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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Tanto si eres perro como si eres gato, ratón o loro, adulto o niño, este libro te divertirá con su poesía tierna y sencilla, llena de humor, de amor y de muchas cosas más.
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Un volumen que reúne una deliciosa selección de las mejores poesías y los más conocidos romances españoles, acompañados de unas bellísimas ilustraciones que harán de su lectura un placer inolvidable.
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Tomás Segovia nació en Valencia en 1927. Su poesía completa hasta 1976 fue recopilada y publicada en México. La producción poética de 1976 a 2000 quedó recogida en los volúmenes editados por Pre-Textos: Partición (1976-1982) (1983), Lapso (1986), Orden del día (1988), Noticia natural (1992), Fiel imagen (1995), Misma juventud (2000). En Galaxia Gutenberg apareció una antología poética del autor con el título En los ojos del día. En 2003, 2005, 2007 y 2008 vieron la luz en Pre-Textos sus cuatro siguientes entregas poéticas: Salir con vida, Día tras día, Llegar y Siempre todavía, respectivamente. Fue incluido en la antología El 50 del 50 (seis poetas de la generación del medio siglo), de Vicente Gallego (Pre-Textos, 2006). Ha traducido para esta editorial los Poemas franceses de R. M. Rilke y Estancias y El lenguaje y la muerte de Giorgio Agamben. Tomás Segovia fue premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo en su segunda convocatoria, premio Juan Rulfo del año 2005 y premio Federico García Lorca en 2008. Su obra narrativa: Primavera muda, Trizadero (Premio Magda Donato), Otro invierno (Pre-Textos, 2001) y Personajes mirando una nube ha sido reunida con el título de Personario en un volumen aparecido en México.
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Sobre tu pecho de sauco es un poemario que se modela y nace en las cumbres y barrancos de la Alpujarra granadina, observando la bella y solitaria genciana brotar, sobre encharcados borreguiles. Donde de la mano de él, de su amor, que no la suelta y anticipa su caída, Martha recorre y ahonda este agreste e indomable paisaje, y donde se recorren y ahondan ellos mismos durante largas y a veces exhaustas caminatas, cuando surgen profundas conversaciones y profundos silencios también. Y es aquí, donde la melancolía y la tristeza por un único hijo que se hace mayor y se va de casa, y una madre que pierde paulatinamente los recuerdos, se van transformando, transformando como óleo sobre lienzo, hasta su total aceptación. Es en estas cumbres, en el vacío que llenan sus precipicios, en sus valles y acequias, cuando sus versos cogen impulso y se precipitan, donde al fin le brotan poderosas alas. Y cuando cada noche, con dulces florecillas de sauco, él fabrica un nido sobre su pecho, donde ella se refugia y sueña.
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En ''La piel de toro'' (1960), un libro icónico para la literatura en lengua catalana, Salvador Espriu se propuso demostrar que no era cierta la tesis de Ortega de que España solo podía pensarse desde el prisma de Castilla. Con él, el poeta quiso expresar ''un modo más generoso y abierto'' de entenderla, uno que se pusiera en marcha desde sus periferias geográficas e históricas y que contribuyese a la regeneración de una reflexión pública que la dictadura había hecho todo lo posible por cortar de cuajo. En este sentido, la trascendencia de algunos de sus poemas da muestra de la gran resonancia que tuvo entre sus numerosos lectores, que hoy siguen encontrando en ellos un llamado al diálogo y una defensa de la libertad.
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Ulls alçats
Raquel Pena, Enric Casasses, Gemma Casamajó Solé, Mireia Calafell. Josep Pedrals, Greta Sibling, Míriam Cano, Xavier Mas Craviotto, Anna Carreras Aubets, Ferriol Macip, Marta Gispert, Ignasi Sabater, Alba Vilallonga, Esteve Plantada i Estel Solé. Quinze poetes que comparteixen la febre castellera. Quinze poemes per celebrar un amor comú. I un llibre per commemorar que fa quinze anys que els castells són Patrimoni Immaterial de la Humanitat. ''Ulls alçats'' és un llibre que recull quinze veus literàries del nostre país que han volgut pensar els castells des de la paraula, des de la imatge, des del símbol. És un homenatge i una celebració, un exercici col·lectiu de mirada alçada cap a allò que ens uneix, que ens emociona, que ens sosté. I potser també una invitació a seguir alçant els ulls, una vegada i una altra, cap a aquest espai compartit on la cultura, com els castells, es construeix des de baix i s'enfila cap al cel.
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Espere a ser atendido reúne catorce historias de sabor agridulce donde la ternura y el humor son el salvavidas de personajes que transitan la adolescencia o la madurez buscando desesperadamente su lugar: en el barrio, en la inmensidad de la ciudad, en el corazón de otros. Son almas que no terminan de encajar y que, en un punto de inflexión, se atreven a imaginar un cambio. A veces, una simple cámara de fotos o un plato de albóndigas actúan como catalizadores, otras, es un evento como una subasta, la espera en una cola o un beso lo que lo precipita todo. Que ese anhelado giro se complete o no es secundario, lo importante es que, desde ese momento, nada vuelve a ser igual. Resulta inevitable sentirse reflejado en estas narraciones, empatizar con sus protagonistas y acompañarlos en un viaje que puede ser una road movie manchega, una incursión a los patios traseros de la juventud, una lección sobre el desamor, un grito contra la injusticia social o una celebración de la vida y la muerte. Te podrán gustar, quizás incomodar, pero una cosa es cierta: no te dejarán indiferente.
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En Una ópera sin coros la autora entrelaza sus dos grandes pasiones: la música y la poesía. A través de versos íntimos y reflexivos, aborda sin reservas la distopía de la sociedad actual y cómo el paso del tiempo transforma las vidas de una generación a otra. La estructura del libro emula los actos de una ópera del siglo XIX: no hay títulos convencionales, sino recitativos, arias y coros que dan voz a emociones universales. Inspirada en las obras clásicas, Natalia demuestra que el dolor, el amor, la pérdida o la esperanza son sentimientos que perduran, independientemente de la época. Esta obra invita a ser leída con una banda sonora personal: escuchar tus piezas favoritas mientras la lees puede convertir la experiencia en una catarsis, como si tú fueras la soprano de tu vida o el tenor de tus pensamientos.
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Todas las personas que fui es una exploración honesta y poderosa de las múltiples identidades que construimos y dejamos atrás. A través de una voz poética y afilada, la autora, Agostina Ferroni, recorre las etapas de una vida marcada por el amor, la pérdida, el deseo y la transformación. Cada poema revela una verdad que no se puede esquivar. Desde la niña que no temía hasta la mujer que resignifica su historia, este libro traza un mapa emocional de lo que fuimos y lo que aún podemos llegar a ser. Con una escritura que interpela y conmueve, Todas las personas que fui no solo cierra heridas: las nombra, las libera y las convierte en fuerza. Es un testimonio íntimo que, al terminar sus páginas, continúa resonando en el lector como un espejo de su propia búsqueda.
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¿Has vivido alguna vez ese amor que te deja sin aliento? Sí, ese que te inunda y cuando llega nunca se marcha del todo… Ese que te hace recordar cada detalle vivido sea cuando sea, estés donde estés, y te asalta de manera repentina en cualquier lugar.El tiempo sin nosotros habla de esos amores que son y siguen siendo a través del tiempo y la distancia. Esos que nunca se olvidan y viven en ti para siempre. Esos que te marcan de tal manera que vivir sin ellos no es una opción.A través del «Recuerdo», el «Reencuentro» y el «Requebramiento» te adentrarás en lo más profundo de una historia de amor única, mágica, interminable… Una atracción más allá de lo físico, una conexión más allá de la presencia, una unión que no deja de buscar su momento… ¿Lo encontrará?
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Este Manual para viudas recientes, no es un manual, trasciende esa etiqueta y no es solo para viudas recientes. Son poemas sobre el duelo, el dolor, el miedo y lo que cuesta seguir cuando alguien a quien amas muere. Son notas, apuntes de un duelo, que intentan explicar ciertas cosas que resultan complicadas de entender cuando no has estado en ese lugar oscuro y solitario que es un duelo. Si acaso fuera una guía, quizás lo sería para acompañar, para tratar de entender, para ayudar a transitar esos días. Pero no es un manual convencional, nunca pretendió serlo, solo son poemas que espero expliquen un poco lo complicado que es un duelo.
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Manual per a ociosos i bruixes de dol
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Labirintoan galduta dabiltzan pertsonaia ugari biltzen dituzte poemok. Minik gabe bizitzeko nahia. Bizipenak geureganatzeko eta argazki bihurtzeko egindako ahalegin antzuak. Norberaren «errelatoa», eta kolektiboa. Kontakizun bateratuaren porrota. Norberaren porrota. Artea eta sinesmenak helduleku gisa. Eguneroko bortitzaren hamaika aurpegi.
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La poeta incita a mirar lo que nos rodea con la pausa que necesita la vida, para darles forma a nuestros sueños y nuestra libertad.El miedo es una emoción universal que nace del instinto más profundo de supervivencia, una alarma interior que nos advierte del peligro y nos hace pensar, reflexionar antes de saltar al vacío. En ese espacio cuarteado al que nos aferramos cuando sentimos el vértigo es donde arraigan estos poemas de Rocío Rojas-Marcos. La primera parte de Miedo, que da su título al libro, está formada por cuatro secciones donde la palabra desbordada fluye como la corriente torrencial de un río. Son poemas en los que, mirándose desde la distancia, la voz poética se aleja de los miedos que necesita conjurar, hasta llegar al último de ellos donde salta como si se defendiese ante un espejo de sí misma. La segunda parte, ''Gaman'', palabra japonesa que nombra la capacidad de soportar las dificultades sin mostrar debilidad, está formada por treinta haikus escritos al mismo tiempo que los poemas, a modo de breves resúmenes y destilación final de todas las palabras antes dichas.
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La obra de un poeta imprescindible, reunida en un solo volumen.«Poéticamente atesora una austeridad y una sobriedad que entroncan más con la poesía inglesa que con la latina, pero que se ocupan de un tema tan propio de la modernidad como el de la soledad: el hombre frente a sí mismo, el hombre en su cuarto, en su jardín, el hombre a solas con sus recuerdos, con su infancia perdida.» Octavio Paz«Frente a los poetas prosaicos hoy convertidos en poetas oficiales, es realmente reconfortante volver a la mejor tradición lírica.» J.A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia«El resultado es una poesía a la que no dejamos de volver porque es hospitalaria y se deja habitar, una poesía que nos habla en tono de confidencia de eso que pasa ante nosotros y a menudo no percibimos, real como la vida misma.» Jordi Doce, El Mundo «A Álvaro Valverde le ha gustado siempre la imagen de las aguas cristalinas de las gargantas de la sierra, cuya transparencia engaña al brazo que pretende alcanzar los guijarros del fondo. [...] Porque entiende que así debe ser su poesía: profunda y transparente, sencilla, pero honda, tan ajena al ''torpe asedio, el fingido gesto, / la erudición sabida'' como a los ''teóricos, abstrusos'' y puntillosos comentarios que contaminan la ''dulce ignorancia'' del lector, del usuario, la suma, en fin, de la expresión diáfana con el contenido profundo y perdurable de la meditación y la memoria.» Así comienza el epílogo que Gonzalo Hidalgo Bayal ha escrito para esta edición que comprende cuarenta años de escritura poética. Ajeno a las banderías de su generación, la de los años ochenta o de la Democracia, «sin ruido, con discreción que lo aleja de la feria de las vanidades, Álvaro Valverde ha ido creando su literatura», afirma F.J. Irazoki. El lector puede disfrutar ahora de los textos que componen sus libros sucesivos, ya publicados, y los poemas de uno inédito, Geografías del jardín. Su voz singular, meditativa y melancólica, confirma a Valverde, según Fernando Aramburu, «como uno de los nombres mayores de la poesía actual española».
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Una carta abierta a la vida escrita con el alma en carne viva. Un recorrido íntimo por sentimientos y emociones: el amor, la pérdida, la identidad, la lucha contra la enfermedad, la justicia, la igualdad, la literatura y el arte como salvavidas. Una historia hecha espejo en el que verse reflejado, encontrarse, entenderse y ojalá sanarse. Una invitación a caminar por los rincones más frágiles y luminosos de la existencia de cualquier humano. Un trozo de vida. Una lección de amor propio. Una revolución escrita a versos.
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Poesía catalana del segle XX, La
La poesia és un gènere antiquíssim i contínuament renovellat, que manté la seua vigència en el segle XXI, malgrat tots els canvis tecnològics, com a estímul de la imaginació i de la introspecció reflexiva. Correspon, a més, a la producció més vigorosa i brillant de la literatura catalana contemporània. Sovint, però, el lector de poesia demana claus interpretatives i contextualitzacions adequades que ajuden a inserir els poemaris llegits en el flux de la història de la nostra cultura.
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El poemario NAUFRAGIOS, nos lleva por medio de esta metáfora, al fondo de nuestros sentimientos y nuestro modelo de vida ante ellos. ¿Cómo nos afectan nuestros frecuentes des-encuentros sentimentales? ¿cómo afrontamos las soluciones que nos impone la sociedad? ¿con qué recursos y qué consumimos para intentar salir de nuestros ''Naufragios? ¿Jugamos a frivolizar la vida sustituyendo así la falta de sentido en ella o es lo mejor que encontramos en la sociedad actual? Mediante una poesía directa y cotidiana, se mezcla todo ese bucle, sin fácil salida, con poemas sobre nuestras pérdidas, con cierto romanticismo y un halo de esperanza.
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Una de las obras más populares del dramaturgo inglés. La mejor de sus comedias románticas.Esta obra pertenece a las llamadas comedias románticas o de amor de Shakespeare, en las que las parejas protagonistas vencen, en su camino hacia el matrimonio, una serie de escollos. En El sueño de una noche de verano, la más singular y popular, conviven y se armonizan la realidad y la fantasía en una mezcla de tradiciones que Shakespeare reinventa y transforma para crear un mundo de ensueño, lúdico y muy rico en posibilidades escénicas.
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Mi sombra es mujer reúne, por primera vez en español, una selección de la poesía de Halina Poswiatowska, una de las poetas más leídas en Polonia, aunque casi desconocida en España. A Poswiatowska se la considera en su país la poeta del amor y la muerte, temas centrales de su obra, debido a su enfermedad de corazón, que la acompañó desde la infancia y provocó su muerte prematura a los treinta y dos años.Los poemas recogidos en esta antología profundizan en los límites del cuerpo y del lenguaje, en la soledad y el deseo, mostrándonos a una poeta de una asombrosa capacidad para la introspección y la observación de la realidad que la rodea desde una posición profundamente feminista.
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Obscenitats i tendreses
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La sensibilidad es una forma de rebeldía. Porque vivir con el corazón abierto aún es posible. Textos que atraviesan lo cotidiano con belleza y verdad. ¿Qué hacer con un corazón que lo siente todo? Karmele Jaio se plantea esta pregunta en los textos que componen Corazón de piedra, escritos desde un lugar íntimo y atento, y con la mirada puesta en los pliegues de lo cotidiano. A lo largo de estos breves relatos —emocionales, luminosos, a veces dolorosos y siempre lúcidos— la autora nos invita a detenernos, a mirar con más calma lo que nos rodea: la herida, la belleza, la injusticia, la amistad, la vejez, el tiempo. Sus palabras nos interpelan porque nacen de lo vivido, de lo que se ve en los demás y en una misma. Y porque nos recuerdan que la vida no es una suma de grandes momentos, sino una larga conversación con quienes somos y con quienes nos rodean. Corazón de piedra es el mapa vital de quien no se conforma con endurecerse ante la intemperie. Un libro que nos invita a permanecer vulnerables y permeables. A seguir sintiendo. A seguir viviendo con el corazón abierto.
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He aquí un poemario con un tono confesional muy marcado («Lo que sigue es mi vida como hombre, / pudo haber sido otra», leemos en los primeros versos) y una intensidad poética que brilla aún más por la variedad de materiales que conjuga: «hay amor, relaciones conyugales, padres e hijos, / atentados terroristas, pintadas, el cansino debate sobre / realidad y ficción, una actriz porno de reconocido / prestigio, amenazas imaginarias, viajes sin desplazamiento, / pantallas, sopa caliente, insomnio, hostelería, energía / fotovoltaica y algunos asuntos más hasta superar los / quinientos versos».
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Esta antología reúne tres generaciones de poetas catalanas que reflejan la vitalidad de nuestra tradición literaria. Incluye voces consolidadas y emergentes como Antònia Vicens, Marta Pessarrodona, Margarita Ballester, Teresa Pascual, Vinyet Panyella, Cèlia Sànchez-Mústich, Dolors Miquel, Susanna Rafart, Maria Josep Escrivà, Gemma Gorga, Àngels Marzo, Mireia Calafell, Maria Callís, Blanca Llum Vidal, Anna Gual, Maria Sevilla y Raquel Santanera. Todas ellas conforman un retrato coral de la poesía catalana contemporánea: una tradición viva, diversa y en permanente diálogo con el mundo.
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Hilerokoaren odol jarioak irregularrak izaten hasi zirenean ekin nion, gutxi gorabehera, sormen egitasmo hau zirriborratzeari, zeina olerkietan gorpuztu den. Poesia, artea eta ideologia baliatu ditut menopausiaren urte hauetan zehar piztu zaizkidan kezka, obsesio, oroitzapen eta ilusioen arteko elkarrizketa sortzeko. Lau zatitan banatu dut liburua: Sinplifikatzen, Itxialdia, Badakit eta Bizitza inauteria da. Olerki bat edo beste, Hatsa aldizkarirako idatziak dira propio. Badakit ataleko sortak Lauaxeta Okerki Saria jaso zuen, 2023ko abenduan. Gainerakoek estreinakoz ikusiko dute argia. (Maite Toledo Saralegi)
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Cuentos de grandes autores (Chéjov, Baroja, Cortázar, Allende) en los que los protagonistas son niños o adolescentes.Los protagonistas de esta antología son tan jóvenes que ninguno de ellos ha cumplido los dieciocho años. A pesar de su juventud, han vivido ya lo suficiente para empezar a intuir qué es la vida: es amor y es desengaño, es imaginación y aburrimiento, futuro y pasado. Es vida y también muerte. Este libro recoge la esencia de lo que supone ser niño, crecer y hacerse mayor. Mercedes Chozas ha reunido en esta selección cuentos de los mejores narradores contemporáneos, desde Julio Cortázar y Alberto Moravia hasta Pío Baroja y Anton Chéjov, que retratan la aventura de los juegos, el primer enamoramiento, la curiosidad por conocer el mundo, la astucia y las mentiras, la admiración inocente y la fantasía desbordante de la infancia. En estas páginas, el lector adulto encontrará el recuerdo de lo que fue ser un niño y el joven descubrirá a personajes que, como él, están aprendiendo a vivir.
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Escrito en prisión y publicado póstumanente en Buenos Aires, ''Cancionero y romancero de ausencias'', el último poemario de Miguel Hernández que la muerte le impidió acabar, supone la madurez literaria de este autor de la Generación del 36, ligado estrechamente a la del 27. Con la concisión y la lírica propias del cancionero, reivindica la esperanza en unos momentos trágicos impuestos por la desolación de la Guerra Civil. Sin olvidar su difícil situación, privado de libertad y enfermo, deposita la confianza del futuro en la inocencia de la infancia y el amor, que identifica con su hijo, al que dedica uno de los poemas más populares del libro, «Nanas de la cebolla». Luis Alberto de Cuenca ha fijado esta obra fundamental de la poesía española, cotejando la primera con las últimas ediciones, para esta ilustrada por Toño Benavides.
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La ausencia del amor, más que el amor mismo, es el tema principal de estos poemas contados al oído, como un susurro, pero que se transforman en un discurso constante e intencionado, donde también fluye lo cotidiano con musicalidad.Las composiciones provienen de una mujer que mira de frente a la vida y que llama a las cosas por su nombre. No tiene miedo porque la experiencia le revela el camino para afrontar las situaciones con alegría, con brío y a veces incluso con desdén.La autora nos sugiere la idea de que hay un tiempo y un espacio para la armonía y que esa dicha se puede alcanzar a través del ritmo y la cadencia que forman las palabras. Hay intención de ir más allá del sufrimiento, del ansia de atesorar las cosas, es más bien una sensación de querer observar antes que de poseer.También el desamor y el desengaño atraviesan los versos de Poemas desencadenados, pero la memoria recurre al abandono y al retorno como fuerzas que dominan la escena, de esta forma se expresa la autora con dulzura en versos llenos de emoción y verdad.
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El autor no se ha dejado seducir por la publicidad de la prosa, sino que la ha tomado como herramienta para irse hacia dentro, hacia las profundidades del trabajo poético, de la oscuridad psíquica, del misterio mismo de la escritura. Y, en ese movimiento, logra una exploración de la forma, no un simple conglomerado de notas: entre idas y venidas, precisiones, añadidos, apuntes que remiten a otros o los corrigen.
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En Hermano pulpo, Miguel Martínez despliega un inventario poético que viaja desde las profundidades marinas hasta los confines de la memoria personal. Entre cefalópodos melancólicos, pepinos de mar estoicos y aves efímeras, el libro traza un mapa de lo humano a través de sus criaturas, reales e imaginarias. En este viaje, divertidísimo y juguetón pero también hondo, casi abisal, el autor observa con humor, ironía y ternura la fragilidad del cuerpo, la herencia familiar, el paso del tiempo y la absurda belleza de existir. Su verdadera temática es la curiosidad constante y agradecida ante el mundo: nada le es ajeno, ni lo humano, ni lo animal, vegetal o mineral, ni siquiera la nada misma. Cada poema es una ventana donde la ciencia y la emoción dialogan, y donde, incluso frente a la certeza de la muerte, persiste el deseo de celebrar, preguntar y abrazar.
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Estamos ante uno de los cancioneros más conmovedores de la literatura catalana contemporánea. Pepe Sales arrolla a los lectores con su fuerza lírica y su canallería fabricada ennla cárcel, los antros… bajo el impulso constante del huidor. Su música es capaz de abrirse paso a martillazos a través de un contexto social represivo imposibilitando cualquier acallamiento. Una voz que florece en la periferia compartiendo su vitalismo contagioso capaz de convertir el deseo en una política, el sarcasmo en una fiesta. Víctor Obiols encuentra en su poesía un «nihilismo lúcido, rabia ceñida a un verso, intransferible visión sobre el país que le ha tocado vivir, ironía contra las tinieblas, remanso en la melancolía o en el tedio. Canciones llenas de cosas suyas, «trozos de vida». De amor y droga, como las quiso bautizar». Adentrarnos en este libro es también hacer un ejercicio de memoria, evitando la pérdida de las vidas efímeras o, al menos, postergando un conocimiento frágil de mundo. También es un viaje de conexiones entre lenguas vecinas, de vidas abriéndose paso a través de la palabra, antes de que los gestos sean posibles. Pepe Sales es culpable. ¿Qué decir? Sus versos están atravesados por la música, la droga, la represión franquista, la disidencia sexual. Culpable de obscenidad, grito inyectado en vena, cítara cantarina, luz de verborrea. En su poesía está tatuado el talego y su jerga. El dolor rezuma entre frases que parecen susurradas: «Bello peregrino / ¿quieres hacerlo conmigo? / Bello peregrino, /quédate por aquí». El artista nos dispara una compleja política que hace uso de todas las cadenas que prometen una liberación, pero que subyugan. En él reconoceremos todas estas cosas, inundadas por un cruel optimismo, una asombrosa ternura.
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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Els poemes de Collins ens revelen allò que tenen d'extraordinari els petits moments banals i quotidians. Al llarg del llibre acompanyem el poeta a passejar un gos d'edat impossible, a prendre un te tot divagant sobre les màximes confucianes, a fer la llista de la compra amb la llista dels amics morts, a descobrir una aranya irlandesa o fins i tot a assistir al seu propi funeral. Com ja ens té acostumats, totes les epifanies i reflexions són plenes d'humor, enginy i saviesa i travessades d'una profunda consciència de la fugacitat i de la inevitable finitud de la vida.
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Pocas voces han logrado en el panorama actual una expresión tan radical de la deconstrucción poética como lo ha hecho Rodrigo García Marina. Estamos ante su obra más depurada y limpia hasta el momento. Quizá –por ello– la más sucia y filosóficamente cruel. Desear la casa es una profunda crítica a la ontología de la tradición heteropatriarcal y judeocristiana. A todos los valores que han sostenido la farsa de una democracia capitalista basada en su falaz «estado del bienestar». Rodrigo García Marina repliega el plano de cada página como un virtuoso de la papiroflexia semiótica para hacer de cada concepto una cosa nueva, con un significado nuevo, desplomando el peso de la semántica y del propio lenguaje. Con cada poema va perfilando un desconcertante sentido de desamparo, orfandad y extranjería donde el deseo se convierte en una categoría de sentido. Este deseo no es ni una pulsión consumista ni una «nostalgia de absoluto» en los términos de George Steiner. Es una escritura. Todo empieza con un asesinato: «Yo lo asesiné. En carne viva hice quemar el yeso. Escupí en su boca todos los insultos. Era un hijo de la gran puta. Un animal desquiciado. Era la sangre de mi sangre. Mi marido deshecho. Mi madre recién parida con su tripa de cerda degollada. Su herida olía a naranjo...». Rodrigo García Marina viene a decirnos con la lírica de un nuevo Zaratustra: «¡El yo ha muerto!». Cuál será ahora nuestra casa?
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Los poemas de ''Brindis y desesperación'' ofrecen una visión diferente sobre lo cotidiano, desde las dos caras opuestas de la vida.La poesía de Miguel Sande explora ese mundo agridulce que nos ofrece el día a día, todo lo que la cotidianidad promete de extraordinario e inesperado. Y, al mismo tiempo, también nos adentra en esa zona que surcan quienes sienten que han iniciado eso que llamamos «el camino de vuelta». El autor profundiza en las zonas grises de nuestra conducta, en los detalles que deseamos ocultar y que él nos expone con ternura y dureza en una mezcla difícil e inaudita, como la propia existencia: Brindis y desesperación, las dos caras de la vida.
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Ernesto Delgado (Placetas, Cuba, 1996) estudió Literatura en la Universidad Central «Marta Abreu» de las Villas y es miembro fundador del grupo literario «La estrella en germen». Pálpito, galardonado con el XXVI Premio Loewe a la Creación Joven, es su primer libro. «El poeta, ante el Horror y la Belleza, todo lo mira desde su altura de águila para luego descender a la entraña de las cosas. El poeta, ante la emanación del Misterio, todo lo vuelve pálpito: presentimiento y latido a la vez. Este libro revive la emoción que colma la víspera de los nacimientos y recupera la honda idea del asombro frente a lo ya nacido. El joven Ernesto Delgado posee el don de descubrirnos la extrañeza del mundo y nuestra propia extrañeza, en su voz respira el inocente, germina la estrella y fluye la cañada de la temporalidad. Entremos con él en el fósforo para revelarnos, entremos con él en esos círculos concéntricos, hermano lector, porque más allá de los cercos y hospitales, más allá de la oscurísima miseria de las ínsulas, su dolor todavía canta a la maternidad luminosa de lo humano». Sergio García Zamora
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