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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Luis Alberto de Cuenca (Madrid, 1950) es Doctor en Filología Clásica desde 1976 y académico numerario de la Real Academia de la Historia desde 2010. Ha obtenido, entre otros premios, el de la Crítica por La caja de plata (1985), el Nacional de Poesía por Cuaderno de vacaciones (2014) y el Premio «Federico García Lorca» (2021) por la totalidad de su obra poética. Ha publicado en esta misma editorial Por fuertes y fronteras (1996), Sin miedo ni esperanza (2002), La vida en llamas (2006), El reino blanco (2010), seis ediciones de Los mundos y los días, recopilación de su poesía (1998, 1999, 2007, 2012, 2019 y 2021), Cuaderno de vacaciones, Bloc de otoño (2018) y Después del paraíso (2021). El secreto del Mago reúne treinta y cinco poemas escritos, en su gran mayoría, entre 2021 y 2022 y repartidos en cinco epígrafes: «Cuaderno de bitácora», «Oficio de difuntos», «Aristónico y otras antigüedades», «Por soleares» y «Creo en ti». Partiendo de un homenaje al ilusionismo que se refleja en el título del libro, los temas abordados en sus páginas fluctúan entre lo elegíaco y lo amoroso.
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Surgida entre los desiertos de Arabia y los vallesde la antigua Mesopotamia, la poesía árabe deslumbródesde que las conquistas del islam forjaron un vastoimperio, del Asia Central a al-Ándalus, y extendieron el uso de la lengua árabe en sus territorios. La tradición árabe ha transmitido un registro escrito impresionante del legado clásico, pero hasta tiempos recientes no se ha observado, con nuevos estímulos, una parte del mismo: la poesía compuesta por mujeres, quequizás sorprenda por la cantidad de materia conservada. Gacelas de arena presenta una antología de30 poetas que vivieron, entre los siglos V y XIII, endiversas regiones del mundo árabe de entonces e incluye la traducción de 99 poemas. La muestra es significativa de lo que fue la producción femenina dentro deese marco, y nos invita a contemplar el paisaje a través de otras miradas, a matizar los colores con losque hasta ahora se ha pintado.
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Se ofrece un estudio sobre la novela corta española desde mediados del siglo xx hasta las dos primeras décadas del siglo xxi. Desde las perspectivas históricay teórica se enfrenta a los veri cuetos de ese géneronarrativo: tras delimitar el estado de la cuestión,se examina su lugar en las historias de la literatura, sus problemas terminológicos, sus salidas editoriales y sus características propias (como el tratamientonarrativo y descriptivo, tiempos y espacios, temas ypersonajes, juegos experimentales e intergenéricos).Ilustrada con numerosos ejemplos de escritores contemporáneos, la panorámica se complementa con un primerplano sobre tres autores diferentes en el periodo abarcado: Francisco Ayala, Enrique VilaMatas y Andrés Barba. Se buscará la aguja en el pajar: la novela corta española contemporánea en los recovecos de las historias de la literatura española, tras los espejismosterminológicos del idioma, a través de los pasadizosde la edición literaria y los premios, dentro de loscajones teórico críticos, y todo ello ante la osadíade los textos de los escritores. Se busca esa narración ?en tierra de nadie?, como la denomina el escritormexicano Jorge Volpi en Días de ira (2011), compilación de tres novelas cortas introducida por un valioso?Elogio de la media distancia?: la que existe entrelas cincuenta y las ochenta páginas, la que se leeríaen un día completo, la que no es la de las novelas de los pacientes ?maratonistas? como Cervantes o Mannni la de los cuentos o relatos de los ágiles ?velocistas? como Chéjov o Cortázar, aunque la mayoría de ellos la haya recorrido alguna vez y aunque se cierna sobre ella un sempiterno problema de tipo onomástico que obliga a definirla por sus defectos o a dejarla huérfana o expropiada (¿nouvelle, noveleta, novelita??).Se ha de advertir la carencia tanto de estudios teóricos como de investigaciones particulares que se centren en aspectos textuales o en escritores de novela corta desde 1950. Tal ausencia se convierte en un acicate para el estudio, al mismo tiempo que revela un complejo síntoma: desvanecido el espejismo de la supuesta ausencia de novelas cortas escritas en España durante los últimos años, se delataría cierto desinteréso descuido en el campo investigador actual, situaciónque seguramente continuaría disimulando el complejode inferioridad y de imprecisión que parece dar por asumido todo estudio sobre novela corta.
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La memoria musical y sensible del carnaval de Esmeraldas resucita en Ainhoa, una niña de la isla de Limones, secretos familiares y episodios de violencia. En Fiebre de Carnaval cobra vida el mundo que la rodea en cada palabra, en cada ritmo que se baila, se contagia y que puede oírse en estas páginas. Gracias a una serie de recuerdos se construye una novela en la que cronología es imperceptible, y que da forma al cuerpo de la niña-máquina deseante, que a su vez es el de las mujeres que la criaron. El barrio en el que vive la abuela materna de Ainhoa, el mar, origen y fin de todo, y el habla, que dota de una vida vibrante a los migrantes de Limones, son los hilos que entretejen este libro único, en el que está presente la poesía de la autora y la exuberancia y el dolor de un rincón olvidado del Ecuador.
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Directos al corazón: los versos de Loreto SesmaEl nuevo poemario de Loreto Sesma, una de las autoras más conocidas y admiradas de la nueva generación de poetas. Un libro que transita por las penumbras del amanecer, en lo ambiguo de esa oscuridad que muta de repente en esperanza. No bastó con querer es un claroscuro de versos que hablan del poder que ejerce sobre nosotros el recuerdo, el olvido imposible, que nos destruye pero a la vez nos ha construido como lo que somos, en la resiliencia. Loreto Sesma dibuja con profundidad y alma el perfil de la dulce derrota del que ya sabe perder, de la victoria amarga del que conoce que será finita. Un conjunto de poemas sobre el dolor que llevamos en la maleta, el bagaje de las heridas del amor, pero también sobre la posibilidad de la luz. «Llega el día.Simplementerecoges todos tus pedazos del silencioy dices:esto es querer,pero ya no es amor».
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Dama dictadura és un cúmul de caceres sota d'un aixopluc en forma de revista ¡Hola!. Una cacera de Carmen Polo als seus collarets, una cacera de Franco a Carmen, les caceres que organitzen les classes altes i les caceres de la ultradreta a persones vulnerables durant els anys 90. És un àlbum d'assassinats i aristocràcia sobre l'herència feixista que ens ha deixat la moral catolicocristiana de Carmen Polo. «¿Qué es España? La finca del abuelo.» Això responia el net de Franco quan era petit. Cinquanta anys més tard, aquesta finca segueix sent de les mateixes famílies i les caceres estan més de moda que mai. El feixisme és un monstre que es troba en els racons on menys t'esperes, a dins unes botes amb punta d'acer, a dins la boca del policia que diu que portes una falda molt curta i en la petita Carmen Polo que hi ha dins de cada una de nosaltres. Per tant, l'única solució que ens queda es posar-nos les motxilles de cazafascistas i en trobar-los estar atentes a tirar estrelles ninges, fer encanteris i deixar-los congelats, abans que no expandeixin la seva merda i comencin a caçar.
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Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.
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Como también hizo en otras ocasiones, a la hora de escribir ''La bella malmaridada'' Lope de Vega se inspiró en la tradición, fuente inagotable de leyendas, fábulas y canciones alimentadas por el imaginario colectivo. No se trataba de adocenar el ingenio a lo ya creado, sino de asegurarse el aplauso refugiándose en la cultura popular, como puede hacer hoy en día el cine con la novela o el cómic, es decir, de buscar un sustrato familiar para cualquier espectador, rústico o letrado, cuyo subconsciente se activaría de inmediato al reconocer el argumento, incitando su predisposición hacia una historia que había escuchado, leído o incluso tarareado en algún otro momento de su vida. El pasado, por tanto, se utiliza como un puente hacia el presente gracias al poder de la nostalgia. Sin duda, para semejante propósito no existiría mejor paradigma a finales del Quinientos que el tema de la malcasada, tan arraigado en lo popular que probablemente no tenga parangón en todo el Siglo de Oro. Un argumento devenido en moda poética que había eclosionado de forma definitiva a mediados del siglo XVI impulsado por los cancioneros musicales.
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Esta es una antología insólita de Luis Cernuda . En primer lugar, porque pretende proponer una relectura del poeta, persiguiendo el objetivo que, según el autor, debía tener toda antología, a saber, no ofrecer al lector un mero adelanto de un poeta poco o mal conocido, sino obligarle a un viaje de vuelta, conocida ya la obra entera del poeta, hacia su poesía, invitarle a la relectura cabal de la misma.
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Considerada hoy como una de las comedias más atractivas y de mayor éxito en las tablas, Don Gil de las calzas verdes es uno de los testimonios más completos de lo que fue el virtuosismo técnico de Tirsode Molina. Nos hallamos ante un compendio de originales hallazgos formales, de un hábil sincretismo entrelo popular y lo culto, de cómo explotar al máximo los diferentes juegos de identidad asociados a la ropa,a la voz y al movimiento, de recursos teatrales diseñados para modular personajes hoy considerados clásicos, y de un sentido del humor que puede leersetambién como censura de ciertas prácticas sociales.Tirso de Molina es un creador excepcionalmente dotadopara la construcción de atmósferas y paisajes. En esta obra ofrece una visión de Madrid que revela una sorprendente familiaridad con el tejido urbano.
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Gen(t)s diferents ens fa viure unes situacions reals i absurdes, actuals i atemporals, que se'ns faran curtes i que ens faran riure, per no plorar: cal fer funerals i portar dol per una cama tallada? Comprarà una enciclopèdia, una senyora que va amb tren, però que té un Mercedes i una filla embarassada de catorze mesos? Es matarà, un matrimoni per un diari? Podrà, vosté, encaixar trenta personatges així?
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En 1765 aparecía la edición a cargo de Samuel Johnson de las obras de Shakespeare, y con el prefacio que abría la serie de ocho volúmenes se iniciaba la lectura crítica moderna de uno de los genios literarios más celebrados de todos los tiempos. Johnson, crítico impecable y a su vez autor prolífico, trazó los caminos que todavía hoy guían nuestra lectura incesante y siempre renovada de Shakespeare: en primer lugar, que el autor de Hamlet fue ante todo un hombre de teatro (dramaturgo y actor), atento a la relación entre la acción escénica y la reacción del público, en segundo lugar, que sus personajes no son héroes de corte clásico, son hombres que actúan como lo haría el lector o el espectador si estuviera en su situación. Y en tercer lugar y el más importante, más que un autor estrechamente vinculado a sus contemporáneos, Shakespeare trasciende en este ensayo las fronteras de su tiempo y se erige como contemporáneo de la posteridad.
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Amb motiu de l’Any dedicat a Josep M. Quadrado, Antònia Tayadella, especialista en literatura del segle XIX, va prologar i editar per primera vegada els vint assaigs literaris, que, arran de la seva mort, havien quedat escampats en diverses publicacions de Palma, Madrid i Barcelona. Iniciador de la crítica literària a les Illes Balears, els nou primers assaigs corresponen als anys 1839-1844, en què la crítica, entesa com a militància estètica, és la seva activitat preferent, exercida sobretot al setmanari La Palma amb un profund coneixement del romanticisme europeu en la seva versió més conservadora, medievalitzant i cristiana.Desplaçat el crític literari pel tractadista d’estètica, el pensador moral i l’historiador de la literatura, com ho evidencien els assaigs dedicats a Ramon Llull, a partir de la dècada dels vuitanta recupera la dedicació autònoma al tema literari amb textos dedicats a Verdaguer, Llorente, Marià i Tomàs Aguiló i Pere d’A. Penya, que remeten a les relacions entre Quadrado i la Renaixença, amb l’edició de l’article «Desagravi a las literaturas regionals». En suma, es tracta d’un volum cabdal per conèixer i poder avaluar la important activitat de crítica literària de Josep M. Quadrado.
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«Amor por lo que vive, si supieras/ qué fácil es perderte/ sabrías cuánto ansío conservarte». El presente poemario nos propone una mística terrenal donde lo que se eleva es la «carne pensativa» y lo único sagrado es el instante en fuga. Una espiritualidad laica que, celebrando el privilegio de «haber llegado/ al lugar donde estaba», se opone a la trascendencia para no «cederle terreno a las alturas». En otras palabras, una versión posmoderna de la tradición mística. Cantos de lucidez vitalista que toman la alegría, esa «palanca de respuestas», como un horizonte en marcha. Versos contra el romanticismo del dolor, muchas veces cantados desde el dolor mismo, para reivindicar la maltrecha belleza de «este lugar que apesta y me conmueve». Poemas que sugieren un modelo distinto de amantes, «enamorados/ de la fragilidad de estas paredes»: el personaje de la artesana, amada activa, horizontal y antiplatónica, y una voz masculina que expresa su deseo de intercambio. Mística abajo consta de cuatro partes. La primera está dedicada al tiempo, sus ciclos y transformaciones en el cuerpo de lo real, la segunda reflexiona sobre la poesía, su necesidad y utilidad en el presente, la tercera aborda las relaciones entre ciencia y emoción, razón y deseo, en la cuarta dialogan los motivos clásicos de la mística con una ética contemporánea y desacralizada.
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Nuevo poemario de la autora Bella OriaDías en tránsito es un viaje interior, un recorrido hacia lo más profundo del propio ser, un camino lleno de incertidumbre y miedo donde poner por escrito lo que sucede a cada momento es la condición para encontrarse de nuevo.Este libro se compone de dos partes. La primera, El dolor viene ahora tiene origen en un sueño lúcido, en el que después de la marcha consciente de un ser querido el narrador de la historia hace una pausa y avisa al protagonista de la llegada del dolor a su vida. Estas páginas son el resultado de amasar las ausencias, reconocer el torbellino de emociones y ponerles nombre cuando toca volver a casa y cuando toca marcharse. La segunda parte, El momento era aquel se adentra en una historia de amor incipiente, su devenir natural es la consecuencia de un momento vital que no se corresponde con las expectativas puestas en el otro.
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Antología comentada de poetas anónimos.En esta antología, Diego Godián invita al lector a sumergirse en un lenguaje coral con un mismo sendero, se suceden autores, ligados al anonimato, que tienen algo que contar. Así, Godián demuestra ―como señala en el prólogo― que la anonimia de un elenco que ha permanecido impasible ante las cortinas de lo mainstream es la crisis propia del siglo XXI. Estamos ante un diálogo con aquellas voces silenciadas que reflexionan sobre la vulnerabilidad de la vida, desde lo cotidiano hasta lo espiritual.Charles Pouzols.Diego, irremediablemente, regresó de México cambiado. Cualquiera podía percibirlo con facilidad. El paraguas verde que llevaba consigo a todas partes, aunque colgase del cielo un sol radiante, y sus zapatos de piel de cocodrilo le delataban. Pero los que le conocíamos bien ―y yo, por desgracia, llegué a conocerle demasiado― sabíamos que había algo más: en la voz de Diego había ahora cientos, miles de voces nuevas. La mía era solo una de ellas. La tuya, lector, también. Descubre, pues, el horror de escucharte a través de otro.Juan Ángel Asensio.
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Dualidad es la existencia de diferentes caracteres en un mismo estado de cosas en una misma obra Está dividida en tres partes Cada una abarca temas diversos Pero perfectamente hilados I La grieta entre lo exterior e interior Donde nace el germen del libro El origen de todo II Los arquetipos del ser humano y una necesidad de cambio social El sufrimiento del yo más crudo y la búsqueda del superyó más moral III Búsqueda de propósitos, diálogos El yo y el superyó enfrentados Donde la culpa acepta el perdón Los poemas preguntan dudan, confrontan intentan entenderse las contradicciones no se curan se miran coexisten
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En Ghetto, Tejedor Rábano hace hincapié en la variación y en la síntesis, descubre posibilidades escondidas entre las combinaciones de palabras. En este poemario, escrito en otoño, el autor ve tanto las nieves del tiempo como el vuelo de la mariposa.En su elíptica expresión se sintetizan la imagen y la visión. En el ghetto ve la frontera de la unión y la exclusión, la creación y la muerte. Se ubica en el umbral de lo sensible y del sentimiento. En la frontera del alma, el poeta es por sus palabras y, a la vez, sus palabras son poesía a flor de piel, que dice su voz y que escribe su mano. Este poemario une expresión y presencia en el mundo.
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«Son símbolos de mi biografía: la nieve, los bueyes, las montañas, etcétera. Otros tendrían el mar, los cañaverales, el sol, como paisaje de su historia. Pero la mía es ésta, de esta simbología parte lo que digo, y surge lo mismo en prosa que en poesía. Ese título, Memoria de la nieve, resume muy bien no solo la poesía sino toda mi obra. Creo, además, que es una redundancia: la memoria es como la nieve, escribes sobre ella, y mientras escribes se va derritiendo. Es como si siempre escribiera sobre la nieve, no sobre el papel».
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Tabernacle aplega tres reculls de poemes que comparteixen el fet amorós i la transcendència mística: una vivència que ens manté enjòlit, com un sospir que s'obri a l'eternitat, una plenitud en la fusió retrobada, de manera que la vivència amorosa és un tema primari i essencial que entronca amb les manifestacions més antigues de la literatura. Així, el conjunt del llibre parteix del convenciment que l'amor és un dels elements centrals del dir poètic. De vegades com llampecs enlluernadors i de vegades com el llarg vessament dels rius a la mar, els seus poemes recorren, des de la trobada fulgurant de l'enamorament, avançant des del desig i la passió i el lliurament constant, el camí dels amants envers la fusió. L'amor com un repte fràgil subversiu que exigeix una permanent renovació des de la sensualitat i el compromís. Un corrent d'aigua fresca, talment la poesia es resol també en paraula viva.
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Els escriptors de gènere criminal sempre intenten buscar el crim perfecte per denunciar, presentar o explicar alguna cosa, algun fet. Aquest volum que tens a les mans prete'n fer tot el contrari. Es tracta d'un conjunt de textos escrits per persones que en algun moment de la seva vida es van considerar criminals. Alguns van morir com a tals, d'altres encara viuen com a tals. El fet és que la literatura també va ser present en les seves vides i, sovint, els textos reflecteixen més què pensen o pensaven que no pas una simple biografia. James Longhurst, Bonnie Parker, Peter Manuel, Charles Manson, Albert DeSalv,o Jim Jones, Ted Bundy, Peter Sutcliffe, Elizabeth Wettlaufer, Israel Keyes.
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Viaje de ida y vuelta a las zonas grises de la exclusión social en el contexto del capitalismo tardío.Perro fantasma es un viaje de ida y vuelta a las zonas grises de la exclusión social en el contexto del capitalismo tardío, una polifonía de voces perdidas y de personajes sometidos al tan contemporáneo destierro en uno mismo, con los que resulta casi imposible no tener nada que ver.Poema único o canción fragmentada sobre el quiebre de la identidad, en la que un rapsoda toxicómano, el cojo de los cuadernos, ejercerá de médium desde un Cabo de Gata fantasmagórico, donde la droga y el desamparo se funden con el desierto en un paisaje mental en desintegración.
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Ernesto Delgado (Placetas, Cuba, 1996) estudió Literatura en la Universidad Central «Marta Abreu» de las Villas y es miembro fundador del grupo literario «La estrella en germen». Pálpito, galardonado con el XXVI Premio Loewe a la Creación Joven, es su primer libro. «El poeta, ante el Horror y la Belleza, todo lo mira desde su altura de águila para luego descender a la entraña de las cosas. El poeta, ante la emanación del Misterio, todo lo vuelve pálpito: presentimiento y latido a la vez. Este libro revive la emoción que colma la víspera de los nacimientos y recupera la honda idea del asombro frente a lo ya nacido. El joven Ernesto Delgado posee el don de descubrirnos la extrañeza del mundo y nuestra propia extrañeza, en su voz respira el inocente, germina la estrella y fluye la cañada de la temporalidad. Entremos con él en el fósforo para revelarnos, entremos con él en esos círculos concéntricos, hermano lector, porque más allá de los cercos y hospitales, más allá de la oscurísima miseria de las ínsulas, su dolor todavía canta a la maternidad luminosa de lo humano». Sergio García Zamora
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Los poemas de ''Brindis y desesperación'' ofrecen una visión diferente sobre lo cotidiano, desde las dos caras opuestas de la vida.La poesía de Miguel Sande explora ese mundo agridulce que nos ofrece el día a día, todo lo que la cotidianidad promete de extraordinario e inesperado. Y, al mismo tiempo, también nos adentra en esa zona que surcan quienes sienten que han iniciado eso que llamamos «el camino de vuelta». El autor profundiza en las zonas grises de nuestra conducta, en los detalles que deseamos ocultar y que él nos expone con ternura y dureza en una mezcla difícil e inaudita, como la propia existencia: Brindis y desesperación, las dos caras de la vida.
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Francisco Álvarez Velasco, leonés de 1940 avecindado desde hace casi medio siglo en Gijón, es uno de los poetas fundamentales del noroeste español, un espacio geográfico y vital que está al fondo de sus versos: del páramo al oleaje cantábrico. Traducido a varios idiomas y ligado en su juventud al histórico grupo poético Claraboya, es autor de una poesía de excepcional calidad que ha pasado desapercibida para buena parte de la crítica y de los estudiosos españoles. Esta antología, la primera que ofrece una amplia selección de una obra formada hasta ahora por once títulos, muestra la potencia y singularidad sin estridencias de una voz que mantiene vivas las lecciones magistrales de Antonio Machado o César Vallejo, entre otros. Poesía de hondas raíces humanistas y de gran sabiduría verbal en la que el «rumor elegíaco», según explica José Carlos Díaz en su prólogo, es siempre celebración y palabra de vida.
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El teatro de Roland Schimmelpfennig ocupa un lugar central en la escena contemporánea por su capacidad para renovar el lenguaje dramático sin perder el vínculo con lo humano. Su escritura, de estructura precisa y poética, articula tensiones que trascienden el conflicto clásico y plantea una dramaturgia que interpela sin juzgar, que escucha y desafía a la vez, en una relación de respeto mutuo entre texto, intérpretes y público. Frente a un mundo fragmentado, sus obras convocan la narración como forma de resistencia. Sus textos funcionan como partituras de imágenes, abiertas a la imaginación escénica, donde el ritmo, la repetición y la variación sustituyen a la progresión lineal. En ellos conviven lo simbólico y lo cotidiano, lo arquetípico y lo contemporáneo, la herida y la posibilidad de redención. Su teatro ha contribuido de manera decisiva a repensar las formas de representación en el siglo XXI, y su influencia se extiende tanto en la escritura como en la práctica escénica de hoy.
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Hafez de Xiraz (ca. 1315-1390) és el màxim representant de la poesia persa medieval. Les seves poesies —reunides al seu cèlebre Diwan— són encara un interlocutor d’allò més vàlid per a tots aquells qui senten el seu cor desemparat, per a tots aquells qui, a través del particular llenguatge del poeta de Xiraz, creuen afinar la seva ànima amb l’exaltació mística de les seves magnífiques metàfores i de les seves impossibles paradoxes.El vi en la poesia de Hafez és un tema central, té una gran imatgeria i diverses capes de significació. El vi és la veritat revelada, la saviesa adquirida, no pas per mitjans racionals o intel·lectuals, sinó a través de les emocions i de l’amor: «Els savis cerquen Déu als llibres. Jo l’he trobat al vi i al silenci».Manuel Forcano (Barcelona, 1968) és poeta, traductor i doctor en filologia semítica, especialista en cultures del Pròxim Orient. La seva pròpia obra poètica explora l’amor, el desig i l’evocació de l’antiguitat en contrast amb la vulgaritat del present. El seu llibre El tren de Bagdad va ser mereixedor del Premi Carles Riba 2003. La seva poesia ha estat recollida al volum Arabesc (2022).La copa d’or és el número 29 de la col·lecció Envinats, que té el vi com a fil conductor, que vincula el vi amb les arts i la creació.
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Ponte unas botas de siete leguas, grita ¡ábrete sésamo!, toma la varita mágica, atraviesa el espejo
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La adaptación teatral del famoso diario de Ana Frank se ha representado en todo el mundo con un éxito enorme. Un best seller mundial para no olvidar el horror del holocausto.
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Ces Stylites d'Andorre saisissent le souffle de la vie vécue en Andorre, sa quotidienneté et son côté extraordinaire et, tout à la fois, la quotidienneté et l'extraordinaire des sept poètes stylites de Jaume Plensa dans un dialogue entre sculpture et poésie, sur leur même chemin à la recherche de l'âme universelle par le biais de l'expérience de l'Andorre et de la vie , voyage avec eux et, à travers eux, voyage en soi-même et vers la réponse aux questions qu'ils nous suscitent avec leurs réflexions , clés pour ouvrir la porte de l'âme et nous retrouver.
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Edición de los veinte poemas de Antonio Machado de lectura prescriptiva para la asignatura común de Lengua castellana y literatura del bachillerato para las promociones 2007-2009 y 2008-2010. Contiene selecciones de Soledades y Campos de Castilla, con algunos de sus poemas más reconocidos y reconocibles (''He andado muchos caminos'', ''A un olmo seco'', diversos ''Proverbios y cantares''...). Un aproximación al que sin duda es uno de los autores más importantes de la Generación del 98 y, por extensión, de la poesía castellana de todos los tiempos. Este libro contiene la edición de los poemas, una guía de lectura, una selección bibliográfica y un modelo de comentario de texto y una propuesta de ejercicios, a cargo de Isidor Cònsul.Isidor Cònsul es crítico literario y editor. Ha compaginado su trabajo crítico sobre la literatura contemporánea con una tarea de investigador, especializado en literatura de los siglos XIX y XX.
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Los versos de Miguel Ventura salen al paso de las inquietudes, más que encararlas con ligereza, son más de final incierto que de clara clausura, más de planetas retorcidos que de constelaciones zodiacales. El suyo es un aliento de bocetos humanos, por el que transcurren animales oscuros (lechuzas, perros, serpientes, lobos, cuervos, alacranes), el rastro de un humor de hechura elegante, y la belleza de lo desencajado. De intuición visionaria, hace de lo inmenso un territorio sostenido por la fragilidad de un único pétalo: el sustantivo de su apellido. Imposible no entregarse con fascinación a su poesía. (Esther Peñas)Pétalo para construir lo inmenso, de Miguel Ventura, es una suerte de invocación literaria a los misterios que rodean al hombre en su relación existencial con lo trascendental y lo cotidiano. Poemas plagados de referencias animistas, númenes e imágenes telúricas conforman una especie de oración profana, de búsqueda incesante del sentido de las cosas. Pócimas breves de alto contenido alquímico. La experiencia humana del asombro, su epopeya vital en la búsqueda de la verdad, los designios de su destino vistos desde un punto de vista no estrictamente filosófico sino poético.
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Bóvedas de sombra es una colección de poemas deslumbrantes que abarca desde el registro más culto y sofisticado al aparentemente más sencillo. Con gran variedad de temas, métricas y ritmos, cadencias y tonos, la coherencia del poemario reside en la capacidad de Eusebio Lázaro de trasmitir, a través del lenguaje poético, su exquisita sensibilidad, la agudeza de sus sentidos, la profundidad de su pensamiento.Bóvedas de sombra conmueve e ilumina.
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Els personatges que habiten els contes d’aquest recull viuen atrapats en situacions que es tornen extremes: la culpabilitat, la follia autodestructiva, el Mal, el canibalisme, el contacte amb monstres d’altres mons, la mort…En Cornèlius vol emular la maldat absoluta del seu mestre Mengele, en Fortià és posseït per l’esperit dels pira-tapuies caníbals, el senyor que pateix el reflex dels miralls ens desafia a emmirallar-nos-hi, na Rebeca s’escola sense remei, esquinçada per dins per l’ésser que acaba d’engendrar, el detectiu Cazenou és obligat a barrejar el plaer amb el dolor, na Maria Faustina flirteja amb el retorn dels morts, el badoc dels Encants emmalalteix, contagiat per les pàgines d’un dietari, en Jordi Gasull viu pres de la seva follia obsessiva, l’alumne confés de Toledo vol saber què hi ha després de la mort, na Yakaterina és forçada pel Maligne, i el senyor Fitó es sorprèn en retrobar-se amb mossèn Mola, que ja era vell quan li feia la catequesi.Cada història és una finestra oberta a racons existencials que no tenen cabuda en un món pulcre i ingenu: la maldat humana i sobrenatural, el terror psicològic, la bogeria desfermada, el més enllà…
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Doce poetas del 27 se reúnen en este metafórico Huerto del limonar: Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Dámaso Alonso, Manuel Altolaguirre, Luis Cernuda, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Jorge Guillén, Concha Méndez, José Moreno Villa, Emilio Prados y Pedro Salinas, para dialogar entre ellos y con sus lectores sobre poesía. Poesía que une tradición y vanguardia y que se dice en voz alta o se lee en silencio, con honda emoción creadora. Ana Pelegrín ha reunido, en esta antología, poemas de estos autores del 27 que por su temática, sonoridad o estructura despiertan el amor a la poesía moderna y tradicional. Rafael Vivas ha ilustrado los textos con delicadeza cromática y composiciones llamativas, pocas veces realistas, siempre evocadoras. Como requiere la poesía. ¡Déjate atrapar con la delicadeza y la pasión de la poesía!
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.