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Novetats en llibres de ficció
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En estos introspectivos poemas, Juan Antonio Masoliver Ródenas se adentra en los recuerdos de su infancia en El Masnou, que se proyecta luminosa en el presente, transformada por sus versos en un espacio mítico ajeno al tiempo. El poema, suerte de idílico jardín sosegado y protegido, invita a la evocación o el reencuentro con deseos, temores, visiones antiguas o recientes, un espacio que ofrece la renovada oportunidad de asomarse a un ayer tornadizo y con vierte al poeta en peregrino incansable de un paisaje que ampara el último poema.
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El concepte de resiliència, que en l'accepció etimològica llatina significava 'saltar arrere, rebotar, reiniciar', s'instaura en l'àmbit humanístic, atenent paràmetres científics, per designar la capacitat de reconstruir l'equilibri emocional o identitari després d'un esdeveniment traumàtic o advers, personal i, per extensió, col·lectiu. La capacitat de supervivència, la recerca de l'estabilitat perduda o la construcció de nous i precaris equilibris en consonància amb la incertesa del nostre temps ocupen un espai privilegiat en les escriptures actuals. Aquest volum monogràfic coral aborda les formes en què es manifesta aquesta capacitat de resiliència en la construcció identitària contemporània del País Valencià, a través de la literatura, i en diàleg amb altres expressions culturals: com les escriptores i els escriptors valencians reflexionen sobre la supervivència cultural, personal i col·lectiva, en contextos d'adversitat ideològica, com es resisteixen als embats assimiladors i unificadors procedents del món que els envolta, i quina mena d'identitat contumaç en resulta, de tot plegat.
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Los pájaros entre los cerezos, la lluvia sobre el zorro, la boca gastada de los árboles, el lomo casi azul de los caballos, los álamos del viejo caserón, la nerviosa canción de los barrancos, la savia que se mueve todavía mezclada en nuestra sangre. Carreteras que brillan en el bosque entrecruza el ámbito rural con el urbano. Recoge las voces estropeadas en la ciudad de alimañas, tractores, espíritus del río, la bojeda, la escarcha, los rebaños, todos los dulces frutos del verano. Un tácito permiso para el vuelo con objeto de alcanzar hasta las últimas farolas pisando las hojas secas de un camino. Este libro, en el que el autor aboga porque «los últimos días sean tus brazos, nuestros brazos, ciervos milenarios», ha obtenido el XXVII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Un acercamiento estimulante, entretenido y didáctico al género poético.Pocas disciplinas artísticas cuentan con una presencia tan fuerte y real en nuestro día a día, y a la vez están rodeadas de un halo de prejuicio y de desconocimiento, como la poesía. «No la entiendo», suele comentarse, o bien «resulta difícil», o «no sé qué quiere decir». Puede que no leas poesía, pero la poesía te rodea: en las canciones que escuchas en la radio, en los anuncios que saltan en YouTube. La poesía se originó en la palabra oral y compartida, alimentada generación a generación, cobijando al resto de géneros literarios: saltó a los libros -por supuesto-, pero hoy continúa también fuera de ellos, como en su nacimiento. Si lees poesía de forma habitual, y te has acostumbrado a manejar términos como «metáfora» o «haiku», este libro te permitirá refrescar conceptos y descubrir anécdotas que quizá desconocías sobre tus poetas de cabecera. Algo similar ocurrirá -esperamos- si escribes: puesto que sabes qué resortes funcionan, queremos mostrarte cómo se han aplicado a lo largo de la historia. Y si no escribes poesía ni lees poesía, pero te puede la curiosidad, confiamos en demostrarte que un poema habla tu mismo idioma y significa justo lo que tú quieras.
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En la obra de teatro El Gé, Emma Demar nos abre las puertas de la casa de Paco, junto al que compartiremos una noche en la que el sexo, el deseo y la soledad se entremezclan bajo los efectos de las drogas. Entre las cuatro paredes de un piso de Madrid, convertido en pista de baile, refugio y campo de batalla, nuestro protagonista busca la conexión física y emocional con otros hombres a la vez que se enfrenta —entre presencias, ausencias, palabras y silencios— a sus propios fantasmas, mientras el chemsex se convierte en catalizador de una realidad marcada por los traumas del pasado.El Gé es un texto crudo y emocionante que nos atraviesa como comunidad. Un texto que no juzga, sino que muestra, no explica, sino que expone. Y deja al espectador —y ahora, al lector— sin la opción de mirar hacia otro lado. Sin la posibilidad de apartar la vista del reflejo que ofrece el espejo.En este mismo volumen encontrarás De Chill. Una guía para la reducción de riesgos y daños del chemsex de Iván Zaro, trabajador social, investigador y activista vinculado a temas de salud sexual, VIH y consumo de sustancias. A través de un enfoque riguroso y accesible, profundiza en las motivaciones que hay tras el chemsex, el papel de las apps de contacto, los efectos y peligros de las drogas más usadas, la responsabilidad compartida o la importancia de poner el consentimiento en el centro de las relaciones sexuales. Una obra que, lejos de romantizar el chemsex, nos advierte de sus consecuencias, al tiempo que rompe el silencio en torno a una práctica en la que el estigma convive con la necesidad de información.
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La voz, múltiple y una, de Ni tan civil la mano privilegia lo incierto, lo que no existe o no se ve, los márgenes, las diferentes formas del silencio y de la ausencia. Acompañada de los ritmos de Garcilaso y una dicción al mismo tiempo clásica y actual, los poemas de Ana Diz son diversas entonaciones, música de un solo discurrir, tan complejo, fragmentado y contradictorio como es la experiencia de la vida. En este poemario se advierte el oficio, el conocimiento de los estudios medievales de la autora puesto al servicio de una poética que nos habla de siglos, tradiciones y lenguajes múltiples uniéndose en un canto de todo lo que es y de lo que no es.
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Poesía reunida (1977-2023) tiene el valor incalculable de reunir casi cinco décadas de trabajo literario en un solo volumen. Incluye una decena de poemarios y ofrece al lector una visión integral del estilo de Coral Bracho, al mismo tiempo que permite indagar en la evolución de su obra.
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Yannis Ritsos, una de las mejores voces de la lírica europea, creó una serie de monólogos de excepcional sutileza, con los que consigue trasladar a nuestros días el pathos de la tragedia griega. En esta pieza da voz a Perséfone, la diosa de la antigua mitología griega a la que Hades, el dios del inframundo, raptó cuando era una doncella inocente. Gracias al poeta conocemos su cautiverio, al que ha aprendido a acostumbrarse, la compasión que le inspira incluso el leal perro al que su amo ha encargado vigilarla, y nos asomamos asi´ a la invisible suerte de muchas cautivas de ayer. Con esta obra proseguimos la publicación de los soliloquios dramáticos del autor en versión de Selma Ancira.
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José Luis Ortiz Nuevo (Archidona, Málaga, 1948). Escritor y periodista especializado en el género flamenco, siendo así mismo historiador, activista y cómico en la materia. Autor de una veintena de libros sobre el particular. Entre ellos Coplas flamencas del siglo xx (2001), 77 seguiriyas de muerte (1988) y El impulso del riesgo, en torno de la obra de Enrique Morente (2023). Creador de la Bienal de Flamenco de Sevilla, 1980. Premio Nacional de investigación de la Cátedra de Flamencología de Jerez, 2023. «José Luis Ortiz Nuevo compone estas letras desde un conocimiento amplísimo de la factura de los cantes y sus estructuras de composición. Desde el octosílabo rotundo que da título a la colección, En mi cuerpo mando yo, al recorrido por los distintos estilos, pasando por el uso de gitanismos y giros característicos de la oralidad del Mediodía que convierten la gramática en milagro musical. Ordenado así, el material toma las texturas propias de cada cante, de modo que, desde una seguiriya a una alboreá, el libro realiza un recorrido experiencial y expresivo que abarca de la pena al gozo, del realismo al lirismo, de las cadenas a la libertad, de la rebelión a la apertura al amor». Del Prólogo de Carmen Camacho
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Sobre los escenarios actuales reverberan, cada vez más presentes, las llama das «poéticas de lo real». Se trata de prácticas que incorporan elementos ''intérpretes, localizaciones, autorreferencialidad o relaciones con la audiencia, entre otras'' que enfatizan su carácter no mimético, cuestionando la relación tradicionalmente establecida entre la mímesis como imitación de lo observado y la realidad extrateatral. Este planteamiento no implica el fin tajante de la imitación y la representación, sino que funciona desde el uso consciente de procedimientos y estrategias que ponen de relieve la tensión entre lo real y lo mimético. A través de este estudio se indaga sobre los procedimientos actuales que articulan las llamadas poéticas de lo real, ahondando en sus características y reflexionando sobre su presencia en los escenarios del siglo XXI. En primer lugar, se ofrece un panorama teórico sobre estas prácticas ''ya iniciadas a finales del siglo XX'' y su significado en la escena actual. A partir de ello, indagamos en los procedimientos, temáticas y diálogos que se establecen con la audiencia. A partir de las bases del hecho escénico (acción dramática, intérprete, público), proponemos tres vías de aproximación a la creación teatral desde el compromiso explícito con la realidad: «compromiso con la acción», «compromiso con la interpretación» y «compromiso con el público». Estas categorías permiten deshilvanar las tramas de lo real y establecer procedimientos de análisis. Establecida esta división, nuestro objetivo central es explorar las creaciones escénicas contemporáneas y observar desde qué procedimientos articulan su relación con lo real. Aquí se origina un diálogo común sobre un cuestionamiento inicial: ¿de qué hablamos cuando percibimos que una pieza se ubica en las poéticas de lo real? ¿Qué procedimientos se emplean en la creación? ¿Qué percibimos desde la recepción? Como se observa en los ejemplos que acompañan a cada una de las categorías que presentamos, no se trata de compartimentos estancos, sino que las piezas teatrales pueden participar de más de una simultáneamente.
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El adjetivo gótico nos remite a un paisaje nocturno, plagado de árboles retorcidos, nubes pálidas, sonidos inquietantes y vislumbres de cementerio. Un imaginario que en buena medida se forjó entre los poetas románticos ingleses y sus sucesores. Lejos de ser un género cultivado por poetas de segundo rango, nuestra selección recurre a nombres que están en la cima de su arte: se abre con dos inquietantes poemas de Shakespeare, para recorrer después las grandes aportaciones de los románticos, encontrarnos con el maestro indiscutido del género: Edgar Allan Poe, las hermanas Brontë, los espectros del recuerdo de Hardy y la feérica Irlanda de Wilde y Yeats antes de despedirnos entre la penumbra onírica de Charlotte Mew.
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Un recull de relats on l'autor mallorquí barreja magistralment la ficció amb el relat autobiogràfic per crear petites perles literàries. Miquel López Crespí, un dels autors més prolífics de la literatura mallorquina contemporània, aplega en aquest volum un conjunt de narracions que barregen la ficció amb el relat memorialístic i autobiogràfic. Amb un gran domini de la llengua, un estil literari sublim i uns dots de narrador excepcional. L'autor ens transporta en la soledat de l'home davant una pesta que ho ha aniquilat tot, o als paratges mallorquins que la massificació turística ha malmès, o a les sensacions que amaren l'escriptor amb cada llibre que publica. També enS endinsa en els seus records d'infància i en l'activisme cultural i polític contra el franquisme en la Mallorca de la seva joventut.
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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La figura y la obra de Alfonsina Storni han sido víctimas a menudo de mixtificaciones y malentendidos que se han ido alargando a lo largo de los años. Su tiempo nunca supo entender del todo a la mujer que fue Alfonsina Storni, del mismo modo que la crítica tampoco acertó nunca a situar su poesía en el contexto adecuado ni a comprender su potencial capacidad renovadora de la poesía americana, más allá del convencional uso de la métrica y la rima. Lo importante es que Alfonsina Storni ensanchó ampliamente los límites de lo que puede contarse o no puede contarse en un poema, ya que parece que nunca dejó de contar lo que realmente quería contar o cantar en un poema. Pocos poetas han sido, en ese sentido, tan salvajemente libres, tan afirmativos, tan dueños de sus temores, alegrías y obsesiones como lo fue Alfonsina Storni. Esta antología, prologada por Mª Ángeles Robles, poeta y estudiosa gaditana, pudiera ser que proponga unas nuevas líneas de lectura de la poesía de Alfonsina a los lectores del siglo XXI. A.L.
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Escribir sobre el amor es un acto que sólo puede originarse en el destierro, pues será siempre extrañamiento y nostalgia de un paraíso inalcanzado y buscará franquearse con ese tú que es su razón de ser y de existir. Y así lo hace con patética necesidad de recuperación, inmersa en la enfermedad, la soledad, el dolor. Sus palabras no se miran a sí mismas, no intentan seducir, pero sí liberarla, en el ojo de la tormenta diaria, del tormento de una desgarradora experiencia.Javier SologurenHay un nudo en la poesía de Mariela Dreyfus que apenas se disimula, pero del que a la vez se participa. El lector queda deslumbrado por la intrepidez de este proceso que no cierra, que no deja de derramar una melodía que surge de una piel morena, o de un pezón, o de un lápiz que se aprieta más de la cuenta.Lila ZemborainLa obra de Mariela Dreyfus llamó siempre mi atención por ese raro y admirable equilibrio de disciplina estética, emoción y hondura reflexiva. Lo suyo es un lenguaje acerado como la hoja de un cuchillo que, súbitamente alzado, refleja, destella, el instante fugaz del amor, su breve goce, su felino salto desde el vértigo de la plenitud hacia la nada. Es un placer como lectora encontrar la sabia concisión de sus versos, la límpida adjetivación, su tensión de cable, su ausencia de concesiones, para que no se pierda ni el ritmo ni el aliento de las palabras en su vigoroso viaje hacia la punta de la ola, hacia la instantánea revelación del goce o el miedo.Rossella Di Paolo
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Este volumen recorre cinco poemarios de uno de los escritores venezolanos más apreciados y versátiles de la actualidad. Poesía de amor, cantos nostálgicos a una urbe (Caracas, pero pudiera ser cualquier otra), oraciones de lo cotidiano y narraciones líricas que rompen en aristas reveladoras, son sólo algunas de las texturas que esta antología ofrece al lector, en un lenguaje donde resaltan la calidez y la expresividad de la emoción.
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¿Qué tiene que ver la literatura con los principios de la termodinámica y el concepto de entropía planteados por Rudolf Clausius en 1865? La concepción y el estudio de la literatura suelen remitir a un sistema cerrado y estable. Eso era comprensible en el siglo XIX, pero ya no. Hoy, el estudio de la literatura entendido como exégesis textual y vidas de santos no sirve para explicar cómo y por qué sigue siendo una actividad social y cultural significativa. Literatura, lengua y lugar se pregunta, aplicando los principios de la termodinámica, qué pasa en la confluencia de estos tres elementos en un mundo acelerado y cambiante.
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Sobrecogedor testimonio poético de las víctimas del Holocausto a través de 64 poemas de otros tantos autores desaparecidos y que elgermanista Michel Moll ha rescatado del olvido para dar testimonio de la barbarie humana, pero también de su entera. Estos
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Carregades de desig, complicitat i silencis que pesen, entre declaracions ardents, la gelosia i l’adoració, les cartes d’aquest recull ens submergeixen en una de les històries d’amor literàries més apassionants del segle XX.Des del primer encontre en un sopar el 1922 fins a la mort de Virginia, les seves paraules dibuixen una relació intensa i transformadora, que travessa dècades i continents enmig d’un món en constant canvi. Flirtegen, es consolen i es reclamen mentre participen en la vida cultural efervescent del cercle de Bloomsbury i es consoliden com a escriptores imprescindibles.Vita i Virginia van ser l’una per a l’altra un far, un bany de serenor, l’absència que dol, una confessió, l’aspirina al gerro d’aigua que fa revifar la flor pansida. Aquesta correspondència, plena de vida i d’intimitat insòlita, és un tresor literari que captura l’esperit d’un amor inoblidable.
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Este volumen recoge la mejor poesía social y política de uno de los poetas más relevantes de la poesía española contemporánea: Manuel Ruiz-Amezcua. En esta antología, el autor retrata con la singularidad de su voz el sufrimiento humano, la memoria de los marginados y la lucha incansable por la dignidad. Desde el dolor íntimo por la pérdida de la madre hasta el clamor colectivo por las víctimas de la historia —de Auschwitz a Gaza—, cada poema es un grito de resistencia y una búsqueda de verdad en un mundo marcado por la mentira y la traición. Con una voz que oscila entre la ternura y la rabia, entre la elegía y la denuncia, ''El rostro de los vencidos'' dialoga con grandes como Lorca, Machado y Hernández, mientras confronta las heridas de la España profunda y los horrores universales. Esta obra canta a los derrotados y los redime, invitando al lector a mirar de frente la oscuridad y a encontrar en la poesía un refugio para la esperanza. Perfecta para amantes de la poesía comprometida, este libro es un testimonio poderoso de la capacidad de las palabras para desafiar el silencio y transformar el dolor en un canto que conmueve y transforma. UNA POESÍA SINGULAR, PLURAL Y UNIVERSAL La obra poética de Manuel Ruiz Amezcua se lee, se estudia y se aprecia año tras año como más singular, más plural y más universal. Singularidad en el sentido de originalidad creativa y rigurosa personalidad ética, ''humanamente humana'', pluralidad como diversidad de inspiración, escritura e interpretación, universalidad como comunicación y como conocimiento del mundo en sus múltiples facetas y desde sus muchas periferias. Una poesía fuera de las modas pasajeras del día y de las modalidades comunes, poesía que es ''magia, sorpresa, fascinación''. Universalidad también entendida como expansión cuantitativa y difusión internacional. CRISTIAN DE PAEPE, Universidad de Lovaina. UNA TRAYECTORIA AMPLIA Y VALIOSA En calidad de catedrática de Literatura Española en la universidad La Sapienza de Roma, y estudiosa y traductora de poesía española contemporánea, me complace realzar la amplitud y relevancia de la trayectoria literaria de Manuel Ruiz Amezcua. Su voz poética tiene una fuerza y una singularidad que la configuran como una de las más destacadas del panorama español contemporáneo. Manuel Ruiz Amezcua ha sabido guardar la memoria literaria de los grandes maestros del siglo XX, interiorizando su lección y cultivando una lengua poética renovada y viva, donde la tradición formal y antigua se combina con el uso del verso libre, típico de la época contemporánea. ISABELLA TOMASSETTI, Universitá degli Studi di Roma ''La Sapienza''.
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POETA BESTSELLER DE THE NEW YORK TIMES Una reconfortante colección de poemas y reflexiones sobre el poder de querernos a nosotras mismas. ¿Cómo encontramos la estabilidad en nuestro interior, en medio de los vertiginosos cambios que experimentamos como personas y que experimenta el mundo? En un momento en el que muchas de nosotras nos sentimos desubicadas, Donde el amor empieza nos brinda unas palabras íntimas y optimistas que nos anclan, nos nutren y nos acompañan. Cleo Wade nos explica que nuestro objetivo no es evitar los momentos difíciles -períodos de desorientación, dudas, tristeza, dolor y ansiedad- y que vivir significa perderse. Tenemos la responsabilidad, pero también el enorme privilegio, de aprender a querernos para poder hacer frente a estos períodos y que nuestro malestar no suponga un freno a nuestra sanación. Donde el amor empieza nos recuerda que estar perdidas no es un estado permanente, sino un punto de partida hacia el autodescubrimiento, la conexión y el crecimiento personal. --- «Donde el amor empieza es una recopilación de poemas e ideas que me permitieron avanzar. Me permitieron pasar de un estado de ánimo a otro. Me permitieron pasar de una decisión basada en el miedo a una elección fundamentada. Me permitieron pasar de una espiral frenética a un momento de pausa. Me permitieron pasar de la vergüenza y la confusión al amor y el bienestar. Estas palabras me ayudaron a llegar a un nuevo lugar cuando más lo necesitaba. Me ayudaron a aceptar el cambio y a reencontrarme con mi propia luz tras llevar mucho tiempo perdida en la oscuridad.»Cleo Wade
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El nou llibre de poemes de Lluís Calvo.El vitrall deixa passar la llum però un no veu què hi ha més enllà, a l'altra banda. També és el cas de tants misteris de la vida, que patim o gaudim, però n'ignorem l'origen i el sentit. Vitralls, com tots els llibres de Lluís Calvo, és una obra ambiciosa i ben estructurada, formalment i intel·lectualment.
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Si és ver —com diu el Premi Nobel Ghiorgos Seferis— que cada bon poeta no existi a fores de les sues poesies, podem en aquí recordar encara el mantra terra-solc-llavor-plantó que innerva i vivifica l'entera poesia d'Antoni Canu, mantenent joiosament als versos aquella tal cosa de vívid que fa pressió i obra en ell per acció del sou pensament mateix. Aquest últim té el sou compliment en la pràctica del treball a la sua terra estimada, les sues mans que saben judicar amb maestria el terrer ideal per la cultivació del forment, sabent perfectament que deu d'ésser fondo, permeable, ben llaurat, sembrat, xapat, netejat de les herbes, messat, triulat... Un pensament realment vital, lo de Canu, capaç d'avançar per fe, creient que a temps degut cada més petita llavor traurà el sou plantó, fent-se instrument d'investigació psicològica per desxifrar el que més amagat tenim a dintre nostro. Per interrogar, de la profunditat, la transcendència, la gràcia d'una sempre possible redempció que alimenta en nosaltros, on excavar significa davallar sempre més a fondo, per reseixir a agafar la veritat lenta, inarrivable i fluvial de l'existència entera. Un pensament sempre innervat d'una vocació absoluta per la poesia, lo de Canu.
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Una novela de fantasía gótica que combina la atmósfera del romanticismo de Jane Austen con elementos sobrenaturales.La vida de Merrick Darling, hija del Señor de la Casa Darling de Sussex, es mejor que la de la mayoría. A diferencia de los plebeyos, es inmune a la niebla que cubrió Inglaterra generaciones atrás. Nunca se convertirá en un fantasma, una de las monstruosas criaturas que acechan en los límites de su provincia y, mientras las llamas sigan ardiendo para mantenerlas a raya, su seguridad está asegurada. No le falta nada y, sin embargo, nunca heredará la mansión de su familia. Para garantizar su futuro, debe casarse de manera inteligente o depender de la generosidad de su hermana mayor, Essie. Sin embargo, todo cambia radicalmente cuando su padre muere de manera inesperada. Merrick debe regresar a casa y lo que encuentra en Norland House la deja desconcertada: antes fuerte y capaz, ahora Essie se muestra retraída y asustada, y con razón. Una serie de ataques a lo largo de las fronteras de su provincia han convertido el antaño idílico campo en un paisaje aterrador e impredecible. La niebla avanza y las llamas ya no logran contenerla, lo que hace que tanto Merrick como Essie sean vulnerables en más de un sentido. Porque los fantasmas no son los únicos monstruos en su mundo, y los otros Señores de las Casas siempre están atentos a cualquier signo de debilidad. Revelar su situación y la de su hermana no es una opción pero, cuando Essie desaparece, Merrick se encuentra en un callejón sin salida. ¿En quién puede confiar cuando todos parecen tener sus propios planes y todo lo que creía seguro se desmorona ante sus ojos?
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El presente volumen recoge los tres primeros títulos de la serie Lobos Espaciales dentro del universo de pesadilla de Warhammer 40.000.En el devastado mundo de Fenris, la escasa población se enfrenta a diario en su lucha por la supervivencia contra monstruos letales y tribus rivales. Pero Fenris es también el hogar del poderoso Capítulo de los Lobos Espaciales, los soldados de élite del Emperador en un universo lleno de alienígenas,herejes y mutantes. Las aventuras de Ragnar comienzan cuando resurge después de una salvaje muerte en el campo de batalla e ingresa en las filas de los Lobos Espaciales. Pero ¿conseguirá el feroz Ragnar dominar a la bestia y completar su destino en los campos de batalla del siglo XLI?
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Bartleby Editores publica el segundo poemario de Ana Belén Martín Vázquez y confirma el aliento poético de la autora madrileñaEl término astilla remite a la infancia, al daño. Todos recordamos la experiencia: alguna vez sufrimos en nuestra piel su dolorosa marca. Un dolor intenso provocado, paradójicamente, por una brizna de madera, por una espina casi invisible. En esa metáfora se sustenta la sucesión de Astillas en forma de poemas que tienen su origen en momentos sombríos, en una tristeza interior que busca en el silencio una suerte de consuelo y guarida. La herida se proyecta en espejos imaginarios y encuentra su dimensión más inquietante en la realidad de la muerte y en la experiencia de un cuerpo agotado. Los días, en cada amanecer, asoman inciertos, difíciles, y la vida avanza bajo la sombra de obligaciones y renuncias que la limitan. La casa deja de ser refugio y hogar.
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José Luis López Bretones formula en este libro la necesidad de averiguarse, de conocerse, de dar respuesta a las preguntas de la vida y compartirlas con sus lectores.Ningún título podría definir mejor el espíritu de este libro: Otra vez la poesía, porque esta vuelve a nosotros queramos o no y ocupa de nuevo ese espacio que el autor creía deshabitado después de los veinte años transcurridos desde la publicación de su último poemario. La poesía regresa con poemas escritos durante ese largo período, y el poeta regresa también con los temas que siempre han hallado un lugar importante en su obra: la indagación en la palabra poética, el tiempo y cómo este afecta a la nuestra propia identidad, al amor o al modo en que percibimos la realidad que nos rodea.
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Amb motiu del centenari del naixement de Joan Ferraté, l'edició definitiva d'una obra imprescindible.La terra gastada (The waste land, 1922) és un dels poemes més emblemàtics del segle XX. Eliot hi va combinar elements de procedència molt diversa (des de llegendes medievals fins a motius de la modernitat),que en fan un poema de lectura enormement complexa.El 1977 es va publicar per primera i única vegada el llibre en el qual Joan Ferrater edita, tradueix i comenta el poema. Es tracta d'una lectura que dilucida moltíssimes de les dificultats de comprensió i en proposa una interpretació de conjunt coherent i sòlida.Enguany que es compleix el centenari del naixement de Joan Ferraté (1924-2003) recuperem aquesta obra transcendental, incorporant-hi les modificacions que l'autor tenia previstes i un apèndix amb altres textos de Ferraté a propòsit de T. S. Eliot.
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Yamil Sidqi al-Zahawi es uno de los grandes poetas iraquíes del siglo XIX-XX, conocido como “,el poeta de la nueva era”,, quizá el intelectual más liberal de su tiempo, sobre todo por su decidida defensa de los derechos humanos, las libertades y la emancipación de la mujer árabe y musulmana. Revolución en el Infierno, es un poema excepcional en su forma y contenido especialmente por su deslumbrante clarividencia. Representa una crítica a la visión tradicional de la religión, fuertemente arraigada en las sociedades musulmanas del tiempo de al-Zahawi, expresando, además, las dudas del poeta, su dilema ante la fe y la difícil elección entre ateísmo y devoción. El poema-epopeya se eleva a modo de manifiesto a favor de la labor realizada por la ciencia, la cultura y el arte a lo largo de la historia, en detrimento de la cultura del miedo, el fanatismo, la esclavitud y las creencias ancladas en un pasado remoto lleno de mitos, fabulaciones y supercherías que solo producen ignorancia, pobreza e injusticia. La victoria de la gente del infierno sobre los moradores del paraíso demuestra que las naciones las construyen los juiciosos, hombres y mujeres, individuos leales a sus ideales, defensores de la justicia, la paz y el desarrollo. Con este poema, al-Zahawi realiza uno de sus deseos más queridos, si bien por medio del mito y la metáfora: en un mundo imaginario, los desdichados y maltratados organizan una revolución para destruir las fuerzas de la opresión y la privación y romper los obstáculos que frenan las libertades del hombre, premian a los majaderos e idiotas y castigan a los cultos e inteligentes.
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Al establecerse en sus países de acogida, los intelectuales y artistas del exilio español enfrentaron disyuntivas muy difíciles. Entre ellas, la de decidir si seguir luchando por recuperar la madre patria o si incorporarse, en la medida de lo posible, a la realidad del país en que se encontraban viviendo. Desde luego, una cosa no necesariamente excluía la otra. De hecho, en la mayoría de los casos los exiliados, como el dios Jano, solían tener dos caras, una mirando hacia la España perdida (un mundo que con el tiempo se les volvía cada vez más irreal), la otra mirando hacia el nuevo entorno (una realidad que, con el paso de los años, y aun cuando no lo quisieran, iba ejerciendo una influencia cada vez más decisiva en sus vidas). Los ensayos reunidos en este libro —,centrados sobre todo en aspectos de la obra de Emilio Prados, Concha Méndez, Juan Rejano, Ernestina de Champourcin, Manuel Altolaguirre, Luis Cernuda y Max Aub—, pretenden ofrecer un amplio panorama de las respuestas muy diversas que le fueron dando a este dilema los intelectuales exiliados en México. En el transcurso del libro se presta especial atención al diálogo de los exiliados no solo con sus anfitriones mexicanos (Agustín Velázquez Chávez, Xavier Villaurrutia, Octavio Paz…,), sino también con sus coetáneos en España (de ahí, por ejemplo, los capítulos sobre las visitas a México de Dámaso Alonso, en 1948, y de Gerardo Diego, en 1958). Una visión inédita del exilio español en México, de la nostalgia (y la desconfianza) con que los exiliados miraban hacia España, de su difícil inmersión en el nuevo país, de sus soledades y sus solidaridades. James Valender. Hispanista inglés, vive en México desde 1977. Desde 1989 es profesor-investigador del Centro de Estudios Lingüísticos y Literarios de El Colegio de México. Sus intereses como investigador giran en torno a los poetas de la generación del 27 y el exilio español. Ha editado las Obras completas (3 vols., 1986-1992) de Manuel Altolaguirre y el Epistolario 1924-1963 (2003) de Luis Cernuda. Es autor de ensayos (entre otros) sobre Federico García Lorca, José Moreno Villa, Pedro Salinas, Octavio Paz, José Ángel Valente y Jaime Gil de Biedma. Más recientemente fue coeditor del Epistolario 1904-1964 de Alberto Jiménez Fraud (3 vols., 2017). Ha publicado también Genaro Estrada y los intelectuales del exilio español en México. Datos nuevos sobre los orígenes de La Casa de España en México (2018).
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Solo el tiempo envejece las cosas. Las maltrata o las bendice. Se mide en la experiencia del cuerpo, el espacio o el devenir de la naturaleza en relación con el mundo, con los otros o con una misma. La edad es una convención que no debería tener número, es algo incierto, únicamente dictado por las maneras de vivir y la sanción natural que dibuja el deterioro y el conocimiento.Los poemas de Cierta edad son ajenos a ese transcurso del calendario que deja las cosas atascadas en el pasado y, aunque son hijos de su tiempo, tienen la virtud de poder ser leídos en el futuro y seguir siendo cómplices.
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Contempla tu vida como si fuese la sala de un museo: galerías blancas, vitrinas y muros repletos de piezas y cuadros. Cada objeto cuenta una historia, cada pieza es un recuerdo.Sin embargo los recuerdos son mutables, compartidos, implantados y propensos a ficciones, explican lo que hemos vivido y, en su laberinto, dejan entrever lo que somos.Hormiguero presenta una serie de poemas personales a manera de museo de memorias, miedos y ansiedades que conforman al autor. En formato de verso libre y prescindiendo de signos ortográficos para asemejar el flujo verbal de la mente al momento de recordar, el libro está compuesto por 25 poemas individuales interrumpidos por dos series de listados: “hormiguero” y “monadología”.Este poemario, anclado en lo personal, deja entrever instantes relacionales donde lo vivido y lo recordado puede describir momentos de cualquier persona: sensaciones en bruto.
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El nuevo libro de uno de los mejores poetas españolesVenir desde tan lejos supone un nuevo punto de inflexión en la larga y prestigiosa trayectoria de Eloy Sánchez Rosillo. Si en la primera etapa del autor predominaba el canto elegíaco y en la segunda el enfoque se inclinaba claramente hacia la celebración, en este nuevo libro se impone la meditación serena de las cosas del mundo desde la altura de la edad. No se trata ni mucho menos de un libro desengañado o sombrío. Al contrario, es una obra de aceptación, de cumplimiento y de gratitud, con un evidente trasfondo moral. Y en todos los poemas del conjunto está muy presente el amor por la vida que desde sus inicios ha movido al autor a escribir sus obras. No estamos frente a un libro más de Sánchez Rosillo, sino ante uno de sus logros más altos, quintaesencia de una honda y dilatada experiencia poética.
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad -escribe Neruda-, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Una de las obras de referencia de la poesía popular y obra cumbre de Pablo Neruda. Uno de los poemarios más leídos, publicados y traducidos en el mundo.Publicado por primera vez en 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada es quizá el libro de Neruda que obtuvo una mayor popularidad y a la vez significó la plena consolidación del prestigio literario de su autor en el área hispánica. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Intocables en su definitiva rotundidad de pieza maestra, estos Veinte poemas de amor y una canción desesperada constituyen sin duda una de las mayores cimas de la poesía amorosa en lengua castellana. «Veinte poemas de amor y una canción desesperada es la historia de un encuentro y un fracaso amoroso, historia narrada desde un pasado, en el que se evoca el mundo como una frustración en la que el amor pudo ser salvación.» De la Introducción de José Carlos Rovira «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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