerciales —además de Cynthia Lennon, Pattie Harrison Clapton y Maureen Starkey—, realizadas entre 1980 y 1981. El resultado es un mosaico de narraciones esclarecedoras, contradictorias, complejas y absolutamente fascinantes que dan forma a una obra de valor histórico, cargada no solo de anécdotas y experiencias de los Fab Four, sino también de pautas para entender su devastadora ruptura.
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¿De qué vale el boicot cultural a Israel, cuando los conciertos musicales se dan en un contexto general de colaboración económica con el régimen sionista? ¿Qué reto plantea la inteligencia artificial en la producción cultural y política? ¿Cómo de sombrío es el futuro de la música? En El genocidio en Gaza y los fantasmas de Spotify Dave Randall aborda dos cuestiones cruciales de la producción musical de hoy en día: la respuesta del mundo del arte ante el genocidio de Gaza y el uso de la inteligencia artificial orientado a optimizar la rentabilidad. Ambos capítulos complementan su obra magna: Sound System. El poder político de la música.
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¿Quién fue ese músico, historiador y poeta, suerte de performer punk con aromas de folclore? ¿Quién era el que navegaba con parada rockera entre Antonin Artaud, el teatro de la crueldad, Juan Manuel de Rosas, los vampiros y Leonardo Favio? ¿Cómo habrá sido eso de permanecer y querer ser un secreto? Militante de ciertas causas justas, documentalista de su época. ¿Quién fue Gabo Ferro?Los periodistas Lalo Ugarte y Sergio Sánchez parten de estas y muchas otras preguntas que dejó la obra de Gabo Ferro y su temprana muerte en 2020. Estas páginas son una invitación a redescubrir su trayectoria. En este libro hablan sus cómplices, las personas que estuvieron presentes en la vida artística de Gabo y que fueron importantes en la construcción de su obra. Un derrotero que incluye la música, la poesía, la historia, el teatro y la performance. Un tornado dulce comienza por sus orígenes en el barrio popular de Mataderos y dibuja todo el arco de sus pasos como artista que lo llevaron a encontrar su propia voz, única y personal, pero a la vez estar sintonizado con el espíritu de su época. Recorrer el trayecto artístico de Gabo, desde su banda Porco hasta su etapa solista, también es describir la escena de una Buenos Aires que estallaba de creatividad en los primeros veinte años del siglo XXI. La originalidad de la obra de Gabo Ferro descansa en la decisión política y estética de ser un artista libre, audaz y rebelde. De no tener miedo a romper la voz y provocar con las palabras.''Su cuerpo tenía algo elástico, de bailarín y de fauno, la barba y el pelo en los brazos, los ojos oscuros y filosos, de párpados pesados, la sonrisa gigantesca: un animal mitológico, sexual y antiguo. [...] Gabo cantaba como un joven dios.'' - MARIANA ENRÍQUEZ''Este libro, riguroso y emotivo, nos permite conocer en detalle la aventura de un artista insumiso cuya obra, a no dudarlo, no dejará de crecer en importancia con el transcurso de los años.'' - SERGIO PUJOL, del prólogo del libro
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La presente publicación reúne por primera vez la totalidad de las piezas que se conocen con música de Arañés sobre textos poéticos castellanos profanos, integrando criterios tanto musicales como filológicos. Bajo esta metodología interdisciplinar, se editan todos los poemas junto a un aparato crítico detallado —dando noticia de las variantes y testimonios de los textos— y con notas aclaratorias que acompañan su lectura y comprensión. En la edición musical se integran y consignan todas las enmiendas de los textos poéticos y se presentan las piezas acompañadas de los poemas en toda su extensión, para así reflejar su importancia a la hora de ser abordados en la práctica interpretativa. En el estudio introductorio se da noticia de las circunstancias históricas y culturales en el entorno de la embajada en Roma de Ruy Gómez de Silva, III duque de Pastrana, en el cual verá la luz el Libro segundo de Arañés. También se hace una inmersión al estilo poético, su contexto literario y su relación con la transmisión musical —con la guitarra como instrumento paradigmático de la música española del momento—, temáticas relevantes no solamente para músicos, musicólogos y melómanos, sino también desde una perspectiva filológica y literaria.Esta publicación es la oportunidad para un variado público de adentrarse más a fondo en la obra del compositor Juan Arañés, conocido aún escasamente gracias a su famosa —y no del todo comprendida— pieza «Un sarao de la chacona», así como a las circunstancias de su entorno y a la innegable calidad poética de sus obras.
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''El siglo XIX inventó la música española'. Con esta frase comienza Juan José Carreras su introducción a la historia de la música en España en el periodo del Romanticismo, contextualizando de entrada la creación musical dentro del 'profundo cambio económico, social y cultural que significó el siglo y que designamos habitualmente con el nombre de modernización'. Entre 1790 y 1914 se contempla la consolidación en España de una actividad musical que, al estar escrita desde el siglo XXI, no ignora el impacto de las tecnologías digitales en las metodologías aplicadas. Un equipo de lujo formado por Teresa Cascudo, Celsa Alonso, Cristina Bordas y José Máximo Leza se une al coordinador de este volumen para desentrañar los más inesperados detalles de un periodo no tan conocido como sería deseable''. Juan Ángel Vela del Campo (director de la colección)
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Pasión y Deseo. Cantares, cuerpos y resiliencias en el folclore andaluz es un viaje a las formas en las que la cultura popular andaluza ha sido —y sigue siendo— un espacio de expresión y resistencia para las disidencias. Conjugando historia del arte, sensibilidad poética, investigación académica y memoria sentimental, Roy del Postigo desgrana los ecos de una tradición que, más allá de interpretaciones erróneas e interesadas, ha sido refugio y altar para quienes han habitado los márgenes.La figura de Isabel Pantoja, tonadillera por la gracia, el duende y el ángel de Andalucía cuya carrera musical corre paralela a las últimas cinco décadas de la historia de España, es convertida por el autor en punto de partida y faro. La voz de la cantante de «Marinero de luçê» o «Çe me enamora el arma» hace un llamamiento en muchos de sus temas a quienes se identifican con las murmuraciones, el señalamiento, las críticas y la incomprensión. Mariquitas de alfileres en pechos de divas virginales, señoras de sus labores que están atacás de tanto aguantar, sáficas amigas rocieras, trans-Maribelê, travestís de La Nogalera y toda una pléyade de hechuras disidentes desde el Sur acompañan a Isabel en su peregrinar de cantares hechos senderos de liberación.Pero la historia no empieza ni acaba con ella: el folclore del Sur ya tejía y sigue tejiendo una bata de cola confeccionada por anhelos y gestos subversivos en la piel de artistas como Lola Flores, Marifé de Triana, Diana Navarro, María Peláe o Pastora Soler. Referentes musicales que han sido y serán objeto de inspiración de transformistas como La Esmeralda de Sevilla, Satin Greco o Jota Carajota.Con grandes dosis de erudición y un arte que quita er çentío, Roy del Postigo ofrece una obra donde el Sur no es solo un paisaje de postal, sino una potencia política, creativa y espiritual guiada por las Dolorosas andaluzas, folclóricas y subalternas. Un libro que es, al mismo tiempo, un ensayo, un altar de coplas y una carta de amor a quienes convirtieron el arte en libertad. Porque en estos cantares la identidad se borda con lentejuelas y se pasea en procesión.
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FRAGMENTOS ESENCIALES DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA POPULAR Canciones imprescindibles que transmiten emociones y sentimientos con los que se identifican millones de aficionados a la música Todas las canciones son fruto de un momento y unas circunstancias concretas. Y algunas son tan poderosas, que incluso logran sobrevivir a sus creadores. Para este libro el autor ha seleccionado cincuenta temas que son himnos del pop y rock y que son auténticos pilares de la música. Canciones que nos cuentan multitud de historias, anécdotas, rumores, evidencias y contradicciones. Un amplio espectro que abarca el medio siglo que transcurre desde los primeros riffs de Chuck Berry en «Johnny B. Goode» al nuevo soul de Amy Winehouse reflejado en «Back to Black», pasando por los grandes clásicos de los Beatles y los Stones, Dylan y Cohen, Clapton, Mitchell, Springsteen, Pink Floyd, Fleetwood Mac, Led Zeppelin, Metallica o Madonna, entre muchísimos más. • «The End»: Jim Morrison y un extintor vaciado sobre los instrumentos. • «Gimme Shelter»: Una canción apocalíptica sobre el fin del mundo. • «Perfect Day»: Lou Reed y una referencia a la carta de san Pablo a los Gálatas. • «Tom Traubert’s Blues»: Tom Waits o cómo perseguir tus sueños. • «Heroes»: David Bowie o cómo el amor florece incluso en las peores circunstancias. • «Another Brick in the Wall»: Pink Floyd y una rebelión inusitada. • «Purple Rain»: un lugar utópico donde Prince aspira a encontrar la libertad. «Este libro nos aporta inapreciables entretelones de melodías imperecederas de la historia de la música popular.»
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Guitarrista singular, heredero del duende flamenco más puro, Diego de Morón es una figura mítica del arte jondo. Esta biografía es un viaje emocional a través de su vida y de la historia de una dinastía flamenca, los Torres-Amaya, desde la voz de quien fue su alumno, amigo y admirador más fiel. Con una prosa vibrante y sentida, este libro recoge la memoria viva de un genio inclasificable, entre el desgarro y la inspiración, entre la marginalidad y la gloria. Entre la leyenda y la carne. Un relato apasionado que ilumina las luces y sombras de un artista que nunca buscó el reconocimiento, pero que se convirtió en referente de una forma de tocar, de sentir, de vivir el flamenco. Esta no es solo la biografía de un guitarrista. Es un acto de justicia. Un testamento del alma. Un himno al duende.
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Des de la mort del dictador Francisco Franco fins a la consagració de la música ballable als vuitanta van transcórrer uns quants anys que van coincidir amb l’adolescència de Vicenç Pagès Jordà, una edat en què la música es grava a la ment com en els solcs d’un vinil. A la primera part de La música i nosaltres hi apareixen grups tan oposats i tan influents com Abba, AC/DC i The Clash. La segona part està dedicada als grups nostrats, de Ramon Muntaner a Manel.Lluny de la malenconia, La música i nosaltres restitueix el que significava escoltar música durant aquells anys. La radiofórmula, la moda retro i les farinetes nostàlgiques tendeixen a tergiversar aquella sensació, a reduir-la a un grapat de llocs comuns i de sociologia de saló. Ara bé, també en la música tenim dret a la memòria històrica. Rescatar els records musicals d’aquella època equival a oferir una mirada personal –o no– sobre la Transició.
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COL.LECCIÓ: BAL DE CANÇONS Diversos autors Una col·lecció per iniciar els nens i nenes, des dels 2 anys, en l'expressió musical d'una manera lúdica. El professorat trobarà recursos per introduir el cançoner popular català, així com cançons d'arreu del món en les llengües originals. Hi ha també volums per treballar la música instrumental i per incorporar-hi l'expressió corporal i plàstica. Inclouen orientacions didàctiques i, en alguns casos, uns CD de reforç amb les cançons.
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Por culpa de las azarosas andanzas que ensombrecían las vidas de algunos músicos de jazz —demonizados, incomprendidos y, a menudo, asediados por el impío azote de las «buenas costumbres» burguesitas— y de otros adláteres de la farándula, abunda la tendencia, entre quienes nos legan sus memorias, a no bajar la guardia frente a la sociedad iempensante, lacra esta que, en no pocos casos, hace que las autobiografías tiendan a ser poco sinceras cuando no pasto de la más atroz censura (como sucediera con las de Billie Holiday). El legendario pianista canadiense evita, con ejemplar solvencia, este efecto edulcorado en su introspectiva y, a menudo reveladora, prepóstuma auditoría interna. Jugando a su antojo con la cronología cual solista en pleno trance improvisatorio, recorre el largo camino hasta su consagración, pero con frecuencia desvía el discurso para trazar sentidas semblanzas de otros grandes del jazz y compañeros de armas, o reflexionar sobre la política, el racismo y su propia vida. La carrera de Oscar Peterson abarca más de cinco décadas, tiempo en el que grabó más de un centenar de álbumes, y fue galardonado con numerosas distinciones —como las concedidas en los Grammy, el Black Theatre Workshop, el Peabody Conservatory of Music o la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación— y con el ingreso en el Salón de la Fama del Jazz. Compartió escenario, camerino y las incomodidades propias de la carretera —así como el hostigamiento y las vejaciones de sus racistas convecinos— con grandes del género como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Count Basie, Nat King Cole, Louis Armstrong o Duke Ellington. Tras un pormenorizado y agradecido repaso a sus primeros tientos estudiantiles, accede el lector a la crónica de las vivencias de una de las épocas acaso más fascinantes de la historia del jazz: la década de los cuarenta, cuando Peterson se batía el cobre con la Johnny Holmes Orchestra en Montreal y conoció a Norman Granz, el apoderado, productor, promotor, amigo y fiel consejero que lanzaría su carrera al estrellato. Por invitación de este, se uniría a la mítica JATP [Jazz at the Philharmonic], con la que viajaría por doquier, además de hacer lo propio con todos los tríos ue formaría a lo largo de su dilatada y triunfal carrera, con artistas de la talla de Ray Brown, Barney Kessel, Louis Hayes, Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Jeff Hamilton, Herb Ellis o Ed Thigpen. Se acompaña esta edición con el acceso, vía código QR (ver página 319), al repertorio de la compilación en CD que llevaba por título A Jazz Odyssey y que acompañaba en 2002 a la edición original de estas memorias.
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Este libro es parte del nuevo trabajo de mi banda, SEGURIDAD SOCIAL. Se complementa con un disco con el mismo título de diez canciones nuevas con videos que encontraremos en todas las plataformas musicales. Son una serie de relatos cortos, canciones, cuentos, fábulas, prosa poética, haikus... con ilustraciones ad hoc de grandes dibujantes y diseñadores españoles. La temática es el proceso del autor ante las cinco fases del duelo: negación, ira, negociación, depresión y aceptación. Cada escrito, y por otro lado las canciones, se encuentran cada cual en su fase con las emociones, pensamientos y sentimientos que las caracterizan. Todo esto termina en una transformación en la que el autor observándose desde arriba exclama ¡VOY A MARTE! como si de otra persona se tratara. Marte como dios de la guerra lucha para recuperar su amor propio perdido.
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Whitney Houston ocupa uno de los grandes puestos de la historia del pop. Su voz extraordinaria, sus cautivadoras actuaciones y sus récords de ventas la convirtieron en una de las estrellas más brillantes de los años ochenta y noventa. Por si fuera poco, se convirtió también en estrella de la gran pantalla con un papel protagonista memorable en El guardaespaldas.
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'El presente volumen, escribe en la introducción su coordinador Álvaro Torrente, trata de presentar una visión de la realidad del siglo XVII mediante una narración polifónica donde el lector podrá percibir con claridad la diversidad de las voces individuales que hemos intentado concertar para enriquecer el conocimiento de la música que se compuso, interpretó y escuchó durante la larga centuria que arranca en las últimas décadas del S.XVI. Existe, en efecto, una eficaz y sutil polifonía entre las voces de Alejandro Vera, Luis Robledo, Pablo L. Rodríguez y José María Domínguez. Sus puntos de vista, sus análisis, se complementan y refuerzan la visión de esa música de plata para un siglo de oro que plantea Torrente. La inspiración se apoya siempre de una cuidada metodología. El histórica y culturalmente emblemático sigo XVII español suena de otra manera después de la lectura de este admirable libro''.
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Con un tono irreverente y siempre cargado de humor, el Olimpo Rock es una original sitcom protagonizada por las estrellas del rock que por degracia ya no están entre nosotros. Además de servir como homenaje póstumo, nos permite conocer varias de sus historias y sus rasgos de personalidad. El Olimpo Rock fue creado en octubre de 2010 por Álvaro Ortega y desde entonces ha sido publicado bimensualmente en la revista TMEO. Este libro recopila los 20 mejores capítulos, que han sido revisados, actualizados y complementados con textos de Iñaki García.
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A pesar de ser considerada unánimemente la primera ciudad española en la que se dejaron notar con fuerza los efluvios contraculturales internacionales, Sevilla reclamaba aún un estudio pormenorizado que diera consistencia histórica a dicha consideración.A través de la realización de un centenar de entrevistas a protagonistas directos más un exhaustivo trabajo de hemeroteca, el periodista Fran G. Matute ha conseguido levantar un minucioso relato de las principales transgresiones culturales que se sucedieron en la Sevilla de entonces, ofreciendo por el camino un retrato generacional inequívoco de una parte importante de su juventud, en pleno proceso de toma de conciencia antifranquista.Esta vez venimos a golpear. Vanguardismos, psicodelias y subversiones varias (1965-1968) se erige así como el primer gran texto que se publica sobre la materia, llamado a convertirse en referencia ineludible en cualquier investigación futura que se lleve a cabo sobre los movimientos contraculturales en España.
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Dentro de los estudios que se realizan sobre el arte flamenco cobran importancia cada vez más los acercamientos parciales, tanto a los intérpretes y su obra como a los territorios. Uno de esos territorios, ampliamente ponderado y reconocida su importancia, es Triana. Triana es mucho más que un barrio, es un ente social, geográfico y humano con características propias y con una historia en la que el flamenco es parte integrante y definitiva. Este ensayo recorre de una forma directa y objetiva las noticias, recogidas en la bibliografía existente, que pueden arrojarnos luz sobre el papel de Triana en el flamenco, en su génesis y desarrollo, así como sobre los artistas que lo han interpretado y los estilos que le son propios. Una forma amena y rigurosa de conocer cómo se expresa el flamenco en Triana a través de grandes escritores y flamencólogos. Catalina León. Gaditana de nacimiento y trianera de adopción, es investigadora de flamenco y pionera de su didáctica, autora de la primera obra de estas características, Didáctica del Flamenco, de 1990. Además ha publicado El flamenco en Cádiz (2006) y Manolo Caracol, cante y pasión (2008). Ha participado en libros colectivos como El flamenco y su didáctica (1994), Memoria jonda del flamenco (2023) y Antología poética de la copla flamenca (2024). Ha publicado cientos de artículos en revistas como Sevilla Flamenca, Litoral, Alboreá, Nueva Alboreá, Candil, El Olivo, El Zoco Flamenco, Matagorda, EntreRíos y otras. Ha organizado y dirigido un gran número de cursos de formación destinados a maestros y profesores, así como impartido ponencias en peñas, congresos y jornadas sobre el tema flamenco. Posee, entre otras distinciones, la Medalla de Oro al Mérito Educativo de Andalucía (2009), el I Premio de Honor Flamenco en el Aula (2015) y el título de Trianera Adoptiva (2024).
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¿De qué forma le dijo Johnny Rotten a su mánager, Malcom McLaren, que era un mentiroso? ¿Cómo supo Norman Sheffield, la persona que contrató a Queen para grabar sus primeros discos, que Freddie Mercury le llamaba sanguijuela? ¿Qué medio usó Joni Mitchell para tachar de maltratador a su antiguo amante Jackson Browne? ¿Cómo le dijo John Lennon a Allen Klein que olía a gato callejero? Hablando de músicos y compositores, la ecuación se resuelve por sí sola: sus armas son la letra y la música. Partiendo de una frase del estribillo de una de las canciones-dardo más conocidas, ''You're So Vain'', de Carly Simon, el autor hace una disección de 32 canciones en las que su compositor arremete contra alguna persona de su entorno, por lo general compañeros de profesión, mánagers, jefes de discográfica y periodistas, sin dejar de lado ataques contra parejas sentimentales e incluso miembros de la propia familia. Quedan descartadas, en este estudio, canciones que atacan a personajes públicos, sin que haya ningún vínculo con su autor. Eso no tiene mérito.
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La biografía del legendario mánager, creador y arquitecto de los Beatles Nunca hubo ni podrá haber otro mánager musical como Brian Epstein, el joven vendedor de discos de Liverpool que estuvo detrás del romance más grande del siglo XX, el suyo con los cuatro Beatles. Tras lograr su tan criticado objetivo de hacer que fueran «más grandes que Elvis», él convirtió en algo todavía más grande aún de lo que nadie pudiera prever. Aunque solo les llevaba unos pocos años, se refería a ellos como «los chicos», protegiéndolos y mimándolos como a los hijos que nunca tendría. Su caída comenzó cuando ellos decidieron dejar de hacer giras y dedicarse, con total dedicación, a desarrollar sus álbumes en el estudio de grabación. Angustiado por pensar que ya no neccesitaban su cuidado paternal, buscó consuelo en las drogas y el alcohol. Murió solo, en 1967, con apenas 32 años, por su supuesta «sobredosis accidental», teoría aceptada hasta el momento, que esta obra aclara con un enfoque totalmente diferente. «Entonces estamos jodidos», dijo John Lennon al enterarse de la noticia. Y tenía razón. Y es que los Beatles no tuvieron ninguna duda de lo mucho que habían perdido con sus pérdida. En los años turbulentos que siguieron -el Magical Mystery Tour, el caos de Apple Corps, el amargo final de Get Back-, una frase se repetía constatenmente entre todos los que intentaban llenar su vacío: «Brian nunca habría permitido que esto pasara».
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ZOO és un dels grups més important de la història del nostre país. Amb més de 100 milions de reproduccions, les seues cançons són ja clàssics populars que han connectat de manera profunda i íntima amb un públic intergeneracional. Els seus directes massius han estat capaços d’assaltar els grans recintes de dins i fora de casa nostra, i la seua trajectòria irreverent i fecunda ha arrasat prejudicis lingüístics.En aquest llibre, el crític musical Josep Vicent Frechina s’endinsa en la història d’aquesta formació a partir de les lletres de les seues cançons. El resultat és un viatge emocionant pel context polític i social d’un grup que ha sobreviscut a un gran incendi musical. El retrat d’una època en què la música en la nostra llengua ha aconseguit trencar nous dics de contenció. L’aventura d’un grup d’amics armats d’ironia i sensibilitat, de literatura de carrer i autocrítica i, sobretot, d’una actitud vital: sempre a la contra i avant.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
