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Un heterodoxo breviario de la autora de Trabajos forzados que desvela la peripecia de algunos astros de la literatura que en algún momento de su vida dieron con sus huesos en la cárcel. Atraco a mano armada, difamación, asesinato, conspiración, sustracción de obras de arte, composición de poemas elegiacos a la muerte de Hitler. De Verlaine a Burroughs, de Norman Mailer a Hans Fallada, de Giacomo Casanova a Curzio Malaparte, muchos han sido los literatos que, a lo largo de la historia, han purgado sus ofensas y delitos en la cárcel. Y han sobrevivido para contarlo. Chester Himes o Jean Genet se pasaron buena parte de su vida en el fondo de un calabozo infecto. Otros, como el Marqués de Sade o Heinrich von Kleist, iniciaron sus carreras literarias tras los barrotes de una prisión. Incluso se han dado casos, como los de Louise Michel o Goliarda Sapienza, de escritoras que experimentaron una irónica sensación de emancipación y libertad tras entrar en presidio. De un modo u otro, la cárcel ha marcado la obra de aquellos que pasaron por ella, porque la imaginación crece cuando es prisionera, y, sobre todo, crece el deseo. Daria Galateria nos invita a un erudito y divertido peregrinaje de celda en celda: desde las oscuras y húmedas estancias donde sufrieron y amaron Voltaire y Diderot, hasta los calabozos que acogieron a William Burroughs o Ezra Pound. CRÍTICA «Galateria firma un ensayo impresionante sobre las maravillas de la imaginación entre rejas.» -La Stampa «Deberían conseguir este libro de inmediato y deslizarlo en su bolsillo para leerlo poco a poco, como se hace con los clásicos.» -Il Foglio «Una lectura amena, vivaz y nunca pedante.» -La Balena Bianca «Daria Galateria despliega un abanico de destinos diferentes para los escritores unidos por una última parada: la celda. Con finura y sabiduría, Daria Galateria traza una persecución humeante que recorre varios siglos.» -Pietrangelo Buttafuoco, La Repubblica
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A veces cae en nuestras manos un libro, por casualidad, y es justo lo que no sabíamos que necesitábamos. El día en que dejamos la tierra es ese libro: duro, repleto de los conmovedores mundos de una de las voces más cautivadoras y sensibles de la poesía puertorriqueña contemporánea. Sus páginas retratan despedidas y tragedias -las de todos, por virtud de la pulsación de nuestros vasos sanguíneos, por estar hechos de huesos y de carne, frágiles-, heridas individuales y colectivas pesando sobre nuestras espaldas diariamente. Un buen lector dijo una vez, no obstante, que ese tránsito poético en Iris Mónica Vargas no desemboca en el desgarramiento total, como sucede en Sylvia Plath o Alejandra Pizarnik, porque la muerte en ella no es un callejón final sino una vía por la cual se accede a, o de la cual se desprende, la vida. El día en que dejamos la tierra nos hechiza, sí, y si nos permitimos el viaje, nos prepara.
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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«Un sofisticado ensayo que se propone restaurar las dimensiones más desatendidas de la relación entre humanos y animales».Times Literary Supplement En la Inglaterra del siglo XVIII, la relación entre el ser humano y los animales cambió para siempre con el descubrimiento de los grandes simios y la popularización de los animales de compañía entre la burguesía. Esta transformación dio lugar a un nuevo contexto cultural e intelectual que propició una mayor comprensión del resto de las criaturas del planeta, fomentando así su representación en la literatura moderna. Laura Brown analiza algunas de las más destacadas ficciones narradas o protagonizadas por perros, a la vez que ahonda en la doble percepción que se tenía de los simios. Objeto de fascinación, los primates eran calificados de violadores, a la vez que se les atribuían las sensibilidades más delicadas, como el pudor o la justicia. Este ensayo propone, pues, una perspectiva novedosa sobre la intimidad, la diversidad y la diferencia, una esclarecedora mirada sobre el modo en que las obras literarias se sirvieron de los animales para trasladar a la experiencia cotidiana las más variadas cuestiones filosóficas y metafísicas.
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El cuerpo poético de Adulta funcional es un cuerpo de frontera que habita entre lo doméstico y lo salvaje, la juventud y la vejez, la vulnerabilidad y la fuerza, ser madre y ser hija, el amor y la soledad, la esperanza y el duelo, las lavadoras y la espiritualidad, la intimidad y la exposición total, los recuerdos y los horizontes, la ternura y la ira, la amistad y la ruptura, la disidencia y la risa, la niña reivindicada y la mujer celebrada, el orgullo y la pena, los animales y las diosas, las escritoras veneradas y la libertad literaria, la mística y la terapia.Consciente de que todo puede ser verdad a la vez, Gloria Fortún, autora del poemario Todas mis palabras son azores salvajes y de la novela Roja catedral, descubre en cada verso que ser una señora, una señora bollera y gorda, es llevar un fuego dentro avivado por todas sus contradicciones, sueños y desobediencias, así como por su voluntad en combustión de que el deseo siempre venza a la norma.
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La pelvis en llamas, libro singular y necesario que contiene una poética ensayística sobre la maternidad «en las retaguardias de la ternura». Un canto al precipicio y una crítica a la oscuridad donde damos a luz. Sara Martin revela que «El horizonte busca una pared donde apoyarse» y construye ese apoyo desde el asombro y la conciencia. Transcribe el pensamiento de un útero cuántico, como si no fuera todavía lo que es, pero es. Sara muestra con la «transparencia psíquica» de una cadena de sueños que colectivizan el miedo y la angustia, ese cerebro que arde en el interior de la pelvis. La poeta se posiciona, «solo nosotras sabemos lo que se cuece», mostrando sus fuentes, citas y descubrimientos científicos como el de que dejamos algunas células en nuestras madres que modificarán sus reacciones. Es una poesía de investigación, revolucionaria, motivada por la necesidad vital de liberarse y liberarnos de la marginalidad claustrofóbica en que se ha convertido la maternidad. Consciente de la necesidad de un discurso, que nos conecte con el animal social que somos y nos haga mas libres. Sara Martín ha parido poemas de una belleza compacta, rigurosos como golpes. Inaugura de esta manera «una nueva estética afectiva», social y política, que funciona para una «madre huérfana de madre […] como una taza de caldo en la convalecencia».
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Estos relatos y cuentos son animales de razas pequeñas. Criaturas ágiles de la literatura capaces de levantar todo un mundo de ficción en pocas páginas. Seres vulnerables y, por ello, especialmente atentos a la voracidad que los amenaza. Fantásticos, híbridos, quiméricos. Su arquitectura es sutil como el esqueleto de un gorrión, pero su canto mueve en el aire la memoria en extinción de los territorios rurales, la violencia oculta en los álbumes familiares, la fragilidad de quienes están a punto de quebrarse por la ansiedad y la depresión. En esta antología están reunidos diecisiete de los mejores autores jóvenes de narrativa breve polaca, la mayoría de ellos inéditos hasta la fecha en España. Herederos de Olga Tokarczuk, Witold Gombrowicz o Sławomir Mrozek, son la prueba incontestable de la gran salud de la que goza el género en el país. Ellos son Anna Arno, Grzegorz Bogdał, Urszula Honek, Olga Hund, Maria Karpińska, Dorota Kotas, Elzbieta Łapczyńska, Maciej Miłkowski, Weronika Murek, Andrzej Muszyński, Zośka Papuzanka, Margo Rejmer, Dominika Słowik, Paweł Sołtys, Natalka Suszczyńska, Katarzyna Szaulińska y Aleksandra Zielińska. «Por experiencia propia, recomiendo mucha prudencia a quien se acerque a estas criaturas. Hace días que concluí su lectura y todavía, a ratos, de improviso, me asaltan algunos pasajes como la herida que provoca en la piel una fina dentellada» _Patricia Esteban Erlés, en el prólogo.
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Mercedes (1920), libro de poemas incógnito en la historia del ultraísmo, ofrece -con sus caligramas y versos descoyuntados y también con su hibridismo estético- un ejemplo significativo de la primera vanguardia. La lectura de esta muestra -dos años anterior a Imagen, de Gerardo Diego o tres a Hélices, de Guillermo de Torre- viene a corroborar que los principios ultraístas no sólo se plasmaron en diferentes revistas literarias (desde 1919 a 1925), sino que también se reflejaron en diversos libros durante esos años. Las imágenes nuevas y las metagoges se hilvanan con los sentimientos exaltados del autor, a modo de trenzado emocional, donde la angustia de la existencia y la pasión del amor se convierten en ejes fundamentales. Los alardes tipográficos -difícilmente vistos antes en la poesía del momento en lengua castellana- marcaron el contenido del libro. Raida buscó la unión de modernismo (horas fragantes) y cubismo (rebeldía), impulsando un nueva poesía, donde lo visual se asocia a la emoción, donde los automóviles futuristas son conducidos por la fuerza o energía del alma, con proyección en el lector. Ese es el hombre nuevo al que va dedicado este libro. Pedro Pablo Raida Ismaya (Mogador, 1888-León, 1962) es un autor casi desconocido para todos. Su importancia dentro de la vanguardia sevillana (como administrador y colaborador de Grecia y como codirector de Arte y Colaboraciones de Oromana) y su participación en actos culturales del Ateneo Hispalense (junto a otros escritores neoidealistas locales como José María Izquierdo, Miguel Romero Martínez o Alfredo Blanco), unidas a una amplia y diversa trayectoria literaria no han sido suficientemente detalladas hoy. Editó obras de teatro, novelas y ensayos, así como un único libro de versos ultraístas, Mercedes (1920), otra muestra más de los raros poemarios del movimiento innovador. José María Barrera López (Osuna, 1955). Profesor Acreditado Titular de Universidad, es especialista en la vanguardia hispánica, materia a la que ha dedicado 90 libros y numerosos artículos y colaboraciones en libros colectivos. Recientemente, ha publicado la Obra completa de Pedro Garfias, en tres volúmenes, en edición crítica (2024), y prepara el Archivo o Legado del escritor, en unión con sus herederos.
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Salustiano Masó (Alcalá de Henares, 1923-Granada, 2024) es un poeta casi desconocido y, sin embargo, necesario para comprender la poesía española del siglo XX. Su obra comprende un total de 23 libros y está avalada por la consecución de importantes premios. Como traductor obtuvo el Premio Mundial Nathorst-Unesco por el conjunto de su obra en 1993. Tras más de cincuenta años de producción poética, clasificar a Masó es sencillamente imposible. Alejado de la farándula, Salustiano llevó siempre una vida de escritor comprometido con los conflictos humanos y el sentido de la existencia. Su poesía, conmovedoramente lúcida e irónica, alcanza las cotas de excelencia reservadas a los elegidos. «Salustiano Masó es uno de nuestros mejores y más hondos poetas». Gerardo Diego
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Destino Manhattan es una antología de poetas radicados en Nueva York, cuya obra poética ha sido impactada por una de las ciudades que más puede ofrecer al escritor: lenguas, teatro, librerías, bares, cafés, universidades, inmigración, ópera, danza, teatro..., elementos todos que no pueden sino impregnar la escritura de quienes han tomado por residencia segunda esta hermosa ciudad, podría decirse, sede universal de la cultura.
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Este libro tiene la extrañeza de la poesía: en sus dos versos finales se devela el principio de construcción del texto ... cuando del inevitable tiempo brotan / nuevos cosmos sin querer. Así cada poema es un prodigioso ejercicio de una de las cualidades innatas de la poesía: la síntesis. Ricardo A. Vega, como buen hijo de Borges, sabe y demuestra una de las máximas del maestro argentino que libremente podríamos parafrasear así Soy la suma de mis lecturas, no de mis escritos. Por eso en cada breve universo poético, el poema, encontramos universos mayores: la literatura clásica, la literatura oriental, la filosofía occidental, la antipoesía y el topos del exilio, entre otros. Esta hermosa paradoja sucede «Sin querer», con la naturalidad propia de un escritor curtido por la vida, la belleza y el asombro. Carlos Roberto Gómez Beras
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«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?».Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un viaje en el tiempo más que en el espacio, porque el Mediterráneo, mito y realidad, encierra todas las historias, las más bellas y también las más terribles.Incapaz de dormir, el viajero es asaltado por imágenes que ha ido descubriendo en su vagar por la isla de Sicilia. Sobre todo, las de unos formidables mosaicos en cuyo centro hay sendos barcos que transportan animales: los de la catedral de Monreale, que cuentan la historia del arca de Noé, y los de la villa romana del Casale, el mayor de los cuales, que lleva por título La gran cacería, representa la captura en África y Asia de fieras que se exhibirán en los anfiteatros del Imperio.«¿Conseguiría dormir si supiese qué me quita el sueño?».«Una de las obras del mejor Mayorga, el que no se casa con nadie, el filósofo, el implicado con nuestro tiempo y nuestra historia». José-Miguel Vila, Diario Crítico.
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El mejor alcalde, el rey es una de las obras más célebres de Lope de Vega, esta amena versión en prosa facilita su lectura para los jóvenes, procurando trasladar toda la fuerza de la historia original. Una bonita historia de amor, que enfrenta el peso de un tirano a la nobleza de un rey en la lucha por la justicia, verdadera protagonista de la obra. Esta edición está acompañada de las preciosas ilustraciones de Begoña Summers y es también un homenaje a su autor, genio de nuestra literatura. Ojalá los jóvenes lectores, en España y en Hispanoamérica, sigan leyendo en el futuro sus obras y vayan al teatro, pues las obras de Lope se siguen representando continuamente cuatro siglos después. Félix Lope de Vega (Madrid, 1562-1635), a quien el mismo Cervantes llamó ''Monstruo de la Naturaleza'', fue un lector muy precoz, y a los doce años ya escribía comedias. Fue uno de los más importantes escritores del Siglo de Oro español, una época en la que en España y en la América española, hubo una abundancia impresionante de escritores geniales. Tuvo una vida muy intensa y su obra literaria fue inmensa, pues se conocen más de mil obras de teatro escritas por él, además de muchos cuentos, novelas y poesía, incluidos unos tres mil sonetos, pero lo más importante fue su enorme calidad. Lector empedernido y autor de mucho éxito ya en su tiempo, fue un hombre humilde y generoso.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Friedrich Nietzsche va ser un filòsof trencador en molts aspectes. La seva filosofia va impactar en la literatura catalana, a partir de les primeres traduccions (i comentaris) que en va fer Joan Maragall a la revista L'Avenç, un dels primers portaveus del Modernisme literari català. Nietzsche va influir la literatura catalana en un moment d'importants canvis culturals i polítics. Filòsof insígnia del corrent vitalista del Modernisme, va dotar elements que, en el cas d'una cultura en plena Renaixença com la nostra, varen servir per cohesionar-la, alhora que l'obrien a Europa i li conferien un enfocament més cosmopolita. Autors com Jaume Brossa, Pompeu Gener, Dídac Ruiz o Gabriel Alomar mostren a bona part de la seva obra una clara influència de Nietzsche. A Nietzsche en el Modernisme literari català Bernat Joan s'endinsa en l'obra dels principals autors modernistes (i alguns de més secundaris) per intentar extreure'n la petjada del filòsof alemany, una figura turmentada, contradictòria, atractiva, sempre a l'enrabiada recerca d'un Déu que li fugia com l'aigua entre les mans. Bernat Joan i Marí (Eivissa, 1960) és doctor en Filologia Catalana i investigador en Sociolingüística. Ha publicat novel·la i teatre (i algun poema espars, també), però sobretot s'ha prodigat en l'assaig, al voltant de la situació de la llengua (de les llengües), de l'avenir polític, dels canvis socials o de la psicologia social aplicada. Ha participat en diversos equips d'investigació tant a l'ICE de la Universitat de Barcelona com a l'IRIE de la Universitat de les Illes Balears. Ha publicat nombrosos treballs d'investigació en sociolingüística. Ha estat membre del Parlament europeu i secretari de Política Lingüística de la Generalitat de Catalunya.
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Nuevo libro de Julio Prieto, poeta español muy atento a la literatura de la otra orilla del charco y a la exploración formal.Jürgen Habermas aseveraba en Pensamiento postmetafísico que «no es posible una ruptura innovadora con las formas de saber acreditadas y las costumbres científicas sin innovación lingüística», sea o no la poesía una forma de saber –que lo es, sobre todo en cuanto al conocimiento que el mismo poema produce, como precisa Valente–, es obvio que no cabe forma alguna de ruptura estética sin ese trabajo de raíz con el lenguaje. Julio Prieto lleva ya tiempo embarcado en ese empeño, en Mínimos informes el autor ahonda inteligentemente en la anfibología de la palabra informe en español, que apela tanto a un escrito con forma determinada como a lo que carece de ella. Se mezclan en este libro poema y prosa, apunte onírico y reflexión aforística, narración y microensayo, sombra y sueño, delirio, derelicción y deliquio, en aras de una expresividad desbordante.Hay una poética de la quiebra aquí, una estética de quebranto familiar, de quiebra semántica, de falla subjetiva, de grieta sintáctica, de quiasmo, de cómo deshacer quinientos libros, de quiénes, de quién sabe. Quienquiera que sea el sujeto poético de este libro, escribe mejor y peor que Julio Prieto, y el descubrimiento de que esas dos operaciones que parecen opuestas resultan ser una y la única posible, es el gran acierto de este libro.
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¿Quién no ha deseado hacer realidad sus sueños? Si bien —como ocurre en este libro—, podemos encontrarnos con la sorpresa de que lograrlo quizás sea algo más inquietante de lo que suponíamos... Esta historia convendrá a los insomnes, pero también a los afortunados que duermen bien. Tiene unos curiosos protagonistas que se embarcan en una gran aventura que los transportará a lugares increíbles, de esos que solo existen gracias a la imaginación, más poderosa cuanto más libre. Así, descubrirán el poder de los sueños y su asombrosa capacidad de sanación, perseguirán sus misterios e increíble hechizo…, hasta alcanzar algunas revelaciones insólitas. Este relato sueña con combinar la magia de El mago de Oz con el mensaje emotivo y delicado de El principito, pero también podría —con suerte—, haber sido escrito por un Paolo Coelho oriundo del País de las Maravillas en un día lisérgico. Y rebosa el humor característico de su autora, además de buenas dosis de esperanza y ternura, que es lo que nunca debe faltarle a un lector desvelado. Un libro de cuentos que son como sueños, y de sueños que parecen cuentos, dispuesto para disfrutar —en todos los sentidos y con todos los sentidos, de los mejores y más dulces sueños.
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En los países cristianos poca gente ha oído hablar de la primera mujer de Adán: Lilith. Se trata del mito que explica la aparición del mal en el mundo. Lilith sintetiza toda la subversión de la moral cristiana y ha sobrevivido a lo largo de los siglos en la literatura apócrifa y en las tradiciones judías antiguas como la madre de todos los demonios. Esta figura de la mitología antigua que en la postmodernidad se ha transformado en una reivindicación feminista, es profundamente estudiada en esta obra, que explora la evolución del mito en las literaturas europeas, analizando su presencia desde las mitologías sumerio-mesopotámica, grecolatina y hebrea, en figuras como Clitemnestra, Medea, las brujas, y otras mujeres aterradoras de la literatura clásica y moderna. A través de un detallado estudio teórico y crítico, Eetessam Párraga traza una línea temporal que muestra cómo el arquetipo de la mujer fatal ha sido esencial para el desarrollo antropológico del cristianismo, evolucionando en la literatura desde la Edad Media hasta el siglo XIX. El libro destaca la importancia de personajes como Eva y Lilith en la construcción de este arquetipo, explorando su representación en diferentes épocas y cómo han influenciado la percepción de la mujer en la sociedad actual.
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Los secretos de la poesía japonesa desvelados por un monje solitario, visionario y genial: Kamo no Chomei.Genio solitario y visionario, Chomei vivió durante una época de declive, caos y violencia que muchos asociaban con el final de los tiempos, y en cierto modo así fue: la refinada cultura cortesana sucumbió ante el feroz poder militar de los samuráis.Chomei se propuso salvar a la poesía del desastre que se avecinaba y concibió este ''Tratado sin nombre'' para preservar el arte poético tradicional adaptándolo a los nuevos tiempos y dotándolo de la libertad necesaria para perdurar eternamente.Comentarios sobre composición, las principales escuelas poéticas, los retos a los se enfrenta un poeta, el sutil equilibrio entre forma y fondo… observaciones y consejos que hacen de Tratado sin nombre un grimorio para poetas de todo tiempo y lugar y un disfrute para el lector contemporáneo gracias a la aguda mirada de su autor, su sentido de la ironía, su capacidad para retratar tipos humanos y su talento para captar la grandeza o la mezquindad de sus coetáneos.Traducción, prólogo y apéndices de Jesús Carlos Álvarez Crespo.
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“No es un gran nombre el que ha dejado, sino algo así como la silueta del ave herida de mala muerte, que se mueve con vaivenes de agonía en el árbol en que se quedó prendida al caer. Baudelaire es el ser superior hecho para crear un solo fruto maduro y alrededor de él languidecer, envejecer, desvariar, llevar una vida lamentable. Sus Flores del Mal son ese gran fruto, el fruto agriado, la última manzana verdadera y auténtica del árbol de la Ciencia del Bien y del Mal.”
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Iain Sinclair, uno de los escritores más brillantes y originales de nuestro tiempo –mentor de Alan Moore, entre otros–, por medio de una prodigiosa prosa repleta de conexiones imprevisibles y haciendo de anfitrión y oráculo, se mueve a través de un Londres espectral que una vez fue, o que tal vez nunca existió. Aquí, en este portentoso libro, vuelca todas sus obsesiones: William Blake y los recovecos de la ciudad secreta que solo él parece conocer, coleccionistas de libros raros y encuentros con J. G. Ballard o Graham Greene.Convertido en un detective «psíquico», asumiendo incluso la identidad de John Silence, una especie de oscuro Sherlock Holmes, Sinclair capta ecos y frecuencias perdidas, al tiempo que rescata la memoria de edificios, hechos y lugares. Sombras, ubicaciones misteriosas y sortilegios por medio del caminar como terapia, encantamiento o magia defensiva en estas cuatro historias que comienzan en todas partes y terminan en la locura. Cuatro guías reconocidos. Cuatro embaucadores. Cuatro inspiraciones: Algernon Blackwood, Arthur Machen, J. G. Ballard y H. P. Lovecraft. Se les conoce como «Agentes del olvido». Y a veces, también, como ángeles olvidados...
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Una obra imprescindible para comprender mejor quiénes somos a través de las huellas artísticas que dejaron nuestros antepasados hace más de 30.000 años.¿Qué movió a los primeros artistas a adentrarse en la oscuridad para plasmar bisontes, caballos y misteriosas figuras? ¿Qué significado tenían estas obras para sus creadores? Gregory Curtis nos guía en un apasionante viaje a los orígenes del arte y la creatividad humana, a través de las entrañas de las cuevas prehistóricas más importantes de Francia y España, para desentrañar los misterios que encierran sus paredes pintadas hace más de 30.000 años. Siguiendo la huella de algunos de los arqueólogos, historiadores del arte y especialistas que han dedicado sus vidas a interpretar los enigmáticos testimonios de nuestros ancestros, el autor combina magistralmente en este ensayo la aventura de la exploración subterránea, el rigor científico y la reflexión sobre el nacimiento del arte y la consciencia humana.
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A raíz del vigesimoquinto aniversario de la mítica serie de animación televisiva Futurama, Matt Groening, su creador (así como de Los Simpsons o de Desencanto), nos presenta aquí los entresijos del desarrollo y la historia de la serie.El mundo de Futurama cobra vida en este libro de arte, con comentarios del creador de la serie, Matt Groening, así como del guionista David X. Cohen y de la productora Claudia Katz.Justo a tiempo para celebrar sus 25 años (el primer episodio en España se emitió en la televisión el 29 de mayo del año 2000), y coincidiendo con su nueva temporada, este libro, el único que existe sobre Futurama, examina las primeras siete temporadas de la serie, que empezó en Fox en 1999. Los lectores podrán saber más del desarrollo y la historia visual de los 150 episodios, incluye además un montón de contenido nuevo, bocetos, dibujos nunca mostrados antes, y una guía completa de episodios.Futurama es una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Este libro es su legado visual, imprescindible para cualquier aficionado a la animación y la ciencia-ficción.
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Vida, obra (y muerte) de una mujer extraordinaria. Un retrato del siglo XX que interpela los debates sobre identidad del XXI. Edith Stein recorrió un sinuoso camino de búsqueda que la llevó del judaísmo al agnosticismo, a la filosofía, al catolicismo y que concluyó en el infierno de los campos de concentración nazis. Nacida en Polonia en 1891, fue la primera mujer en doctorarse en Filosofía en Alemania y perteneció al círculo íntimo de Edmund Husserl, padre de la Fenomenología. Temprana feminista, en 1921 su vida dio un vuelco místico y se convirtió al catolicismo para ingresar en la orden carmelita como Teresa Benedicta de la Cruz. Canceladas sus expectativas de emigración, fue detenida por la Gestapo en 1942 y deportada a Auschwitz, donde fue asesinada. En 1998 el papa Juan Pablo II la canoniza. La ambiciosa investigación de Irene Chikiar Bauer propone, bajo una luz inédita, un recorrido por los escritos autobiográficos de esta mujer personalísima, sus textos filosóficos y religiosos y su extensa correspondencia, y reconstruye tanto sus resbaladizos contextos de producción como las preocupaciones vitales y existenciales de Stein. Como resultado, en este libro enlaza su vida y obra con los tiempos brumosos en los que vivió y con las causas que abrazó con fervor y convicción. En ese gesto, traza líneas que necesariamente llegan al presente y aportan a la discusión contemporánea sobre lo identitario.La crítica ha dicho: «Irene Chikiar Bauer narra la vida de una personalidad fascinante. La búsqueda espiritual y la lucha intelectual, del judaísmo a su conversión al catolicismo y su martirio en Auschwitz». Clarín
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Imagino este ensayo como un combate. Quisiera escribir un ensayo-enojo, un ensayo-rabia. Que fuera recibido como una avalancha de golpes. Entre una frase y otra, habrá que visualizar energía desplegándose. Habrá que ver los músculos de mis muslos contrayéndose, mi centro de gravedad descendiendo y mis puños en posición de guardia. Habrá que entender por qué me esfuerzo por mantener mis hombros relajados y mis reflejos alertas, imaginar con precisión un codo que baja levemente, unas caderas que giran. Vean esa rotación, vean cómo esos huesos siguen el ímpetu del brazo y lo propulsan hacia su blanco. Entre cada palabra de cada una de las frases que componen este texto habrá que oír el ruido de un cuerpo pegándole a otro cuerpo. El martilleo de mi ira acaso no baste para que reviente la historia de mi familia. Entonces, será mejor guardar en la mente la imagen de unas vendas negras alrededor de mis articulaciones, que atenúan el filo, impiden que la piel se resquebraje, me protegen de una fractura en la muñeca. Que me permiten, sobre todo, embestir más fuerte.
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Toda una vida leyendo Don Quijote.«Muñoz Molina no defrauda, la suya es una escritura cautivadora que aboca a quien lee a zambullirse en las páginas, a apropiárselas en cierta manera. El alma humana tiene quien le escriba.» Mey Zamora, Cultura/s, La Vanguardia«Un narrador poderoso que echa luz sobre los entresijos morales de nuestra sociedad.» Santos Sanz Villanueva, El Cultural«Una enorme sensibilidad, una prosa hermosísima y una elegancia que solo está al alcance de los grandes narradores.» Eva Cosculluela, Heraldo de AragónEl verano de Cervantes surge de toda una vida leyendo Don Quijote de la Mancha. Durante el proceso de escritura de este libro, Antonio Muñoz Molina va entreverando recuerdos de su infancia y de sus primeras lecturas con la revelación del lugar que Don Quijote ha ocupado en su vocación literaria, mostrando además su influencia en otros autores, como Melville, Balzac, Joyce, Thomas Mann o Mark Twain, que han consolidado la novela como la forma narrativa suprema siguiendo la estela de Cervantes. Una lectura apasionante y apasionada de Don Quijote que mezcla de forma extraordinaria investigación literaria y memoria personal, y que contextualiza la genialidad de la obra maestra de Cervantes, lectura inagotable para entender el arte de la novela. En palabras del propio Muñoz Molina, «un tema central en la novela es el modo en que las ficciones afectan a la mente humana, la nutren, la entretienen y pueden trastornarla cuando no sabe distinguirlas de la realidad. Esta inquietud me parece más pertinente aún en estos tiempos en que tecnologías mucho más poderosas que la imprenta tienen el poder de hipnotizar nuestras mentes hasta un grado de delirio. Después de toda una vida leyendo Don Quijote, me gustaría que este libro pueda acompañar a otros en sus propias lecturas».
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Recuperamos en un solo volumen los apasionantes diarios de Rosa Chacel, un hito literario del siglo XX y una figura a reivindicar adelantada a su tiempo.Los diarios de Rosa Chacel constituyen un hito en la literatura española del siglo XX. Una obra sin parangón por su retrato ambicioso de una vida, con todo lo que conlleva: la reflexión sobre la obra propia, sobre la labor y el papel de quien escribe, desde la creación a la repercusión, pero también la experiencia del exilio -los exilios: el país, el idioma, el sistema literario- y del regreso, el vínculo íntimo con quienes le rodearon. Textos de claroscuros y crudeza, en los que nada se esconde, pero que abarcan mucho más que la confesión: el testimonio poderoso y agridulce de una escritora que se demostró también como una de las grandes prosistas de su época. Con esta nueva edición, ofrecemos una nueva vida comercial para los tres volúmenes de sus diarios, Alcancía: Ida, Vuelta y Estación Termini, veinte años después de su inclusión en la obra completa de la Fundación Jorge Guillén. Esta edición -con prólogo y notas de la escritora Elena Medel- busca la reivindicación de estas páginas como una obra literaria total, a la altura por ejemplo de su producción novelística, y la reivindicación también de una escritora que por circunstancias extraliterarias suele omitirse de recuentos generacionales y otras panorámicas.
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Nueva edición traducida y anotada por Marcelo Burello.El mundo de ayer es Viena y Europa antes de 1914, donde Stefan Zweig creció y conoció sus primeros éxitos como escritor, leído con pasión. Lleno de anécdotas, de encanto y de colores, de dramas también, este cuadro de un periodo notable de la historia de Europa resume el sentido de una vida, de un compromiso de escritor, de un ideal. Es uno de los textos más conmovedores y esenciales para ayudarnos a comprender el siglo pasado.
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Honda, sobria, desprovista de retórica, la poesía de Juan Peña es pulcra en la forma y esencial en el contenido.Este es, ante todo, un libro de celebración de esos momentos en calma en que la vida, contra lo que dijera el verso lorquiano, sí es noble y buena y sagrada, pero su autor, Juan Peña, atiende igualmente a las manchas y heridas con que la misma vida va aniquilando, en su renovación y podredumbre, su propia naturaleza. Para compensar la falta de fe en la condición humana, el poeta proyecta una mirada afectuosa y admirada a los espacios naturales, al resto de los seres vivos, con particular atención a lo más pequeño y humilde, como las hierbas del campo, y a esos objetos que se cargan de alma y nos acompañan. También contempla a una divinidad más presentida que sentida, que se asume y vive emocional y culturalmente, al tiempo que se deplora el abandono y la sustitución de los viejos fundamentos de nuestro mundo ''la razón, la ciencia, el espíritu crítico, la defensa de la dignidad humana'' por nuevos dogmas ideológicos. En ''El último poema'', que da su título al libro, el autor alude a tres finales: el eventual de su obra, el apuntado de toda una época ''la milenaria civilización de Occidente'' y otro imaginario pero no descartable a la luz de las tensiones actuales. Honda, sobria, desprovista de retórica, la poesía de Juan Peña es pulcra en la forma y esencial en el contenido, que aquí tiene algo de balance o recuento, abordado desde una serenidad compatible con el desconcierto.
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Susana Benet nace en Valencia en 1950. Licenciada en Psicología, su vida laboral transcurre realizando tareas administrativas en una multinacional, aunque su auténtica vocación es literaria. Admira profundamente la poesía oriental y descubre en el haiku una manera personal de expresarse. En 2006 aparece su primer libro, publicado por la Editorial Pre-Textos: Faro del bosque. A partir de entonces, las publicaciones en libros y revistas se suceden siendo considerada una de las voces más representativas del haiku en España. Como narradora ha aparecido en esta misma editorial su último libro, Espejismo y otros relatos. Este volumen reúne los poemas que componen la primera edición de La enredadera, así como los extraídos de sus publicaciones más recientes. Sobre sus haikus, el poeta Vicente Gallego escribe: «Estos versos se duelen de sí mismos, y en sí mismos se gozan. Como la espina de un rosal, se nos clavan sin darnos más explicaciones. Andamos entre rosas que lastiman sin querer, dándonos el gusto de dolernos y de aspirar su aroma. Esta lluvia de alfileres cae en el absoluto ahora de la contemplación y nos empuja a la intemperie de lo vivido sin porqué, de aquello que se basta y colma en su verdad sentimental y sensitiva».
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¿Quién fue realmente Miguel de Cervantes? ¿Un genio literario o un aventurero con más intereses en el comercio que en las letras? ¿Por qué fue un escritor tardío? ¿Su objetivo era entrar en la corte? Este libro desafía la versión clásica del autor de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, revelando a un hombre rodeado de ambigüedades y secretos. Soldado en Lepanto, cautivo en Argel, comerciante y cobrador de impuestos, Cervantes vivió entre aventuras y constantes reinvenciones, con una vida marcada por intrigas, dudas sobre su fe y relaciones tan misteriosas como polémicas. ¿Fue realmente el autor de el Quijote, o los negocios y los conflictos personales desviaron su atención? Con amantes, hijos no reconocidos y rumores de una conversión religiosa, la figura de Cervantes aparece entretejida con los altibajos de una época llena de genios rivales: Lope de Vega, Mateo Alemán y otros pesos pesados del Siglo de Oro que lo desafiaron, despreciaron y lo empujaron a vivir en los márgenes de la gloria literaria. Estas páginas nos sumergen en los claroscuros de un hombre que vivió y murió en la ambigüedad, un personaje que se reinventó entre sombras de una sociedad que nunca lo reconoció del todo. Una lectura intrigante y reveladora que cuestiona el verdadero rostro de un personaje cuyo legado parece estar tan lleno de ficciones como la propia obra que lo inmortalizó. «Cervantes es un enigma, un misterio insondable. Sabemos menos de él de lo que desearíamos, y quizá por eso su obra es aún más fascinante, porque trasciende al hombre que la creó». Francisco Rico, especialista en literatura del Siglo de Oro.
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PREMIO NOBEL DE LITERATURA 2024 La autora que ha cautivado a millones de lectores en el mundo con novelas como La vegetariana y La clase de griego nos sorprende y deslumbra también como poeta. «Una de las escritoras más sublimes que pueblan el escenario contemporáneo».Berna González Harbour, El País Premio Nobel de Literatura en 2024, Han Kang se revela en Guardé el anochecer en el cajón como la gran poeta que alienta tras sus muy celebradas ficciones. El «anochecer», ese espacio ambiguo entre dos luces, se convierte en el escenario en el que una voz dolida e inteligente nos habla de la soledad, la enfermedad, el encuentro entre muertos y vivos, la fuerza frágil de la palabra, la necesidad del arte. Sin conocer en detalle la anécdota que genera el poema, el lector ingresa sin embargo en un ámbito de inmediata y poderosa intimidad que acaba haciéndole partícipe de una especial trascendencia cotidiana. Se trata de una poesía delicada, oscura, inquietante y tremendamente visceral, que pone el cuerpo y las emociones en su mismo centro. Como ha dicho la autora en The New Yorker, «el lenguaje es como una flecha que siempre falla el blanco por un margen estrecho y es también algo que transmite emociones y sensaciones que producen dolor».La crítica ha dicho:«Sinuosa y extraordinaria [ ]. Han Kang es una escritora incomparable. Con unas pocas líneas atraviesa la experiencia humana en su totalidad».Katie Kitamura «Kang posee una voz seria, comprometida con la literatura y la historia, sin otra agenda que la investigación de la forma literaria, la exploración de las contradicciones del lenguaje, la indignación serena ante la barbarie y el azoro ante el milagro cotidiano de la vida».Juvenal Acosta, Letras Libres«En los poemas de Han Kang el dolor sangra lenguaje y silencio [ ]. Una voz de la desolación humana y un espejo ante nuestro ser vulnerable para que se mire arder y al mirarse, en su dolor despierte».Roberto Amézquita, Círculo de Poesía«Los libros de Han Kang dan fe de una atrocidad concreta a la vez que plantean cuestiones universales sobre lo que significa ser humano, con todo el potencial de ternura y crueldad que eso conlleva».The Times Literary Supplement «La literatura de Han Kang es un género en sí mismo».Eun-Gwi Chung, World Literature Today«Han Kang transforma la manida idea de la desconexión entre cuerpo y mente en algo nuevo y significativo». Michele Filgate, Los Angeles Times «Han Kang siempre ha sido una de las escritoras más lúcidas: ensancha el cielo de los sentimientos».Max Porter
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Último libro de Pedro Salinas (1891-1951) publicado en España en vida de su autor, Razón de amor aparece en 1936, el mismo año en que da comienzo el largo exilio americano del poeta. Dividido en dos partes, la primera de las cuales fluye como un largo poema, el poemario -cuyo título procede de un poema anónimo del siglo XIII que describe el encuentro de dos enamorados en un huerto florido- prolonga el tema de la separación de los amantes iniciado ya al final de La voz a ti debida, solo que aquí cobra un nuevo tono la voz del poeta, quien, por medio de la evocación, trata de exorcizar la ausencia de la amada. Como afirma Soledad Salinas de Marichal en la introducción del presente volumen, «se diría un diario íntimo y también una poesía de conjuros, dirigida a recordar, pero también a recobrar, el amor perdido para devolverlo a la realidad presente».
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En aquests relats, Diderot proposa un seguit de problemes ètics, que qüestionen la moral convencional i l'absolutisme ideològic del seu temps, a partir de la combinació de fets i personatges històrics amb d'altres de ficticis, tot impregnat d'una modernitat d'estil sorprenent. El filòsof aprofita la dicotomia entre veritat i versemblança per reflectir la mateixa sàtira social i intel ligència que han fascinat tants lectors.
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Poemario ganador del Premio Internacional de Poesía Gerardo Diego, que patrocina el Gobierno de Cantabria, en su edición de 2024.
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