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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Un ensayo ilustrado de vanguardia de 75 tatuadores contemporáneos de todo el mundo que están traspasando los límites de su forma de arte.Con casi 700 imágenes, tatuaje: Una nueva generación de artistas muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle.Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tatuaje abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje. como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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En el siglo XIX, los interiores domésticos de las clases acomodadas comienzan a llenarse de objetos preciosos y sofisticados: juguetes ópticos, pianolas, cajas de música, cromos desplegables o autómatas engalanados con prendas de vestir tan despampanantes como las de sus dueñas. Las ciudades de Occidente integran, al tiempo, lugares de ocio para disfrute de sus habitantes pudientes con atracciones de feria, planetarios, norias y los nuevos templos del consumo que son los grandes almacenes. Todos estos objetos y espacios novedosos presentan un aspecto en común: el propósito de atraer al público a través de la estimulación de los sentidos.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la década de 1910) en Europa, donde se rodeó de otros creadores y abrazó el movimiento Cubista, regresó a México y comenzó a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordó temas sociales y políticos relacionados con la clase trabajadora, ganándose un estatus profético entre los campesinos de su país. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provocó controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra más notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan.Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Además de los estos, se incluye una gran selección de pinturas, fotografías de época, documentos y dibujos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusión ha sido posible gracias a la más intensa investigación realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografía ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio más completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.
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¿Es lícito acabar con la propaganda de genocidas, dictadores, esclavistas, invasores y otros personajes tan deleznables en el espacio público? Este ensayo provocador y fascinante demuestra por qué es hora de retirar los homenajes que ofenden a la ciudad progresista. Ya en la Roma clásica la destrucción de monumentos y símbolos era una forma de borrar de la historia a los enemigos que habían sido derrotados. En épocas más recientes, esta práctica ha adquirido otro significado las estatuas de Colón, Lenin o Sadam Husein han sido expulsadasde los lugares donde una vez se alzaron , convirtiéndose en una reivindicación por el respeto a la nuevaciudadanía que no quiere esa carga. El historiador del arte y periodista Peio H. Riaño aborda un debate en auge que se pregunta cómo queremos que sea laciudad del siglo XXI, mientras el movimiento Black Lives Matter protesta contra los símbolos racistas y en Latinoamérica miles de personas se manifiestan pidiendo la desaparición de los conquistadores de broncey piedra que aún adornan sus calles. A travésde un recorrido por una serie de representaciones «artísticas», desde Mao hasta Franco, esta investigacióncultural cuestiona que se deban conservar los monumentos que representan valores insoportables como el racismo, el machismo y la exclusión. El resultado es un texto polémico y erudito, que nos demuestra por qué la decapitación de estos monumentos no pretende depurar la historia, como algunos sostienen, sino limpiar el presente con la verdad histórica y extirparlos elementos que tergiversan la lectura del pasado.
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Mitologías es uno de los textos más populares de Roland Barthes donde el autor analiza los mitos que alimentan nuestra vida cotidiana como el automóvil, la publicidad, el deporte. Aislados de la actualidad en la que emergen, aparecen como lo que son: la ideología de la cultura de masas moderna. En esta obra, la mirada de Roland Barthes y su análisis sobre nuestros mitos modernos desnudan la espesa capa de significaciones que envuelve todos los fenómenos y objetos de nuestra vida diaria y que muestra cómo la idea de realidad no deja de ser absolutamente histórica. Aguda revisión de los lugares comunes de la sociedad de masas y primer desmontaje semiológico de su lenguaje, esta obra inauguró una práctica intelectual. Barthes articula con armonía el conocimiento erudito y la elegancia de la escritura en un texto que escapa a la forma académica y asume un carácter profundamente político. Por su claridad estilística y la potencia de sus análisis constituye una excelente introducción a la semiótica.
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Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.
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Un estudio único de 350 obras de arte de artistas LGBTQ+ de todo el mundo, muchos de ellos poco reconocidos y olvidados, de los últimos 50 años.Aunque los disturbios de Stonewall sean ahora la abreviatura del inicio del movimiento por los derechos de los homosexuales, gran parte del arte y la cultura han sido ''queer'' desde el principio de los tiempos. En About Face, el historiador del arte y comisario Jonathan D. Katz explora este concepto de frente, comisariando un tapiz de obras que conectan hilos históricos y revelan cómo el género y la identidad sexual han sido entretejidos por artistas contemporáneos y posteriores a Stonewall.Con más de 350 obras de más de 40 artistas LGBTQ+ de distintas nacionalidades y generaciones, y textos originales de artistas y académicos, About Face es tan sorprendente como importante.Jonathan David Katz, PhD, es Profesor Asociado de Práctica en Historia del Arte y Estudios de Género, Sexualidad y Mujer en la Universidad de Pensilvania. En 2019, Katz comisarió About Face: Stonewall, Revolt and New Queer Art en la galería Wrightwood 659 de Chicago.Con textos de Julian Carter, Anthony Cianciolo, Amelia Jones, Ava L.H. Kim, Joshua Chambers-Letson, Christopher Reed, Jacolby Satterwhite y Dagmawi Woubshet.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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En los textos que componen este libro, Pierre Bourdieu analiza minuciosamente las reglas que configuran, en cada campo de producción cultural, qué se considera valioso y qué no, y cuáles son los procesos y los agentes que conducen a la consagración de un artista o una obra, o a su olvido. Así, se ocupa de describir el sistema de jerarquías y de luchas por la distinción que opera en el ámbito de las editoriales, el teatro, las galerías de arte y los museos. A través de nociones como ''campo'', ''capital simbólico'', ''habitus'', ''illusio'', Bourdieu demuestra que las disposiciones y los actos considerados más individuales y más libres -por ejemplo, los gustos literarios y musicales- están atravesados por la lógica social que determina la legitimidad de ciertas formas artísticas y el carácter herético de otras.
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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MiróMatisse. Més enllà de les imatges, catàleg de lexposició homònima concebuda per la Fundació Joan Miró de Barcelona i el MuséeMatisse de Niça, explora les relacions entre les obres dHenri Matisse i Joan Miró, uns vincles que restaven encara rela
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Josep Aragay i Blanchar (Barcelona, 1889 - Breda, 1973) va ser dibuixant, pintor i ceramista, però també destacà com a teoritzador del Noucentisme amb la publicació d'articles, conferències, assaigs i crítiques d'art. Si bé no fou un autor prolífic en el món de les lletres, alguns dels seus textos com La pintura catalana contemporània, la seva herència i el seu llegat (1916) i, sobretot, El Nacionalisme de l'Art (1920) esdevindrien programàtics i sempre envoltats de polèmica. Aragay va publicar a Vell i Nou, La Revista, La Publicitat, La Veu de Catalunya o Mirador amb la voluntat d'infondre els valors ètics i estètics del classicisme a casa nostra. També es dedicà a combatre els artistes de la generació anterior -modernistes, romàntics i acadèmics- i els pintors d'avantguarda -futuristes i cubistes-, cosa que el posicionà com un dels autors més bel·ligerants del Noucentisme. Xavier Castanyer ha recuperat una trentena de textos 'de combat' publicats entre 1915 i 1934, que s'ha encarregat d'analitzar i de posar en context en el marc general de l'art català contemporani i del període del Noucentisme en particular. Els articles han estat reproduïts en una segona part del llibre amb l'objectiu de posar l'obra teòrica d'Aragay a l'abast del lector.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Sigmar Polke. Afinidades desveladas, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 26 de noviembre de 2024 y el 16 de marzo de 2025.Las reflexiones sobre la pintura han sido una obsesión a lo largo de la historia tanto para los artistas como para los historiadores de arte. La obra de Sigmar Polke, artista alemán considerado como uno de los pintores más influyentes de la posguerra, se centra en la reflexión y la revalorización del arte pictórico, esencial en su aproximación creativa. Esta se concreta en términos de experiencia, de exploración y de azar, y potencia la mezcla imprevista de imágenes y materia, así como su superposición utilizando cualquier medio técnico.La relación entre Polke y la figura y la obra de Francisco de Goya es el trasfondo de esta exposición y del catálogo que la acompaña. El medio centenar de obras mostradas revela un conjunto heterogéneo de paralelismos entre ambos creadores, una conexión atemporal entre sus temas y su factura. Desde el encuentro de Polke en 1982 con la pintura del maestro aragonés Las viejas o El Tiempo, en el Palais des Beaux-Arts de Lille, las consecuencias sobre su obra se sucedieron con rapidez, afectando tanto a los motivos como a la técnica y los criterios compositivos.
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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- Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales. - Las fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepción y el legado de 50 obras transgresoras.
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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El marco geográfico de la actual provincia de Cádiz, primitivo territorio del Reino de Sevilla, fue testigo histórico de la convivencia entre dos sistemas sociales y económicos: el agrícola y nobiliario, que se miraba al espejo hispalense, y el comercial y burgués, que se abría a los dos grandes mares. Ambas realidades generaron entre sí amplias relaciones culturales y artísticas, aportando a la zona recíprocas transferencias de forma y estilo, y también de artistas que trabajaron a caballo entre las dos realidades, o cuya obra sirvió de cruzada referencia estética. En este contexto artístico, la ciudad quedaría constituida en el verdadero marco de recepción y valoración de la cultura material. De todo ello se ocupan los nueve autores de este libro que, con prólogo de Alfredo J. Morales, aporta, mediante enfoques metodológicos renovados, una visión inédita del arte de Cádiz y su entorno en la Edad Moderna.
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Una aproximación a la gran variedad de obras que alberga el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia con una incidencia destacada de la pintura valenciana. Se recogen diferentes muestras representativas de los principales artistas de cada uno de los períodos en que se estructura el libro.
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.
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Este libro es un intento coral de aproximarse al arte de la época de las vanguardias desde una perspectiva invisibilizada en la historiografía tradicional: la de la lucha por la emancipación de sus mujeres y la de la importancia que en ello tuvo el contacto con el mundo indio, con la difusión de su pensamiento, la formulación de su imaginario y con su proceso descolonizador.
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Este libro es el segundo volumen dedicado a las mujeres artistas del siglo XX y abarca desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de siglo. Al tratarse de artistas en su mayoría vivas, la autora ha completado su trabajo, que realizó para la edición de 2006, hasta hoy y ha reseñado sus principales exposiciones individuales. Asimismo, se han incluido nombres nuevos que en la primera edición no tuvieron cabida. Con un lenguaje claro y didáctico, Victoria Combalía analiza sus creaciones, sus condiciones de trabajo y su fortuna comercial y crítica, por regla general menos afortunada que la de sus colegas varones, debido a la desigualdad de oportunidades que aún impera en el mundo artístico.
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Son numerosos los estudios que abordan los usos y costumbres establecidos en Sevilla sobre la época barroca. Este estudio viene a complementar visualmente dichos trabajos gracias al análisis de un amplio repertorio de imágenes que reproducen bodegones sevillanos. Su examen nos permite advertir con perfección los detalles de la vida cotidiana vinculados a la subsistencia alimenticia. Estas escenas tienen lugar en cocinas y comedores donde apreciamos las distintas labores que conlleva la gastronomía de aquel tiempo. También un segundo aspecto, reflejado a través de la pintura de floreros, nos permite conocer la sensibilidad y el buen gusto que imperaba en las clases sociales medias y superiores, que decoraban sus mansiones con lienzos en los que aparecen bellos repertorios florales. La gratitud visual de estas obras emana primero de la sensibilidad del pintor que las interpretó, pero también del buen gusto y el refinamiento de aquellos que encargaban este tipo de obras. Este recorrido, que dura un siglo y medio por la historia de los floreros y bodegones sevillanos, se inicia a principios del siglo XVII, momento en el que lentamente se fue implantando un claro sentido de la realidad. En principio estas novedades se ciñeron a formas escuetas y severas pero a partir de 1650 se incorporó el vitalismo y la teatralidad que caracterizaba al espíritu del arte barroco. Analiza este trabajo, a través de los bodegones y floreros pintados en Sevilla durante el periodo barroco, el sentido del gusto (gastronomía y estética) que en esta época tuvo la sociedad hispalense, imbuido siempre de una nítida inclinación hacia el equilibrio y la mesura. Enrique Valdivieso es catedrático Emérito de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla ha ejercido la docencia en la misma durante 40 años desde 1976 a 2016. Al mismo tiempo se ha dedicado a la investigación con especial predilección por el ámbito de la pintura, realizando numerosos trabajos en los que ha estudiado los conjuntos pictóricos de la Catedral de Sevilla (1978), Palacio Arzobispal (1978), Hospital de la Santa Caridad (1980), Universidad (1980) y Museo de Bellas Artes (1993). Y aparte ha realizado también varios libros sobre la historia de la pintura sevillana (1986) y de la pintura barroca (2003). Ha publicado sucesivas monografías dedicadas a los principales pintores de la ciudad, como Pedro de Campaña (2008), Francisco Pacheco (1990), Francisco de Zurbarán (1988), Bartolomé Murillo (2010), Juan de Valdés Leal (1988), Francisco de Herrera el Mozo (2015) y Sebastián de Llanos Valdés (2021). Ha realizado también numerosas exposiciones dedicadas a Murillo (1982), Juan de Roelas (2008), Francisco de Zurbarán (1998) y Juan de Valdés Leal (1991).
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Al iniciarse las Germanías, el italianismo de cariz cuatrocentista ya había dejado en Valencia obras cimeras de la pintura hispana que iban a influir en sus talleres de forma decisiva. A las llegadas de Niccolò Delli en 1469 o Paolo da San Leocadio y Francesco Pagano en 1472 les sucedió la de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de la Almedina en 1506, mientras se finalizaba el retablo de plata de la catedral de Valencia por el orfebre pisano Bernabeo di Tadeo di Piero de Pone entre otros colegas locales, además de un formidable elenco de obras importadas de las que conocemos solo algunas, como las que –a título de ejemplo– eran poseedores los Borja, los duques de Segorbe y el marqués del Cenete, o se trajo de la península transalpina el embajador Vich, que, por su novedad, debieron de causar también un impacto no menor en la dinámica gremial autóctona.
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Una estatua ecuestre del dictador que se expuso en Barcelona en la plaza del Born en 2016 en el marco de una exposición se independizó de las referencias que la encuadraban y comenzó su propio periplo singular de interacción con los ciudadanos. La reflexión sobre los acontecimientos, que se desencadenaron de forma imparable durante cuatro días con un clima de violencia increscendo que terminaron con la retirada de la estatua, es de donde parte la arquitecta Julia Schulz-Dornburg para iniciar su particular Odisea siguiendo los pasos de las nueve esculturas ecuestres del dictador destinadas a glorificar la imagen de Franco como Caudillo y salvador de España que hay distribuidas por Madrid, Zaragoza, Valencia, Santander, Toledo, Segovia, Ferrol y Melilla, además de la propia Barcelona.
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A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
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El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.
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Mediante una selección comisariada de citas, imágenes y entrevistas, este libro nos da acceso a las mentes de los pensadores y creadores más influyentes del mundo. Descubra cómo los titanes del mundo del arte, desde Ai Weiwei hasta Ana Mendieta, desarrollaron sus propios estilos visuales, las ideas centrales en las que se sustentan sus prácticas y, lo más importante, qué es lo que le transmiten sus creaciones. 50 artistas excepcionales, entre ellos: Marina Abramovi?, Lisa Reihana, Theaster Gates, Tracey Emin, Nam June Paik, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Yinka Shonibare y Mona Hatoum. Se reúnen citas de 50 artistas junto con reproducciones de sus obras y una visión general de sus distintas prácticas. Encontrará pintores y escultores, cineastas y fotógrafos, todos ellos con característicos puntos de vista sobre toda suerte de cuestiones, desde la corporeidad de la pintura hasta la naturaleza conceptual de la creación de imágenes. Se incluyen además cinco entrevistas realizadas exprofeso para este volumen y en las que se ahonda en la forma en que estos innovadores artistas realizan su obra.
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“Nueva York, tus maniquíes descabezados están ya dormidos, vertiendo toda su ‘perpetua sangre’, que fluye como las ‘fuentes quirúrgicas de la publicidad’.'' Dalí (1942)Este libro reúne artículos publicados en Estados Unidos durante los años treinta y cuarenta que nos descubren las claves del innegable protagonismo de Salvador Dalí y de su versión del surrealismo en la cultura popular de ese país.
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Estas Rondas del Prado proponen una aproximación gradual y diversa a la obra de arte, a lo más concreto de su existencia material y también a sus valores narrativos, simbólicos y litúrgicos. La experiencia inmediata y sensorial de la contemplación se une así al examen de las conexiones culturales que las obras tuvieron para sus contemporáneos y al modo en que el oficio del artista y el lugar de la pintura se han ido modificando a lo largo de los siglos, desde la iglesia o el palacio, el espacio público o privado, hasta la disposición ordenada y pedagógica, pero también uniformadora, de las salas del museo.
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La historia de Genji ilustrada. Un recorrido visual por la obra maestra de las letras japonesas. El Genji Monogatari, cima de las letras japonesa y obra maestra universal, nació alrededor del año mil en el refinado y sofisticado mundo de la corte imperial. Su autora concibió un colorido cosmos de relaciones humanas protagonizadas por apuestos príncipes y hermosas damas, que pueblan un escenario de elegantes palacios, suntuosos aposentos y delicados jardines, y definió los ideales morales y estéticos de la cultura japonesa. A finales del siglo xix, en un Japón que se modernizaba a marchas forzadas, Ogata Gekko buscó inspiración en el estilo clásico para su serie Cincuenta y cuatro capítulos del Genji. Estas exquisitas estampas publicadas entre 1892 y 1895 ilustran los episodios más célebres de la novela de Murasaki Shikibu y proclaman el indiscutible talento artístico de su autor. Ogata Gekko ilustra un pasado elegante y refinado que sigue latiendo en el corazón del Japón actual, y que ha definido la esencia de la estética japonesa de ayer y hoy.
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III Premi Bones Lletres d'assaig humanísticamb una obra sobreLA RELACIÓ ENTRE ART I NATURAMartí Domínguez porta a terme en Del natural un ample recorregut per la història de la pintura tenint com a principal fil conductor la percepció de la natura. Des de la representació d'un corder per part de Giotto fins a les dones de Gauguin pintades a la Polinèsia, passant pel renaixement italià i flamenc i pels pintors romàntics i impressionistes, l'autor reflexiona sobre com la natura ha estat en cada cas interpretada i pintada, incloent-hi dins d'ella l'estudi del paisatge i de la mateixa naturalesa humana. D'aquesta manera, Del natural és un assaig que, des d'aquesta òptica naturalística, descobreix als lectors noves i sorprenents lectures de les obres d'art, tot això ben amanit per una prosa rica i especiosa, que es recrea en la vida dels pintors i en les seues principals creacions.
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos. Edición especial revisada con ilustraciones.Edición especial revisada con ilustraciones. Para entender el arte no hace falta ser un experto. «Ve más allá de lo que nos han contado.»La Sexta «Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano.»El País «Muy interesante y fácil de seguir. Un libro que valdría la pena solo por cómo transmite el respeto al arte contemporáneo, lo contextualiza y le da sentido.»La Voz de Galicia Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo xx, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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