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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Dominique ensaya su papel de Nina en " La gaviota" , de Chéjov, acompañada por su novio Jean, aspirante a escritor. Ambos tienen veinte años. Sobre ellos se ciernen dos figuras asfixiantes: la madre de Jean, actriz venida a menos, y su amante
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“Cierta vez, alguien preguntó a Roberto Arlt por qué escribía teatro. Él pensó un momento, como si se tratase de algo inusitado, de una pregunta inesperada, y luego, como si acabase de descubrirlo él mismo, respondió: ‘Es mi modo de plantearle problemas a la humanidad’. Y dado que los problemas suyos eran los del hombre en cualquier punto del universo, nada mejor para expresarlos que el teatro…”, apuntó Mirta Arlt sobre la producción dramática de su padre.En La fiesta del hierro (1940) todo es atroz, desde lo que ocurre hasta cómo ocurre. Su verdadero protagonista es el Baal Moloch, diabólico ídolo sediento de sangre humana. El desierto entra en la ciudad (1953) es la obra teatral póstuma de Arlt, publicada diez años después de su muerte.
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Escrito en torno al 50 a.C., ''De rerum natura'', poema compuesto en más más de 7400 hexámetros dactílicos y dividido en seis libros, es una de las grandes obras clásicas. Lleva la doctrina epicúrea hasta sus extremos, con una descarnada modernidad que todavía asombra al lector. Texto impregnado de una poderosa belleza, fue redescubierto en el Renacimiento por Poggio Bracciolini, e influyó notablemente en el pensamiento científico. Según Cicerón, la obra de Lucrecio «testimonia a la vez mucho genio y mucho arte». Para Ovidio, «los poemas del sublime Lucrecio no perecerán más que en el día que el mundo entero será destruido». Fernando Bonmatí y Ángel L. Prieto de Paula han traducido en verso una de las grandes obras literarias de la humanidad, recuperando el espíritu y la musicalidad del texto original, para ofrecer un mundo mucho más atractivo, reconocible y sincero que el que ha tratado de fijar la realidad.
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Un volumen que recoge tres de las cinco obras teatrales que José Luis Sampedro escribió entre 1950 y 1982. El teatro de José Luis Sampedro, poco conocido por sus lectores y al que los especialistas han prestado quizá menor atención, pone en escena temas que aparecen en sus obras narrativas y ensayísticas: la lucha por la libertad, la entrega solidaria y la protesta colectiva, pero sin alejarse jamás de los problemas del individuo, como el dolor, el sentimiento de la muerte y la incertidumbre de la trascendencia. La paloma de cartón es un alegato contra el telón de acero, una farsa pacifista que fue merecedora del Premio Calderón de la Barca en 1950. Un sitio para vivir es un drama sobre la angustia existencial y la toma de conciencia de una nueva realidad social, económica y ecológica en un mundo cada vez más esclavista. El nudo, inédita hasta ahora por deseo expreso del autor, es una tragicomedia grotesca que se acerca al pos realismo característico de los últimos veinticinco años de la obra narrativa de Sampedro. Todo ello va precedido por un magnífico estudio del profesor Francisco Martín Martín, especialista en la obra teatral de José Luis Sampedro. La opinión de la crítica:«Auténticos valores literarios e ideológicos propios de una pluma privilegiada.»Rafael López Izquierdo
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«Mihura. El último comediógrafo» recorre la trayectoria de Miguel Mihura (1905-1977), marcada por desencantos, desamores, fracasos y algunas glorias tardías. La obra narra la historia del éxito de Tres sombreros de copa, que solo llegó dos décadas después de haber sido escrita. Adrián Perea nos sumerge en la dualidad entre Miguel, el hombre, y Mihura, el escritor, cuyas vidas quedaron irremediablemente ligadas a aquella primera obra.«Observen a estos hijos de puta» es una comedia que arranca con una petición insólita: el presidente de un importante club de fútbol solicita al nuevo presidente del gobierno que los delfines sean reconocidos como animales de compañía. Este absurdo punto de partida desencadena una serie de situaciones que exponen el abuso de poder y la corrupción en ámbitos como el fútbol, la política y el teatro, reflejando cómo estas prácticas se han normalizado en nuestra sociedad.
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Un aluvión de recursos y efectos escénicos se suceden en esta obra de múltiples personajes y espacios donde la escenografía del drama romántico despliega toda su potencialidad.En manos del duque de Rivas, la palabra adquiere una enorme variedad de matices, trasladándonos con sorprendente habilidad desde los ambientes costumbristas más populares,en que la prosa normalmente asume el protagonismo, a la armoniosa y elegante musicalidad del verso, insuperable en las intervenciones de los personajes protagonistas de la historia. Es, en definitiva, Don Álvaro o La fuerza del sino una preciosa invención escénica pensada para entretener, causar admiración, seducir, provocar, desesperar, emocionar y hacer vivir con intensidad situaciones que la realidad—afortunadamente— no suele ofrecer, aunque sean trágicas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Grand Canyon. Una nit d'estiu ardent en un poble de la Catalunya interior, una prostituta immigrant que fa la carretera presencia un accident mortal després d'una festa a la casa d'un polític membre d'una poderosa família de la burgesia barcelonina. Aquella mateixa nit, la Ruby, una noia de divuit anys, cantant de trap, tindrà problemes amb la justícia. Al seu pare, en Pere, un home ja entrat en la cinquantena que de jove volia ser una estrella del rock i que ara es guanya la vida fent reparacions a granges i cases, un gir inesperat en la seva vida el porta a veure que és un no ningú i que mai no ha acomplert cap dels seus somnis. Un d'aquests somnis era fer la Ruta 66 fins arribar al Gran Canyó del Colorado amb la seva dona i la seva filla. Un somni que creu que ja mai podrà acomplir. Però una aparició sorprenent li fa veure que mai està tot perdut, i que fins i tot el més petit pot fer caure el que sembla immens, i obrir camí pels qui vindran després. I el Pere inicia un viatge de no retorn. Amb el Gran Canyó a l'horitzó.Grand Canyon forma part de la Trilogia americana de Sergi Pompermayer, juntament amb Amèrica (també publicada en aquesta col·lecció) i Nevada (encara inèdita).
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A lo largo de veinte años de trabajo continuo, la obra teatral de Sergio Blanco ha recibido constantes elogios por parte de la crítica internacional: la calidad de sus obras ha sido destacada, y su nombre se ha posicionado entre los más importantes de la escena teatral actual. Además, su poética de la autoficción ha renovado el concepto de la teatralidad contemporánea. En el presente libro, reunimos Tráfico, monólogo de un joven que se prostituye y que se va adentrando en un oscuro mundo de crímenes, y Cuando pases sobre mi tumba, donde se contrastan diversas emociones en torno a la muerte, a partir de la decisión del alter ego del autor de cometer un suicidio asistido. Así, mientras que en la primera obra Alex narra los encuentros y desencuentros con sus clientes, abordando temas como la soledad, la adicción y la traición, en la segunda obra el suicidio asistido y la necrofilia nos hacen cuestionar los límites del deseo humano.
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Perro del Hortelano El castigo sin venganza, El
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Su primera pieza, La cantante calva, estrenada en el Théâtre des Noctambules en mayo de 1950, lo lanza a la fama. Al compás del rotundo posterior éxito de Rinoceronte, ya incorporado a esta colección, los sucesivos estrenos de Ionesco fueron constituyendo otros tantos logros de resonancia internacional. Por eso es que se incluyen en este volumen El Rey se muere y otras tres piezas de indudable fortuna en los escenarios del mundo.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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L'obra de Joan Ramis és la mostra més important de la literatura catalana de segle XVIII, i s'emmarca en el corrent Neoclàssic, que era el vigent a Europa en aquell moment. A diferència de Fontanella (l'altre gran autor teatral de l'època Moderna) les obres de Ramis són fàcilment intel·ligibles per al lector d'avui, tant per la forma com per la llengua, així com perquè l'estil neoclàssic defuig l'obscuritat del primer Barroc. Els temes que toca són universals, l'amor, la justícia, la venjança... i encara avui en dia interpel·len els lectors i els espectadors. Aquesta edició presenta, per primer cop, tot el seu teatre en un sol volum.
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La troballa accidental d’uns ossos en un descampat és el desencadenant argumental d’aquesta peça que oscil·la entre l’oratori i la tragedia, amb la qual l’autor va guanyar la primera edició del Premi 14 d’Abril de Teatre. L’obra es planteja les preguntes que són habituals en tota mena de conflictes bel·lics. Insisteix en la gratuitat i la manca de normes que acompanyen sempre aquests conflictes. Reflexiona sobre els motius pels quals la gent vol oblidar. I planteja la necessitat de la memoria. Els fets que s’hi descriuen no pertanyen a una guerra concreta. S’hi pot resseguir la petja de la guerra del 1936, pero l’autor ha defugit escriure una obra explícitament sobre aquesta guerra. Ans al contrari, els crims que s’hi denuncien són comuns a totes les guerres.Amb aquesta obra, l’autor va guanyar el premi 14 d’abril de teatre al 2008 i, una vegada editada, va obtenir el premi de la crítica Serra d’Or 2010. Estrenada al Teatre Fortuny, de Reus, el 12 de febrer de 2011.
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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Anar al teatre és una experiència enriquidora. Veure teatre és una vivència estimulant. Llegir teatre és important i gratificant. L'edició d'aquesta obra ha nascut amb la vocació de convertir l'original d'Àngel Guimerà en una proposta de lectura intensa d'un drama d'abast universal. Aquesta edició, adreçada als estudiants de Batxillerat, ofereix una presentació de l'obra, un acurat apartat de notes i unes propostes de treball que persegueixen la rendibilitat de la lectura.
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Esta pieza teatral, que en 2011 recibió el Premio Nacional de Literatura, fue pensada y publicada con motivo del centenario de la Residencia de Estudiantes en2010 para difundir y compartir con el público una parte esencial de su legado: la labor que desarrollaronentre 1925 y 1936 sus laboratorios científicos, entonces pioneros en algunas especialidades.
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El balancín chirría. Bajo la escalera y empiezo a correr. Te asomas para mirar la lluvia. Y yo corro entre las vacas que caen. Corro. Qué difícil es hablar del dolor.
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Hernia está enamorada de Lysander, pero debe casarse con Demetrio o condenarse a pasar el resto de su vida en un convento. Juntos planean fugarse para escapar de su destino. Pero Helena, la mejor amiga de Hermia, está enamorada de Demetrio en secreto y, con la esperanza de conquistar su corazón, le cuenta su plan.
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¡Escuchemos lo que los dioses y diosas del Olimpo nos dicen! Nos contarán la historia de Perséfone, la hija de Deméter y Zeus. Hades se enamoró de ella y la raptó. Para rescatarla, su madre ideo un plan que inició... ¡las cuatro estaciones!Una divertida versión teatral de uno de los relatos clásicos de la mitología griega.
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La cadena de estudios del Centro de Investigación de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías, dirigido por el Dr. José Romera Castillo, sobre estos ámbitos artísticos es ya muy numerosa. Este volumen, editado por el mencionado profesor, Literatura, teatro e inteligencia artificial –patrocinado por varias entidades (Academia de las Artes Escénicas de España, Asociación Internacional de Teatro del siglo XXI, Asociación Española de Semiótica, Instituto del Teatro de Madrid, además de la UNED y del legado del prof. José Romera)–, se centra en el estudio de las relaciones de la inteligencia artificial con estas dos áreas tan importantes en la cultura universal en la actualidad, cuyo examen ha tenido muy escaso cultivo hasta el momento en España. En el volumen, tras una introducción sobre la trayectoria investigadora del SELITEN@T y la IA como una herramienta más para la literatura y el teatro, se presentan 19 estudios de destacados creadores e investigadores sobre “Aspectos generales”, “Literatura e iA”, “Teatro e IA” y “Epílogo” (con narraciones de José María Merino). Un volumen pionero y muy novedoso en los estudios literarios y teatrales actuales.
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Año 1900. La reina Isabel II de España vive exiliada en París. Anciana, olvidada y únicamente asistida por su ayuda de cámara, se muestra con descarnada realidad: su condición de mujer, la falta de cariño sincero de su familia, el profundo amor a su Patria. Se resiste al vilipendio sufrido por personajes que la utilizaron por su influencia y, una vez cobrado protagonismo en la vida política, provocaron su destierro. Con íntima feminidad, defiende la honestidad de sus conductas, por las que fue juzgada con diferente criterio a cualquier hombre de su época, y se le destronó. El último encuentro con quien fuera su esposo, Francisco de Asís, desvela sentimientos sinceros, con él, se abre a la confesión de los progenitores de su descendencia, y desempaña el origen de sus sucesores a la Corona. La novela La de los tristes destinos, en la serie Episodios nacionales de Benito Pérez Galdós, aborda una etapa de su reinado. Despierta en ella la reflexión sobre lo que se reflejará de su vida en la historia de España, la tristeza de su destino: afronta sus errores, dignifica sus desengaños, y excita su reivindicación al derecho legítimo de representar a la Corona de España. Isabel II de España muestra, con íntima feminidad, su descarnado triste destino: su condición de reina mujer, lo escarnios sufridos y el profundo amor a su Patria. Ángel Marqués Valverde es Licenciado en Arte Dramático por la RESAD. Completa su formación teatral en el Laboratorio de teatro William Layton, y cursa dramaturgia con Guillermo Heras, José Sanchis Sinisterra, José María Esbec, Paloma Pedrero, entre otros. Imparte cursos de interpretación y de escritura, dirige montajes teatrales, y la ayudantía de dirección de María Ruiz en Catón, el último republicano, dentro del Festival de Teatro Grecoromano de Mérida. En su faceta de autor cuenta con una decena de obras teatrales, entre las que destaca su trilogía Leyendas negras de la monarquía española, compuesta por: Partida de damas (Reinas y damas en las cortes del rey prudente) (ganadora del Premio FETAM 2023 de escritura teatral), Hechizado, e Isabel, la castiza (triste destino). Así mismo, es autor de las novelas Nunca es tarde y El balneario de Tozeur, y diversos relatos.
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Una de las mejores tragedias de William Shakespeare y de la literatura universal. Introducción de Carol Chillington Rutter, catedrática de la Universidad de Warwick Versión y epílogo de Agustín García Calvo, catedrático en Francia y España La tragedia de Macbeth, un violento y sanguinario mapa de la ambición humana, empieza en el preciso instante en que las hermanas fatídicas le revelan el esplendoroso futuro que le aguarda. Sus palabras parecen un canto de sirena surgido de las profundidades del infierno, una seducción que cualquier hombre sensato desoiría. Pero cuando se cumple la primera predicción y el rey Duncan le nombra barón de Cáudor para recompensar su inteligencia y destreza en el campo de batalla, las dudas, la codicia y la obsesión se apoderan de Macbeth y de su ávida esposa. Frente al magnífico texto original presentamos la versión rítmica de Agustín García Calvo, uno de los humanistas más destacados del panorama español. Asimismo, viene acompañada de una introducción de Carol Chillington Rutter, catedrática de literatura inglesa de la Universidad de Warwick.
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La influència de Harold Pinter ha estat determinant en la dramatúrgia catalana de les últimes dècades. Vint-i-cinc anys d’evolució creativa separen els textos que presentem en aquest volum, amb tot, l’essència de la poètica el•líptica i alhora compromesa del premi Nobel es manté incòlume en tots dos. Si Vells temps (1971) presenta el conflicte que provoca en un matrimoni la visita d’una antiga amiga, Cendres a les cendres (1996) parteix del diàleg entre un home i una dona al voltant d’un antic amant. Es tracta de dues peces sobre la memòria líriques i melancòliques, que destil•len una gran dosi del misteri pinterià.
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Con El cuidador Harold Pinter obtuvo en 1960 su primer éxito. Davies, el obsesivo “cuidador”, es una creación cómica clásica, y su ansiosa relación, su frágil equilibrio con los enigmáticos hermanos Aston y Mick es ya un mito en la dramaturgia del siglo XX.Sobre Los enanos —difundido por la BBC en diciembre de 1960—, expresó el propio autor: “Me gusta escribir para la radio, por la libertad que esto implica. Cuando escribí Los enanos, fui capaz de experimentar en la forma, una estructura móvil y flexible, más que cualquier otro medio”.El estreno de La colección ocurrió en la televisión inglesa en mayo de 1961. Su único acto explora provocativamente los manejos sexuales entre dos parejas del ramo del vestido.
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La cantante calva, primera obra de Eugene ionesco, fue estrenada en el Teatro de los Noctámbulos en 1950. La pieza produjo uno de esos escándalos habituales en París desde hace siglos. Dos años después, cuando Soupault, Bretón y Péret vieron las obras de Ionesco le confesaron: ''Esto es lo que nosotros queríamos hacer''. Puede decirse, pues, que el teatro de Ionesco fue la realización de un anhelo colectivo, y el éxito universal alcanzado prueba hasta qué punto así lo sienten las nuevas generaciones. El genio de Ionesco pertenece esencialmente a la farsa, es el poeta cómico de nuestro tiempo, como queda demostrado en las tres piezas que presentamos.
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Dice Lucía Carballal que La fortaleza gira en torno a la herencia: todo aquello –material o inmaterial– que recibimos de nuestra madre, de nuestro padre, el patrimonio cultural que, como sociedad, heredamos de las generaciones anteriores. ¿Qué hacer con todo ese pasado? Quizá cada persona, cada época, se defina por el lugar que otorga a sus ruinas.Y si La fortaleza mira hacia atrás, ante Los nuestros la autora se pregunta: «Vale, y ¿ahora qué? ¿Cómo ir hacia lo nuevo?». La obra arranca con la muerte de Dinorah. Los «suyos» se han reunido en su casa de Madrid para cumplir con el Avelut: el duelo judío en el que la familia se aparta del mundo y convive a lo largo de siete días. Cada cual abandona su realidad, vacía de rituales, para sumergirse en el encierro y enfrentar los roces y conflictos familiares enquistados durante años.La fortaleza y Los nuestros, dos ficciones atravesadas por lo biográfico, la tradición, la familia, el patrimonio cultural, la descendencia y ese misterio capaz aún de convocarnos para responder quiénes somos.
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Tres obras imprescindibles para entender a uno de los dramaturgos españoles más relevantes de hoy.Alberto Conejero (Jaén, 1978) es una de las figuras más relevantes de la dramaturgia española contemporánea, tanto por la excelencia formal como por la profundidad ética y estética de su escritura teatral. Las tres obras que recoge este volumen pretenden dar muestra de su producción hasta la fecha, marcada por unos textos de alta tensión poética y una concepción del teatro como el arte del vínculo amenazado. Así, La piedra oscura trabaja sobre la materia histórica a partir de la figura de Rafael Rodríguez Rapún, que fue secretario de La Barraca y el gran amor de Federico García Lorca, Ushuaia indaga entre los pliegues más terribles del pasado europeo y la ocultación de sus crímenes en América del Sur, y En mitad de tanto fuego presta voz al deseo de Patroclo por Aquiles, tantas veces silenciado por el clamor bélico. Tres miradas muy diferentes al pasado para hablar de las luces y sombras de nuestro presente.
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El teatro de Eugène Ionesco (1912-1994) es la realización de un anhelo colectivo fundado en el desparpajo de su ruptura lógica, en la huida inexorable desde lo natural visible, elementos que están en la base misma de su comicidad. El asesino sin gajes, Escena para cuatro personajes y La ira representan magistralmente la teoría y la estética del gran autor rumano.Ionesco formula con lucidez sus concepciones básicas: “el humor es libertad”, “la imaginación no es arbitraria, es reveladora”, “nada más racional que la imaginación”. Lo irracional es la vida. De ahí un realismo que llamaríamos interno, no sólo del individuo, sino de la sociedad entera.
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Una dona gran comença a perdre la memòria, i el seu fill decideix dur-la a una residència. Allà, i contra tot pronòstic, mentre els records s'esvaeixen progressivament, tindrà l'oportunitat de viure una intensa —i probablement darrera— història d'amor. Una comèdia commovedora de Marc Artigau i Queralt sobre l'amor i el desig a l'anomenada «tercera edat», sobre els camins erràtics d'una memòria que es desfà com un castell de sorra i sobre aquells que tenen cura, tan bé com saben, de les persones que estimen.
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Por primera vez en castellano, la obra definitiva sobre Tácito, uno de los historiadores más importantes de la literatura universal. Una obra determinante para entender el primer siglo del Imperio romano. Aclamado a menudo como el mejor historiador romano y, en general, como uno de los prosistas latinos más brillantes, Tácito es una figura literaria clave sobre la que, sin embargo, existen muchas incógnitas. Son muchas las sombras que se ciernen sobre su vida y su obra. El influyente latinista Ronald Syme le dedica la que se considera la más completa monografía sobre el escritor. En ella no solo analiza de forma pormenorizada la obra conservada de Tácito, sino que ofrece un vasto contexto histórico y político tanto de su vida como de su obra. En el segundo tomo, Syme continúa analizando la rica e inagotable producción del autor romano y cómo su personalidad inconfundible marca todos y cada uno de sus textos. Culmina el ensayo una completísima compilación de apéndices que ayudan a comprender mejor al hombre, su obra y el contexto histórico que la rodeó.
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Cuatro piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg: El padre (1887), Los camaradas (1888), La señorita Julia (1888) y Acreedores (1888-1890).Impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de la singular lucidez del escritor, quien llegó a escribir al respecto: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro, donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”.
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Un ensayo que aborda en conjunto la dramaturgia de Lorca a fin de comprender la verdadera dimensión de su revolución teatral.«La poesía que se hace humana». El teatro de Federico García Lorca es una monografía que supone la culminación de los más de cuarenta trabajos previos que Emilio Peral Vega ha dedicado al autor. Se concibe, pues, como un recorrido integral, desde un plano histórico y hermenéutico, por toda la obra dramática del autor granadino. Dividido en tres partes («las ideas teatrales», «las obras» y «los montajes») persigue dar cuenta de las bases conceptuales y estéticas de su variada paleta teatral, desarrollar un análisis exhaustivo, centrado en una clave interpretativa, de toda su producción, y presentar, por último, las realizaciones escénicas que, desde su asesinato hasta la actualidad, mejor han sabido traducir en las tablas la compleja revolución teatral pergeñada por Federico. A pesar de la inabarcable bibliografía generada por García Lorca, son muy pocos los ensayos que, desde esta triple perspectiva, hayan abordado el estudio de su teatro en conjunto.
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Aunque la vida se ponga difícil, siempre hay un amigo dispuesto a tenderte una mano (o una pata).Qué complicado es para un gato lidiar con los seres humanos. Son inestables, irracionales, indecisos, una especie a observar con desconfianza. Richard Gold no es la excepción: lo tiene todo, pero pasa el tiempo en el sofá en bata, bebiendo, mientras ve torneos de dardos. Hasta el día en que aparece Frankie, un gato callejero, feo y descarado que pone su vida patas arriba. A pesar de que Gold es insoportable, Frankie lo elige: Richard será su humano. Tal vez sea porque tiene un televisor enorme, una cama muy cómoda y mucha comida. O, tal vez, porque ambos necesitan un amigo y comparten algo profundo y extraordinario, aunque todavía no lo sepan. «Una novela increíble que contagia las ganas de vivir», STERN.
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La obra de Zorrilla no fue tanto fuente sino catarata que inspiró a docenas de autores dramáticos a lo largo del siglo XIX y bien entrado el siglo XX. (...)Desde el principio el autor concibió una obra profundamente cristiana, una obra que marcara el contraste entre el pagano mundo romántico que dominaba las tablas españolas de su época y una nueva visión armónica del mundo.(...)Zorrilla adoptó brillantemente, para su obra, elementos de otros dramas y de otros géneros literarios.
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Puig Ferrer, adreça postal on mai no arriben, certificades, les besades urgents. Del cim estant, hemorràgies de nostàlgia inunden les garangoles.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.