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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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El libro empieza con la imagen de un tiburón clavadoen el tejado de una casa de Oxford. Al autor le llamala atención ese estar fuera de lugar y decide indagar en el tema.El resultado es el libro que escribedespués de viajar de Inglaterra a China en un carguero. Un texto lleno de referencias musicales, artísticas, cinematográficas, literarias acerca del conceptode Limbo, de la necesidad de ver la realidad desde fuera de ella para poder llegar a una vida artística. Limbo es un libro que nos conecta con nosotros mismos,que nos hace entender que no hay movimiento sin parálisis. Nos hace entender estos tiempos de confinamiento. Nos reconcilia con lo que nos está ocurriendo.Dan Fox: “La paciencia nos trae lo inesperado”Unlibro perfecto para aquellos lectores a los que lesgusta la no ficción, narradores que nos cuentan una experiencia y nos ofrecen referencias culturales. También es un libro de viaje.La mayoría de nosotros vivimos en un limbo porque también es ese lugar en elque todavía no te has encontrado a ti mismo y te mueves dando tumbos, encontrándote con fronteras y límites que no te dejan ser libre.
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This publication presents 100 utter masterpieces chosen from the extensive and invaluable holdings of the Spanish Royal Collections-which conserve more than 165,000 pieces. They are outstanding representatives of all the artistic disciplines that enrich the Crown's treasury: illuminated books of hours, small devotional paintings, delicate pieces of goldwork and large tapestries, mediaeval textiles, sculptures, weapons and armour, furniture, carriages, frescoes, spectacular fountains, celebrated paintings by Bosch, Titian, Velázquez, Caravaggio, Goya and, in short, grandiose works which combine all the arts, like the Throne Room of the Royal Palace of Madrid. With more than 100 full-page photographs and close-ups, each work is introduced by the conservators of the Royal Collections, which makes a publication, the first to accompany the opening of the Gallery of the Royal Collections, in which readers can become immersed, awestruck, in the great treasures harboured by Spanish Patrimonio Nacional (national heritage institution).
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Los equipos de entrenamiento con peso corporal en suspensión son uno de los aparatos de fitness más populares, y este libro supone un completo recurso para entrenar con ellos. En él hallará una exhaustiva guía de referencia que le enseñará a obtener lo m
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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Una exhaustiva monografía que recoge, en cuatro apartados, las ideas del artista sobre el arte en general y su obra en particular. En el capítulo Sobre la pintura se recopilan notas y escritos. En Arte y artistas habla de sus influencias y en Aforis
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Teoría del arte plantea un ajuste conceptual de las categorías de análisis y una nueva delimitación de los aspectos y manifestaciones que configuran en la actualidad la escena artística. Se trata de buscar una correspondencia en el plano teórico con lo que el arte es en nuestro tiempo, en lugar de seguir recurriendo a ideas y formulaciones que remiten al pasado, a un horizonte de la representación hace ya mucho tiempo definitivamente superado en nuestra cultura, en esta era de la imagen global. El libro está concebido para servir como texto de apoyo para la docencia e investigación en Teoría del arte. Pero está igualmente pensado como un texto de lectura amena y sugestiva, apoyado en ejemplos e imágenes concretos, que permita a las personas interesadas en comprender y disfrutar el arte de nuestro tiempo realizar una especie de viaje a ese universo, que a la vez atrae y desconcierta. Se trata de dar respuesta -o, mejor aún, de fijar los términos para que cada uno pueda darla por sí mismo- a cuestiones tan habituales hoy como: «pero ¿esto es «Arte»?», «¿por qué se considera esto «Arte»?», «¿quién lo determina así?».
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Para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y a mirar se aprende. Esto creía Fernando Zóbel (Manila, 1924–Roma, 1984), y así lo puso en práctica en una fascinante investigación pictórica, tan sistemática como creativa, que desarrolló a lo largo de más de cuatro décadas. Formado en Filipinas, Europa y América, graduado en Harvard e instalado en España desde finales de los años cincuenta, Zóbel fue al mismo tiempo pintor, estudioso, profesor, traductor, coleccionista y, entre otras iniciativas insólitas, el fundador de dos museos: la Ateneo Art Gallery en Manila (1961) y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca (1966).La pintura de Zóbel constituye un caso singular –si no único, desde luego extremo– de la vanguardia del siglo XX. Para él, provisto de un conocimiento profundo y brillante de las tradiciones artísticas y literarias de Occidente y de Asia, la modernidad no significaba la ruptura con la figuración y con la historia de la pintura, sino su redescubrimiento, no el olvido del pasado, sino el desvelamiento del futuro que encierra la obra de los grandes maestros. Zóbel. El futuro del pasado reconstruye el itinerario poético y artístico de un pintor guiado por un doble principio: “Enseñar a ver y aprender a ver”.Con textos de Florina H. Capistrano-Baker, Patrick Flores, Amy T. Chang, Alfonso de la Torre, Peter Soriano, Celina Quintas y David Plaza, Yiyi Liang, Miguel Peña Méndez y Ángeles Villalba Salvador.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Edición facsímil, con traducciones al francés y al inglés, que narra las vivencias de Santiago Rusiñol y Ramon Casas en el París del Moulin de la Galette entre 1890 y 1892. Publicado originalmente en 1894.
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¿Cómo puede ayudar a ahorrar millones a tu empresa la contemplación de los cuadros de nenúfares de Monet? ¿Cómo puede frustrar un ataque terrorista la observación del calzado que lleva la gente? ¿Cómo puede vencer en una discusión, tranquilizar a tus hijo
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Ángel Sánchez Rivero (1888-1930) es uno de los grandes desconocidos de la segunda edad de oro de nuestra cultura. Su obra ensayística conforma un corpus breve en extensión pero de calidad excepcional. Este volumen recoge la práctica totalidad de sus
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A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su la
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L'art gràfic a Amèrica del Nord, que va fer eclosió en 1960, proporciona una visió fresca i diversa dels artistes davant els diferents períodes de profunds canvis socials i polítics que s'han viscut i es continuen vivint als Estats Units. Llibre sobre l'exposició de La Caixa que va recollir peces d'obra gràfica d'artistes com Andy Warhol, Jasper Johns o Robert Rauschenberg.
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Nueve meses con los rojos en Madrid es uno de los rel
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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Bartolomé Esteban Murillo (1618-1662) cautivó la imaginación de los británicos en los siglos XVIII y XIX. Los coleccionistas adinerados competían por sus mejores obras, los artistas imitaban su estilo y adoptaban sus temas, y se vertieron ríos de tinta elogiando su arte. Aunque la popularidad del sevillano declinó en el siglo XX, su legado sigue vivo en las grandes colecciones públicas de los museos británicos e irlandeses, que en este sentido no tienen parangón fuera de España. Este libro estudia a los coleccionistas, entendidos, viajeros y artistas que dieron a conocer a Murillo en las islas británicas. Doce especialistas analizan en profundidad cómo creció y cambió el gusto por Murillo en el transcurso de dos centurias. En sus textos, revisan el papel de destacados coleccionistas –desde Robert Walpole hasta Alfred Beit– y analizan a fondo los primeros escritos de Richard Ford y William Stirling Maxwell sobre Murillo. Las complejas redes de diplomáticos, viajeros y expatriados en Madrid y Sevilla se abordan desde puntos de vista complementarios que subrayan el interés por el arte de Murillo en aquella época. Apoyándose en abundante material de archivo, en gran medida inédito, los autores arrojan nueva luz sobre estos personajes, sus colecciones y su relación con un artista que contribuyó a modelar el gusto de los británicos durante más de un siglo.
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Uno de los libros más exhaustivos e ilustrativos de la obra del polifacético artista mexicano Damián Ortega. Publicado con motivo de la exposición homónima en el Centro Botín, Santander y comisariado por Vicente Todolí que resalta el ingenio y el humor de Ortega para deconstruir objetos y procesos conocidos, alterando sus funciones y transformándolos en experiencias novedosas y situaciones hipotéticas.Textos del comisario y crítico de arte Peio Aguirre. 9 poemas concretos del escritor Rafael Toriz. Conversación entre el artista Damián Ortega y la comisaria Roberta Tenconi.
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Para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y a mirar se aprende. Esto creía Fernando Zóbel (Manila, 1924–Roma, 1984), y así lo puso en práctica en una fascinante investigación pictórica, tan sistemática como creativa, que desarrolló a lo largo de más de cuatro décadas. Formado en Filipinas, Europa y América, graduado en Harvard e instalado en España desde finales de los años cincuenta, Zóbel fue al mismo tiempo pintor, estudioso, profesor, traductor, coleccionista y, entre otras iniciativas insólitas, el fundador de dos museos: la Ateneo Art Gallery en Manila (1961) y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca (1966). La pintura de Zóbel constituye un caso singular –si no único, desde luego extremo– de la vanguardia del siglo XX. Para él, provisto de un conocimiento profundo y brillante de las tradiciones artísticas y literarias de Occidente y de Asia, la modernidad no significaba la ruptura con la figuración y con la historia de la pintura, sino su redescubrimiento, no el olvido del pasado, sino el desvelamiento del futuro que encierra la obra de los grandes maestros. Zóbel. El futuro del pasado reconstruye el itinerario poético y artístico de un pintor guiado por un doble principio: Enseñar a ver y aprender a ver .
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«Hacemos turismo cultural, visitamos iglesias y catedrales, nos arrobamos ante la belleza de los frescos románicos, de los lienzos renacentistas, de los retablos barrocos, de las imágenes de bulto talladas en sillerías, canecillos y retablos, de las prodigiosas arquitecturas que conforman el edificio, pero no entendemos lo que representan.»¿Qué diferencia una iglesia de una catedral? ¿Por qué se representa el Espíritu Santo mediante una paloma? ¿Por qué al evangelista san Juan se le muestra unas veces imberbe y otras con barba? ¿Cómo distinguimos a san Judas Tadeo de Judas Iscariote? ¿Hubo una santa tutelar de las prostitutas? ¿Qué determina el grado de santidad de una reliquia? Con la inmensa capacidad divulgativa y el refinadísimo sentido del humor que lo caracterizan, Juan Eslava Galán nos guía por el arte religioso español más importante y nos enseña a interpretarlo y a disfrutarlo.El autor nos ayudará a descifrar el arte religioso que nos rodea a través de su historia y sus representaciones y, en consecuencia, a entender la cultura en la que vivimos y que a menudo desconocemos o hemos olvidado.
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Josep Aragay i Blanchar (Barcelona, 1889 - Breda, 1973) va ser dibuixant, pintor i ceramista, però també destacà com a teoritzador del Noucentisme amb la publicació d'articles, conferències, assaigs i crítiques d'art. Si bé no fou un autor prolífic en el món de les lletres, alguns dels seus textos com La pintura catalana contemporània, la seva herència i el seu llegat (1916) i, sobretot, El Nacionalisme de l'Art (1920) esdevindrien programàtics i sempre envoltats de polèmica. Aragay va publicar a Vell i Nou, La Revista, La Publicitat, La Veu de Catalunya o Mirador amb la voluntat d'infondre els valors ètics i estètics del classicisme a casa nostra. També es dedicà a combatre els artistes de la generació anterior -modernistes, romàntics i acadèmics- i els pintors d'avantguarda -futuristes i cubistes-, cosa que el posicionà com un dels autors més bel·ligerants del Noucentisme. Xavier Castanyer ha recuperat una trentena de textos 'de combat' publicats entre 1915 i 1934, que s'ha encarregat d'analitzar i de posar en context en el marc general de l'art català contemporani i del període del Noucentisme en particular. Els articles han estat reproduïts en una segona part del llibre amb l'objectiu de posar l'obra teòrica d'Aragay a l'abast del lector.
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Indis i negres catalans de santes Creus a Santo domingo (9788494233425) és un assaig de Jordi Peñarroja sobre la memòria d'Àfrica i Amèrica en l'Art Romànic. Els pedrapiquers catalans van més enllà de la mestria en cisellar la pedra i deixen una interessant visió del seu món plantada a l'arquitectura del seu temps. Aquest testimoni que guarda l'escultura ornamental esdevé memòria de pedra d'un país i la seva gent. Hi ha memòria d'Àfrica al Romànic? Per què hi ha negres escampats arreu de la geografia catalana en edificis dels segles XIV al XVI? Hi ha testimoni dels indis que Colom troba a la Hispaniola? Com es construeix al segle XVI una còpia d'una església gòtica catalana que serà la primera catedral d'Amèrica? Pedres que ens parlen de tot això es mostren a la nostra mirada. Aquest llibre en recull una bona mostra que permet en poc més de set-centes imatges una insòlita aproximació a l'art català com a document per a la història.
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Un conjunto de capas y capas de literatura oblicuas y entrelazadas a cargo de Chus Martínez, Ignacio Vidal-Folch, Enrique Vila-Matas así como del propio Guillermo Santomà. Todo ello acompañado de las fotografías de José Hevia y Rafa Castells que documentaron la intervención que tuvo lugar durante 2019 en el Museo Cerralbo de Madrid, producida por Side Gallery y Etage Projects.
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Este libro versa sobre el proceso de institucionalización del Museo del Prado, que le ha permitido llegara ser el gran museo nacional que es y que atesora algo de lo más valioso que tenemos como país, lo que nospermite a los españoles andar por el mundo con la cabeza muy alta, orgullosos de ser sus legítimos dueños. En él se exponen las corrientes de ideas que contribuyeron a alimentarlo.
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