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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Este libro no es una historia del arte al uso. Tampoco es un recorrido por las grandes obras del arte universal que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Ni un recetario para distinguir el arte románico del gótico.Esta es una historia del arte irreverente y rompedora que se centrá en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del Imperio romano de Occidente hasta el siglo XV.Alberto Garín, arqueólogo e historiador del arte, ofrece al lector un sorprendente viaje artístico por lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia, con el objetivo de explorar y observar, con agudeza y erudición, la sensibilidad de aquellos artistas que con su desempeño han contribuido a construir la cultura y el mundo en el que vivimos.
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Un recorrido por toda la trayectoria vital y artística de Miró durante su época parisina entre 1920 y 1945. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Museo Guggenheim de Bilbao y comisariado por Enrique Juncosa. Coincidiendo con el 40º aniversario del fallecimiento del artista catalán, trazamos un fascinante recorrido por una de las época de mayor efervescencia creativa de Miró. Al pintor, París se le antojó un lugar donde la vida se transformaba en imágenes nacidas del encantamiento y predeterminadas del ambiento colectivo de la época. Miró se hizo con el imaginario artístico que le rodeaba y lo incorporó en su obra que podemos ver a lo largo de esta fantástica edición.
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Un recorrido esencial por el mundo de la historia del arte. Si te haces un lío entre el Rococó y el Manierismo o entre el Modernismo y el Impresionismo, este pequeño libro, muy práctico y accesible, te llevará de la mano a través de las distintas corrientes y épocas artísticas de la historia. Entiende de una vez la diferencia entre los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio), y disfruta de las mejores obras artísticas de la historia de la humanidad a la vez que aprendes a situarlas en su contexto histórico y etapa artística. Descubre cómo la evolución de la historia del arte ha esculpido la sensibilidad artística actual y la forma en la que entendemos hoy el arte.
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Los montes son tuyos reúne dos piezas de Alberto Cortés: El Ardor (2021) y One night at the golden bar (2022). Sus obras se han estrenado en el Festival de Otoño de Madrid, y van a reestrenarse en el Festival Iberoamericano de Teatro y en el Teatro Central de Sevilla. El dramaturgo tiene una puesta en escena a medio camino entre lo popular y lo filosófico, que recuerda a lo mejor de los románticos y de los malditos.
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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Cuando un rico mecenas le pide al aventurero Hélias Dall que le traiga la escandalosa obra maestra de Courbet El origen del mundo, piensa inmediatamente en su amigo Paul Gauguin. En el pueblo de Pont-Aven, invadido por los artistas, Hélias encontrará a un Gauguin en plena revolución estética. La aventura de este misterioso cuadro irá urdiéndose en torno a este apasionante personaje.
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Las fuentes de lo bello, de lo bueno, de lo agradable están en nosotros mismos e investigarlas es investigar las causas de los placeres de nuestra alma.
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La mujer ha desempeñado un papel esencial en la historia de la humanidad. En la Biblia, el libro más influyente en la civilización occidental que ha guiado a miles de millones de personas, también tiene un puesto principal. Si se exceptúa la deidad, el personaje humano más importante que aparece es femenino. Muchas mujeres destacan por sus aportaciones al conjunto de los seres humanos (Eva o María), otras han sido decisivas en la historia del pueblo de Israel, o protagonistas del Antiguo Testamento (Débora, Ester o Judit). Esta obra te ayudará a identificar a las principales protagonistas y sus distintas variantes iconográficas. Podrás reconocerlas y saber cuáles han sido las causas y las implicaciones de sus representaciones.
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Una obra crucial y revolucionaria para comprender, desde nuevas perspectivas, la corporalidad, el género y la sexualidad en la Edad Media.Mientras que el estudio de la corporalidad en época contemporánea goza de gran predicamento, la mirada hacia los cuerpos del pasado parece quedar en una extraña nebulosa que nadie sabe cómo encarar. Frente a ello, la prestigiosa medievalista Caroline Walker Bynum se propone el ambicioso objetivo de sentar las bases de su análisis sobre el cuerpo en la Edad Media. Sin embargo, al igual que ocurre en nuestro mundo presente, no existía un único concepto de cuerpo medieval, sino que más bien opera una cacofonía de discursos que, lejos de distanciarnos de su estudio, lo hace aún más atractivo. El reto reside, por tanto, en huir de los relatos dominantes e incorporar todas aquellas voces que hasta el momento habían quedado silenciadas. Sólo así, interrogándolas desde las problemáticas de nuestro presente, lograremos ahondar en uno de los aspectos más esquivos del pasado y comprender, finalmente, por qué tanto alboroto por el cuerpo.
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Siguiendo la lógica del edit musical, si este libro fuese un disco, sería un álbum de remezclas de temas propios: cuatro versiones de una misma vivencia del baile expandida en el tiempo. La autora propone un ejercicio atrevido alentado por el acontecimiento físico (individual y colectivo) de la pista. Bailar es una experiencia que se resiste a las palabras -Sonia Fernández Pan es muy consciente-, porque apela directamente a una memoria material del cuerpo que solo se activa al bailar de nuevo. Edit le permite establecer una analogía entre baile y escritura utilizando estrategias comunes: la autoedición constante y el préstamo de situaciones y referentes. El resultado es una secuencia que se acerca -a la vez que se aleja- de teorías musicales previas, persiguiendo en la escritura lo ''asequible, epidérmico y sensorial'' de la música. Cada uno de estos textos, surgidos de un proceso de reescritura, participa -entre el anonimato de la pista, la autoría de la voz y la mirada del dj- de un gesto común que reensambla historias a través de los cuerpos que bailan.
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Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente.Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».
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Cómo se hace el arte es una fascinante invitación a explorar la historia de los materiales y técnicas que han dado forma a las grandes obras del arte a lo largo de los siglos. A través de una cuidadosa selección de obras, el libro desvela las historias culturales, el intercambio de ideas y la innovación detrás de cada método y material. Además proporciona un contexto que enriquece la experiencia del espectador.Cada capítulo presenta una diversidad de técnicas, desde las más tradicionales, como la fundición en bronce y la xilografía, hasta métodos más espontáneos, como la pintura goteada o el uso de aerosoles en espacios urbanos. Los lectores descubrirán cómo los pigmentos, ya sean molidos en piedra o extraídos de la tierra, se transforman al combinarse con agua, aceite o goma. Este enfoque no solo ofrece un análisis técnico, sino que también invita a los amantes del arte a reconsiderar su forma de apreciarlo, al revelar las historias ocultas detrás de cada técnica y material. Embárcate en este viaje a través de los estudios de los artistas y descubre cómo se hace el arte, mientras aprendes sobre las obras que han marcado la historia y los inventos que han permitido la exploración de nuevas formas de crear.
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 24ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general, Los artistas seleccionados este año son Daniel de la Barra Gómez (Lima, Perú, 1992), Weixin Quek Chong (Singapore, 1988), Agnes Essonti Luque (Barcelona, 1996), An Wei (Madrid, 1990), Salem Amar (Barcelona, 1999), Milena Rossignoli (Quito, 1990), Raúl Silva C, (Lima, 1991) e Irati Inoriza (Balmaseda, Bizkaia, 1992). Con textos de João Mourão y Luis Silva,
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Mucha gente está familiarizada con la vida y la obra de Vincent Van Gogh y su activa y reveladora correspondencia con su hermano Theo. Pero sus hermanas, Anna, Lies y Wil van Gogh, han pasado desapercibidas hasta ahora. En esta convincente biografía colectiva basada en la correspondencia inédita del archivo de la familia Van Gogh, el historiador del arte Willem-Jan Verlinden convierte a las tres hermanas de Vincent en el centro de la atención. Una discusión con Anna, la hermana mayor, provocó que el artista abandonara para siempre los Países Bajos. La segunda, Lies, cayó en la pobreza a pesar de sus aspiraciones literarias y se vio obligada a vender muchos cuadros de su hermano. Willemien, la menor, participó activamente en el emergente movimiento feminista, y discutía con entusiasmo sobre arte con Vincent. Este fascinante relato refleja un momento histórico de profundo cambio social, económico y artístico, en el que las hermanas Van Gogh, en la correspondencia poco conocida entre ellas, registraron sus aspiraciones y sueños, sus decepciones y penas.
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La exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas integra las múltiples visiones del personaje en los ámbitos de la literatura, el cine, las artes escénicas y las artes plásticas, y lo sitúa en un siglo XXI que ha borrado las fronteras entre la realidad y el mundo imaginario. Alicia aparece como una figura precursora: una niña con una gran curiosidad por todas las cosas, que desafía la lógica de las ideas inmutables y encuentra su camino en un mundo absurdo.
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Pablo Picasso fue posiblemente el artista más importante del siglo xx. Revolucionó la pintura y abrió nuevos caminos expresivos. Pero además destacó como escultor, ilustrador de libros, ceramista y grabador, incluso escribió una obra de teatro y un libro de poesía. Pocas personas de su tiempo gozaron de tanta popularidad. Su vida resulta apasionante y su asombrosa obra ha quedado para siempre. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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El videoarte como acontecimiento: la obra de Joskowicz como espacio de apertura críticaQuietud en movimiento ofrece una visión panorámica de los últimos quince años de producción de la destacada videoartista boliviana Claudia Joskowicz, conocida por su compromiso con la historia, la memoria y el espacio de las realidades sociales latinoamericanas.Con un formato híbrido entrela fotografía y el cine, Joskowicz se aleja de los enfoques documentales, esquivando las narrativas cerradas en las que las conclusiones éticas y políticas están dadas.Por medio de planos secuencia, tomas dobles y oposiciones dialécticas (parálisis-movimiento, silencio-ruido, centro-periferia), cuestiona aquello en lo que tradicionalmente se interesa la cámara y abre un espacio que posibilita la reconfiguración activa de la mirada.Así, su obra invita a una reconsideración profunda de la memoria colectiva, apuntando hacia el rol del espectador en la creación de la narrativa histórica.
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En la Antigüedad, la Edad Media y los tiempos modernos Este breve tratado sobre el simbolismo tradicional de los colores, escrito de un modo puntilloso y exhaustivo, es uno de los pocos disponibles en una lengua del mundo occidental. Su fundamento teórico consiste en el concepto de que todo lo manifestado procede esencialmente de un principio metafísico y expresa la realidad según su orden de existencia. También los colores obedecen a esta ley y, respecto a su grado específico, encajan en la unidad principal. El simbolismo del color es un modo de expresión universal que ha atravesado culturas y religiones, desde la India hasta China y Persia. Este importante elemento de la iconografía se encuentra en los templos de Egipto, los mo-numentos de Grecia y Roma, y luego en la Edad Media y las vidrieras de las catedrales góticas. Los libros sagrados, desde los textos védicos hasta la Biblia y el Corán, recurren constantemente al simbolismo del color. Frédéric du Portal recorre con detalle el viaje de los colores simbólicos a través de los siglos, y su extensa inves-tigación le ha llevado a la convicción de que «los colores tenían el mismo significado entre todos los pueblos de la alta antigüedad». Basándose en una exhaustiva documentación, Portal explica los principios y leyes que rigen el lenguaje de los colores. Un libro fascinante, que invita a la reflexión y que sigue siendo una referencia para artistas y estudiantes de Historia del arte.
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Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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Publicado por encargo de Dia Art Foundation, el libro no es sólo una retrospectiva de la obra de Morelos, sino que también profundiza en las complejas relaciones entre las comunidades indígenas y su entorno natural.Al examinar las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en las instalaciones de Morelos, los lectores reflexionan sobre su propia relación con el medio ambiente y los materiales que conforman nuestro mundo.Incluye una conversación entre Morelos y la artista y poetisa chilena Cecilia Vicuña, así como relatos de comunidades indígenas de la Colombia amazónica, que permiten conocer de primera mano las narrativas culturales que informan la práctica de Morelos.Sus instalaciones inmersivas pretenden cultivar momentos de conexión con lo que la artista describe como la ''humedad íntima de la Tierra''. Esta monografía, la primera que se publica en Estados Unidos, sitúa la práctica de la artista bogotana dentro de una historia más amplia y global del Land art y la abstracción. A su vez examina las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en el encargo por parte de Dia, así como su singular impacto sensorial, espacial y fenomenológico en el espectador.El libro desvelará los fascinantes fundamentos histórico-artísticos del encargo a través de una introducción de Alexis Lowry, conservador de Dia. Esta visión general se complementará con una meditación sobre la turba, un material singular y controvertido en el Land art, a cargo de la comisaria Camila Marambio y la profesora de biología de la Universidad de Queensland Renee Rossini, así como un ensayo sobre el olor y la escultura de Oswaldo Macía. El libro también incluirá una declaración de la propia artista y una animada conversación entre Morelos y la artista y poeta chilena Cecilia Vicuña. Para profundizar en una de las principales inspiraciones creativas e intelectuales de Morelos -las narrativas indígenas sobre la tierra y el suelo-, este volumen publicará por primera vez una sección especial de relatos de cuatro comunidades -Barasana, Uitoto N+pode y Yucuna- asentadas en las tierras amazónicas más conocidas como Colombia.
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El mediterráneo a través de sus ciudades, sus artistas y sus conflictosEste libro se presenta como un estimulante viaje a través de nueve ciudades que dan una visión amplia y plural del mar Mediterráneo, proponiendo una deriva por diferentes países que no impone ninguna lectura cerrada. Cada una de ellas aporta un aspecto específico: la importancia de la memoria (Beirut), la presencia de la violencia (Zagreb), la pujanza de la miseria y el racismo cotidiano (Marsella), la permanencia de la herencia colonial (Argel), el deseo constante de partir (Tánger), el mestizaje cultural (Estambul), la plasmación de la vida en los suburbios (Roma), la ocupación de las calles por los sectores más marginados (Barcelona) o el deseo de libertad política e individual (El Cairo), aspectos estos que se dan de un modo más palpable en unas que en otras, pero que son comunes a todas ellas. Con la suma de estas narraciones conseguimos formar en su conjunto un palimpsesto que nos acerca al carácter multifacético y plural que encontramos en todas y cada una de las ciudades aquí mencionadas.Cada artista y cada escritor (como O. Pamuk, J.C. Izzo, M. Chukri, P. P. Pasolini, J. Genet, N. Hammam, A. Menia, S. Iveković, W. Raad…) a los que se hace mención en estas páginas nos ofrecen collages representacionales que desbordan los límites de los estudios académicos, para darnos a conocer experiencias, impresiones y recuerdos propios en los que no hay lugar para las certitudes. El resultado de todo ello es la construcción de un relato incompleto, repleto de tramas poco conocidas y conformado por citas extrañas, conexiones inciertas y mundos imaginados donde todo puede suceder.
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El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad.¿Qué revela y qué oculta el perímetro de un objeto? ¿Cuál es la exactitud con la que rodean y miden las herramientas tecnológicas que median nuestra mirada? El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad. Nace de una intuición artística y desde la urgencia contemporánea de explorar el gesto de capturar, de congelar. En resumidas cuentas, de fotogrametrizar nuestro contexto. A través de textos ensayísticos y tres conversaciones, el libro aborda los usos de esta técnica en campos tan diferentes como la silvicultura, la medicina moderna o la digitalización de patrimonio o de obras de arte. Sus páginas interrogan sus posibilidades y limitaciones en relación a cuestiones como la propiedad, el colonialismo, las estructuras de conocimiento, los extractivismos, la creación de archivos, el biopoder, la conservación, la soberanía, la restitución, la reparación o la vida y la muerte.
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La naciente disciplina del psicoanálisis muy pronto demostró interés por las problemáticas estéticas, no ya sólo en las representaciones de los sueños y delirios. Empezando el siglo XX, el círculo de Sigmund Freud se dispuso a analizar las relaciones entre la psicología del individuo -con sus pulsiones, traumas y anhelos- y la creatividad artística, interpretando la obra de arte como la manifestación o resolución, siempre cambiante, de los conflictos del artista consigo mismo y con su entorno, o también como la concreción, más o menos armoniosa, de los tránsitos entre lo consciente y lo inconsciente.El presente texto de Otto Rank, publicado en 1907, fue, en este sentido, pionero, y abrió el camino a otros escritos sobre arte y psicología a cargo, señaladamente, de su maestro Freud o de su, por entonces, condiscípulo, Carl Gustav Jung.
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La historiadora del arte Linda Nochlin sostenía que toda política del cuerpo es una política de género, específica de un determinado periodo y de ciertas prácticas artísticas. Un buen ejemplo es el presente libro, dedicado a exudar la masculinidad en la formación del franquismo: ¿cuál es el cuerpo bueno y cuál el malo? ¿Dónde empieza la gloriosa erección? ¿Cómo se reconoce a una babosa? ¿Cómo se representa al que se asesina? Mediante un itinerario trazado con mojones iconográficos presentes en numerosos formatos expresivos de la época (pintura, literatura, cine, escultura, cómic, arquitectura), Rivas Venegas construye un formidable artilugio iconológico con el que destapar el modo en que el otro (ese hombre sin hombría, esa furia sin tesón y flácida) fue creado por el franquismo durante la guerra y en los primeros años de su victoria. Pero lo notable en el argumentario funcional de este libro es que habla en presente, aunque el temperamento de su autor no lo haga obvio. Solo un ermitaño podría desconocer los renovados discursos supremacistas de género que se despliegan en la actualidad. Atenazados por lo que consideran una ''pérdida de sustancia'' y sujetos a una falsa imposibilidad natural de procesar la rica complejidad que proporciona el feminismo(s) y el fin de la heteronormatividad, estos nuevos profetas de la virilidad se presentan con yelmos sobre torreones o en postura de jarras llevando calzones deportivos y sudaderas militares sobre los picos de las montañas, repartiendo ceniceros y defendiendo la mística penetradora de la muerte taurina.
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Una pintora de éxitoPintora de poderoso talento, Marie Laurencin (París 1883-1956) expondrá en el Salón de los Independientes de 1907, frecuentará los círculos fauvistas de Matisse y los cubistas de Picasso, y será la compañera y musa de Guillaume Apollinaire. Acabada la Primera Guerra mundial, dará con su característico estilo personal -elegante, etéreo, delicado y atemporal- que le abrirá las puertas del éxito, convirtiéndose en la retratista de la alta sociedad parisina, además de en ilustradora afamada y referente de la moda de su país.
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Dolfi era un joven delfín con una gran pasión: nadar en círculos. Una vuelta hacia la derecha. Una vuelta hacia la izquierda. Hasta que un día Lola, una pequeña orca, llegó a su piscina y le habló de un lugar maravilloso llamado océano. Descubre la historia de Dolf i y Lola,un emotivo y sorprendente relato que habla sobre los cetáceos que viven en cautividad.
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Aunque, a principios de los años 70, firmara algunos de los artículos más reseñables de la edad de oro de Rolling Stone -como el reportaje sobre Dennis Hopper en Nuevo México- Robin Green jamás fue reconocida en la revista como realmente se mereciera. Auténtica especialista en retratar al sujeto con una inalterable energía, no duró mucho en aquel selecto círculo del Nuevo Periodismo. Fue expulsada por el fundador de la revista Jann Wenner al negarse a cumplir un encargo con uno de los Kennedy, en un acontecimiento que quedaría para siempre en mítico imaginario de la prensa musical mundial. Con el paso del tiempo, ya como guionista y productora de televisión, Green recibió tres premios Emmy y dos Globos de Oro por su trabajo en las series Doctor en Alaska y Los Soprano.
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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L'art est la pointe tranchante de l'esprit, l'extension perpétuelle de la pensée vers l'inconnu, l'acte par lequel la pensée se pose éternellement un nouveau problème. L'art est cette attitude qui considère le monde comme un champ d'activité infini et indéterminé, une aventure perpétuelle.
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20 excursiones en torno a los monasterios. Este libro reúne dieciocho monasterios y dos santuarios muy interesantes para visitar, con una ruta para llegar o descubrir sus alrededores. Cada reseña incluye una guía práctica, propuestas de lugares de interés en la zona, los horarios de visita de los cenobios y otros portales de interés.
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El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo XX, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos, pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio, aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño y a nuestra vida, una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde.
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Como señalo Herbert Read, Arte y percepción visual -cuya primera edición data de 1954- fue «el primer intento sistemático de aplicar a las artes visuales los principios de la psicología de la gestalt». Desde un enfoque eminentemente práctico, Rudolf Arnheim -nacido en Berlín en 1904, catedrático de Psicología del Arte en la Universidad de Harvard desde 1968- deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo. En esta nueva versión -completamente revisada- el texto original ha ganado en precisión, conservando al tiempo la claridad de lenguaje que lo hace accesible al lector no especializado.
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Las magas de Nalsara lo han intentado todo para proteger a Cham, pero los addraks demuestran ser más fuertes. Raptan al chico y lo encierran en la Fortaleza Negra. Allí, Cham encuentra a su madre, desaparecida desde hace mucho tiempo. Los dos tienen una sola idea: escapar de la torre en la que están encerrados. Pero solo Nyne puede ayudarlos. La misión parece peligrosa...
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