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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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100 años del nacimiento de Caballero Bonald.Una antología perfecta para celebrar a una figura clave de la literatura española y la mejor puerta de entrada a su poesía para nuevos lectores.Esta antología, preparada especialmente para conmemorar el centenario de J. M. Caballero Bonald, ofrece la panorámica más completa y representativa de una de las voces más singulares y poderosas de la poesía española contemporánea. El volumen traza un recorrido que abarca desde los poemas iniciales -ya marcados por una sensibilidad inconfundible- hasta las composiciones más tardías, donde su escritura alcanza una intensidad crítica y un refinamiento formal excepcionales. La selección permite acompañar la evolución y profundización de una poética que, partiendo de un lirismo íntimo, se adentra en un lenguaje cada vez más elaborado y plenamente consciente de su propio poder transformador. Centrada en los grandes ejes que articulan su obra -la memoria y el paso del tiempo, la identidad en conflicto, la insumisión ética y la potencia reveladora de la palabra poética-, la antología ilumina las distintas etapas del autor y, al mismo tiempo, se sostiene como un libro autónomo, capaz de mostrar la coherencia interna de su universo lírico. Con una cuidada selección de poemas realizada por Nicole Brezin y un prólogo esclarecedor de Luis García Montero que aporta una mirada precisa sobre la obra de Caballero Bonald, este volumen aspira a convertirse en la edición de referencia para celebrar el centenario del autor y para acercar su poesía -exigente, deslumbrante y de plena vigencia- a nuevas generaciones de lectores.
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Blau pàl·lid
Blau pàl·lid és un viatge a la immensitat de l'univers a través de la mirada íntima del planeta Terra. En aquest poemari, l'autor explora la contradicció entre la petitesa del nostre món i la infinitat del cosmos. Dividit en tres parts -Radiació còsmica de fons, El principi antròpic i Enfonsament i curvatura- el llibre navega entre l'espai i el temps, anant de la creació de la matèria, fins a l'evolució de la humanitat i la seva fi. Els poemes aborden la recerca de sentit en un món sovint incomprès o l'impuls humà per entendre el seu paper. Cada text esdevé part d'un trencaclosques que, sense judicis morals, intenta observar un univers que es desintegra i es reconstrueix incessantment. Amb una llengua que balla entre la imatge còsmica i la quotidianitat més visceral, Blau pàl·lid ofereix una experiència on matèria, esperit i univers es fonen en un sol vincle. Tot plegat amb l'esperança que, fins i tot dins d'una diminuta engruna de color blau pàl·lid, hi hagi lloc per a la poesia.
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Este libro es para ti, que sientes tanto que a veces no sabes cómo explicarlo. Es una invitación a mirarte sin miedo, a darle voz y espacio a tus emociones, sin prisa ni juicio. Aquí no hay recetas mágicas ni finales perfectos, sino palabras que te acompañan, versos que respiran contigo y silencios que te sostienen. Recalibrando mis emociones es un viaje hacia dentro, un recordatorio de que incluso en el caos hay belleza, y que aprender a sentir también es sanar. En estas páginas, las emociones no se esconden: se escuchan, se sostienen y se abrazan. Porque todo lo que somos, fuimos y seremos, merece ser mirado con amor. Este libro es un refugio emocional, un espacio donde quizás descubras que tú también puedes recalibrarte: no para entenderlo todo, sino para darte lugar. --Patricia Parra
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Méixome no es solo un poemario para leer, es para entender. En él, Lucas expone sin filtros sus fantasmas, sus amores rotos, su tierra natal, sus duelos, sus luchas internas y su visión del mundo, construyendo una obra tan honesta como desgarradora. Cada poema es un espejo de una generación sin rumbo, soñadora, rota, crítica, transparente y sensible. Desde la nostalgia gallega hasta la crudeza de la pérdida, desde el amor que no se da hasta el arte como salvación, el autor transforma su dolor en belleza y su historia personal en testimonio universal. Aquí no hay poses: hay verdad. Es una carta de amor a los que ya no están, a los que vendrán y, sobre todo, a los que siguen. Con una pluma que respira hiphop, memoria, protesta y ternura, Méixome es más que poesía: es un hogar construido con palabras. Un grito íntimo y colectivo que busca tocar a quien lo lea. Y lo logra. Porque si alguna vez estuviste perdido, este libro te hará sentir encontrado, y ahí habrás entendido todo.
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Lo mejor de José Emilio Pacheco (1939-2014), poeta esencial de las letras mexicanas y una de las voces más lúcidas sobre el tiempo, la memoria y la fugacidad de todo lo que existe. Esta antología recorre cinco décadas de la obra de uno de los poetas fundamentales de la literatura en lengua española. Desde el hermetismo visionario de Los elementos de la noche y El reposo del fuego hasta el conversacionalismo irónico y ácido de sus últimos libros, José Emilio Pacheco construyó una poesía que es testimonio lúcido de nuestra era.El tiempo (su paso, su destrucción, su fugacidad) es la obsesión central de estos poemas, pero también lo son la memoria, el pasado y el presente de México, el escepticismo ante el progreso, la denuncia social y política, la reflexión sobre el propio acto de escribir y una mirada compasiva hacia los animales y la naturaleza amenazada. Con un estilo que evoluciona desde la oscuridad profética a la engañosa transparencia del ''aquí y ahora'', Pacheco supo captar como pocos la paradoja esencial de la poesía y la vida: escribir y vivir con la certidumbre de que en todo lo efímero reside precisamente la luz de la existencia.Esta selección, a cargo de Andrés Catalán, presenta un panorama fiel y diverso de su trayectoria, incluyendo sus poemas más emblemáticos junto a textos que resuenan con especial intensidad en nuestro presente, demostrando que la voz de Pacheco sigue siendo imprescindible para entender el mundo en que vivimos. _____ José Emilio Pacheco (Ciudad de México, 1939-2014) es una de las máximas figuras de las letras hispanas. Su brillante y continuada labor en los campos de la poesía, la crítica, el cuento, la crónica y la traducción (que siempre consideró otro ejercicio de creación) le valieron una consideración y un prestigio inapelables, así como un unánime reconocimiento que la concesión del Premio Cervantes en 2009 vino a refrendar.
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En Permanencia del tiempo, Manuel Apodaca nos va mostrando la fugacidad de la vida, el amor, el erotismo, el dolor, el origen mítico, la vida cotidiana, el misticismo del corazón y los estertores del mundo globalizado. Con lenguaje poético nos revela su percepción del mundo, en torno a los sentimientos del ser, donde la muerte es el único triunfo que nos espera. Con palabras que iluminan territorios del espíritu, el poeta nos lleva de la mano como un ser de luz. En esta travesía, el tiempo es la gran incógnita por la que el poeta incursiona. Omnipresente, inmensurable, el tiempo está en todas partes: en los mitos, en el espacio íntimo, en el sueño, en la palabra y en el instante infinito. Permanencia del tiempo es permanencia poética porque ''el tiempo es poesía'', tiempo en que el poeta descubre que, ''el silencio es la fuente de la poesía, la resurrección de las flores del canto''. La vida se brinda por todos lados y el canto del cenzontle se vuelve astillas de luz. Al leer estos poemas, no solo aprendemos, sino que viajamos en las imágenes y la armonía de sus versos. No hay duda: aquí hay un poeta cuya lectura inquieta y despierta sensaciones extrañas, porque ''la poesía debe ser una inquietante extrañeza''. Rubén Rivera
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De los mirlos fugaces nos ofrece una compleja mirada sobre la sencillez de lo cotidiano. En sus páginas se habla de lo que nos rodea: los pájaros, la emoción contenida ante el paisaje, la infancia y sus hallazgos, todo ello desde el asombro y una reflexión emotiva y cercana que aúna a un mismo tiempo la contemplación desprejuiciada de la realidad y la meditación metapoética. Jorge Fernández Gonzalo (1982) es autor de más de una veintena de poemarios, por los que ha obtenido premios como el Joaquín Benito de Lucas (Mudo asombro, 2004) o el premio Hiperión de poesía joven (Una hoja de almendro, 2004). En los últimos años ha recibido varios premios de poesía, como el Vicente Núñez con Modelaje de un cuerpo, el premio Amantes de Teruel con Raíz de la palabra, el premio Santa Cruz de la Palma con Un gorrión hecho de sombra, el César Simón con Como un buzo en medio del desierto, el premio de poesía mística Albacara con Epojé, o el premio Juan Gil-Albert Ciutat de València con su libro Insectario, entre otros.
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¿Son estos los cincuenta mejores poemas de la lengua española? Es muy discutible. Pero Andrés Amorós los ha elegido porque son excelentes: nos deslumbran por su belleza y nos conmueven por su emoción. Desde nuestra niñez, algunos de los poemas seleccionados por Andrés Amorós en Se canta lo que se pierde los hemos considerado como un tesoro que guardábamos dentro de nosotros y que siempre nos ha acompañado: nos han enseñado a vivir y, en los momentos difíciles, nos han dado consuelo. Quizá ahora, con el paso del tiempo, y en estos nuevos años negros para la cultura y las humanidades, brillen con especial fuerza.
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Una granada en la mano. Un corazón en llamas. Una pluma como única arma. En guerra es un poemario que no se esconde. Es un grito desgarrado, una confesión sin filtros, una batalla cuerpo a cuerpo contra los miedos, el amor tóxico, la memoria y la propia identidad. Sayago Langa nos sumerge en un campo de batalla íntimo donde cada verso es una trinchera, cada estrofa una herida abierta, cada poema una victoria o una derrota. Con una voz cruda, valiente y profundamente honesta, la autora convierte el dolor en palabra, la rabia en ritmo, y la vulnerabilidad en fuerza. Este libro no solo se lee: se siente, se sufre, se vive. Porque todos, en algún momento, hemos estado en guerra. ¿Te atreves a entrar en el frente?
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Una obra atravesada por vasos comunicantes que la relacionan con otras tradiciones poéticas, clásicas o no, y ese delta de corrientes, de forma atrevida e inusual, discurre hacia buen puerto en medio de un tiempo de coyunturas y discursos totalitarios en Venezuela y otras regiones del mundo.Adalber Salas Hernández es uno de los poetas más reconocidos en la literatura venezolana y latinoamericana de la actualidad.
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Nova York
Friedrich Schiller diu que el poeta ingenu viu en harmonia amb la naturalesa, coneix la bellesa per intuïció i transmet la realitat com la veu. En canvi, el poeta sentimental s'integra al món a través del pensament i l'especulació. Però diu també que ni el caràcter ingenu ni el sentimental són capaços, aïlladament, de «realitzar l'ideal de la bella humanitat». Aquest ideal només pot sorgir de la unió d'un i altre. ''Nova York'' pertany a la darrera etapa de la producció poètica de Blai Bonet, i les obres d'aquest període s'acosten, cadascuna a la seva manera, a l'ideal del poeta sentimental. El reencontre amb la naturalesa es produeix a través de la cultura, entesa com a filosofia de l'existència, però hi queden rastres de l'antiga visió intuïtiva. A ''Nova York'', David Bowie, Al Brown, els joves autors de ''graffitti'' a les estacions de metro, Pasolini, Maria Callas i les ingènues referències a la cocaïna creen una temporalitat dislocada que ja no té res a veure amb la ciutat concreta de L'Evangeli segons un de tants i els altres llibres del segon període de Blai Bonet: Barcelona era una ciutat, Nova York és la Ciutat. Blai Bonet (Santanyí, 1926 - Cala Figuera, 1997), poeta, novel·lista i crític d'art. Fill de família humil, va ingressar al seminari, però va haver d'interrompre els estudis eclesiàstics a causa de la tuberculosi. Bonet va escriure des del risc i la revelació, i la seva obra explora el cos, la fe, el desig, la malaltia i la paraula amb una intensitat extrema que trenca convencions formals i temàtiques. La seva obra poètica, amb títols com ''El Color'', ''L'Evangeli segons un de tants'', ''El poder i la verdor'' o ''Nova York'', n'és el centre i la manifestació més radical.
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Darío Quesada Hurtado, también conocido como el Marinero de los versos, traza en Mi cantar vuelve a plañir la travesía íntima de un joven poeta que zarpa en el inicio de la adolescencia, surca las aguas inciertas del primer amor y encalla. A partir de ahí buscará un refugio en la contemplación y la reconciliación con el mundo a través de la poesía, donde se cobijará su alma. Esta obra es un regreso al dolor que canta, al amor que se recuerda, una expresión lírica de la memoria, el deseo y la pérdida. A través de sus páginas, el lector respirará el aliento clásico de los Poemas de fresa, la fragilidad sentimental de los Poemas de cristal, la reflexión literaria de Un himno gigante y extraño, la reconciliación con la naturaleza de los Poemas del olivo y el eco persistente de un sentimiento en Allá donde muere el mar. Hay cantos que no cesan, por eso resucita un verbo casi olvidado, «plañir», para mostrar que aún es posible llorar cantando.
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Juan José Vélez Otero (Sanlúcar de Barrameda, 1957). Licenciado en Filología Inglesa, ha ido combinando su labor literaria con la docencia. Entre sus libros destacan Ese tren que nos lleva (Madrid, 1999), La soledad del nómada (Madrid, 2004), El sonido de la rueca (Córdoba, 2005), El solar (Madrid, 2007), Otro milagro de la primavera (Valencia, 2010), Dióxido de carbono (Granada, 2016), Pasmo (Granada, 2019) o Cuando todos soñábamos con Ornella Muti (Granada, 2022). Con los libros anteriores ha obtenido, entre otros, los premios Feria del Libro de Madrid, el Ciudad de Cáceres, Rosalía de Castro, Aljabibe de Poesía o el José de Espronceda. Como traductor ha vertido al español la obra de los autores norteamericanos y británicos Donald Hall, Yusef Komunyakaa, Jane Kenyon, Philip Levine, Etheridge Knight, Sharon Olds, Carol Ann Duffy, Charles Simic, Billy Collins, Warsan Shire o Malika Booker, así como las de los poetas palestinos Nathalie Handal y Najwan Darwish. «Un niño enterrado en la arena de su pecho le pide auxilio entre sollozos. El caminante colmado y solitario lo escucha en silencio buscando las palabras que puedan rescatar a los pájaros que hay debajo de la tierra. Los cantos rotos es un coro de voces sublimes, terrenales y divinas, que celebran bacanales y desdichas. Un libro conmovedor fraguado por un servidor de la poesía, por un poeta verdadero». Fernando Valverde
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Régimen del mar es una exploración poética de la pérdida, la memoria y la persistencia del afecto en el tiempo. A partir del fallecimiento de su abuelo, Fabio Carreiro construye un libro íntimo y reflexivo que interroga la muerte no como final, sino como punto de partida para una búsqueda más profunda: la de la identidad, el recuerdo y la huella emocional que permanece.Los poemas alternan escenas de duelo con evocaciones personales, y retoman temas ya presentes en su anterior obra, Casa de los volcanes: la soledad, la melancolía, el vínculo entre lo vivido y lo que se transforma en palabra. El mar, en este régimen lírico, no es solo paisaje, sino símbolo de lo que se mueve, se borra y regresa.Con una voz contenida y precisa, Carreiro ofrece un libro que no busca respuestas definitivas, sino que se detiene en las preguntas que nos acompañan cuando el tiempo se vuelve memoria.
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Poesía mínima, discreta y esencial, que se aparta de la retórica superflua y apuesta por un verso depurado, con imágenes precisas, donde cada elemento está sometido a una fuerte exigencia de condensación.
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Eria es un poemario fruto de la reflexión sobre los descubrimientos casuales que procura vivir. Está, a la vez, plagado de lecturas y referencias literarias porque ninguna creación se produce en el vacío, a pesar de que la escritura se asemeje precisamente a lanzarse en caída libre hacia lo desconocido. Sin embargo, lejos de caer en el solipsismo, el autor busca utilizar en la obra un lenguaje sencillo y claro, rítmico, aunque sin caer en la rigidez de la métrica y la rima regulares. La temática de los poemas responde a las preguntas que figuran en la naturaleza del ser humano: el paso del tiempo, la memoria y la nostalgia, la belleza de lo cotidiano o la conexión entre distintos seres humanos. Por encima de todo, procura ser un poemario honesto, en el que su lectura procure algún placer en los lectores que encuentre.
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100 años del nacimiento de Caballero Bonald. La poesía completa de uno de los poetas de mayor envergadura de la literatura española reciente.El presente volumen reúne todos los libros de poesía publicados por José Manuel Caballero Bonald a lo largo de una carrera poética de dilatado recorrido. Se incorporan en él los dos últimos poemarios del autor, Entreguerras (Seix Barral, 2012) y Desaprendizajes (Seix Barral, 2015), que culminan una trayectoria fulgurante que, a través de un lenguaje de una imponente altura poética, reposa sobre grandes temas como la memoria y el paso del tiempo, la identidad en conflicto, la insumisión ética y la potencia reveladora de la palabra poética. «Poesía extrema en densidad, en rigor, en poderío sonoro.» Pere Gimferrer «Una de las claves de la poesía de Caballero Bonald es la lucidez, y tomar conciencia del texto no es otra cosa que tomar conciencia de la vida.» Luis García Montero
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Kala Ghoda
Durant prop de dues dècades, la rutina creativa d'Arun Kolatkar va consistir a asseure's en una taula de la cafeteria Wayside Inn, al barri de Kala Ghoda, al sud de Bombai, i observar amb atenció amorosa la vida que es desplegava sobre l'illot de trànsit que es veia des de la finestra. El resultat és ''Kala Ghoda Poems'', una simfonia urbana, un autèntic retaule on tenen cabuda tots els éssers que habiten la ciutat, sobretot els més marginals. Allò que interessa el poeta és la narrativa callada dels humils, les microhistòries que s'amaguen sota la pell lluent de la gran ciutat i que no sabem -o no volem- veure. La lent poètica de Kolatkar treballa com una lupa que enfoca els aspectes aparentment insignificants i els engrandeix davant nostre convidant-nos a descobrir el miracle de la quotidianitat. Com s'ha dit de l'Ulisses de Joyce, també llegint aquesta simfonia urbana que és ''Kala Ghoda Poems'' podríem reconstruir la ciutat de Bombai si mai desaparegués. La veu de Kolatkar és crítica alhora que compassiva, antièpica i antidogmàtica com poques, sempre intel·ligent i dotada d'una profunda empatia fins i tot envers allò que denuncia. Sovint s'hi percep un toc surrealista no exempt d'humor i tendresa. Aquesta és la primera vegada que un llibre de l'autor es tradueix al català. Arun Kolatkar neix a Kolhapur (Maharashtra, l'Índia) el 1931, en el si d'una família hindú molt humil. Després d'estudiar art, s'estableix a Bombai, on treballa com a publicista i on entaula amistat amb altres creadors -pintors i poetes- compromesos amb la renovació del panorama cultural. El seu tarannà eclèctic el duu a buscar inspiració tant en la cultura popular (en el moviment devocional bhakti) com en la contracultura dels anys seixanta (n'és una prova l'amistat amb Allen Ginsberg). Escriu indistintament en anglès i en marathi. Publica el primer llibre de poemes, ''Jejuri'', als quaranta-quatre anys, amb què obté el Commonwealth Poetry Prize. No publica cap altre llibre en anglès fins poc abans de morir, quan veuen la llum ''Kala Ghoda Poems'' i ''Sarpa Satra''. Mor a finals del 2004, a la seva vila natal. El 2010 apareix ''Collected Poems in English'', que el consagra com una veu fonamental de la poesia contemporània.
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Doña María del Carmen Piñones es una viejita muy asustadiza. Un día pasa por su casa el Viento Norte y ella se esconde bajo su paraguas. Con la visita del Viento Sur se encarama en el armario. Al pasar el Viento Este se monta en su plumero y al soplar el Viento Oeste se cuelga de la lámpara. Pero un día recibe la visita de un niño que la ayuda a vencer sus miedos.
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Versos contra el reloj es el testimonio poético de la lucha de un padre-poeta por robarle tiempo al tiempo, para escribir poemas sin que el poeta muera ahogado por las responsabilidades paternas. Poesía y paternidad, dos actos creativos por excelencia, aunque muchas veces la segunda eclipsa a la primera. En este poemario -escrito con prisas desde la trinchera, en una carrera contra el reloj, con honestidad y sin artificios-, los temas poéticos son el insomnio, el estrés, los pañales, las siestas, las compras en el supermercado, el desorden, el cansancio y las vicisitudes que todo padre y madre de niños pequeños padecen en su día a día. Poemas estructurados en un día caótico, fiel reflejo de la semana, del año y de la paternidad completa. Es un homenaje a todos los padres y madres de hoy y de siempre, a la crianza real, al café como combustible vital y a la belleza que sobrevive al cansancio extremo. Es una oda a la familia y al amor que todo lo puede.
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María Beneyto (Valencia, 1920-2011), quien, según Vicente Aleixandre, fuera «la mejor poeta joven del momento», desarrolló en los años 50 y 60 una carrera plagada de galardones, tanto en poesía (Valencia 1953, accésit al Premio Adonáis 1955, Ciutat de Barcelona 1956, Ausiàs March 1976...), cuanto en narrativa (Revista Ateneo 1955, Valencia 1959, Ciudad de Murcia 1968...). Imprescindible en todas las antologías de poesía de postguerra, el año 1965 Plaza & Janés editó su Poesía 1947-1964. Autora de una amplia obra principalmente en castellano, pero también en valenciano, evolucionó del realismo social de su primera etapa a otra más intimista y surreal. En 1992 recibió el Premi de les Lletres de las Generalitat Valenciana. «Entrañable poesía, desgarradora y fiel poesía la de esta mujer que, sufridora de desolación y amargura, declara conmovedoramente su terquedad de amor frente a la vida». Leopoldo de Luis «Hay en la poesía de María Beneyto un dolor sincero, una angustia, una tristeza de la época [...] a la altura de José Hierro, de Blas de Otero». Max Aub «... todo ello escrito de un modo directo, desnudo, impecable. Sin sombra de retórica». Guillermo Díaz-Plaja
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En Post tenebras lux, Christian Negrete explora la tortuosa senda que lo conduce hasta las raíces de su identidad, y una vez frente a ellas examina cuidadosa y profundamente la tierra en la que esas raíces resistieron, descubriendo una genealogía que explica el origen de la desgracia sobre la que el Alma humana ha sido arrojada: el abandono en un paisaje desolado donde los elementos son agrestes y se presentan como desafíos para la supervivencia. En cada uno de estos poemas hay siempre una correspondencia entre lo interior y lo exterior: el paisaje y los objetos serán siempre un reflejo de los estados de ánimo de quien expresa sus emociones, sus sentimientos, sus ideas. Cada poema busca también explorar una forma que comunique la gran carga emocional de la cual se alimenta, los versos se prolongan o fragmentan en un discurso poético que traduce los altibajos de un corazón expuesto a la hostilidad de la vida expresada a través del amor, la vergüenza, el deseo, la venganza. La palabra, sublimada en su más alta expresión, la Poesía, es el estado preciso (y brutal) para nombrar los lazos (espinosos, tiernos, tensos, suaves) que unen al poeta con su familia y su mundo en un juego de espejos que reflejan la luz y sus respectivas sombras: el odio que nace del dolor de existir, la luz que le sucede a las tinieblas. Jair Universo Cortés El lenguaje de Christian Negrete parece, en un primer momento, limpio y contenido, pero conforme uno lo percibe advierte cómo se forma una pátina de luz dolorosa que viene no de los poemas con los que dialoga a lo largo del libro, sino de la lucha que libra en sus entrañas para, por fin, lograr pronunciar su propio nombre. Yuri Herrera
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Una nueva entrega de poesía extremadamente afinadaInventamos sistemas de representación –proyecciones ortogonales, curvas de nivel, poemas– para hacer inteligible la realidad, para poder apreciarla en su conjunto, para predecirla, para darle sentido o nitidez. Pero no contamos aún con una fórmula que permita calcular cuánta realidad queda –y cuánta muere– en la representación. Habrá, pues, que elucidar, de una vez por todas, para qué sirven –y para qué no– las palabras.No tienen manos para espantar el miedo, así que no socorren al insomne. Nos expulsan del tiempo a empellones, nos vuelven manes, fábula, pueden, por tanto, inventariar lo que fue vivo, pero no regenerar presencia, pulsación.Igual que, en la fotografía de una multitud, un dedo se posa sobre un rostro que sonríe, sirven, sí, para señalar un instante de belleza inadvertida, aunque no sepan retenerlo, ni devolvérnoslo.
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Como el haijin que ha logrado captar el momento preciso o aware y plasmarlo, Joan de la Vega logra instantáneas en las que con contemplación meditativa y fecunda atrapa las fibras de lo cotidiano y su mística reverberación. Inspirado por la poesía japonesa de Kobayashi Issa, junto a las litografías de Katsushika Hokusai en Las treinta y seis vistas del monte Fuji, emprende un viaje iniciático por la naturaleza y lo humano, lo real y sus aspiraciones, el detalle de una flor en los márgenes del camino. El dolor del mundo y su compasión se nos muestran con la sutil armonía de un pincel que ha sabido trazar, con la caligrafía exacta de quien no teme, esa vasta extensión de lo innombrable. Un libro que a la manera de oráculo nos interroga sobre quiénes somos y cómo podemos afianzar esos lazos que nos unen al universo del que formamos parte indisoluble. MARÍA GARCÍA ZAMBRANO Un poemario altísimo, de nítida mirada, que reorganiza los elementos de nuestro mundo desde el sosiego y la revelación. AZAHARA ALONSO Existe un punto de vacío libre, de silencio que es un punto de cruce. Apenas si respira en las huellas del aire. Se esfuma y nos alcanza dándose por nada. No sabemos por qué insiste en su fragilidad, que es nuestra. Lo que dice lo dice sin verse, casi sin oírse. Este poniente pone este punto no al final sino al comienzo de cada frase, de cada palabra, justo donde se abre como si tal cosa la vivencia de lo decisivo. ANTONIO MÉNDEZ RUBIO La poesía es pintura que habla y la pintura, poesía muda , apuntó el poeta griego Simónides de Ceos. Dos milenios y medio después, Joan de la Vega-Ramal hace hablar a las estampas de Hokusai de manera magistral y reúne palabras desconocidas, embajadoras de un mundo flotante. Un cuaderno de poniente para recoger la luz que viene de oriente y acercarla al lector con la misma delicadeza con la que caen las flores del cerezo. Alta poesía que nos invita a la contemplación, al oficio de mirar lo que no tiene dueño. LAURA GIORDANI En Hijas de un sol naciente, las palabras de Joan florecen como los cerezos más hermosos y nos llenan de sentido y de una luz delicada e imperecedera. JULIO MAS ALCARAZ
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Autor de una vasta producción literaria que comprende relatos, novelas, teatro, poemas en prosa, crítica y ensayo, amén de infinidad de cartas, William Carlos Williams (1883-1963) fue también, y quizá ante todo, un gran poeta. Imbuida de los sentidos del oído y de la vista, la mayor parte de su obra lírica es fácil de entender, huye de lo abstracto («no hay ideas sino en las cosas»), se compone de poemas por lo general breves y es la que mejor logró expresar, desde Whitman, la sensibilidad norteamericana, lo que le ha valido el reconocimiento de figuras como Allen Gisnsberg, Robert Lowell, Raymond Carver o Charles Bukowski. La presente antología poética ofrece un inmejorable panorama de la entera trayectoria poética de Williams, recogiendo al menos un texto de casi todos sus libros. Selección y traducción de Juan Miguel López Merino
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Amores y desamores que buscan traspasar el tiempo con la esperanza, y a la vez el miedo de poder arreglarlo. El relojero que creyó que podía arreglar el tiempo es una búsqueda entre engranajes de sonetos y poemas-relato. Para todas aquellas almas que, sin saber muy bien el qué, siguen esperando. «Cuando ya te haya escrito el más sincero de los te quiero. Te daré un trocito de cielo, porque ya estaremos en el firmamento. Puede que mueras sin saber que esta es solo un alma prendada, que adora y venera las mariposas que su estómago siembra.» Marta Veynor
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Poesia completa
En l'any del centenari del naixement, la poesia completa d'una de les escriptores més influents en els corrents de la literatura i el pensament en clau femenina.L'austríaca Ingeborg Bachmann (1926 - 1973) és una de les escriptores en llengua alemanya més rellevants del segle XX. Els dos llibres de poemes que va publicar a la dècada dels 50 (El temps ajornat, 1953, i Invocació a l'Óssa major, 1958), van contribuir a «netejar la llengua de les paraules que els homes fan servir per parlar de les dones en nom d'elles, usurpant-los el lloc i matant-los les passions». Els seus poemes tracten de l'amor, dels límits personals i del llenguatge. Després de la seva mort prematura, als 47 anys, Bachmann va passar a ser un clàssic contemporani.
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Desde a tenrura, a ilusión e a reflexión, «Pai» explora a aventura da crianza dun fillo neste mundo actual cheo de incertezas. As preguntas, as dúbidas, os medos e os descubrimentos do fillo e do pai vanse abrindo camiño nunha viaxe compartida como un xogo serio que moldea as súas vidas. «Pai» ofrece unha perspectiva que renuncia aos privilexios masculinos tradicionais e propón un modelo alternativo baseado na ruptura de estereotipos e no compromiso social e emocional.
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Kairós es una colección de poemas escritos y reunidos por el autor entre los años 2022 y 2024. Las poesías no tienen un hilo conductor en particular, sino que bailan en soledad y tan solo tratan de reflejar los sueños y vivencias que el autor entiende que son propios de la humanidad. Los sentires que se plasman a lo largo de la obra tienen que ver con el amor en sus diversas facetas. El miedo por el desgaste de solidaridad entre las personas, la angustia del sufrimiento y la celebración del acto poético son otros de los sentimientos que podemos entrever en su lectura.Sus textos intentan contar historias con cierto significado, sin olvidar el componente estético y la musicalidad de los versos.Como escribió Oscar Wilde: «El que vive más de una vida más de una muerte ha de sufrir».En resumen, en este poemario se ofrecen en bandeja el hígado y el corazón, porque la vida se nutre de momentos que nos convierten en inmortales incautos que solo saben morir a ratos con la vana esperanza de que realmente la sabiduría humana sea algo más que la última frase del conde de Montecristo: Confiar y esperar.Quizá la última pretensión de una obra poética sea la de una sociedad más justa. Tal vez. Quién sabe.
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Hay libros que son como piedras lanzadas desde los bordes de la poesía a ese lago profundo en donde la vida se refleja algunas veces. En ellos la infancia rebota, como un cartílago que se rompe y juega a enumerar las posibilidades de la muerte. En ellos todo es luz, la algarabía del infierno que se inunda bajo las cobijas y al que le crecen peces dentro del estómago. En Aguacero de plastilina, Edwin Martin se convierte en un pirómano que escribe con cenizas sobre las ondas que forma la tormenta que está por llegar. Hay fiebre y delirio. Un dos bajo la manga de quien le da forma al lenguaje mientras arriba Dios juega a los truenos. Hay libros que son como murciélagos que vuelan por las noches en busca de sangre y de jardines florecidos tras la niebla. Este libro son dos piedras que se besan. JOHN F. GALINDO
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PABLO GARCÍA CASADO nació en Córdoba (España) en 1972. Ha publicado Las Afueras (1997), El Mapa de América(2001), Dinero (2007) y García (2015). Sus tres primeros libros aparecen reunidos en esta colección en Fuera de Campo (Visor, 2013, núm. 847). La cámara te quiere es inmersión literaria en el mundo de la pornografía. Una realidad presente en nuestro día a día de la que apenas conocemos la superficie pixelada de nuestras pantallas. Un libro que cuestiona las fronterasde lo poético, con poemas en prosa que reflexionan sobre el deseo, la soledad y las relaciones de poder.
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Existen dos visiones opuestas sobre el destino. Hay quienes sostienen que nuestro camino ya está trazado, una historia ya escrita que solo nos queda descubrir y vivir. Por otro lado, hay quienes defienden que el destino es algo que vamos creando con la libertad de nuestras decisiones y la manera en que actuamos. Ahí surge El destino se escribe en vertical, un poemario íntimo, honesto y valiente, donde Jorge Férmez abre las puertas de su memoria emocional, explorando el amor y el desamor, la lealtad de la amistad, la melancolía de la nostalgia y la belleza viva en lo cotidiano. Un viaje a través de ciudades, estaciones y personas que han marcado su vida, convirtiendo sus experiencias más íntimas en un espejo universal donde el lector puede reconocerse y donde, tal vez, se atreva a mirar diferente.Con un lenguaje que es cercano y a la vez poético, Férmez nos enseña que cada vivencia, por pequeña que sea, deja una huella. A veces puede ser la caricia que nos eriza la piel, una herida que nos duele, una cicatriz que nos fortalece o la arruga que nos recuerda el paso del tiempo. Este libro es más que una colección de poemas, es una invitación a la introspección, un espacio para detenerse y sanar. Es un recordatorio de que, aunque hay veces que el destino no se escribe a nuestro favor, siempre podemos escribirlo en vertical.
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La ausencia del amor, más que el amor mismo, es el tema principal de estos poemas contados al oído, como un susurro, pero que se transforman en un discurso constante e intencionado, donde también fluye lo cotidiano con musicalidad.Las composiciones provienen de una mujer que mira de frente a la vida y que llama a las cosas por su nombre. No tiene miedo porque la experiencia le revela el camino para afrontar las situaciones con alegría, con brío y a veces incluso con desdén.La autora nos sugiere la idea de que hay un tiempo y un espacio para la armonía y que esa dicha se puede alcanzar a través del ritmo y la cadencia que forman las palabras. Hay intención de ir más allá del sufrimiento, del ansia de atesorar las cosas, es más bien una sensación de querer observar antes que de poseer.También el desamor y el desengaño atraviesan los versos de Poemas desencadenados, pero la memoria recurre al abandono y al retorno como fuerzas que dominan la escena, de esta forma se expresa la autora con dulzura en versos llenos de emoción y verdad.
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El cuerpo como un campo de batalla, una voz iluminadora que no pide perdón. «Todos los poemas me salen amarillos», escribe Marta Sanz en uno de los versos de este libro. Y es que el amarillo es, aquí, un color último, definitivo, de una acidez que se identifica con un nervioso sentido del humor. Funciona al mismo tiempo como origen y como frontera de todas las cosas que suceden en esta vida: el filo preciso entre la claridad y la tiniebla. Porque estos poemas nacen del fulgor de un destello, y con amarillenta calidez se dirigen a un futuro que languidece, pero no tienen miedo, porque han comprendido que toda luz que brilla es siempre devorada, que todo lo que ilumina es a su vez consumido.Los versos se extienden como un delicado manto sobre el paisaje de lo cotidiano, cruzan las carreteras de una geografía íntima atravesada por la enfermedad, el deseo, la memoria, el final. El cuerpo se convierte en una elegía del paso del tiempo, un encefalograma en el que se registra cada marca, cada afrenta. Amarilla es, por encima de todo, una política de lo íntimo y una intimidad al descubierto, lanzada al mundo.
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Poemes de butxaca
Dins d'una butxaca caben coses menudes. Però no sols de grandària, no! També hi ha moments, desitjos, situacions, objectes, que són fugaços, senzills, fràgils... En definitiva, de butxaca. Si lliges aquests poemes, de segur que hi estaràs d'acord!
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Obrir el llibre d'Elvira és entrar en aquesta primera llum, primerenca, imaginària, sensitiva, i passejar pel seu vol de paraules, dansar als Di-Versos poemes d'aquest llibre… Creu en la força de la paraula, vola, diu, creix i creu-te, sigues somiadora de tu, ofereix-te a tu mateixa, ella alça la veu per obrir-la, que la poesia serveixi per caminar, per obrir un altre camí, per salvar el que calgui salvar. També juga amb les paraules, amb els versos, amb el desdoblament i la rima, juga i et fa riure, somriure, entrar i sortir de la metàfora, del símbol i també de la cançó, hi ha poemes extensos i poemes breus, poemes per reflexionar i poemes per cantar. Tot per al silenci i per a la veu viva i alegre. Pots triar. Esmeralda Berbel
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.