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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El Gran Libro de los Gatos es la antología de literatura felina más completa que existe en el mundo. Este volumen recoge cuarenta y dos piezas largas y doscientos cincuenta pasajes gatunos: poemas, cuentos, ensayos y extractos de novelas con los gatos como figuras centrales o secundarios de gran relevancia.Cada texto seleccionado es de un autor o autora distinto (nadie repite), y de todo tipo de pelaje literario: de Marguerite Duras a William Carlos Williams, Cesare Pavese, Nicanor Parra, Wislawa Szymborska, Frank O'Hara, Gabriela Mistral, Lorrie Moore, Terry Pratchett, Kelly Link, Antón Chéjov, Carmen Martín Gaite, Ezra Pound, Toni Morrison, David Sedaris, Kate Bush, Wenceslao Fernández Flórez, Lydia Davis, Charles Baudelaire, Djuna Barnes, Lawrence Ferlinghetti, Sylvia Plath, Tomi Ungerer y muchísimos más nombres.
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Acarreo conmigo este día comola suela del zapato acarrea unchicle. El poema avanza sin miedo(se dispone sobre el papel)se deja escribir en negro loque tenía que decir(persiguiendo sin pereza lo queaún no existe). ¿Y a qué huele el nuevo día?Por ahora a patatas fritaspequeño prodigio un poema: a élle cabe decidir si adorna(o no) larealidad. Porque siempre aparece alguien en buscade imágenes exactas(rechazando el artificio que adorna la belleza)preguntando por la verdad que existe enlas cosas comunes.«Preludio»Joao Luís Barreto Guimaraes nació en Oporto, el 3 de junio de 1967. Poeta y traductor, es tambiénmédico y profesor de poesía en ICBAS-Universidad de Oporto. Ha escrito once libros de poemas, losprimeros siete reeditados en Poesía Reunida (2011), seguidos de Usted está aquí (2013), traducido alitaliano, Mediterráneo (2016), que ha recibido el Premio Nacional de Poesía António Ramos Rosa yha sido publicado en España, Italia, Francia, Polonia, Egipto y Grecia, y Nómada (2018), editado tambiénen Italia, que mereció el Premio al Libro de Poesía del Año Bertrand 2018 y el Premio LiterarioArmando da Silva Carvalho. En 2019 publicó la antología El tiempo avanza por sílabas, que tambiénha visto la luz en Croacia, Macedonia y Brasil, a la que siguió Movimiento (2020), traducido en Macedonia.Las ediciones italianas de Mediterráneo y Nómada fueron finalistas del Premio InternacionalCamaiore en 2019 y 2020, respectivamente, y la traducción inglesa de Mediterráneo ha ganado el WillowRun Poetry Book Award 2020, en Estados Unidos.
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Clara Chacón, actriz y escritora, relata en su primer libro el ciclo vital del amor a través de una voz femenina en constante metamorfosis, como las fases lunares en el cielo nocturno.Una voz poética, dulce a la vez que ácida y liberadora, heredera del talento de las grandes mujeres de su familia. En estas páginas se hiere, pero también se cierran heridas. Hay advertencias, súplicas, susurros al oído y gritos al vacío. Un canto a la vida que nos demuestra que, aunque a veces volvamos a la línea de salida, nunca nos quedamos estancados, porque lo que sentimos y lo que somos está en continua construcción.
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Igual que Ulises emprendió el regreso desde una Troyaderrotada a su hogar en Ítaca, y en su periplo encontró obstáculos y tentaciones, la voz que se escucha en estos poemas también intenta —pese a las dificultades— volver a un lugar que reconoce como suyo: Topanga, que aquí no significa casa sino exilio, sitio de paz para reconectar con todo. En su primer libro de poemas, Enrique Bunbury ha escrito la particular historia de ese viaje. Aquí se busca una casa, pero no solo:en ese proceso —en esa odisea— se aprende y se desaprende, se reflexiona sobre el mundo que nos rodea —yque muchas veces nos engulle—, se ama y se intenta comprender. Exilio Topanga cuenta —desde la ternura y la ironía, desde la crudeza, desde la crítica social hasta la demora en el paisaje, no postal sino símbolo—un viaje del héroe que se comprende como un viaje del antihéroe: en estos poemas se llama por teléfono apersonajes que tienen mucho que ver con los de los relatos de Carver, se mira a quienes pasean por las malas calles igual que por los poemas de la generación beat, se sueña un espacio propio en el que confluyan la lírica, la conciencia y la realidad.
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El tel de l'elegia
El jurat de l’edició d’enguany ha estat format per Esteve Plantada, Veronika Paulics, Francesc Bononad, Jordi Valls, Marc Romera, Pau Vadell i Martí Berlanga —que actua de secretari—.El jurat ha dit que és «un poemari colpidor pel seu contingut i ritme, que aconsegueix la sintonia amb el lector, i conquereix espais de nosaltres que són adormits i ens incomoden. Ens trobem a l’inici d’una trajectòria jove, fresca, que s’inaugura amb aquesta publicació i, de segur, promet èxits i més poesia!». També, «el jurat en destaca la musicalitat, molt connectada a una pulsió jove, que no abandona al lector en cap moment, ens convertim en un testimoni musical de les paraules, que transgredeixen el seu sentit en una segona lògica, una lògica rítmica i oral. Trobem un jo líric que, a través de la repetició obstinada de les estructures, sembla acudir al llenguatge per a auxiliar-se, com un refugi familiar que el bressola. Juncosa n’estableix un ús, com és el cas de les invocacions dels primers versos: doneu-nos / memòria i / doneu-nos acer / la memòria del foc i l’acer esmolat / de la parla, on el jo poètic requereix la paraula com a eina, fins i tot com a arma.»El Premi Francesc Garriga de poesia és un guardó de poesia per a poetes inèdits en record al poeta i mestre Francesc Garriga. Premi creat el 2016, es convoca anualment per les editorials LaBreu Edicions, Edicions del Buc, AdiA Edicions i Cafè Central, amb la col·laboració de la Fira d’Editorials Independents LiberisLiber. L’obra guanyadora es publica en la col·lecció Francesc Garriga.
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A la fama mundial de Sylvia Plath (Boston, 1932-Londres, 1963) contribuyeron en un primer momento el eco de su trágica vida y su muerte voluntaria, así como su condición de mujer emblemática, pero son sus poemas, su perfección en el uso de la metáfora y
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Antología de la lirica amorosa, de Manuel Otero (9788431664862).Amor y poesía, vida y literatura han sido siempre realidades inseparables. Del gozo a la amargura, de la exaltación al desengaño, de la sublimación del ser amado a la pasión erótica, todos los afectos, todos los anhelos y nostalgias, todas las emociones caben en el amor. Para plasmar en toda su complejidad tan variadas facetas del sentimiento amoroso los poetas a lo largo del tiempo, han puesto en juego una amplia gama de estilos y formas expresivas: desde un lenguaje sencillo y directo a otro hermético y alambicado, de la expresión serena y sosegada de los sentimientos a la arrebatada y violenta, del eufemismo pudoroso al desagrro léxico...
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Anidan minerales es un libro que inventa escenarios grandes donde ocurren cosas pequeñas. Un canto a la gracia de lo efímero frente a la perpetuidad. Un juego de tiempos, secretos y cristales: Antes decía: la chica esto y lo otro / el cuento tiene que ser / redondo / la piel muda / y siempre era verano en todas partes. / Decía sal de frutas / y tesoro / guarda candor / ermitas oreadas. / Nunca más escribiré como escribía / cuando no era escritora.
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Francisco García Castro (Estepona, 1971). Autor del poemario Balada del viejo bunk y otros poemas (2014) y del cuaderno El engorroso plumaje del colibrí espátula (2018). El poeta habla de su poesía como «poesía lisa» (o poema liso). Una poesía, sin adornos, realces, ni arrugas, que facilita la convivencia en su transcurso, hasta llegar al final del poema. Será en ese final, cuando el lector perciba que no era tan liso el camino. Aparentemente liso, pero lleno de capas por levantar.
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La poesía reunida de Jaime Gil de Biedma en una edición conmemorativa por el veinticinco aniversario de su muerte Uno de los 50 mejores libros españoles del último medio siglo según Babelia En 1975 Jaime Gil de Biedma reunió su poesía bajo el título Las personas del verbo, donde incluyó sus tres libros: Compañeros de viaje, Moralidades y Poemas póstumos, revisados y ordenados para la ocasión. En 1982 publicó una segunda edición, ampliada con los escasos poemas que había escrito hasta entonces. Ese fue el corpus de su obra poética que el autor consideró definitiva y cerrada, y es la que aquí reeditamos. Las personas del verbo es ya un clásico de la poesía española del siglo XX. Destaca por su afán de perfección, su transparente complejidad, su lucidez y su capacidad evocativa y meditativa. Hoy, a los veinticinco años de la muerte del poeta, Las personas del verbo quiere ser un homenaje y un reconocimiento a la vigencia absoluta de la poesía del Jaime Gil de Biedma.Reseña: «Su poesía sencilla y directa te toca el corazón. Gil de Biedma es un poeta de todos. Te recuerda la importancia de la vida sin más atributos que ella misma.»Manuel Vilas «Como todos los escritores que han tocado la fibra íntima de sus lectores, cada uno tiene su Gil de Biedma.»La Vanguardia «La poesía de Gil de Biedma, tan exigua como intensa, singular y radiante».Javier García Recio, La Opinión de Málaga
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Chéjov refleja en su obra las contradicciones de la vida social de su país en las postrimerías del siglo XIX y vísperas de la revolución democrática burguesa de 1905 a 1907. Describe irónica y despiadadamentela degradación paulatina, tanto económica como cultural, de la nobleza latifundista, centrando su atenciónen la suerte de su propio estamento social. Chéjov introdujo un cambio radical en las formas de la dramaturgia, dando a la acción dramática una estructura nueva capaz de abarcar cualquier manifestación de la vida. Con una simple sucesión de cuadros cotidianos logra impresiones generales, a veces de una gran intensidad.
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En 1966, poseído por un súbito impulso creativo, Pier Paolo Pasolini compuso seis textos que constituyen el núcleo de su obra dramática. Poeta, novelista, cineasta, crítico y periodista, nadie pensó en definirlo como dramaturgo, ni él se consideró como tal. Pero lo cierto es que, en sus años de formación, el teatro no estuvo ausente en su horizonte creativo. En estas seis obras se aúnan todos los temas que recorren su vida y obra de principio a fin: la lucha de clases, el comunismo, los oprimidos (no solo en lo político, sino en todos los órdenes), la amistad y la lealtad (Pílades), la homosexualidad, la relación paterno y maternofilial (Fabulación) -con el tinte psicoanalítico freudiano que aún estaba en boga en la época-, el desdoblamiento de los personajes (Pocilga y Orgía), el sueño frente a la vigilia (Calderón) -y la pregunta de cuál de los dos es más real-, la guerra, el campo de concentración y exterminio, el antisemitismo, la prostitución, el suburbio, el diferente... Por primera vez en español, se reúnen en un solo volumen las obras dramáticas de Pasolini traducidas por Amelia Pérez de Villar además, acompañan a estos textos el Manifiesto para un nuevo teatro, donde deja entrever sus nuevas teorías buscando escenarios y temas distintos de los convencionales. Este es un libro que se hacía necesario para complementar la prolífica labor de Pier Paolo Pasolini, uno de los artistas más reconocidos de su generación no solo por su valioso aporte a las artes cinematográficas europeas, sino por su fecunda obra que abordó distintos géneros.
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Estampida
Estampida es va publicar el 2008. Seguint el ritme de la fuga desesperada del canvi climàtic, la disrupció social, les nostres noves migracions massives, lluita per reimaginar un present habitable, un ara, en què podríem aguantar, cautelosos, impertinents, sempre inventius, «comptant en silenci cap a l’infinit». La veu essencial de Graham ens guia amb fluïdesa “a mesura que passem aquí ara al món proper”, quin futur tenim sorgint poderosament a través d’aquestes pàgines, on el poeta ens implora “fins a l’últim siguem humans”.La inusual xarxa d’al·lusions de la poesia de Jorie Graham uneix les tècniques del Modernisme anglosaxó i la poesia del llenguatge amb desplegaments narratius hereus del monòleg interior de James Joyce i Virginia Woolf, ha adjudicat a Graham certa reputació de poeta difícil i intel·lectual. James Longenbach diu de Graham: «Durant 30 anys, Jorie Graham s’ha ocupat de l’armatost humà en la seva totalitat [...] en lloc de limitar-se a l’estreta porció emocional reservada amb més freqüència als poemes. Com Rilke o Yeats, imagina el poeta hermètic com una figura pública, algú que aborda les qüestions filosòfiques i polítiques més urgents de l’època simplement escrivint poemes».
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El cuento que sostienes entre tus manos se presenta en forma de prosa narrativa y se dirige a niños/as de entre 4 y 6 años de edad. Se trata de una poesía que muestra siete familias de gatos que viven todos en un mismo árbol. Cada uno tiene unas pasiones, aficiones, gustos y sueños que tras la lectura llevan al niño/a a preguntarse y reflexionar acerca de los suyos. La poesía presenta un ritmo y una rima sencilla, que a oídos de la niña/o suena en forma de poesía musical, musicalidad que facilita la evocación de la rima por su parte, de una forma natural, espontánea, divertida y casi instantánea. Los protagonistas del cuento muestran valores y actitudes positivas. La identificación de la niña/o con estos personajes favorecerá el desarrollo de las mismas. Concretamente, transmiten la importancia de trabajar en equipo, apoyarse en las amigas/os a la hora de alcanzar sueños o afrontar cualquier dificultad o reto, una gran capacidad resolutiva que favorecerá que la niña/o aprenda a resolver los problemas fácilmente y de forma autónoma y que no le generen frustración sino motivación, la importancia de crear un vínculo armónico con los padres a través del juego y la diversión, así como la aceptación de las diferencias intrapersonales que favorecerá el desarrollo armónico de la personalidad. ¿Quieres aprender con este cuento lleno de ilustraciones mágicas, valores y fantasía a través de sus protagonistas: Milu, Romero, Tomillo, Berto, Rita, Las amigas Pizpiretas, La Mamá Regaliz, sus hijos Pas, Te, Le, Ros y Maya?
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«Si nunca has escuchado recitar a Mestre tu concepto sobre la poesía escénica puede tambalearse en este preciso instante. La primera vez que lo vi subir a un escenario, comprendí cuánta importancia tiene para el signo lírico la voz de un poeta». Así comienza Raquel Ramírez de Arellano el epílogo de esta antología poética de Juan Carlos Mestre compuesta por 22 poemas seleccionados por ella misma de entre su extensa obra poética. «Territorio de la emoción», afirma, lecturas que suponen esa rara avis, tan necesaria en el panorama poético del momento'' y en los que destacan temas de interés social y político como la denuncia de las desigualdades sociales o la reivindicación de una conciencia de nuestra memoria histórica y su restitución.
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Pocos meses antes del 7 de octubre de 2023, Rola Sirhán (n. 1978), crítica literaria y poeta, se preguntaba sobre las consecuencias del desmesurado peso de la lucha y la resistencia en la cultura palestina. En su opinión, imperaba una lógica intelectual caduca: la «cultura del fusil y los fedayines» había fracasado a efectos emancipatorios, los que debe perseguir toda auténtica cultura. Había llegado, según ella, el momento de preguntarse qué cultura querían los palestinos de las nuevas generaciones.La poesía escrita por mujeres ofrece algunas respuestas. Una sería cierto romanticismo desengañado, del que se saca genio y grito: «Somos las que inculcaron a la tierra / el gusto por la sangre. / Somos las culpables», dice un poema de Jumana Mustafa. Otra, la reformulación del sujeto poemático de mujer, que puede ser o una prisionera en una cárcel de Israel, como en el poema de Dareen Tatur, o una «prisionera» en Gaza, como en los de Hind Joudah. Son poetas de la situación, de la circunstancia, poetas fuertemente emplazadas. La ironía, ácida, que en algunos casos llega al sarcasmo, atraviesa buena parte de esta producción, como herramienta de sanación, o de simple supervivencia: Mona Musaddar habla de la huella dactilar que dejan unas uñas pintadas al cavar una tumba, para Asmaa Azaizeh la historia es un perro encadenado a un árbol.El genocidio de Gaza, la limpieza étnica de Cisjordania, el apartheid en Israel, el olvido de los refugiados de los campamentos del Líbano, Siria y Jordania, la diáspora cronificada, marcan el presente palestino. Los motivos para la esperanza son escasos, casi inexistentes, y aun así la poesía palestina no se detiene. Hay espacio para el poema en prosa, en verso libre, con pie métrico: las palestinas, que siempre han rehusado ser buenas víctimas, tampoco se someten a la apisonadora global de lo poéticamente predecible, la conveniencia o la moda. Ni, a pesar de las dudas sobre el sentido de escribir en tiempos de genocidio, al silencio.
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El pou dels maquis: els fets, els documents
El pou dels maquis: els fets, els documents mostra com s'articulen la novel·la i la realitat. Parteix de Valls i de la masia Cardellà, on quatre maquis feien un pou entre 1946 i 1947, i explica els diversos indrets que recorren, que encara es poden seguir actualment. Recull testimonis i descriu les fonts documentals, que situen el grup de Valls a la Brigada Jaume Girabau de l'Agrupació Guerillera de Catalunya, expliquen com van anar la caiguda dels Vuitanta de 1947 i el Consell de Guerra Sumaríssim 35.836 de 1948, que va imposar vuit penes de mort. Argumenta per què els Aliats es van desentendre de la causa, de la mateixa manera que se'n van desentendre la Unió Soviètica i el PCE i el PSUC quan encara no havien jutjat els detinguts. El fil conductor és el pare de l'autora, que va ser qui va portar els guerrillers a la masia i que quan es va fer de les JSU, el 1943, tenia quinze anys.
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El asesinato de Federico García Lorca (1898-1936) fijó la imagen de La casa de Bernarda Alba como la obra máxima de toda una dramaturgia. Con este drama en el que unos personajes y un espacio se encadenan con suprema maestría a una pasión estéril -el amor no conseguido- cuya liberación sacrificial es la muerte, el poeta granadino llegó, en efecto, a una cumbre similar a la alcanzada por las más grandes creaciones del teatro clásico y contemporáneo. Mario Hernández fija rigurosamente en la presente edición el texto de esta tragedia en la que la tiranía de unas normas sociales opresoras, encarnadas en Bernarda Alba, sofoca de forma implacable el deseo y el ansia de libertad.
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Versos de sal
Versos de sal és un poemari que neix d'una reflexió profunda i molt íntima, del dolor que ens produeix la pèrdua d'un ésser estimat, de l'absència i del buit, d'aquell espai que queda com un túnel interior, el reducte on amaguem els amors per salvar-los del no-res. En la primera part del poemari he jugat amb la sal com a element molt arrelat en la nostra cultura, utilitzat per conservar i curar. Així, jo he volgut que la paraula sigui la sal viva que preservi en els versos els absents de l'oblit i curi el dolor.
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Chuya Nakahara, personificación del poeta bohemio por antonomasia, fue un alma marcada por la muerte, la soledad y la melancolía. Pese a no gozar de reconocimiento en vida, aportó una mirada totalmente novedosa a la poesía japonesa, y sus versos, dotados de un ritmo casi musical, una frescura inédita hasta entonces.Chuya supo volcar sus sentimientos en poemas atemporales que trascienden lo individual para capturar la esencia de lo puramente humano. Profundamente conmovedora y dotada de una mágica cualidad reparadora, su poesía es un canto al ir y venir de la esperanza que ha servido de espejo y bálsamo para el alma de una infinidad de lectores.
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Si las sucesivas generaciones de lectores han seguido volviendo una y otra vez a la Odisea es porque esta historia de una errancia sin final, guiada por el imposible anhelo de una casa segura en la que fondear, es la historia de todos nosotros.Si los antiguos podían atribuir a los dioses el trágico destino de Ulises, a los modernos ya solo les cabe culparse y destruirse a sí mismos. ¿Cómo leer hoy, en un mundo sin épica, aquel poema inicial, cuyo ritmo y repeticiones obedecían a la divinidad? Solo es posible después de reconocer que aquel mundo ya no nos pertenece y que toda imitación arqueológica es inútil.Esta edición lo hace recurriendo al léxico popular y la voz poética de nuestra propia tradición castellana para devolvernos una bella versión, que rescata para el lector de hoy lo que la obra homérica tenía de Poema.
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Los ''Carmina Burana'' son no sólo la mayor colecciónde poemas y canciones latinas medievales no religiosas que se conoce, sino también la más famosa y difundida de todas ellas, en buena parte debido a la versión musical compuesta para alguna de sus piezas, como la celebérrima ''O Fortuna!'', por Carl Orff. La presente antología recoge una muestra sumamente representativa de esas composiciones, guiada por los criteriosde calidad y belleza, así como por el de su fortuna einfluencia en la literatura posterior, y dividida entres grandes grupos: «Poemas morales», «Poemas amorosos» y «Poemas lúdico-tabernarios».
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La historia de Macbeth «es viscosa y espesa como una sopa de sangre», decía Jan Kott. Tragedia extraída de las Chronicles de Holinshed, sigue reflejando el absurdo de la existencia humana, envolviéndolo en tintes sangrientos. Esta es la historia de un tipo ambicioso cuyo destino lo conduce a la traición y le impide torcer la suerte que unas groseras brujas le pronostican al comienzo de la obra. Fue escrita entre 1603 y 1606, inmediatamente después de El rey Lear y poco antes que Antonio y Cleopatra, y desde entonces la escena y el cine no han dejado de interpretarla. Luis Alberto de Cuenca ha preparado con esmero este particular homenaje a William Shakespeare (1564 - 1616), traduciendo magistralmente, verso a verso, el prodigioso texto original, en colaboración con José Fernández Bueno. Una versión que se ofrece edición bilingüe, ilustrada a color, casi con sangre, por Raúl Arias.
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ANTONIO PRAENA (Purullena, Granada, 1973) ha publicado los libros Humo verde, Poemas para mi herman a, Actos de amor, Yo he querido ser grúa muchas veces e Historia de un alma. Ha recibido, entre otros, los premios Jaime Gil de Biedma, Tiflos, José Hierro, el de laCrítica Andaluza y el Valenciano de la Crítica. Es profesor de la Facultad de Teología de Valencia, de Domuni Université y del Instituto Superior de CienciasReligiosas de Valencia. El 17 de abril de 2020 fallecía, a sus 48 años de edad, el amigo del poeta. Estelibro habla con él. Su muerte revela una resurreccióny transforma la poesía en un compromiso hacia todoslos suyos, que ahora ya son todas las criaturas. Para el poeta, vivir y agradecer son lo mismo. Y la poesía, lamanera de hacerlos lenguaje, existencia hablada. Másallá de una poética de la alteridad, este libro aúnavida y voz en un encuentro cósmico que abrazalo infinitocada vez que entregamos el corazón a un ser humano en su cotidianidad más humilde. El estilo de Cuerpos de Cristo consiste en un modo de escucharos, hablarosy ser vuestro. Abrazaros en la libertad del lenguaje,que es misterio.
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Revolcarse en la materia siempre da una perspectiva certera. Lo puramente físico y sensitivo es una garantia de veracidad a las bravas. Querer acercarte melosa al placer y que este te dé una revés es el mejor acicate para escribir poesía. Este poemario es un conglomerado ecléctico y, por momentos, surrealista. ¿No es acaso eso la vida?. Dejarse llevar por lo concupiscible y arrastrar lo conspicuo por el lodo. Dejarse el alma a jirones para llegar a algún sitio recóndito y desconocido aún. Eros y Thanatos sobrevolando por encima de las cabezas como el leimotiv imperante que embadurna todas las letras de la autora. La muerte, la enfermedad, la madre…y, al final, el amor. Amor que subyace siempre por debajo de la carcasa dura y pétrea que nos empeñamos en vestir.
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Aura Christi (Chisináu, Moldavia, 1967) es poeta, novelista, ensayista y editora. Ha publicado más de treinta libros, por los que ha recibido numerosos premios en Rumanía y en el extranjero, entre ellos, el Premio de la Academia Rumana. Algunos de sus libros de poemas son Elegías nvórdicas (2002), Jardines austeros (2010) y La órbita del dios (2016). La complejidad de la voz de Aura Christi en esta antología titulada El salón azul -una selección de sus tres primeros libros- oscila entre lo lúdico y lo clásico. La poeta utiliza con maestría diferentes estilos literarios y crea una obra poética de gran fuerza lírica y desbordante imaginación, en la que destaca el uso perfecto de los más diversos recursos estilísticos, bien pensados y colocados en el lugar adecuado. La felicidad, el diálogo con Dios, el amor, la vida y la muerte, tratados como un todo absoluto, el redescubrimiento del ser como entidad espiritual son temas universales que impregnan la poesía de Aura Christi, una poesía motivada por los valores más nobles.
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La dama del alba es un poema legendario enmarcado en un mundo de fábula entroncado en la tradición romántica. La imaginería legendaria no es más que el envoltorio de una obra que por dentro refleja una realidad: los estigmas que la tradición propinaba a la mujer por su condición social en la España de la época. Las apariencias mandan. La honra, como fue durante siglos, está en juego, la mentira sirve de alivio a todos. En la apoteosis final la mitificación por la muerte borra el pecado de adulterio y convierte al personaje en figura mágica que cuadra con el fondo de neblina fabulosa de las tierras asturianas del autor. «¿Comprendes ahora lo amargo de mi destino? Presenciar todos los dolores sin poder llorar... Tener todos los sentimientos de una mujer sin poder usar ninguno... ¡Y estar condenada a matar siempre, siempre, sin poder nunca morir!».
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Una divertida y sabia reflexión vital de una de las autoras más queridas e influyentes de Estados Unidos. Nora Ephron es un género literario en sí misma. Famosa por su mordaz ingenio, por sus acertados y cómicos análisis de la experiencia femenina y por su capacidad para detectar los absurdos de la vida moderna, es una de las escritoras y guionistas neoyorquinas más singulares e influyentes de las últimas décadas. En este libro, el último que publicó, Ephron hace un divertido repaso de su pasado, de sus mayores fracasos y alegrías, y se lamenta con humor de las vicisitudes cotidianas. Nos habla -entre otras cosas- de lo que recordamos, olvidamos o inventamos al llegar a cierta edad, de su historia de amor con el periodismo, de cómo sobrevivir a un divorcio, de su preocupante relación con la bandeja de entrada de su correo electrónico, de intimidades, pequeñas manías, recetas favoritas, fiestas desastrosas, y de muchas cuestiones que todas las mujeres se preguntan al llegar a una cierta edad pero que raramente se atreven a confesar. La autora sintetiza lo mejor de su literatura -sinceridad, humor y una sencillez deslumbrante- en No me acuerdo de nada, sin duda una de sus mejores obras. «Nora Ephron nos dejó en 2012 y, aunque lo intento, no he encontrado a nadie que la reemplace en mis lecturas con dosis similares de lucidez, inteligencia y gracia.» María Dueñas«Un libro de Nora Ephron siempre es una alegría. Aunque no nos salga con nada nuevo. No vamos a sorprender a nadie con lo buena que es Nora Ephron. Con lo buena que es también en estas piezas cortas. O sobre todo en estas piezas cortas.» Rosa Belmonte (ABC)«En esta serie de piezas reflexivas e hilarantes, Nora Ephron realiza una pirueta tras otra para demostrarnos que lo increíblemente difícil es hacer que narrar parezca sencillo.» Lucía Lijtmaer «Devoré su prosa (...) y me convertí en fan junto con mi madre, mi tía, mi abuela y cualquier mujer inteligente que puedas encontrar.» Lena Dunham«Brillante, divertida y honesta. Con una voz única, sus textos desgranan las alegrías y sinsabores de nuestros tiempos convirtiéndolos en hilarantes y conmovedoras reflexiones.» Laura Ferrero «Una reflexión bastante cómica y desinhibida sobre la peripecia de una mujer liberada y profesional en la república independiente de Nueva York.» David Trueba «Nora Ephron es la clase de persona que te gustaría que te tocara al lado en una cena.» Javier Aznar «Tan atrevida y vulnerable a la vez. No sé cómo lo hacía.» Phoebe Waller-Bridge«Podía escribir de lo que fuera: sus pechos, sus fantasías sexuales, sus ex jefes, una convención demócrata o Linda Lovelace, siempre lo hacía con una mezcla de certeza, inteligencia, humor y algo de maldad, a lo Dorothy Parker, que la hacen irresistible. (...) Ephron hizo un arte del escribir con gracia y ligereza sobre los temas más duros y profundos. Su voz sigue resonando, aunque ya no esté.» Leticia Blanco (El Mundo)«Irónica, rápida de lengua y de escritura, el espíritu irreverente de Ephron sobrevive a su muerte gracias a algunos de los momentos más chispeantes del cine y de la literatura estadounidense.» Gregorio Belinchón (El País)«Divertida, rápida, ingeniosa, inteligente y muy observadora.» Aloma Rodríguez (Letras Libres)«Se forjó una fama de escritora aguda y sarcástica, ''una Tom Wolfe con faldas'', y pronto pudo permitirse hablar de lo que realmente le interesaba como el tamaño de sus pechos, o más bien cómo el escaso tamaño de sus pechos había marcado su destino.» Eva Güimil (Icon, El País)«Entre Woody Allen y Tom Wolfe.» Francisco Umbral «Si quieres regar con humor las pérdidas de memoria y los fracasos, no saber nada más de las Kardashian, conocer una historia de amor tan fascinante como grotesca, llevarte una receta de pudin o conocer las seis fases del correo electrónico, lee a Nora Ephron. (...) La vas a recordar.» Ana Abelenda (La Voz de Galicia) «Vivir es ir alejándote de la vida poco a poco, y la escritura apenas es una pequeña rebelión contra el olvido: a la historia le sobran testigos, pero a ti te faltan. Ephron lo describe con dolorosa lucidez.» Bruno Pardo (ABC) «No me acuerdo de nada'' ayuda a conocer la dimensión literaria y periodística de Ephron. Da mucha envidia constatar hasta qué punto domina el género de la columna aparentemente intranscendente pero cargada de sabiduría de proximidad, de un sarcasmo reconfortante y de una capacidad de observación mil veces imitada.» Sergi Pàmies (La Vanguardia) «La llegada de un nuevo título de Nora Ephron a las librerías españolas puede no pareceros el gran acontecimiento literario que me parece a mí, pero creedme que lo es.» Laura Barrachina (RNE) «Una de las cronistas más ingeniosas del periodismo de todos los tiempos, dotada con una gran capacidad para detectar y analizar los aspectos más absurdos de la vida. (...) Escribía maravillosamente bien.» Luis M. Alonso (La Nueva España) «Nora Ephron me ha ayudado a sentirme mejor conmigo mismo, me ha devuelto la confianza perdida gracias a este libro de destellos personales, sin autocompasión, con el auténtico humor que empieza por reírse de uno mismo. (...) No se lo pierdan porque dentro de él hay hallazgos soberbios.» Miguel Munárriz (El Periódico) «Nora Ephron, la escritora y cineasta que se enteró de todo y lo contó mejor que nadie.» Carmen López (El Periódico de España) «Cada palabra de Nora Ephron vale su peso oro, pulida a mano y lentamente, escogida como aguja en el pajar. (...) Nora Ephron repasa su vida, y todos sus asuntos, en No me acuerdo de nada. En ese olvido lo recuerda todo, con la elegancia de una narración tan esencial que se ríe de todo, de todos y, sobre todo, de ella misma.» Laura Revuelta (ABC Cultural) «He descubierto a una escritora dulce pero divertida, ácida pero compasiva, sarcástica y tierna. Nora Ephron se ríe de sí misma y de la inevitable amargura que llega con la vejez, la pérdida de las cosas que siempre nos habían acompañado y que dábamos por sentadas.» Lourdes Garzón (Mujer Hoy) «Ephron es siempre una humorista. Una que primero explica sus vulnerabilidades y luego se ríe de ellas.» Ramón González Férriz (El Confidencial) «Un libro nuevo de Nora Ephron en español es noticia. (...) Hay pocas articulistas que hayan creado una escuela más poderosa. Nora Ephron parece imitable, que es muy fácil lo que hace, pero en realidad requiere de un talento fuera de lo común.» Sergio del Molino (La Cultureta - Onda Cero) «En estas historias, Ephron, como los personajes en sus guiones, no para de hablar y el resultado no es estrictamente literario: lo que hay detrás de esa mezcla magnética de confidencia y superficialidad es vida.» Carmen de Pascual (La Lectura - El Mundo) «Por mucho que su título se empeñe en lo contrario, será un libro difícil de olvidar.» Andrea G. Bermejo «El secreto de esta neoyorquina es que cuando la leemos nos sentimos reconocidas y por lo tanto, aliviadas, consoladas. El ingenio de Nora aligera las cargas cotidianas.» Bárbara Ruiz (El Correo de Zamora)
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'Autobiografia d''Alice B. Toklas'
El 1933 Gertrude Stein publica l’,Autobiografia d'Alice B. Toklas. En aquesta obra, amb la qual aconsegueix l’,èxit comercial i el reconeixementdel públic que buscava, utilitza un recurs literari per escriure la seva pròpia autobiografia valent-se dela veu d’,Alice B. Toklas (San Francisco, 1877- París, 1967), la seva companya des de feia vint-i-cinc anys. Com diu Assumpta Camps, amb aquest recurs“,obté la distància necessària per no haver d’,expressar, en tant que ‘,jo’, que escriu de si mateix, la seva subjectivitat i intimitat personal”,. Així, a través de l’,Alice, l’,autora porta al lector a la casa queles dones van compartir a París entre 1903 i 1933, iper on desfilaven les figures que van definir la cultura de principis del segle XX: dinant amb Picasso, sopant amb Hemingway, parlant de barrets amb Marcelle Braque... Entre anècdotes, divertides o tràgiques, Gertrude Stein fa possible un llibre excepcional que esdevé l’,evocació magistral de tot un món i de tota una època.
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Cremaven
Cremaven és un exercici de reducció poètica al voltant de la potència i la impotència d’un llenguatge que en algun moment va avivar les fogueres de la tribu. Entre la paraula sola, veu i grafia, i la paraula inflamada de l’amant, cos i significat, hi viu la paraula oberta del poeta, que prova d’il·luminar només un instant. Del delit i el poder d’aquesta ofrena escrita, en surten versos ressonants que destapen tot allò que esmorteeix la vida.
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J. Santatecla ha sabido coaligar sus dos pasiones: poesía y cine, cine y poesía, con una riqueza léxica tan infrecuente como llamativa. La rotundidad de las metáforas nos permite visualizar el poema como una película, desdibujando los límites entre verso y plano en un juego novedoso y eficaz para meternos en la escena. El año de la grava es un viaje en busca de la propia identidad, una voz singular de la que reconocemos ecos de Niño mudo, aunque representa una “metamorfosis” en la que su “yo poético” muda la piel y se renueva.
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El curso de escritura creativa que Brandon Sanderson lleva casi dos décadas impartiendo en la universidad, por primera vez en formato libro. Curso de escritura creativa convierte en libro las clases que Brandon Sanderson lleva 16 años impartiendo anualmente en la Universidad Brigham Young, donde estudió. Él mismo dice que nunca ha dejado de darlas porque es un recurso que necesita para seguir creciendo como escritor. El curso se centra en los engranajes de la escritura y tiene un enfoque muy práctico, en él nos habla de la trama, la ambientación y los personajes, pero también de la parte empresarial. Sin embargo, no hace falta querer ser un escritor profesional para leer este libro. Su objetivo es ayudar a cualquier lector a comunicarse mejor y crear buenos hábitos para escribir de forma consistente, con los valiosos consejos de uno de los mayores creadores de nuestro siglo. «Os animo a que utilicéis este curso del modo que más os ayude a lograr vuestros objetivos.» Brandon Sanderson
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La imaginación sufre en nuestra época diversos hostigamientos, a los que no son ajenos la literatura y el arte. Valores comerciales ya presentes en el momento de la escritura y no sólo en el de difusión –,su lugar lógico–,, inclinan la balanza novelística hacia una estética muy próxima al “,basado en hechos reales”, de los telefilmes. Algo que no tendría nada de malo si ese déficit imaginativo, índice de un extraño retorno a la mímesis clásica, se compensase con una rica imaginación técnica y con talento al exponer ese crudo, incluso morboso, hiperrealismo. Mediante la distinción de “,gradientes”, literarios de realidad, este ensayo explica cómo el peso de lo real puede acabar lastrando las obras prosísticas hasta hundirlas. Tendencias de moda como las narrativas de “,no-ficción”, la memoria confesional o traumática, la crónica y cierta autoficción son examinados desde una teoría literaria que defiende la necesidad de comparar, que valora la excelencia en un tiempo aún posmoderno de infinita relatividad, y que detecta los modos en que los criterios comerciales devienen preceptores literarios, haciendo funcionar al mercado como crítico y rebajando la intensidad artística que siempre ha caracterizado a la mejor literatura. Vicente Luis Mora (Córdoba, España, 1970) es Doctor en Literatura española contemporánea y Licenciado en Derecho. Ha sido profesor de Literatura española en EADE (Málaga) y profesor invitado en las Universidades de Brown (Estados Unidos) y Estocolmo (Suecia). Entre sus ensayos y monografías se cuentan El sujeto boscoso. Tipologías subjetivas de la poesía española contemporánea entre el espejo y la notredad (Iberoamericana Vervuert, 2016, I Premio Internacional de Investigación Literaria “,Ángel González”,), El lectoespectador. Deslizamientos textovisuales entre literatura e imagen (Seix Barral, 2012), La literatura egódica. El sujeto narrativo a través del espejo (Universidad de Valladolid, 2013), Singularidades. Ética y poética de la literatura española actual (Bartleby, 2006), La luz nueva. Singularidades de la narrativa española actual (Berenice, 2007), y Pasadizos. Espacios simbólicos entre arte y literatura (Páginas de Espuma, 2008, I Premio Málaga de Ensayo). También editó la antología La cuarta persona del plural. Antología de poesía española contemporánea (1978-2015) (Vaso Roto, 2016), que va por su segunda edición. Ha publicado las novelas Fred Cabeza de Vaca (Sexto Piso, 2017, XXVIII Premio Torrente Ballester de Narrativa), Alba Cromm (Seix Barral, 2010), el libro de relatos Subterráneos (DVD, 2006), la obra en marcha Circular (Plurabelle, 2003, Berenice, 2007), y los libros de poemas Mester de cibervía (Pre-Textos, 2000, Premio Arcipreste de Hita), Nova (Pre-Textos, 2003), Construcción (Pre-Textos, 2005), Tiempo (Pre-Textos, 2009) y Serie (Pre-Textos, 2015). Realiza crítica cultural en su blog Diario de lecturas (http://vicenteluismora.blogspot.com).
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Confessions D'un Artista De Merda
Encara que Philip K. Dick és un dels referents de laciència-ficció, «Confessions d’un artista de merda» és una de les seves poques novel·les de literatura realista (i l’única que va publicar en vida) que ell mateix considerava com la seva millor obra. Ambientada ala Califòrnia dels anys 50, el protagonista és JackIsidore, un tipus ingenu, incapaç de diferenciar la realitat de la fantasia i que observa a la societat des de fora. En situar-ho geogràficament en un poble anomenat Seville, Dick fa un paral·lelisme entre aquestpersonatge i Isidoro de Sevilla, un arquebisbe que va escriure una enciclopèdia de tan sols 35 pàgines.
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Formas de la rebeldía en la literatura hispánica recopila los trabajos académicos de un grupo de jóvenes investigadores nacionales e internacionales. Los estudios aquí reunidos atienden a uno de los principales motores de cambio en la tradición literaria: la insubordinación frente al statu quo, bien en un sentido social o político, o bien puramente retórico. Temas, ideas, estéticas, sátiras y biografías se van alternandopara componer un mosaico heterogéneo de las diversasestrategias disidentes que las letras españolas e hispanoamericanas han ido ensayando a través de los siglos. Los textos compilados siguen un orden cronológico y una selección temática. A los autores y autoras estudiados los separan el tiempo, la geografía, las poéticas y la política. Pero los autores de estos textos mantienen, al parecer, la creencia de que nuestra riqueza artística reside en nuestra diversidad, tal como ellos la conciben, a este y al otro lado del Atlántico.
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Un llum que crema
Premio Carles Riba 2022Llavina al cent per cent, un observador nat.Va ser, secret, un rusc vermell: magranasupervivent del darrer esplet. Avui,en canvi, és el cadàver d’una fruita:per dins, conserva un gruix de grans desfets,negrós, velat de podridura blanca.I, com la sang que es va escorrent del xaipenjat, se n’ha escolat el suc vinósfins a l’última gota. Fosca, ingràvida,la carcassa —unes bastes castanyoles—branda agafada al branquilló espinós,deixada de la mà de déu del vent.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.