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Gèneres Literaris
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Este libro se origina a partir de la voluntad de ampliar los debates en torno a la poesía performativa desde sus orígenes y sus intersecciones con la música. La particular atención dedicada a las producciones poéticas chilenas se debe a que Chile se considera un contexto periférico por antonomasia por ser un país que geográficamente se encuentra en una posición alejada del «centro». En este sentido, es un objeto de análisis ideal dentro del debate sobre la necesidad de poner la atención acerca de un tipo de arte híbrido en que la poesía esté al alcance de todos y responda a la búsqueda de un lenguaje, tanto de exploración como identitario, acorde a la fluidez de la sociedad contemporánea. Tratándose de un asunto de difícil definición, debido a sus intersecciones con otros medios, la autora propone una orientación interdisciplinaria que permita analizar el diálogo que se establece entre poesía, música y voz, que, en la literatura ultracontemporánea, desemboca en la poesía experimental y en el concepto de «poesía en expansión». Enfocar el estudio sobre América Latina, examinando la poesía contemporánea, performativa y transmedial desde una perspectiva marginal, permite iluminar los contextos sociales subalternos. Aquí se consideran algunas representaciones de la marginalidad estudiándolas en contraposición con el centro, ocupado por Raúl Zurita. A través de la problematización de los lenguajes dominantes y una práctica de descentralización y de ruptura de las lógicas de poder, el poeta chileno ha transformado completamente el lenguaje artístico y poético, llegando a representar un paradigma del margen. El análisis de una de sus obras más recientes, Desiertos de amor (2018), permite destacar cómo la poesía performativa se vuelve un producto trasmodal ya que la performance sonora del autor se transpone a otros len¬guajes que dialogan entre ellos. Finalmente, Alice Favaro propone el estudio de uno de los más activos grupos de poetas-músicos de la escena chilena contemporánea, la Orquesta de Poetas, que trata de experimentar las posibles interconexiones entre la poesía sonora y la música realizando obras caracterizadas por la hibridez formal. Aquí el concepto de poesía migrante permite explorar aquellos intersticios entre los lenguajes, que generalmente quedan como espacios residuales, en que el cuerpo desempeña un rol protagónico y donde la performance se convierte, a la vez, en un acto subversivo y creativo. Alice Favaro es docente de Lengua y Literaturas Hispanoamericanas en el Departamento de Estudios Lingüísticos y Culturales Comparados de la Universidad Ca' Foscari de Venecia, donde obtuvo el título de Doctor Europaeus en Lenguas, Culturas y Sociedades Modernas. Es autora de las monografías Más allá de la palabra. Transposiciones de la literatura argentina a la historieta (Buenos Aires, Biblos, 2017) y Después de la caída del «ángel». Ángel Bonomini: un escritor argentino olvidado (Venecia, Edizioni Ca' Foscari, 2020).
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Escrito en la arena es una muy peculiar historia de la literatura árabe, que no se ordena según los criterios habituales de esta clase de estudios. No son los modos literarios, esto es, la expresión en verso, en prosa o en prosa rimada, los que organizan el acercamiento de Montserrat Abumalham a la literatura árabe. Pero tampoco es la división por épocas, períodos, dinastías o grupos eminentes de escritores, conforme a los patrones historicistas al uso, la que da sentido a la exposición de las piezas y obras literarias que comparecen en este libro. Son los géneros -proverbial, amoroso, religioso, etc.- los que constituyen su centro de gravedad, pues solo a partir de ellos puede rastrearse un sentido particular de la estética, una seña de identidad de la literatura árabe, que permanece a lo largo de los siglos y que incluso es anterior al surgimiento del islam.
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Este es un libro que, en paradójica oposición a la sugerencia del título, nos ilumina. Sus once relatos calan con hondura en complejos vínculos humanos, en sus aristas más filosas e inesperadas, y no solo nos iluminan sino que lo hacen incluso luego de estremecernos y herirnos.
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Aunque los libros de un escritor suelen despertar mayor interés que su vida, la obra de Azorín no se entiende, en toda su complejidad, si no conocemos las coordenadas en las que se forjó su personalidad y se desarrolló su vida y su obra. José Martínez Ruiz, Azorín, nació en 1873 y murió en 1967. Fue, por tanto, actor y espectador privilegiado de la sociedad y la cultura españolas durante el último tercio del siglo XIX y los tres primeros del XX. Como integrante -quizá el más representativo- de la Generación del 98, personificó el intento de regenerar España en una de las horas más graves de su historia. La biografía que el lector tiene en sus manos (la más exhaustiva y documentada de las que existen sobre su figura) reconstruye la trayectoria vital y profesional de unos de los creadores más originales de la literatura española contemporánea, un escritor clásico y modernos a parte iguales.
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Una obra imprescindible para ahondar en el pensamiento de uno de los escritores más importantes de nuestra época. Más de la mitad de los textos de este libro (cartas, entrevistas o artículos) se tradujeron al castellano por primera vez en 2011, y se publicaron en esta misma colección bajo el título Intervenciones. La presente edición, con la incorporación de los textos nuevos, prosigue con el recorrido de coherencia y exigencia agudas, de una factura implacable, dibujado entonces.Como cuenta el mismo Michel Houellebecq: «Aunque no pretendo ser un artista comprometido, en estos textos me he esforzado por persuadir a mis lectores de la validez de mis puntos de vista: rara vez en el plano político, mayoritariamente sobre temáticas sociales, de vez en cuando a nivel literario.Estas son mis últimas intervenciones. No prometo en absoluto dejar de pensar, pero sí al menos dejar de comunicar mis pensamientos y opiniones al público, excepto en casos de grave urgencia moral: por ejemplo, si se legalizase la eutanasia [en Francia] -no creo que se presenten otros, en el tiempo que me queda por vivir-. He tratado de disponer estas intervenciones en orden cronológico, en la medida en que he sido capaz de recordar las fechas. La existencia, al menos aparente, del tiempo siempre ha sido una gran molestia para mí, pero se ha desarrollado el hábito de ver las cosas en estos términos. Por una vez, lo tolero.»Más intervenciones es un compendio imprescindible para ahondar en el pensamiento de uno de los escritores más importantes de nuestra época.
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Arde la palabra y otros incendios no es sólo un libro de crítica literaria, sino un homenaje a la literatura.Este ensayo de Ana Luísa Amaral nace de su experiencia lectora. En este libro se enfrentan varios temas desde Emily Dickinson y Mário de Sá-Carneiro, hasta viejas aventuras románticas del ensayista que tanto tradujo a Emily, incluida la teoría queer, de la cual el citado profesor es uno de los expertos más destacados de Portugal. Y, al final, en torno a este animal inquieto que es el literatura, una obra de teatro en tres actos, una celebración de la hibridación que no es signo de gloria, sino de Vida pura, vida indomable e incierta.
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Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y el genio literario, desmontando tópicos románticos, con ejemplos de grandes escritores.'Locura y literatura: una amistad peligrosa', del psiquiatra y escritor Rafael Manrique aborda la relación existente entre los desequilibrios mentales y la genialidad a nivel literario y sin clichés románticos. La charla, a la que seguirá una conversación con el público asistente, pretende desmontar algunos de los tópicos que se utilizan de forma recurrente a la hora de abordar el vínculo entre el talento creativo y la locura en el ámbito de la literatura.¿Es un mito? ¿Hay algo de realidad? ¿Qué es la locura? ¿Tienen los creadores rasgos de personalidad diferenciados? ¿Son los que piensan, sienten, ven o viven de una manera poco común unos locos? ¿La creatividad y la locura van de la mano? Manrique reflexiona sobre todas estas cosas en un libro en el que se hablar de escritores a los que se ha llegado a considerar unos locos y, también, sobre el cariz romántico que se atribuye a la enfermedad mental cuando se vincula al ámbito de la creación.Kafka, Silvia Plath, Alejandra Pizarnik, David Foster Wallace, Cesar Pavese, Virginia Woolf, Alfonsina Storni, Gabriel Ferrater, Leopoldo María Panero, Edgar Allan Poe, Fernando Pessoa… es larga la lista de escritores atormentados, que tuvieron dificultades vinculadas a la salud mental, que sufrieron depresión o adicciones, que se quitaron la vida o pasaron una parte de ella en psiquiátricos. De algunos de estos autores y de otros se habla en esta obra en la que Manrique trata de responder a una pregunta básica: ¿las personas que realmente pierden la cabeza pueden escribir cosas significativas?Psiquiatra y ensayista español, Rafael Manrique ejerce la práctica privada y es especialista en terapia familiar y de pareja, siendo colaborador habitual de numerosos medios de comunicación y profesor invitado en varias universidades, tanto en España como en Latinoamérica. A lo largo de su carrera ha publicado varios libros sobre temas como la propia psicoterapia, las relaciones de pareja, el erotismo o la naturaleza del amor. Además, Manrique ha publicado tanto libros de viajes como ensayo literario.
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En este libro, Jean- Pierre Castellani relata cuarenta años de compañerismo con Marguerite Yourcenar. Sin conocerla nunca, ni siquiera por teléfono. La génesis de esta historia es relativamente sencilla, aunque singular. El relato está repleto de anécdotas, encuentros e historias que, al fin y al cabo, dibujan un vívido retrato de Marguerite Yourcenar. Lejos del discurso académico tradicional, se habla de un viaje recorrido primero en soledad, después en compañía de un buen puñado de amigos, esparcidos por todo el mundo. El autor nos lleva de Italia a Argentina, De Rumanía a Argelia, de Grecia a Japón, de España a Portugal. Una a ventura extraordinaria que trastornó su tranquila vida académica y lo condujo a viajar por todo el mundo, siguiendo los pasos de la escritora nómada. Quiero contarle ahora la increíble relación que establecí con usted, absolutamente no preparada pero aceptada con entusiasmo, en una extraña carta, yo que nunca le escribí durante su vida. ¡Aunque he estudiado tantas cartas suyas! Intentaré ser breve, ¡pero tengo mucho que contarle!
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Esta colección de testimonios de primera mano y ensayos críticos sobre la deslumbrante obra del poeta peruano Eduardo Chirinos (1960-2016) es un puente entre lectores contemporáneos del poeta y lectores por venir. Es también un primer juicio crítico sobre un poeta de múltiples registros y tonos, pues sus libros, conservando una marca inconfundible, iban transformando su forma de uno a otro con envidiable ductilidad. Las contribuciones, firmadas por académicos, poetas y escritores de diversos lugares del mundo, son testimonio de la importancia de la poesía de Chirinos en el ámbito iberoamericano. Entre ellas encontramos recuerdos de amigos de infancia en que se avizoran los rumbos que tomaría con el tiempo la obra de Chirinos, reflexiones sobre la vinculación de su poesía con otras fuentes como la música, y temas importantes para el poeta como el exilio, la extranjería, la enfermedad y el mundo animal, real e imaginario. El primer libro de estudios y testimonios dedicados a Eduardo Chirinos, uno de los poetas más importantes del cambio de siglo en lengua española.
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La novela negra, en sus diversas variantes, requiere del escritor un esfuerzo particularmente acusado, pues la trama se sustenta por lo común en un engranaje bien armado, en una arquitectura sólida e inapelable en la que todos y cada uno de los elementos que la conforman están integrados con perfecta coherencia. Nada debe quedar al azar. Esa es la naturaleza del género, la credibilidad del proceso que conduce a la detención del criminal o, cuando esta no se produce, a su triunfo. Por tal circunstancia, el autor de novela negra o policíaca precisa de un conocimiento amplio de las herramientas que en la vida real permiten a los investigadores conducir y llevar a buen término la indagación de un asesinato, los móviles que lo propiciaron y la identificación del culpable. Y dentro de esa panoplia de herramientas no desempeña un rol menor la ciencia forense, que con el correr de los años ha permitido desentrañar no pocos crímenes cuya resolución parecía de antemano imposible. Este libro es de imprescindible lectura para cualquiera que esté interesado en escribir (o leer con asiduidad) novela negra. En síntesis, se trata de un compendio de los criterios y prácticas forenses que, de manera habitual y general, se llevan a cabo, y que suelen distar mucho de la ficción que se exhibe en las series de televisión y en las aproximaciones literarias menos documentadas. El resultado es una obra fascinante, tan esclarecedora como útil para quienes aspiren a doctorarse en un género que explora los pérfiles más sórdidos de nuestras sociedades modernas.
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«Si no soy escritor no soy nada». Las cartas de Kurt Vonnegut, por primera vez traducidas al castellano. Un testimonio imprescindible de su esencia como hombre y su filosofía de vida. Pocos autores en nuestro tiempo han conseguido influir en tantas generaciones diferentes. Y mucho menos convertirse en iconos antibelicista de la contracultura, y del humanismo. Quizá por ello es tan vigente la figura de Kurt Vonnegut y son tan relevantes, aún hoy en día, sus cartas.El presente volumen constituye una vasta, rigurosa y completa compilación de la correspondencia de Vonnegut, que abarca desde la década de los años cuarenta, en sus albores como escritor, hasta los primeros años del siglo XXI. La colección comprende correos personales y profesionales en los que se alcanza a vislumbrar la dimensión humana del hombre, más que del autor, quien se dirige a sus interlocutores con la tranquilidad, la confianza y la honestidad que la intimidad de esos textos proporciona. Al mismo tiempo, describe al detalle el proceso de creación y edición de sus obras, ofreciendo una guía perfecta para acompañar la lectura de sus novelas y situarlas en contexto o releerlas bajo una nueva luz.
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Este libro viene a culminar la labor de investigación del grupo Andalucía Literaria, del Plan Andaluz de Investigación de la Junta de Andalucía, que ha venido dirigiendo el profesor Diego Martínez Torrón desde 1991. Ideología y castas en Cervantes intenta una aproximación, en diversas calas, al cervantismo de los siglos XVIII, XIX y XX. Y ofrece una nueva comprensión del pensamiento de Cervantes. Se abre con un pormenorizado y extenso trabajo de Diego Martínez Torrón, que analiza detenidamente la totalidad de la obra filológica de Américo Castro, interpretando su pensamiento. Los trabajos de Américo Castro ofrecen un intento de indagar en cuestiones de contenido, frente al formalismo de la filología tradicional de la época, basándose sobre todo en el estudio de las castas en la nación española. Pero a la vez este ensayo aborda también el tema de las castas que don Américo no estudia: la de los gitanos -a partir de un análisis de La gitanilla de Cervantes-, y la de los pícaros, con interpretaciones novedosas que atienden tanto a la novela picaresca, como sobre todo a Rinconete y Cortadillo, visto desde una perspectiva diferente. De Martínez Torrón se contiene también otro extenso trabajo sobre el Quijote de Bowle, en el que se analizan igualmente las anotaciones de las ediciones de Pellicer en el XVIII, de Clemencín en el XIX y las anotaciones de Bastús. De este modo se clarifica la evolución de la ecdótica cervantina desde la Ilustración al Romanticismo. Los profesores Santiago López-Ríos y Jaime Olmedo Ramos aportan el análisis y una valiosa colección de cartas inéditas de Américo Castro a Santiago Alba, que ilustran los avatares de la acción cultural española de don Américo en el exterior, entre 1921 y 1924, dentro de la Oficina de Relaciones Culturales, que iba a realizar investigaciones similares a las que Menéndez Pidal coordinó en el Centro de Estudios Filológicos. El epistolario que aquí se recoge es de interés para comprender el pensamiento, la labor y el temperamento de Castro. El profesor Antonio Varo Baena aporta interesante correspondencia inédita que Luis Astrana Marín cruza, entre 1950 y 1957, con el académico José Cobos Jiménez. De este modo se contextualizan las indagaciones de Astrana para componer su monumental Vida ejemplar y heroica de Miguel de Cervantes Saavedra. El profesor Antonio Arroyo Almaraz ofrece un estudio acerca de un curioso texto de tema cervantino aparecido en el Diario de Madrid en 1805, y debido a la pluma de Nicolás Pérez, el Setabiense, que aborda de modo crítico la obra de Cervantes, y que contiene interesantes sugerencias acerca de las polémicas propias de la época. Fue contestado por Juan Antonio Pellicer y Saforcada en 1806. Concluye el libro con un trabajo sobre el erasmismo cervantino de la joven profesora Beatriz López Pastor. Este libro constituye así un intento diferente, que se aparta del cervantismo formalista. Y aporta, en definitiva, una hermosa visión del pensamiento de Cervantes, con aspectos que estaban necesitados de estudio.
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UN RELATO ÚNICO SOBRE UNA EXISTENCIA IRREPRIMIBLE, VIVIDA HASTA EL EXTREMO BASADA EN HECHOS REALES A los veintidós años, Elizabeth Gilbert hacía todo lo que podía para evitar un trabajo a jornada completa. Trabajaba en ranchos en Wyoming, montaba a caballo como si fuera una vaquera y se enamoró de los cowboys que constituían el último vestigio de la frontera estadounidense que ella echaba tanto de menos. Y entonces conoció a Eustace Conway. Eustace Conway no se parecía a ningún otro hombre. En 1977, con diecisiete años, abandonó su hogar para trasladarse a los montes Apalaches. Durante más de dos décadas vivió allí, haciendo fuego con palos, vistiendo pieles de animales y construyendo, cultivando y cazando todo lo que necesitaba para subsistir.Elizabeth Gilbert, deslumbrada por sus relatos y aventuras, se decidió a reconstruir su vida: la historia del hombre que recorrió el Mississippi en una canoa de madera hecha a mano, que caminó los más de tres mil kilómetros del Sendero de los Apalaches, y que cruzó los Alpes alemanes en zapatillas deportivas.La crítica ha dicho:«El mejor examen de la masculinidad americana y la naturaleza salvaje desde Hacia rutas salvajes de Jon Krakauer».Outside «Una narración cautivadora, profunda y apasionante».Los Angeles Times«Es imposible no caer en el hechizo de Eustace Conway. Sus logros, su alegría y su fuerza parecen casi milagrosos».The New York Times
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Un texto iluminador sobre la relación entre clase social y literatura que subraya el poder liberador de la escritura- El tema de esta conferencia que Virginia Woolf pronunció en una asociación obrera en mayo de 1940, en plena Guerra Mundial, es una cuestión tan candente entonces como ahora: cómo influye la clase social de los autores en las obras que producen, y qué literatura podría surgir de una sociedad más igualitaria. El resultado es un alegato emocionante y crítico que defiende el poder liberador de la escritura. Esta nueva traducción de Rafael Accorinti incluye un prólogo escrito por la escritora Laura Casielles, que interpreta las palabras de Woolf desde una pers-pectiva contemporánea y las inscribe en los debates actuales sobre clase, cultura y opinión.
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Cees Nooteboom visita a sus " muertos amados" allá donde se encuentren para entablar diálogos con ellos, para verificar suinmortalidad. Peregrinó a la tumba deNeruda en Chile, a las de Vallejo y Cortázar en París, a la de Antonio Machado e
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Este libro desvela, analiza e interpreta las dialécticas que articulan la representación del espacio en la poesía de tres exiliados republicanos (Emilio Prados, Juan Ramón Jiménez y Luis Cernuda), con un doble fin: reconceptualizar la poesía del exilio republicano español como un discurso definido por dialécticas irresolutas más que por la homogeneidad, y mostrar cómo la representación del espacio fue un ámbito donde la poesía del exilio republicano complicó (fortaleciendo y desafiando a un tiempo) el discurso hegemónico de la modernidad española durante el franquismo. Este libro considera entonces la producción cultural del exilio republicano como un discurso no solo sobre la identidad o la subjetividad, sino también (y especialmente) sobre el espacio. Este giro hermenéutico propone una perspectiva novedosa y fértil por tres razones principales. En primer lugar, plantea la necesidad de que los estudios sobre la producción cultural del exilio republicano adopten metodologías de análisis más cercanas al pensamiento dialéctico. En segundo lugar, además de desvelar algunas vías de ida y vuelta entre la cultura del franquismo y la cultura del exilio durante los años cuarenta y cincuenta, introduce la poesía del exilio republicano en el debate cultural y económico sobre el papel de la naturaleza en el urbanismo moderno. En tercer lugar, frente a otros estudios enfocados en la resistencia al franquismo por medio de la cultura de masas o de una lucha política más explícita, contribuye a comprender el fundamental (y, en muchos sentidos, paradójico) papel que tuvo la alta cultura en esta misma lucha. Goretti Ramírez es profesora de literatura española moderna en Concordia University (Montreal, Canadá). Su investigación se centra en la poesía y la historia intectual del siglo XX español, con énfasis en el exilio republicano y María Zambrano. Es coeditora del volumen VI de las Obras completas de María Zambrano, titulado Escritos autobiográficos. Delirios. Poemas (1928-1990). Delirio y destino (1952) (2014), y autora del libro María Zambrano, crítica literaria (2004), así como de artículos y comunicaciones sobre José Bergamín, Luis Cernuda, Rosa Chacel, Bernardo Clariana, Federico García Lorca, Cristina Iglesias, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado, José Ortega y Gasset, Emilio Prados, José Ángel Valente y Remedios Varo, entre otros. Pertenece al Consejo de Redacción de la Revista Canadiense de Estudios Hispánicos y al Consejo Asesor de Antígona. Revista de la Fundación María Zambrano y Aurora. Papeles del Seminario María Zambrano.
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La relación de Gerardo Diego con la música es la másextensa e intensa de todos los escritores del siglo XX. Sólo Pérez Galdós en el XIX podría parangonárseleen su obra narrativa. Este libro se basa en el estudio musical de toda su poesía, de la más antigua a la poesía final, es decir, una actividad de casi siete décadas, y tanto en la poesía más vanguardista como enla más tradicional, pues el santanderino se expresó con toda normalidad, y al mismo tiempo, en todos los géneros poéticos. También se basa, naturalmente, en loque sobre todo ello escribió el autor en su obra enprosa. El lazo de unión es casi siempre una imagen musical, desde la más abstracta a la más cercana incluso a la grafía musical. Gerardo Diego es el escritorespañol que más veces partió de lo musical para crearsus poemas, tanto en España como probablemente en elresto del mundo. Gerardo Diego (Santander, 1896-Madrid, 1987) es uno de los más afamados poetas de la llamada Generación del 27, y un excelente estudioso dela poesía española, tanto antigua como contemporánea.Antonio Gallego Gallego (Zamora, 1942) es tituladopor el Conservatorio de Valladolid, y licenciado enArte por la Complutense. Ha sido catedrático de Musicología y subdirector del Real Conservatorio Superiorde Madrid, y director de Actividades Culturales de laFundación Juan March. Ha publicado numerosos librossobre diversas materias: música en general, iconografía musical, o sobre grabado (Historia del grabado enEspaña, 1979, 1990, 1999). Ha prestado también especial atención a las relaciones entre literatura y música: Al son del roncón. La música en los poetas asturianos (2006), Gerardo Diego. Poemas musicales. Antología (2012), Número sonoro o lengua de la pasión. La música ilustrada de los jesuitas expulsos (2015), o Galdós en el Real. La ópera en sus narraciones (2020). Sobre Gerardo Diego y la música, además de la antologíacitada, es autor de otros estudios, reseñados en laabundante bibliografía final de este libro. Miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Real Academia de Extremadura, presideel Comité científico de Archivo Manuel de Falla y esmiembro permanente del patronato de la Fundación Guerrero.
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El ruido del tiempo' -libro que Ósip Mandelstam empieza a escribir en otoño de 1923 en Crimea y que prosigue en San Petersburgo y Moscú, hasta su publicación dos años después- cubre el arco temporal que corresponde a la infancia y adolescencia del autor. En él, por una parte, hallamos los recuerdos familiares, incluida la compleja relación de Mandelstam con el judaísmo, y por otra, la vida en San Petersburgo, la entonces capital administrativa del imperio zarista a la que la familia se traslada en 1897. Muchas de sus páginas están dedicadas a esta ciudad, cuya geometría marcará decisivamente el imaginario del futuro poeta, así como a captar la tensión irresuelta entre tiempo y memoria en el momento previo a la Revolución que romperá todas las brújulas. A caballo entre dos siglos que son también dos mundos, el joven Mandelstam se confiesa hostil a las epopeyas. No estamos, pese a las apariencias, ante una autobiografía nostálgica. El autor apenas se autoanaliza, ni le interesa apelar al encanto de una época pasada, más dichosa que los difíciles años en que escribe y publica estas páginas. Habla de su niñez y entorno familiar, de los libros que lo formaron, de la escuela, de algunos encuentros y experiencias decisivas, pero siempre con una distancia irónica. Parece a veces la historia de la germinación de un lenguaje propio, el que Mandelstam desarrollará cuando empiece a escribir versos, curiosamente el año en que finalizan los recuerdos aquí reunidos. Ósip Mandelstam (Varsovia, 1891 - Vladivostok, 1938), poeta y ensayista ruso, creció en una familia judía en San Petersburgo y vivió los años de la Revolución y el posterior ascenso de la Unión Soviética. Publicó en vida dos poemarios, Piedra (1913) y Tristia (1922), que cambiaron para siempre el panorama literario en lengua rusa. En 1934 fue denunciado y arrestado por escribir un poema satírico contra Stalin. A partir de entonces, vivió unos años de existencia nómada junto a su mujer, Nadiezhda Khazina, durante los que trabajó como traductor y escribió libros infantiles. Cuatro años más tarde sufrió un nuevo arresto y fue condenado a trabajos forzados. Murió en un campo de tránsito cercano a Vladivostok el 27 de diciembre de 1938.
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En la obra de Luis Cernuda el exilio es mucho más que una temática —ya estudiada convenientemente por la crítica—, porque más allá de ser motivo y motor esencial en La Realidad y el Deseo, determina las bases del discurso poético, y es visible tanto en el tipo de enunciación como en la disposición gráfica de los versos en la página, así como en el tratamiento de ciertos motivos recurrentes.Este estudio tiene por objetivo definir una poética —arte y método— mediante un análisis de los procedimientos que Luis Cernuda despliega, en el mismo corazón de la escritura, para expresar mediante todo tipo de estrategias su experiencia del exilio.Gracias a las diferentes posibilidades de enunciación, el poeta construye un sujeto desintegrado que sólo la actividad del lector hará único y reconocible. Por otra parte, la disposición espacial de las palabras contribuye sobremanera a la expresión del exilio, puesto que el yo llega a quedar aislado visualmente en el espacio de la página, separado por un blanco tipográfico del mundo y del poema, ocupando un lugar cada vez más exiguo, mediante una progresiva reducción de formas y versos, hasta llegar a una suerte de transparencia. Por último, la huida y la piedra, motivos recurrentes en la obra de Luis Cernuda, resultan ser dos poderosos vectores de la escritura del aislamiento, del desarraigo.
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Los presentes Estudios, compuestos a lo largo de muchos años de investigación, tratan de autores famosos con perspectivas insólitas (Machado y García Lorca), plantean los problemas del lenguaje en poetas de valía normalmente indiscutida (Guillén, Aleixandre, Alberti), y, de forma monográfica o pasajera, ponen el acento en otros menos sonados (Domenchina, Prados, Quiroga Plá, Vivanco, Deniz), cuya obra, marginal, marginada o simplemente ignorada, puede alterar nuestra visión de la llamada Edad de Plata.A ello se suman análisis del teatro breve de Max Aub, la narrativa de Blanco Aguinaga, o el legado de los poetas hispanomexicanos, más una semblanza de dos grandes autores portugueses: Fernando Pessoa, a través de su heterónimo Caeiro, y el crítico António José Saraiva. Cierra el libro un ensayo algo sombrío sobre la situación actual de la poesía propiamente dicha y de otras artes, en especial la música, con diversos testimonios y síntomas de su previsible futuro.Un libro sobre literatura española y portuguesa del siglo XX, poco recomendable para conformistas y optimistas de oficio.Antonio Carreira. Doctor en Filología Románica y Catedrático de Lengua y Literatura Españolas, jubilado. Profesor invitado en l'Université Catholique de l'Ouest (Angers, Francia), en la de California (San Diego, EE.UU.), y en el Colegio de México. Ha dado conferencias en varias universidades de Europa y América. Pertenece al Centro para la Edición de los Clásicos Españoles (CECE), y al consejo de redacción de La Perinola, Nueva Revista de Filología Hispánica y Bulletin Hispanique. Es especialista en Literatura del Siglo de Oro, poetas del 27 y relatos de viajes. Ha publicado más de doscientos trabajos, en especial sobre Góngora (cuyas Obras completas ha editado), Quevedo, Villamediana, el Romancero general de 1604, sobre atribuciones en la lírica áurea, acerca de los ingenios madrileños del Siglo de Oro, Estebanillo González, Emilio Prados, Luis Cernuda, Manuel Altolaguirre, sobre la obra de Julio Caro Baroja y su bibliografía.
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Azorín, junto a sus compañeros de generación, contribuyó a una decidida y audaz renovación de los cánones decimonónicos, experimentando con los constituyentes novelescos fundamentales. Indagó todos los modos narrativos y participó del cuestionamiento del punto de vista, en busca de nuevas perspectivas con las que reflejar el cambio antropológico característico de finales del siglo XIX. También ensayó todos los modos renovadores del tiempo propios del Modernismo. En concreto fue uno de los novelistas que mejor plasmó la técnica del timlessness, reduciendo la trama a meras anécdotas y consiguiendo así la suspensión del tiempo narrativo. Además, concedió al espacio una funcionalidad y una simbología hondamente innovadoras. A su vez, procuró un primoroso esmero y cuidado de su prosa, dando lugar a un reconocible y personal estilo. Asimismo, reflexionó sobre los límites de la ficción y de la creación literaria a través de variados recursos metaficcionales. En línea con la modernidad, sus novelas pueden considerarse auténticas novelas autobiográficas. Por todo ello, trasgredió con maestría los límites de los géneros literarios: de la novela con el ensayo, la autobiografía y, especialmente, con la poesía. De hecho, su narrativa se adscribe con rigor al subgénero de la novela lírica, intensa y agudamente renovador.
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La obra de H. P. Lovecraft es un objeto de estudio problemático, refractario a la clasificación o explicación en un plano puramente teórico. De sus relatos emana un exceso que desborda los límites de lo humano, haciendo de su literatura un umbral privilegiado del cual emergen los asuntos más radicales de la reflexión filosófica.Las relaciones desconocidas de tiempo, espacio y materia, el contacto con no-entidades extratemporales, la ruptura de la certidumbre existencial, los descensos abisales, los lenguajes antediluvianos, las revelaciones científicas incompatibles con lo humano, las materializaciones oníricas, el horror abstracto y oceánico conforman en Lovecraft un magma extracósmico que revela la intrincada red de tensiones propia de la modernidad. Estas manifestaciones han permeado el pensamiento contemporáneo impulsando a un importante segmento del mismo a reflexionar sobre lo impensable, hablar sobre lo innombrable y asomarse a la radical exterioridad que circunda el mundo humano.Bajo esta perspectiva, en el presente volumen, Fernando Broncano, David Soto Carrasco, Mateusz Janik, Juan Manuel Zaragoza Bernal, David Hernández de la Fuente, Sara Molpeceres Arnáiz, Giorgia Bertozzi, Vicente Cervera Salinas, Ana Pinel Benayas, Bartolomé Nicolás y Ana Carrasco Conde indagan las implicaciones filosóficas de la obra del solitario de Providence desplegando, con ello, la experiencia al abismo inconmensurable de lo no pensado y lo no vivido.
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Aclamado a menudo como el mejor historiador romano y, en general, como uno de los prosistas latinos más brillantes, Tácito es una figura literaria clave sobre la que, sin embargo, existen muchas incógnitas. Son muchas las sombras que se ciernen sobre su vida y su obra. El influyente latinista Ronald Syme le dedica la que se considera la más completa monografía sobre el escritor. En ella no solo analiza de forma pormenorizada la obra conservada de Tácito, sino que ofrece un vasto contexto histórico y político tanto de su vida como de su obra. En este primer volumen, Syme establece con mano maestra los parámetros que definen al historiador latino. Por un lado, arroja luz sobre su biografía y el momento imperial que le tocó vivir y, por otro, disecciona en un primer momento los textos de Tácito en relación con su contenido histórico y cómo su obra se adapta a él.
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«Si se me permite la expresión, Steiner es una máquina de hacer pensar, un formidable mecanismo para estimular la opinión y el pensamiento de sus lectores».Manuel Hidalgo, El CulturalA través de una rigurosa investigación de los dos grandes escritores de la novela rusa, León Tolstói y Fiódor Dostoievski, George Steiner analiza, con preclara sabiduría crítica, dos tradiciones literarias seculares: la de la épica, que abarca un largo recorrido vital desde Homero hasta Tolstói, y la de la visión trágica del mundo, cuya continuidad se desarrolla desde Edipo Rey hasta El rey Lear y Los hermanos Karamázov. Dos visiones opuestas de Dios y del mundo sirven a Steiner para ir esclareciendo la evolución de la novela europea y norteamericana a través de sus figuras más relevantes, porque solo usando los superlativos, las grandes obras maestras, podemos llegar a entender la esencia de la novela, tan empañada de dogmatismos cerrados y limitadores.«Leer a Steiner es comprender los vínculos entre la historia y la cultura sin excepción, a través de una escritura precisa y contundente, irónica a veces». Antonio Lucas, El Mundo
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Una pregunta se le impuso a Compagnon mientras preparaba su último curso en el Collège de France: ¿cómo culminar una vida consagrada a la escritura? De Montaigne a Barthes, la literatura se ha ocupado de la muerte al abordar temas como el duelo y la melancolía, pero la obra tardía de los escritores ha suscitado menos interés que el estilo de vejez de pintores y músicos, más afectado por el declive de los sentidos. Estos ensayos constituyen, pues, una meditación sobre el relato final de la existencia, pero también sobre lo sublime, las ultima verba, el canto del cisne, las segundas oportunidades y el poeta eterno, para reunir un valiosísimo compendio de las inestimables perspectivas que los textos nos ofrecen. Y al final de su camino, el autor nos lega lo que una vida de ávida y agudísima lectura le ha revelado. La literatura, ese «diálogo inconcluso» que vuelve sobre si´ mismo una y otra vez en busca del «libro por venir», describe un círculo perfecto: los escritores mueren, pero la escritura es interminable. Como sostuvo Blanchot citando a Von Hofmannsthal, que a su vez citaba a Rumi, «quien conoce el poder del círculo no teme a la muerte».
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Qué, por qué, para quién, cómo escribir, cuándo y cuánto. Chéjov no escribió nunca un ensayo ni un esbozo siquiera de teoría literaria, pero en su correspondencia con amigos, editores, otros escritores como Maksim Gorki y aspirantes a escritores, abundan las notas y reflexiones, a menudo tan concisas que parecen máximas o aforismos, sobre el quehacer narrativo, su sentido y su alcance. Piero Brunello, profesor de la Universidad de Venecia, ha entresacado de esta correspondencia una selección de pasajes en los que se tratan no sólo aspectos generales del arte de narrar sino también cuestiones concretas como la construcción de personajes o la descripción de paisajes y sentimientos. Sin trama y sin final reúne, pues, las claves de la poética de Chéjov, reflejadas en su propia obra y experiencia o en la de los demás (Tolstói, Turguéniev), y constituye un prontuario obligado tanto para los amantes de su literatura como para todos aquellos que han pensado alguna vez en escribir.
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Miguel Ángel Ortiz Albero, incesante explorador del paseo de escritores y artistas, indaga en este ensayo el deambular de Kafka y sus otros K. Se trata de observarlo sin parpadear, contemplarlo con esa fuerza del mirar incesante de la que él escribe y tacha, mirar sin relajar el párpado, evitando que todo pudiera perderse en un instante de oscuridad, y escuchar con atención cada pisada de los unos y los otros en dirección a la nada.
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La primera parte de este libro es una detallada introducción a las ediciones originales de los primeros tres poemarios de borges: «Del Ultraísmo al arrabal: Fervor de Buenos Aires (1923)», «De Salmos a Luna de Enfrente. Génesis de un título (1924-1925)», «La derrota: Cuaderno San Martín (1929)». En el primer capítulo, por ejemplo, me ocupo de la fecha de publicación, de la imprenta, del aspecto material de los libros, de los manuscritos que precedieron a la impresión en Fervor, del papel jugado por la revista Nosotros y sus directores, de los métodos de difusión y propaganda aplicados por Borges, de la fecha de composición de los poemas datables, y de la recepción por parte de la crítica, tanto en Argentina como en España. Estudios análogos atienden a la historia de la gestación de los otros dos libros. Los demás capítulos se ocupan de diversas obras de juventud de Borges, desde una obra de teatro escrita de niño, a un planeado libro llamado Talveces. El volumen cierra con un listado de textos inéditos de Borges, que contiene 61 ítems. La más completa introducción a las ediciones originales de la poesía de Borges, con numerosas revelaciones y textos desconocidos.
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A partir de la experiencia del exilio de cuatro ilustres desarraigados, Jorge Freire reflexiona sobre la común experiencia de sentirse fuera de lugar. ¿Cómo es posible que Wodehouse, genio del humor británico, se convirtiera en un apestado en Inglaterra? ¿O que el poeta Bergamín, madrileño de raíces malagueñas, cerrase filas con la causa abertzale durante los años de plomo? ¿Que Vicente Blasco Ibáñez, después de convertirse en el escritor español más exitoso de la historia, solo consiguiera reconciliarse con su patria estando fuera de ella? ¿O que, en medio de su auge como novelista, Edith Wharton emprendiera una suerte de exilio doméstico? Vidas a la intemperie, no siempre ejemplares, de cuatro escritores que siempre se sintieron fuera de lugar, como teselas que no encajaran en un mosaico, y que se encomendaron la tarea de convivir con el extraño que habitaba en su interior. Los extrañados es una historia de ausencias y desencuentros contada con frescura e ingenio. A través de historias de gente desarraigada, que huye de sí misma o que se aleja voluntariamente de un mundo que no entiende, Freire reflexiona sobre el sentimiento universal de no pertenencia y el asombro que conlleva vivir en un continuo estado de extrañeza. Una narración que se lee con verdadero placer, escrita por una de las voces más estimulantes de la no ficción de nuestro país. «Una de las escrituras más singulares, poderosas, lúcidas y cautivadoras de nuestros días. Jorge Freire lleva a sus más altas y brillantes cotas la intensa radiografía de cuatro destinos excepcionales de escritores, atrapados en la vorágine tormentosa de la historia.» Mercedes Monmany «Freire combina profundidad y humor como nadie.» Carlos Alsina «El más joven de nuestros clásicos.» Javier Gomá «Su agilidad narrativa, su sensibilidad, su narrativa didáctica y envolvente, además de una maestría inigualable en el manejo de la ironía y el humor, lo hacen ponerse a la cabeza de nuestra filosofía reciente.» César Antonio Molina (ABC Cultural) «Freire se inscribe en la estela castiza y saltarina de Baltasar Gracián y de Ortega.» Álvaro Cortina (El Cultural)
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A propósito de Lovecraft es un conjunto de seis relatos inspirados en la cosmogonía clásica del maestro de Providence. Cada relato se ubica en un espacio y tiempo concretos en los que Alvaro Aparicio consigue dar una vuelta de tuerca al universo de H.P. Lovecraft para traer el horror cósmico a su propio paradigma literario.
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Jacint Verdaguer, Caterina Albert, Josep Carner, Josep Maria de Sagarra, Carles Fages de Climent i Gabriel Ferrater: aquests són, juntament amb el profund rigor filològic i la visió sempre crítica i genuïna del seu autor, els sis protagonistes del volum que teniu a les mans. Sis escriptors catalans vol ser una mostra d'alguns textos i reflexions del doctor en filologia Narcís Garolera, un dels màxims experts en la literatura catalana del segle XX i autor d'edicions crítiques de Verdaguer, Sagarra, Pla i Fages de Climent, entre d'altres. Una aportació valuosíssima per als amants de la nostra literatura i per a tots aquells estudiosos que vulguin redescobrir els nostres clàssics en profunditat i amb una mirada contemporània.
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En el año del ciento cincuenta aniversario de su nacimiento, este libro estudia la recepción que conocen la persona y la obra de Antonio Machado en la poesía española del siglo XX, acotado el escrutinio a sus lecturas póstumas, toda vez que el episodio de la muerte del poeta constituye el desencadenante de un extraordinario aluvión de respuestas que convierten su legado en una fecunda fuente engendradora de representaciones estéticas. A lo largo de doce capítulos se propone, así pues, el recorrido por algunos hitos capitales para determinar tanto el sentido de las exégesis que ha recibido la creación de Machado como el alcance de su efectiva penetración lírica en los poetas que le suceden, persiguiendo para ello las vicisitudes del hipotexto machadiano y tratando de revisar o desalojar algunos de los tópicos que se han instalado perezosamente en el discurso crítico. Araceli Iravedra es catedrática de Literatura Española en la Universidad de Oviedo.Especialista en el campo de la poesía española contemporánea, ha publicado, entre otros, los libros El poeta rescatado. Antonio Machado y la poesía del «grupo de Escorial» (2001), Poesía de la experiencia (2007), El compromiso después del compromiso. Poesía, democracia y globalización (2010) y Hacia la democracia. La nueva poesía (1968-2000) (2016). Dirige la Cátedra Ángel González de la Universidad de Oviedo y es vicepresidenta de la Asociación Española de Críticos Literarios, que otorga anualmente el Premio de la Crítica.
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Els baixos índexs de comprensió lectora arreu del país han encès totes les alarmes, però fa temps que els escriptors, editors, llibreters, bibliotecàries i agents culturals ho adverteixen: no només cada vegada es llegeix pitjor sinó que es llegeix menys.En aquest pamflet l’escriptor Sebastià Bennasar fa una mirada crítica sobre el sector del llibre i la lectura a casa nostra i s’atreveix fins i tot a proposar algunes solucions per augmentar els lectors i perquè la lectura en català recuperi posicions ben ràpidament. I no, no cal esperar gaire, algunes de les propostes es poden executar ja mateix. Però, ens interessa tenir un país lector?
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La vida es demasiado aburrida, se quejaba un joven Joyce cuando la modernidad había comenzado a estragar el ánimo del siglo XX. Sin embargo (animaba también el autor de ''Ulises''), incluso del tedio es posible hacer arte. Décadas después, David Foster Wallace repetiría la promesa del goce del aburrimiento en ''El rey pálido'': resiste y sentirás un éxtasis absoluto en cada uno de tus átomos, decía. Con esta convicción, apoyándonos en ellos y en otros autores, este libro defiende el uso del tedio como artificio literario y esboza una estética del aburrimiento a partir de las divagaciones de Leopold Bloom, de la banalidad de la señora Dalloway o de la incertidumbre de ''Molloy'', así como de la espera en ''El desierto de los tártaros'', mientras avanzamos viscosamente en ''La ciénaga definitiva'' o nos enredamos en el discurso de los personajes de Thomas Bernhard, entre otros. Todo para corroborar, como ya aseguraba Barthes, que el placer del texto no tiene por qué ser siempre triunfante o heroico, sino que, en este caso, hay mucho que descubrir más allá del posible bostezo.
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La novela, el género literario más fecundo de la cultura occidental, se originó en la Antigüedad, pero tuvo un fuerte resurgimiento diez siglos más tarde, en la Alta Edad Media. Es este el contexto que explora Carlos García Gual en un didáctico ensayo que puede considerarse una de las mejores introducciones a estos textos llenos de aventuras, así como una invitación a su lectura y una guía para conocer la tradición crítica que los ha abordado. El resultado es un compendio de las claves, motivaciones y temas de esta literatura épica y de amor cortés, cuya influencia aún puede detectarse en la actualidad.
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La ideología dominante trata de hacernos olvidar que somos efectos de la historia porque todos los sistemas sociales que hemos conocido, como nos enseña la teoría marxista, son sistemas de explotación. Y esto es lo que ningún sistema está dispuesto a admitir. Mucho menos el capitalismo, que nos hace pensar a cada uno, como a la pastora de Cervantes, «libre nací y en libertad me fundo». La pérdida del sentido histórico de la vida y su confusión con la evolución del género humano, plantea el maestro Juan Carlos Rodríguez, no carecen en absoluto de importancia, son la clave misma de nuestro sistema, el síntoma básico de que lo hemos naturalizado subjetivamente. En el mundo actual «no solo se ignora el presente como historia, sino que se ignora o se distorsiona (como es lógico) el pasado histórico que nos ha traído hasta hoy». Por lo que se refiere a la literatura, al anular la historia en nuestro horizonte vital, la convertimos en espejo de la naturaleza humana. Este libro trata de comprender la historia como historia de los modos de producción, de las formas de explotación. Está concebido para postular de nuevo la radical historicidad de la literatura, para defender por qué conviene seguir pensándola como un discurso ideológico e historizar en todo momento las ideologías en general y las ideologías literarias en particular. De aquí la atención que presta a la correlación existente entre literatura, ideología e historia, haciendo un rodeo por la llamada «historia social de las mentalidades» y la figura de Maravall. Pues las ideas -las «mentalidades» o mejor las ideologías- no flotan en el aire sino que tienen una raíz histórica y social. Por otra parte, apenas hace falta confesar que el título de este libro es un guiño completamente respetuoso al muy conocido de Lucien Febvre. Él lo justificaba diciendo que mediante esta elección trataba de recordar su militancia como historiador: «No será Mis combates, claro que no, nunca he luchado en favor mío ni tampoco contra tal o cual persona determinada. Será Combates por la historia, ya que por ella he luchado toda mi vida». Más allá de la coincidencia fundamental en la lucha por la historia, estas páginas intentan librarla de un modo que solo se roza con el adoptado por el célebre padre de los Annales. Concuerdan mucho más con otro historiador francés de talla, Pierre Vilar, cuando sentencia que para Marx «la historia no es un tablero de ajedrez, la lucha de clases un juego. Ni siquiera una estrategia. Es un combate». ¿Qué sentido tienen entonces estos nuevos combates por la historia? ¿No serán más bien la lucha por otra historia, la vieja lucha de nuevo por otra forma de vivirla y de narrarla, y ahora en circuns¬tancias que no resultan propicias?
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