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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra «caza de brujas», la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
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Hikikomori és una paraula japonesa per a designar un jove, generalment adolescent, que, incapaç d'assolir les metes rígides traçades per la societat, reacciona aïllant-se'n. En aquest llibre, ambientat al Japó, trobarem un retrat àcid del buit que, en el món desenvolupat actual, impera en la vida de molts joves i del procés d'autodestrucció que alguns emprenen. Hikikomori (L'era del buit) va resultar guanyador del XXII Premi de Teatre Ciutat de València.
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Figura señera de las letras españolas de entre siglos y del siglo XX, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) cultivó todos los géneros -novela, teatro, poesía, ensayo...- y en todos dejó la huella de su genio innovador. Dentro del ámbito escénico -en el que realizó tan variada y fecunda labor-, una de sus principales aportaciones fue la creación del «esperpento», cuya muestra más acabada se considera «Luces de Bohemia» (1920/1924). Obra de madurez, en este singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en las grandes ciudades europeas -entre ellas, Madrid-, Valle-Inclán vertió asimismo a su manera, caracterizada por la acidez, el sarcasmo y la presencia de lo grotesco, su visión crítica de la naturaleza humana y de la España de la época, convulsionada aún por las consecuencias de los desastres militares y de la Primera Guerra Mundial. Edición de Catalina Míguez Vilas
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El teatro de Lope de Vega supone una síntesis de lo culto y lo popular. Lope escribía pensando siempre en llevar la obra al escenario, tenía en cuenta que estaba creando un espectáculo y no solo un texto literario. Introducía «música» y «canciones» que daban color a sus obras y atraían al público, que incluso podía corearlas. Para «El Caballero de Olmedo», Lope se inspira en una canción popular que en 1620 era conocida y cantada por el público: «Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo». Los espectadores ya conocían el final de la obra, la muerte del héroe. Lope supo hacer el resto: crear la expectación por conocer la historia de ese famoso caballero, que fue la gala de Medina, la flor de Olmedo.
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El món del cinema ha reflectit de múltiples maneres la sòrdida existència dels presoners dels camps de concentració nazis. Tanmateix, Barracó 62 (1963) és una de les poques obres de teatre que tracta aquest assumpte i alhora li dóna un valor universal en convertir-lo en una paràbola de la vida humana. En aquesta presó veurem, a més dels problemes i enfrontaments que brollen entre els seus pobladors masculins, els nous conflictes que genera la convivència temporal amb presoneres.
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L'obra cimera de la nostra literatura medieval, Tirant lo Blanc, és el punt de partida d'aquesta versió operística dels germans Sirera. De nou, l'heroi bretó protagonitza els tres puntals de la seua fama: l'honor de la cavalleria, la defensa de la fe i l'amor de Carmesina. Aquest llibret és una versió original en la seua composició temàtica i estructural que ens acosta al món mític del protagonista des d'una visió artística actual i moderna.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Arthur Miller, reunimos enun volumen las cinco piezas teatrales más importantes del dramaturgo:Todos eran mis hijos (1947), Muerte de un viajante (1949), Las brujas deSalem (1952), Panorama desde el puente (1955) y Después de la caída(1964). En las obras que integran este volumen, Miller abordó lasconflictivas relaciones entre padres e hijos, y entre maridos y mujeres,así como la necesidad de vivir según unos principios morales y de asumirla responsabilidad social e individual que a cada hombre le toca, y entodas ellas supo reflejar las frustraciones de la sociedadcontemporánea.
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Escrita a comienzos de los años treinta, la comedia TRES SOMBREROS DE COPA, germen de toda la producción teatral de Miguel Mihura, tardó veinte años en ser estrenada y produjo, en el momento de su estreno, escándalo y asombro. Mientras muchos espectadores¿A qui va dirigit el llibre Tres sombreros de copa?Es recomana Tres sombreros de copa per a lectors a partir de 16 anys interessats en el teatre espanyol del segle XX, especialment aquells que aprecien l'humor absurd i les obres que exploren temes de llibertat individual, convencions socials i la recerca de la identitat. L'obra és accessible per a un públic ampli, encara que la seva riquesa temàtica pot ser més apreciada per lectors amb un cert nivell de maduresa intel·lectual. L'obra també pot ser d'interès per a estudiants de literatura espanyola o teatre, oferint un exemple destacat del gènere.Temes que tracta el llibre Tres sombreros de copaTRES SOMBREROS DE COPA explora diversos temes de manera entrellaçada, creant una obra complexa i rica en matisos:Llibertat individual vs. convencions socials: L'obra presenta un conflicte central entre la vida convencional i estructurada representada per Dionís i el seu compromís matrimonial, i la llibertat i espontaneïtat encarnades per Paula i el seu món bohemi. Mihura explora les pressions socials que limiten l'expressió individual i les conseqüències de desafiar les normes establertes.L'amor i el desig: L'atracció entre Dionís i Paula és un motor principal de la trama, mostrant la complexitat del desig i la dificultat d'aconseguir la felicitat plena. L'obra no presenta una visió romàntica idealitzada de l'amor, sinó que explora els seus aspectes més contradictoris i frustrants.La identitat i la recerca de un mateix: Dionís es troba en un punt crucial de la seva vida, a punt de prendre una decisió que definirà el seu futur. El seu encontre amb Paula el fa qüestionar els seus valors i aspiracions, portant-lo a una profunda reflexió sobre la seva pròpia identitat.L'absurd i la comèdia: Mihura utilitza l'humor absurd per satiritzar la societat i les seves convencions. Les situacions còmiques i els diàlegs enginyosos serveixen per criticar la hipocresia i la rigidesa de certs comportaments socials.La tradició i la modernitat: L'obra es situa en un context històric específic, reflectint la tensió entre les tradicions arrelades i les noves idees que sorgien a l'Espanya de l'època. Aquest conflicte es manifesta en l'oposició entre el món de Dionís i el de Paula.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Tres sombreros de copaEncara no es disposa d'un resum de crítiques, opinions i valoracions específiques per a aquesta edició de Tres sombreros de copa. No obstant això, l'obra en general és considerada una peça clau del teatre espanyol, alabada pel seu humor intel·ligent, la seva originalitat i la seva capacitat per explorar temes universals amb profunditat i subtilesa. Es destaca la seva influència en el teatre de l'absurd i la seva vigència malgrat el pas del temps.
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Estas dos obras, consideradas como las mejores comedias de Shakespeare, pertenecen a las llamadas comedias románticas o de amor, con una trama llena de enredos y equívocos que culmina en un final feliz. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO se configura como la piezamás singular y popular. En ella conviven y armonizanel mundo real y el sobrenatural, el deseo y la razón,la cordura y la locura, en una mezcla de tradicionesque Shakespeare reinventa y transforma para crear unmundo de ensueño, infantil y lúdico, rico en posibilidades escénicas, que da vida al contraste entre imaginación y realidad. NOCHE DE REYES supone la despedida de las comedias románticas, con elementos que perfilan ya la comedia de carácter, en un prodigio de síntesis que aúna el más crudo realismo con la melancolíamás tenue. Su trama contiene los momentos cúlmenes de las comedias de Shakespeare, la escena más cómica junto a la más lírica del autor. La traducción de Ángel Luis Pujante mantiene la extraordinaria variedad poética de las dos piezas: el lenguaje formal y coloquial, lírico y burlesco de la primera junto a la libertad compositiva de la última.
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Hace apenas una semana de la boda de Pietro y Giuliana, y poco más de un mes desde que se conocieron. La pieza teatral más célebre de Ginzburg la maestría en la construcción de los personajes y la viveza de los diálogos hacen de ella no sólo una com
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Afanys d'amor perduts, de William Shakespeare, traducció de Salvador Oliva. Un clàssic editat per Vicens Vives, per a estudiants de Llengua i literatura. Una història on l’amor triomfa malgrat les reticències de tots els seus protagonistes. O no. El rei de Navarra ha jurat que, durant tres anys només es dedicarà a l’estudi. Els seus tres amics també ho juren. Però aquest jurament coincideix amb la visita de la princesa de França i les seves tres dames. Com pot el rei de Navarra parlar amb la princesa de França sense trencar el seu jurament? I els seus amics? Què faran? Obligades a viure al bosc, perquè el jurament dels homes impedeix a les dones entrar al palau, les dones sabran fer servir el seu enginy per fer anar els homes per allà on elles volen. El text de Shakespeare és ple de jocs de paraules, metàfores, al·legories…
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El estudio de la obra ofrece una exhaustiva interpretación de los símbolos de los dos temas fundamentales que componen El público, el amor y el teatro. Su extenso análisis incluye un poema de 1917 ''Yoestaba triste frente a los sembrados'', estrechamentevinculado a lo expuesto por Lorca en esta obra.
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L'amor també és això és una obra de teatre jove, escrita per als joves, amb el seu llenguatge i sobre els seus problemes, perquè la seua realitat actual i quotidiana també és una aventura digna de ser reflectida per la literatura. O potser no és una aventura la vida a l'institut, a la discoteca, amb els pares, amb els amics i amigues…, i amb el teló de fons de l'amor i del sexe en el temps de la sida?
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La destacada obra de teatro de uno de los autores más importantes de la historia de la literatura española Edición de José María Díez Borque, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid Casandra, casada con el duque de Ferrara, que la abandonó tras la noche de bodas, se enamora de Federico, hijo bastardo del duque. Enterado éste de la relación, hace cubrir a Casandra con un manto y ordena a su hijo que mate a la persona oculta sin preguntar quién es. Basada al parecer en un hecho real, El castigo sin venganza es una de las obras teatrales más célebres de Lope de Vega, donde demuestra su capacidad para crear personajes de sólida factura psicológica. Esta edición incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Está al cuidado de José María Díez Borque, catedrático de literatura española de la Universidad Complutense de Madrid.
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En Pedro y el Capitán (1979), tenso diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios, el escritor uruguayo Mario Benedetti aborda «una indagación dramática en la psicología de un torturador» a la que una objetividad rigurosa aleja del maniqueísmo. «Esta pieza dramática -advierte el autor en el prólogo- no escenifica el enfrentamiento de un monstruo y un santo [...]. La distancia entre uno y otro es, sobre todo, ideológica, y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad.»
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Los temas de la vida, como comedia en El gran teatro del mundo y como mercado en El gran mercado del mundo, aparecen como pretexto para componer un cuadro general de toda la vida humana. La formalírico-dramática y demás convenciones argumentales del auto sacramental prestan un simbolismo estructurala una materia teológica subyacente. El resultado esuna alegoría universal y trascendente, que alcanza, en la primera obra, una perfecta construcción con acento marcadamente filosófico, y, en la segunda, resonancias morales con la inclusión de elementos realistas,dentro de lo que cabe en un conjunto forzosamente simbólico. En las dos resalta la maestría de Calderón,escritor sin par en esta forma dramática.
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Pol, un joven trans, visita la consulta de una psiquiatra de la Seguridad Social para que le diagnostiquen «disforia de género». Lo necesita para poder cambiar su identidad de género ante las instituciones del Estado y de la sociedad en la que vive, que aún lo ve y lo trata, a veces, como una mujer. A lo largo de la hora que dura la sesión, Pol no solo se enfrenta a la hipocresía de una sociedad supuestamente avanzada e igualitaria, sino que también dialoga con algunos de sus propios fantasmas y con sus mejores recuerdos.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). Comedia calificada de inmoral y prohibida expresamente por el rey Luis XVI, en Las bodas de Fígaro volvemos a encontrar a los personajes de El barbero de Sevilla, pero inspirados ahora por una visión de la sociedad corrosiva, aunque a la vez divertida y alegre, que aúna «frivolidad y razón». Plagada, en efecto, de burlas e invectivas contra todas las bases en que se sustentaba el Antiguo Régimen, la obra -estrenada tras múltiples peripecias en 1784- conoció un éxito clamoroso que Mozart iba a potenciar componiendo, con libreto de Da Ponte, la genial ópera del mismo título: desde entonces, la obra sigue ocupando un lugar indiscutible en la historia del teatro y de la ópera.
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Cuando en 1953 se estrenó en París Esperando a Godot, pocos sabían quién era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocías como ex secretario de otro irlandés no menos genial: James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de
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Las autoras incluidas en esta Antología presentanpreocupaciones y procedimientos dramatúrgicos semejantes y abordan cuestiones fundamentales del panorama político, cultural y artístico de la actualidad. Sus obras quieren convertirse en discursos cívicos y en amplificadores culturales. Esta edición recoge obras deLola Blasco, Antonia Bueno, Diana de Paco Serrano, Juana Escabias, Beth Escudé i Gallès, Aizpea Goenaga,Diana I. Luque, Gracia Morales, Itziar Pascual, Carmen Resino y Vanesa Sotelo. El volumen constituye una muestra muy significativa de las dramaturgias femeninas y del mejor teatro español de nuestros días.
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«Pic-Nic», «El triciclo» y «El laberinto» son tres obras representativas del primer teatro de Fernando Arrabal, el dramaturgo español más representado actualmente en el mundo. Estas tres obras aparecen por primera vez en España en ediciones críticas que pacientemente ha llevado a cabo Angel Berenguer, quien ha antepuesto a ellas un amplio y revelador estudio sobre las raíces y estéticas que informan este teatro de vanguardia.
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En Luces de bohemia nos propone Valle-Inclán un recorrido por el Madrid sombrío de principios del siglo XX, de la mano del poeta ciego Max Estrella y su perro, el buscavidas Don Latino. El prisma desde el que el autor concibe la obra es el esperpento, que consiste en la deformación sistemática de la realidad, y la degradación de una situación, hasta que llega a ser ridícula. Valle-Inclán hace una crítica feroz de todos los eslabones de una sociedad enferma, uniendo a los personajes en un grotesco baile de máscaras, donde se tratan los más altos temas filosóficos, artísticos y metafísicos, que resultan tan profundos como risibles, mientras la muerte flota en el ambiente, impregnando con su aroma los rincones de ese Madrid hambriento, corrompido y cansado.
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El galán fantasma es una comedia de enredo enmarcada en un ambiente palatino: la acción se sitúa enla corte sajona, tiene lugar en un periodo indefinido y, entre sus dramatis personae, se halla unduque, representante de la nobleza. La trama principal parte de un conflicto asentado en un triángulo amoroso en cuyo vértice está Julia, enamorada de Astolfo,y a quien pretende conquistar el duque de Sajonia. Calderón quiso aprovecharse en esta obra de la intrigay el juego amoroso que le brindaban la figura del fantasma. El desenlace, que finaliza con el desenmascaramiento del fingido fantasma -producto de la imaginación de algunos personajes-, corrobora la postura racional calderoniana ante las supersticiones propias desu época.
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De lectura imprescindible, el ''Teatro completo'' demuestra que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.Poco más de veinte años de escritura le valieron a Chéjov un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas. Este tomo recupera la excelente traducción y prólogo preparados por la célebre pedagoga teatral Galina Tolmacheva. Se suma una traducción de Platónov, el “Don Juan” de Chéjov, primera pieza escrita por el dramaturgo. De lectura indispensable, el Teatro completo demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.
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¿Existe una lectura correcta de un texto clásico? Pienso que no, que justamente un clásico es aquel que permite infinitas lecturas, y que es por tanto inagotable. Volvemos a los clásicos porque nos siguen interpelando. Volvemos a Chéjov porque nos habla no tanto de allí (la Rusia prerrevolucionaria) y entonces (finales del siglo xix), como del aquí y el ahora. Cada lectura de un clásico es una nueva prueba, una nueva pregunta que se lanza al texto. Según lo que preguntes, según donde pongas el foco, contesta cosas distintas. Cada lectura que hacemos hoy de un clásico es una conversación con el texto original. Si es así, ¿por qué deberíamos preguntar a un texto solo de una manera? Mi acercamiento es doble. Dos miradas distintas, dos reflejos de mi interés y de mi amor por el Tío Vania original. Ahora pueden leerse aquí los dos acercamientos, las dos miradas sobre el clásico. Dos textos que a veces dialogan y otras se contradicen, que contienen fragmentos repetidos, ecos, que a veces permanecen muy cerca del original, y otras se alejan hasta que casi no queda rastro. Dos caminos entre tantos posibles.
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Texto inédito de la adaptación dramática de la novela A.M.D.G. de Pérez de Ayala, realizada por Martín Galeano y López de Carrión. Su estreno en 1931 provocó uno de los escándalos más recordados de la Segunda República y un intenso debate con repercusiones internacionales. El montaje de esta obra de teatro político y de tesis antijesuítica fue boicoteado por los sectores clericales dentro de una campaña más amplia cuyo fin era desestabilizar al nuevo gobierno. Se trata de un documento imprescindible para conocer los intentos de creación de un repertorio teatral republicano. La reescritura de los adaptadores potenció la crítica a la Compañía de Jesús, ya presente en la novela, con la intención de justificar la expulsión de los jesuitas de España. Pérez de Ayala realizó modificaciones posteriores para que su desenlace no fuera entendido como incitación a la violencia anticlerical en su estreno. El volumen incluye un detallado estudio del contexto que explica la adaptación, así como un examen en profundidad del texto. La obra dramática y la gran polémica que produjo la puesta en escena iluminan de forma extraordinaria este apasionante momento de la historia de España.
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Viento fuerte se estrena en el Teatro Español el 19 de diciembre de 2024 y estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025. La dirección corre a cargo de José María Esbec. El teatro es la forma de escritura que encumbró a Fosse como autor excepcional. Escribió más de treinta obras a ritmo vertiginoso y saltó a la fama en los escenarios de París y Berlín. Después de su gran obra narrativa ''Septología'' volvió con ''Viento Fuerte'' en 2021 y en 2024, después de recibir el Premio Nobel, se representa en los escenarios su nueva obra Einkvan. El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. En este primer tomo de su obra teatral en español, Cristina Gómez Baggethun ha hecho una selección bajo supervisión del propio autor. En ''Soy el viento'', el Uno y el Otro están en una barca, en la inmensidad del mar. En el puente, los personajes comparten un aguardiente, beben en silencio y se preguntan sobre el sentido de la vida que navega sin rumbo fijo. ''Viento Fuerte'' gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un poema sobre el amor y la soledad. ''Viento fuerte'' nos lleva a presencias más allá de la realidad. En ''Invierno'', una mujer y un hombre se encuentran de vez en cuando en una ciudad a donde el hombre llega en un viaje de negocios. Una conexión temporal amenazada por un final abrupto o un trastorno radical. ''Sueño de otoño'' es una historia de amor y un drama familiar. En un momento aparentemente fortuito, un hombre y una mujer se conocen en un cementerio. Se conocieron en una vida pasada y tal vez sentían nostalgia el uno por el otro.
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Morales Lomas, creador de Caníbal Teatro, es uno de los dramaturgos con más proyección en este siglo XXI. Su dramaturgia, que sigue la estela de grandes maestros como Plauto, Lope de Rueda, Valle-Inclán, Arrabal, Beckett, Ionesco, Adamov, Fo, Pinter…, persigue renovar esta visión en el siglo XXI. En el estudio inicial, el dramaturgo Rafael Ruiz Pleguezuelos considera que el legado de Morales Lomas, por su calidad, cantidad y ambición, es un conjunto admirable, una suerte de comédie humaine teatral enraizada en el absurdo y lo grotesco. Su gran tema es el respeto a la libertad individual. Prácticamente todas las piezas aquí contenidas denuncian a su manera las consecuencias de cuestionar, coartar y reducir la libertad del individuo, sin importar quién lo haga. Su teatro es un acto de resistencia frente a cualquier forma de opresión que restrinja la libertad individual.
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¿Cómo nos relacionamos con la idea de progreso, de crecimiento, de autorrealización? Podría decirse que buena parte de las disputas, ilusiones, inquietudes y vacilaciones, que agujerean a los personajes de estascinco ficciones de Lucía Carballal, oscilan, cada cual a su manera, entre el imperativo de prosperar ?ya sea en el ámbito personal, social o profesional? y eldeseo, a veces la frustración, de quedarse atrás, fuera de este presente siempre tan veloz, en continuo movimiento. «Late algo prodigioso en la semilla de estas obras, en el reto que Lucía Carballal nos proponey que aceptamos: el realismo se toma como punto de partida, pero siempre ocurre algo sorprendente ?muchasveces casi inverosímil, otras tan solo inesperado? que lo quiebra. Aquí la verosimilitud no se derrumba, el pacto con quien mira ?y escucha, y lee? se mantiene, y esta confianza ?estos cimientos fortísimos? se debe a los personajes: tienen tanta piel que no te queda otra que creerles, confiar en la manera en la que tropiezan, tenderles la mano para que se incorporen [...]. Y en estas piezas todo resulta trascendente, todo importa, en varios sentidos: nada se deja al azar,cualquier detalle se ajusta en armonía ?incluso de texto en texto: qué reveladora la lectura página a página, el paseo de una historia a otra, misma ciudad demuchos personajes?». Elena Medel
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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YERMA, cuerpo de tragedia típica que yo he vestido con ropajes modernos es, sobre todas las cosas, la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad. Un alma en la que se cebó el Destino, señalándola para víctima de lo infecundo. Y es de ahí, del contraste de lo estéril y lo vivificante, de donde extraigo el perfil trágico de la obra.Federico García Lorca(Entrevista a Alfredo Muñiz, 1934)Vista desde el ángulo más directo y más humano, YERMA está incompleta porque no tiene, ni va a tener, un hijo. Sin embargo, le falta mucho más que un hijo: le falta todo lo que lo haría posible: el amor, la ternura, la compasión, la pasión, la liberación, la curiosidad de explorar “la experiencia que se encuentra más allá de los límites familiares”.
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El día comienza como otro cualquiera en un campus de Japón: un grupo de estudiantes discuten sobre el tema de su trabajo de investigación, en la cafetería un hombre que va a casarse acaba de descubrir que su exnovia está embarazada, los amigos de los prometidos preparan un baile para la bodaa… Hasta que de pronto todos los personajes empiezan a morir uno tras otro sin causa aparente.¿No queda nadie vivo? es una obra de nuestro tiempo que retrata la sensación diluyente de la muerte en la sociedad actual: los muertos convertidos en números en las noticias, la prohibición de visitas en los hospitales donde los enfermos de coronavirus mueren en soledad, la glorificación de la belleza y la juventud en los anuncios, las respuestas evasivas cuando se habla de la muerte… Vivimos evitando esta realidad cuando es la que nos hace conscientes de estar vivos.Por eso, en esta obra el escenario se convierte en un espacio abierto, donde ningún elemento escenográfico nos impide asistir a la muerte de los personajes.
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No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad también laten en estas obras. Cuatro piezas incluye esta edición, en realidad, cuatro mundos completamente diferentes: Doña Florentina y su amado Homero, nos invita al salón de unas vecinas, amigas tiempo atrás, donde Zerafina, la criada, al fin ha encontrado su lugar en el mundo, por otro, los vagabundos de El maniquí nos describen el ambiente de marginación en que viven y nos recuerdan que, pese a todo, tienen derecho a soñar en una vida pasa, tal vez inventada, pero mucho mejor, El hostal de las tres camelias nos propone una mirada al drama rural, protagonizado por unos personajes, paradójicamente, típicos pero no tópicos, desde el punto de vista de una sordomuda que se ve obligada a hablar, y, finalmente, en Un día nos adentramos en escenarios que reconocemos como propios de Rodoreda: la casa barcelonesa de Teresa Goday, a quien aquí nos presenta con el nombre de Caterina. Como en el conjunto de su obra narrativa, Rodoreda observa atentamente el comportamiento de sus personajes, reflexiona sobre su condición de manera desinhibida, y entre la risa y la alegría puede devenir en dolor y llanto conmovedor, o viceversa. En suma, este Rosas de fuego es una joya no sólo de la dramaturgia, sino de la literatura en general, y al fin el lector puede disfrutar de una nueva edición con una maravillosa traducción en español.
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Carlos, me llamo Carlos. Tengo 15 años o 16. Voy al cole, me aburro, salgo con los colegas al parque, bailo hip-hop... y un día conozco a Claudia y... magia. A.K.A. (Also Known As) nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. De un momento en el que, por circunstancias ajenas a él, tiemblan sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado... y los ojos de los demás le hacen plantearse cuál es su «verdadera» identidad, quizás él no sea totalmente quien ha decidido ser. Y es que, en el fondo, ¿somos quienes sentimos que somos o quien la gente cree que somos? De esto va A.K.A.: de cómo se enraízan estos gérmenes en la vida de Carlos.
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El presente volumen reúne dos obras maestras de Lope de Vega, El perro del hortelano y La dama boba. Edición de Ismael López Martín profesor de literatura y doctor en Estudios Filológicos y Lingüísticos por la Universidad de Extremadura. Lope Félix de Vega Carpio es uno de los dramaturgos más celebrados de la literatura universal. En España renovó la forma de hacer teatro a finales del siglo XVI y principios del XVII, creando una comedia nueva que cosechó los éxitos del público y del lector y sentó las bases del drama contemporáneo. La dama boba y El perro del hortelano son dos comedias de 1613 que pertenecen a lo que ha venido en llamarse «comedia urbana». Se trata de dos de las obras más conocidas del Fénix de los Ingenios, en las que se analiza el tema de amor, el del honor y el de las relaciones paternofiliales.La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental. Edición de Ismael López Martín
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Transcurre en una oficina en la que los empleados secuentan su vida e inquietudes pero apenas se escuchan, creando una serie de soledades que discurren paralelas sin encontrarse.
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En la secció de llibres de teatre, trobaràs una àmplia i variada selecció d'adaptacions interpretades i d’obres completes clàssiques del gènere teatral, tant estrangeres com espanyoles, com per exemple: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeu i Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre i moltes altres.