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Llibres de poesia
Llegir poesia exercita el cervell i fa canviar la manera en què veiem el món. Per això, et recomanem repassar la nostra gran selecció de llibres de poesia. ¡Lectures que aixecaran la teva passió! Compra llibres de poesia online. En aquesta secció trobaràs una àmplia i variada selecció de llibres de poesia en format de tapa dura i tova, i en múltiples idiomes: castellà , català i anglès. Descobreix els millors llibres de poesia moderna, així com antologies de poesia espanyola i catalana, poemaris, compilacions i obres clàssiques dels principals exponents d'aquest gènere literari, com Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre altres.
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El primer poemario de Gudrun Palomino (El Puerto de Santa María, 1998).La lejanía de nuestros cuerpos reflexiona sobre el sentimiento de distanciamiento que supone estar en el mundo. El primer poemario de Gudrun Palomino (El Puerto de Santa María, 1998) comprende la lejanía como un espacio y una distancia vital que no puede recorrerse: es todo aquello que confecciona nuestra cotidianidad, cuadros de Goya y Tiziano, canciones, sueños y océanos oníricos. El amor se presenta como una distancia más, un futuro imposible que se mide con la unidad del deseo. Estos poemas revelan la soledad a través de una mirada analítica y honesta sobre recuerdos inventados, e indagan en la intimidad de tragedias comunes y compartidas.
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Un poemario que se escribe desde el lugar de los presentimientos, las amenazas, los enigmas. ¿Existe lo que aún no existe, pero se adivina que vendrá?Decía Hamlet en Hamlet: «Nada de eso, los augurios se rechazan. Hay singular providencia en la caída de un pájaro. Si viene ahora, no vendrá luego. Si no viene luego, vendrá un día. Todo es estar preparado. Como nadie sabe nada de lo que deja, ¿qué importa dejarlo antes? Ya basta.» Claudia González Caparrós parte de esta cita de William Shakespeare, y de este pensamiento: la anticipación, la futuridad. Que sea algo que todavía no es. Un horizonte que se muestra a la vez posible e imposible, lúcido, misterioso.Desde ahí se escribe Los augurios se rechazan: desde el lugar de los presentimientos, las amenazas, los enigmas. ¿Existe lo que aún no existe, pero se adivina que vendrá? ¿Qué relato se construye? ¿Qué idea nos brinda su posibilidad? Y desde ahí —también— escribe Claudia González Caparrós estos poemas: desde la memoria y la forma en la que contamos los recuerdos, quizá no discursiva, sino un vínculo de presente a pasado que orilla —o pausa— las posibilidades de la palabra y se adentra en las del cuerpo.Un libro con el que nos preguntamos sobre ese conocimiento ajeno a lo lingüístico —no se puede decir, no se sabe cómo— que de alguna forma se encarga y nos moldea, define nuestros movimientos y nuestras decisiones, sitúa una narración propia. Las intuiciones, las profecías… Lenguaje, y realidad, y certeza, y lenguajes y realidades y certezas: después de Si la carne es hierba (Sully Morland) y te miro como quien asiste a un deshielo, dos de los libros más reveladores de los últimos años, Claudia González Caparrós rechaza los augurios, cuestiona la manera en la que decimos el tiempo y lo pensamos.
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Les cançons i els poemes de Daniel Sesé, Túrnez & Sesé i Darània.
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Un libro de prosa poética que se detiene ante lo extraño, lo singular, lo que se sale de su contexto. «La libertad del no, del sí, tajantes, modulables, con enmienda. De cerrar un libro, de entregar lo que somos, cuanto somos, en el acto sublime de aceptar la necesidad de otro. Y anteponerlo a nosotros. Libre-mente. La entrega libérrima y plena. La maravilla. La locura espesa para quienes nos medican con sus recetas de interés mezquino. La libertad de no admitir el miserabilismo ni la queja constante, alzarse por encima de ambos con pies descalzos y humildad de comuna, pero desde la fuerza de ese discurrir del ser que se atiende en lo primario y en lo alto. Con la vida te respondo».
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La afrenta de los números rojos en la cuenta corriente es el pretexto para reflexionar sobre los sueños no alcanzados, el camino recorrido, los años por venir o la proxim.Para los que disfrutaron con la lectura de su primer poemario, Parques y Jardines, Carmen Aranguren vuelve contando sus luchas con el insomnio, sus desencuentros con Dios, la vivencia del amor maduro, la pérdida del amigo y la búsqueda del sentido en los detalles cotidianos.
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Los pájaros entre los cerezos, la lluvia sobre el zorro, la boca gastada de los árboles, el lomo casi azul de los caballos, los álamos del viejo caserón, la nerviosa canción de los barrancos, la savia que se mueve todavía mezclada en nuestra sangre. Carreteras que brillan en el bosque entrecruza el ámbito rural con el urbano. Recoge las voces estropeadas en la ciudad de alimañas, tractores, espíritus del río, la bojeda, la escarcha, los rebaños, todos los dulces frutos del verano. Un tácito permiso para el vuelo con objeto de alcanzar hasta las últimas farolas pisando las hojas secas de un camino. Este libro, en el que el autor aboga porque «los últimos días sean tus brazos, nuestros brazos, ciervos milenarios», ha obtenido el XXVII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Sandro Luna, con este luminoso poemario, se alzó con el prestigioso VII Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique.La noche que a Eddie Felson le rompieron los dedos es a la vez recapitulación de los libros anteriores y el comienzo de una nueva etapa. Su poesía, nada impostada, habla siempre de lo cotidiano, aunque buscando en los nimios acontecimientos y emociones de la vida un sentido que la salve del dolor y la tristeza. La enfermedad, el recuerdo y la vivencia de sus allegados y otros momentos íntimos quedan transformados con hondura y belleza por su palabra, que, además, busca siempre el calor del arte (cine, música, libro) para dotarlos de un sentido existencial salvador y esperanzado.
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Si buscan el término «Poesía» en cualquier diccionario, en todas las definiciones hallarán la palabra belleza. Y es cierto que los versos se prestan más a la exaltación de lo bello que la narrativa, mucho más prosaica, pero también existe la poesía satírica y burlona, muy extendida en nuestro país y con gran aceptación popular sobre todo en épocas pasadas. O la poesía mística en la que España ha tenido autores muy destacados.En este libro encontrarán crítica y pesimismo, pero también ironía y reconocimiento a ciertas personas que son admirables, porque como decía Oscar Wilde: «Todos vivimos en el fango, pero a algunos nos gusta mirar las estrellas».Jeremías Asensio nos ofrece versos sinceros y sin ambages en donde sentimos que lo fundamental no está en contar cosas importantes sino en hacer importante cualquier cosa.Un libro para pensar, reír y disfrutar de la sonoridad y magnificencia de la rima y la métrica.
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Poemario de la autora Ámbar Rodríguez.Caleta es una playa en La Romana, provincia al Este de la República Dominicana, en la que nació Ámbar Rodríguez. Sabiendo esto, ya desde el título se puede advertir que este poemario ha sido construido desde la identidad de la poeta, desde la concepción de sí misma como un árbol que nos habla de sus distintas ramas y raíces.Es así cómo Ámbar simula dormir la playa de su pueblo para mostrarse caribeña, amante, amiga, hija, poeta, mujer, lo hace navegando en un discurso que, aunque busca construir respuestas y darle sentido al dolor, no pierde de vista aquello que tiene significado para ella.Estamos ante una poeta que no solo goza de riqueza temática, sino que también ha logrado crear una poesía de metáforas preciosas y exquisitas, limpias y sin pretensiones que son oleajes de luz sobre el papel.VÍCTOR ANDRÉS DE OLEO
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'La lectura dels poemes que componen Aiguaneix, de Roser Cabacés, es perllonga com l'aigua pura del rierol en el temps interior, el temps de l'ànima que, per expressar-se, viatja en metàfores i imatges simbòliques: «ben en silenci/ sento les veus de l'invisible». Així els poemes ressonen a l'ànima com una simfonia composta en diferents moviments i visions interiors, «finestres badades/ per albirar el misteri». L'experiència mirífica de la primera lectura es perllonga en les lectures següents perquè els poemes d'Aiguaneix ho donen tot, però en preserven el misteri perquè així obra també la natura, «sempre sabent que el misteri s'amaga/ perquè el regal és saber-lo invisible''. (De l'epíleg de Teresa Costa-Gramunt).
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Amor: reconocer. La búsqueda. Gozar al despojarse. Y aceptar el cobijo. Y acoger. Darse. Llevar al otro siempre, siempre. Y nunca: no adueñarse, ni obligar. Comprender el silencio, comprender la soledad del que nos vive. Sus sombras comprender, y lo sombrío. Amor: tener al desprenderse. ''Amor'', de Fermín Herrero. FERMÍN HERRERO (1963) es natural de Ausejo de la Sierra, Soria. Su dilatada obra poética ha obtenido varios galardones, entre otros, el Hiperión, Gil de Biedma, Jaén, Fray Luis de León o Ciudad de Salamanca, y fue reconocida en su conjunto con el Premio de las Letras de Castilla y León en 2015. Por La gratitud le fue concedido, en 2014, el de la Crítica en el ámbito autonómico, y por Sin ir más lejos a nivel nacional en 2016. Ha colaborado como crítico en revistas literarias y de pensamiento como Archipiélago, El Ciervo o Turia, y actualmente lo hace en La Sombra del Ciprés, el suplemento de cultura de El Norte de Castilla y en el ABC regional.
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Homérica es un proyecto poético ambicioso: una Odisea contemporánea en la que los banquetes se convierten en cenas frente a la televisión, en la que el Zeus que devora a mujeres mortales toma la forma de un chaval que va a la playa en busca de material con el que masturbarse. Y una Odisea en la que, aunque el decorado haya cambiado, los movimientos de sus personajes siguen estando guiados por la pérdida, los anhelos, la maternidad y la metamorfosis. Los poemas de Giannisi son una nueva lectura de la mitología clásica desde la experiencia vital de una mujer de hoy.
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Un bello diálogo entre la poesía y el arte de una de las poetas más queridas de las letras portuguesas Ágora es uno de los libros más bellos y novedosos de la poesía europea actual. En él, Ana Luísa Amaral recrea un ejercicio cuyo origen se remonta a la Grecia clásica y a los inicios de la literatura europea, la écfrasis: la representación verbal de una figura visual. El libro se compone de treinta y tres obras artísticas y sus respectivas descripciones en forma de poema: una alianza perfecta entre la imagen y la palabra. Las imágenes representan motivos fundamentales del imaginario occidental, como la Anunciación, el Diluvio, Adán y Eva, la resurrección de Lázaro o el Paraíso, en un recorrido por la historia del arte europeo: desde las vasijas griegas del siglo III antes de nuestra era hasta el Impresionismo francés, pasando por el Renacimiento italiano, el Barroco flamenco o el Romanticismo inglés. Los poemas no son una simple descripción de los cuadros, son la actualización de los mitos que han dado lugar a nuestra civilización, una lectura moderna, iluminando aspectos que nunca antes habíamos considerado. Amaral compara esos mitos antiguos con momentos de nuestra historia política actual: los migrantes en el Mediterráneo o en el desierto en busca de una tierra prometida, el naufragio de sus barcas, o la espera de un Paraíso hecho de justicia y paz social. Ágora abre nuevos caminos para la poesía europea, pero también para la comprensión de nuestra historia. «Amaral era capaz de ver el sol en una cebolla y la tempestad en una mujer con un carrito de la compra. Su poesía está atravesada por fuerzas que peleaban entre la sutileza de lo cotidiano y la trascendencia del sentido de la vida. Una poesía del exceso que nacía de su propia manera de andar por el mundo». Tereixa Constela,El País
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Forats aplega 33 poemes dividits en 4 seccions, ''Cau'', ''Esquerda'', ''Tall'' i ''Espiell'' que dirigeixen el subjecte cap enfora en una actitud d'acceptació. El ritme s'elabora acuradament, exempt de llenguatge culte però amb un estil net que homenatja tant els clàssics com la poesia jove actual, on l'autora aconsegueix un lloc amb aquesta obra que ressegueix lemes com la ferida, el neguit, el desfici dels cossos, la pell, la ciutat, la buidor, el parany, la mudança, les cicatrius, la màscara i el crit. Aquesta obra va estar premiada pel jurat del 21è Premi de Poesia Alella a Maria Oleart, format per Maria Cabrera, Manuel Guerrero i Lluïsa Julià. Forats és el seu primer poemari i transita de dins cap enfora a la recerca d'una identitat que s'escapoleix de definicions. De la introspecció de l'origen i fins a la mirada furtiva cap a l'entorn, encercla els traus individuals i col·lectius per tal que no s'estenguin en el buit.
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La vida és un vaivé constant d'anades i vingudes, de perdre's i trobar-se. De migrar. De trepitjar indrets aparentment senzills però que deixen rastre. De la mà de Mercè Duran, passejarem per un laberint fet de paraules d'una gran contundència expressiva i capacitat evocadora i traçarem camins fets de regalims, bòlids, volves i un foc rogent que ho inunda tot.
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Obra poética completa recoge la producción lírica, tanto en verso como en prosa, de una de las figuras cruciales de la cultura occidental. En Charles Baudelaire, lejos de una escritura bucólica y pastoril en la que se ensalzan y elevan las pasiones más puras, el bien o la belleza, nos adentramos en una atmósfera en la que germinan y proliferan la desesperación y la depravación de la humanidad.Con su «ofensa moral», nuestro intempestivo autor desvela que en el pecho de la modernidad florece un corazón maldito. La voz de Baudelaire supone la confesión más rotunda de una vida incontestablemente humana en un nuevo mundo que surgía, de modo que sus escritos y su propia biografía, enredados e indiscernibles, devuelven a la superficie las profundas raíces de la modernidad.Cualquier intento de disociar esta ambigua relación entre época, œuvre y vie genera oscuridades que conducen a falsas interpretaciones del poète maudit y que distorsionan la esencia de la bohemia parisina, punto de inflexión de la futura vanguardia.
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Esta es la autobiografía inédita de Margarita Alexandre, española pionera en la dirección de cine durante la dictadura franquista y la Revolución cubana. Margarita dejó como testimonio de vida una decena de películas como actriz y otras tantas como productora, directora y guionista. Sin embargo, fue esta obra autobiográfica el fruto al que más tiempo dedicó. Desde que yo tengo memoria de ella, pasaba los días y las noches frente al ordenador, intentando sacar, ordenar y transmitir todas las vivencias que aquí se relatan. A pesar de las dudas que siempre mantuvo acerca de la validez de estos textos, hoy los presentamos aquí con la convicción de que el lector encontrará en ellos una valiosa experiencia de vida y una visión, cuyo ejemplo quizás lo mueva e incite a afrontar la vida y sus dificultades con plena libertad. MARGARITA ALEXANDRE (León, 1923-Madrid, 2015) fue una actriz, directora y productora de cine y teatro española. Hija de padre francés y madre portorriqueña, los primeros años de su vida transcurren en Madrid hasta el estallido de la Guerra Civil, momento en el que se ve obligada a refugiarse en Valencia junto a su madre y sus hermanas. Con dieciocho años consigue su primer papel como actriz en la película Tierra y cielo (1941). Durante el rodaje de Puebla de las mujeres (1952) conocerá al que será su pareja durante muchos años, el crítico de cine Rafael Torrecilla, con quien funda la productora cinematográfica Altamira Films. Juntos dirigirán y producirán las películas Cristo (1953), La ciudad perdida (1954) y La gata (1955), entre otras. En 1959 deciden marchar a México para unirse a la colonia cinematográfica de exiliados republicanos. País en el que no llegan a desembarcar, pues durante la espera de los visados en Nueva York, conocen al director mexicano Manuel Barbachano Ponce, a quien deciden acompañar a Cuba donde acaba de triunfar la Revolución de Fidel Castro. Lo que en principio iba a ser un viaje corto a la isla, terminó por alargarse más de quince años, durante los cuales Margarita trabajó para el recién fundado ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos) y el Teatro Musical de La Habana.
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John Milton's Paradise Lost is one of the greatest epic poems in the English language. It tells the story of the Fall of Man, a tale of immense drama and excitement, of rebellion and treachery, of innocence pitted against corruption, in which God and Satan fight a bitter battle for control of mankind's destiny. The struggle rages across three worlds - heaven, hell, and earth - as Satan and his band of rebel angels plot their revenge against God. At the center of the conflict are Adam and Eve, who are motivated by all too human temptations but whose ultimate downfall is unyielding love.Marked by Milton's characteristic erudition, Paradise Lost is a work epic both in scale and, notoriously, in ambition. For nearly 350 years, it has held generation upon generation of audiences in rapt attention, and its profound influence can be seen in almost every corner of Western culture.
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Antes de que se haga más tarde para aprender la enfermedad de cada uno, antes de que despiertes y vuelvas del pasado y sus merodeadores, recupera tan sólo la abreviatura de los sueños. Antes de esta joven renuncia, y habrás desaprendido. «Desaprender» (fragmento final) Se reúnen en este volumen los cuatro poemarios publicados hasta el momento por Juan Carlos Abril. Cada uno ahonda en la singularidad de su voz, y ofrece no sólo una muy destacable voluntad de estilo, sino una intensa apuesta por la emoción y la lírica.
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Se llama Ternura y está cansada de definir las esquinas de su consentimiento. Lo sabemos por las cartas sin destinatario que escribe desde la soledad de su cama, y que ha decidido recitar en voz alta, ante un auditorio que unas veces la insulta y otras la abraza. Cercada, cada vez más oprimida, Ternura se pregunta por la importancia de la cura a través de la palabra, y por la erótica de quien -aun sabiéndose derrotada- opta por el camino de la reparación. ¿Nos hace libres narrar el dolor propio? ¿Es lícito sentir deseo ante la humillación? Ternura y derrota es el primer acercamiento a la dramaturgia de Luna Miguel, estrenado a finales de 2021 dentro de la programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, e interpretado por ella. Escrito como una respuesta al dibujo de la feminidad en la Numancia de Miguel de Cervantes, aunque valiéndose de las enseñanzas amorosas y bélicas de Sarah Kane, Pier Paolo Pasolini o Simone Weil, este monólogo puede leerse como una ficción egoísta sobre el poder, como una epístola florida al deseo, como un ensayito atormentado o como un largo poema -así lo comprendemos, así lo recibimos- en la búsqueda incesante del amor.
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John Keats (1795-1821) tuvo apenas cuatro años, y dos de ellos lastrados por la enfermedad, para dejarnos una obra eterna que, al contrario que la de otros románticos más aclamados entonces, va ganando en valor con el paso del tiempo. Pocos poetas han buscado tan angustiosamente la belleza en su estado puro, el lirismo sin engaste. Quizás es este ideal tan alto que se marcó en vida el que hace que en sus poemas se respire a menudo una especie de melancolía de lo inalcanzable. En una de sus cartas, pozos siempre de sabiduría intuitiva, explica lo que le diferencia de Byron: “Él describe lo que ve y yo lo que imagino”. Keats necesita el estímulo de la belleza, proceda ésta del paisaje, de una obra artística o del amor, para dejarse ganar por la ensoñación lírica y ver desde ella cómo piensa el sentimiento, cómo siente el pensamiento, alzados los dos a una superior armonía. En muchos de sus poemas nos habla de ese “espacio de mirada interior” en donde no existe el tiempo y desde donde se roza el ideal.
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El nuevo libro de uno de los poetas jóvenes más destacables de su generación.De qué manera la lengua se traslada como circuitos electrónicos en la pintura de un campo de trigo. De qué imposible manera hay lengua hoy «cuando el futuro pasa por el tomate». Cuál es el camino para que haya lugar, o hueco. Pensemos lengua. Activemos palabras que resistan al «diseñador de frutas», pulsiones de siembra, viajes rotundos. La sola pregunta ya es un desvío. Acá otro mundo de uniones flotantes. Se hunde y nos trasladamos con el texto, en picada. Se desvía y rotamos con ojos plásticos. Que todo sea lengua aguijoneada por mosquitos. Que el tiempo sea futuro sin línea. Una razonada crítica inasible, operando en el devenir del poema, cuya red acoge planos y ya no articulaciones. Hay encuentros, roces, agricultura, la manera de desnombrar el poder de todo rey. Algo, o mucho, ha sido saqueado, tal vez, pero queda lengua oblicua para una «vegetación alfabética»: he acá el sistema que «desmitifica la abstracción».
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Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre con una mirada nueva. «Lola Mascarell es una poeta excelente. Porque se oculta, porque convierte la propia voz en atril donde susurrar el paso del tiempo, el significado de los gestos, los lugares pequeños donde la epifanía elige mostrarse. Hay en su poesía aroma de bien.» Víctor Herrero «Lola Mascarell es autora de tres libros que se incorporan a lo mejor de la mejor vertiente de la poesía de su tierra, esa que precisamente celebra la luz (y todo lo que ésta implica), la que es consciente de estar habitando el paraíso.» Juan Marqués «La poesía de Lola Mascarell surge por necesidad vital y su pulsión, por encima de todo, es celebrativa: celebrar que se está vivo y celebrar los dones de la vida.» Almudena del Olmo Iturriarte «En su último libro, la poeta nos invita a llegar con ella hasta los más recónditos y bellos paisajes de su mundo interior, sin titubeos, con la firmeza de quien se siente segura y dueña de sus palabras.» Susana Benet «En las inscripciones funerarias tempranas, los muertos rogaban al paseante: ''préstame tu voz'', para revivir y anunciar quién yacía en el sepulcro.» Lo cuenta Irene Vallejo en su libro El infinito en un junco. Préstame tu voz es el resultado de ese diálogo entre los muertos y los vivos, entre las distintas voces que somos, entre la madre y la hija que ahora es a su vez la madre y que sigue cantando las canciones de sus abuelas. En este libro de poemas Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre (la casa, la montaña, el bosque, la naturaleza, la infancia) con una mirada nueva: la mirada de quien ha visto su cuerpo modificarse al compás de la transformación del mundo. Retoma así el pulso de los poemas recogidos en Un vaso de agua: la búsqueda de la claridad expresiva para dar cuenta de la sencillez del mundo. Un mundo plácido, donde todo está unido, donde las cosas suceden en su cotidianidad más desnuda, donde el amor doméstico, la mirada serena y la aceptación del paso del tiempo se entrelazan. También la reflexión poética: buscar la poesía que hay en cualquier parte por si logra su luz atenuar las sombras de los tiempos difíciles.
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Exploración y juego, laboratorio de formas, Las fuerzas débiles condensa en su interior dos voces engarzadas que ensayan distintas versiones de un mismo tema. La mecánica es en apariencia simple: hay una idea que, arrojada al aire enrarecido de la página, se fisiona dividiéndose en dos poemas independientes, uno a cargo de Elisa Díaz Castelo y, otro, de Adalber Salas Hernández. Si bien Las fuerzas débiles toca varios asuntos relacionados con la ciencia, en especial con la astronomía y la física, los poemas que lo conforman no se limitan a estos ámbitos del conocimiento. Este libro bifronte parte de una convicción compartida por sus autores: la poesía es una forma de conocer el mundo, tan legítima e indispensable como las llamadas ciencias duras. Como éstas, tiene sus métodos, sus teorías y sus pruebas. Armados con la certeza del asombro, Díaz Castelo y Salas Hernández se arrojan a esta exploración.
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'Eduard Sanahuja i Yll entén la poesia com un bàlsam, com una forma de vida, ja ho hem vist, en efecte, però també com una forma de mirar, com una forma de saber, com un vehicle pensamental a través del qual es poden orquestrar teories de tota mena, fins i tot les més impossibles. Eduard Sanhuja i Yll té tants poemes consagrats a diferents teories: del no i del sí, amb la iguana i amb el temps, amb el bes i amb la veritat, amb la perplexitat i amb la veritat... Entén la poesia com una estrella que guia, com una possible llum primordial que basteix el coneixement humà i l'ordena. La paraula té molta més força del que aparentment sembla, i les justes i precioses paraules d'Eduard Sanahuja i Yll confirmen el poder terrible i fascinador dels poemes en l'immens laboratori que és el món.'' (Jaume C. Pons Alorda)
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Los poemas de Roger Wolfe podrían definirse como antifábulas, como contrafábulas: al final espera a los lectores una pura perplejidad, una antimoraleja en todo caso. El poeta no se detiene nunca: su nihilismo atroz se empeña en descarnar todos los prestigios, en desnudar todas las mentiras. Después, emprende su autodemolición. La muerte es el único asunto que el autor se toma verdaderamente en serio. En la descripción del espanto no se va por las ramas del repertorio tradicional: el miedo a la muerte es como el miedo al dentista, la vida no es más que un hojear revistas en la sala de espera. La eficacia de los poemas de Wolfe reside en un curioso sistema de recursos de estilo, aunque sería más exacto hablar de antisistema. El poeta vuelve la espalda a todo el arsenal consagrado de la lírica, carga de dinamita los títulos y concentra una balística contundente en los finales. Su sarcasmo burlón y su lenguaje directo sirven de vehículo a unos poemas cuyo núcleo es la más profunda indignación moral ante el mundo, un mundo que a pesar de todo, y de manera paradójica, también puede —,Guillén dixit—, estar «bien hecho» durante un instante. Aurora Luque Continúa con este volumen la publicación de la poesía completa de Roger Wolfe, una de las voces más solitarias y a un tiempo representativas de la llamada generación de los 80. Su obra, tremendamente influyente en los poetas de las últimas décadas, tiene la sutil precisión de un bisturí y la sonora contundencia de un bate de béisbol. En todos sus poemas se reflejan, de algún modo, una íntima lucha con los versos (consecuencia de su innegable voluntad de estilo), un encarnizado combate con el mundo, y una permanente contienda consigo mismo, característicos elementos que lo acercan siempre al lector, y lo hacen personalísimo. Roger Wolfe ha publicado ya numerosos libros de poesía, pero en cada uno de sus títulos, desde el inicial —,y como no podría ser de otra manera en un creador con mundo propio—,, lo encontramos al completo. Abelardo  ,Linares
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Entre las principales figuras de la poesía medieval destaca el francés François Villon, autor de dos largos poemas: El legado y el monumental Testamento (de más de 2000 versos) donde deforma los valores caballerescos para dar voz a vagabundos y delincuentes, carne de presidio y de patíbulo, para que ofrezcan una visión burlesca, obscena y al límite de su experiencia, mediante un verso directo, muy expresivo. Nuestra edición incluye también poemas de los predecesores de Villon como Rutebeuf o Charles d'Orléans, que permiten tomar el pulso a la época medieval. Con la excelente traducción de Vicente Monroy este libro nos ayuda a sumergirnos en la siempre cercana y a menudo desconocida poesía medieval.
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'Vaig sentir la necessitat de contribuir, en la mesura de les meves possibilitats, a fer justícia a una obra singular i original, rica d'accents, formada per vuit títols independents. A poc a poc se'm va imposar la idea d'elaborar-ne una antologia, una tria consistent i representativa que permetés, al lector d'ara mateix, apreuar la poesia de l'autor, considerar-ne els diversos estrats. Gaudir-ne, al cap i a l'últim. El que segueix, doncs, és un convit a la lectura de la poesia d'Antoni Tàpies Barba. Tant de bo aquesta antologia serveixi a més d'un lector per endinsar-se en el món ric i fondo d'una obra lírica que es va construint a poc a poc, i que rep el benefici dels anys i de l'experiència, reflex de la bellesa i de la veritat''. Jordi Llavina
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Publicado en 1855 dentro de la primera edición de Hojas de hierba (de la que ocupaba más de la mitad del volumen), primero sin título y un año después bajo la denominación «Poema de Walt Whitman, un americano», Canto a mí mismo es, como dice León Felipe, el momento más luminoso de Walt Whitman, la obra que contiene su doctrina y su mensaje. Es «su gran poema polifónico», en el que «no falta ningún instrumento, ningu- na voz, ningún paisaje...». En efecto, todos los grandes temas en torno a los cuales se articula la inspiración de Whitman se hallan presentes en el Canto: Dios, la naturaleza, el cuerpo, la vida y la muerte, el amor, la camaradería... La voz del 'magnífico haragán', del infatigable vagabundo, del camarada universal, vuelve otra vez a sonar sobre los tejados del mundo. Esta vez su palabra se ofrece en edición bilingüe a cargo de Enrique López Castellón, que añade un extenso e interesan- tísimo estudio sobre el poeta, su vida, su pensamiento y su obra.
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Relatos y poemas que se suceden como olas -a veces suave, otras bruscamente- y que no te dejarán dormir.
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Universo Salas: cápsulas sensibles de ironía millenialHarakiri en AOVE (2024) es el episodio final de una trilogía que empezó con dos discos: Revancha en Bakú (2019) y Eclipse en Miura (2021). La obra de Adrià Salas, ya sea en el ámbito de la música, la poesía o en su vertiente periodística, se ha caracterizado por el análisis irónico de las inquietudes sociales actuales a partir de iluminadores juegos de palabras así como de reflexiones sintetizadas en aforismos o en cápsulas de sarcasmo millenial. En Harakiri en AOVE repasa las nuevas formas de querer, de ser hombre, de relacionarse con lo digital, de mirar hacia adentro y también de ver la sexualidad. Juega sin miedo con las extensiones y la métrica, aunque también se atreve con unas décimas, donde incluso suena más libre. Los seguidores de las fantásticas letras de sus canciones están llamados a sumergirse un poco más en el Universo Salas.
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Poemario que contiene la pulsión lírica y explicita del eco existencial sobre los grandes temas de la poesía universal.De este poemario y de la labor poética desarrollada por su autor, ha dicho el poeta Corredor-Matheos, que ofrece el testimonio de una visión amplia y justa, a menudo minuciosa, como corresponde al jurista en la vida cotidiana que es verdadero poeta en todo momento. Estamos ante una poesía marcada por la observación del acontecer cotidiano y, también, por la trascendencia. En definitiva, una visión lúcida de la realidad, de honda expresión poética, que nos presenta la progresiva maduración de un poeta que merece atención. Se trata, en definitiva, de una obra articulada en coherencia con lo esencial de la poesía, donde el autor profundiza, depura y acentúa su perfil personal, un tanto excéntrico y poco convencional.
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No es fácil resumir en pocas líneas este libro, porque uno tiene la tentación de «citarlo todo», como confiesa la premio Nobel Louise Glück en el prefacio. Crush vio la luz hace ya dos décadas, en 2005, y consiguió que la crítica y el público se pusieran de acuerdo en la celebración. Celebración del cuerpo como teatro supremo del drama humano. Crush es un libro devastador, que requiere estómago. Su visceralidad y la libertad con la que se nos entrega y nos avasalla pueden llegar a distraernos de su gran destreza. Pero Crush es primero una sala de máquinas, donde se produce el milagro de la física mecánica, la tracción calculada del poema. Siempre el iceberg en el horizonte. O en este caso, la curva peligrosa.El espíritu de Siken es el de los poemas de Thom Gunn, las sacudidas de la carne siamesa de Cronenberg, las imágenes del Almodóvar de La piel que habito o la crudeza metálica de Julia Ducournau. Su convivencia lírica es con poetas como Ocean Vuong, Jericho Brown o Andrew McMillan.
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La obra de José María Eguren (Lima, 1874-1942) es producto, según Javier Sologuren, de una vuelta constante a la ''inolvidable morada de la infancia, único espacio en que no ha de sentirse herida su tierna y sensitiva materia''. Los juguetes y la observación de la naturaleza se convertirán en compañía imprescindible de una poesía polivalente, producto de una modernidad contradictoria que llenará poemas y prosas de imágenes de vida y de muerte. El poeta barranquino exteriorizará sus emociones más intensas con un estilo propio e inconfundible, donde símbolos (que son ''representaciones vividas'') y figuras (porque ''el mundo parece una figuración cinemática'') construyen una impredecible mascarada modernista. Su lejano parecido con Poe y Chaplin ratifica una individualidad exótica, cuya personalidad moral sería muy valorada por la vanguardia.
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Poemes i jocs de paraules. Amor, desamor, vida plena. Poeta d'acció.
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Poeta del foc, psique russa, sibil·la: Tsvetàieva no admet cap etiqueta perquè en crea una de pròpia. No accepta lleis ni en l'escriptura ni en l'amor: per a ella, vida i literatura signifiquen la mateixa cosa -un apassionament lliure i fervorós. Els dos reculls de poemes que componen les Fites, publicats ara en català per primer cop, es van escriure entre 1916 i 1920: entre el darrer any de la Rússia tsarista, les revolucions de febrer i octubre del 1917, la precarietat immediatament posterior i la mort per desnutrició d'Irina, la segona filla de la poeta. Les Fites representen l'inici de la maduresa literària de Tsvetàieva, la seva entrada al panorama de recitals i el reconeixement per part de la crítica i dels companys de l'Edat de Plata: Akhmàtova, Pasternak, Mandelstam, Balmont... La poeta desplega un imaginari complex i personal, en el qual amor i amistat, maternitat i infantesa, ciutat i ruralia, tradició ortodoxa i màgia gitana, somnis i quotidianitat, i desig hi conviuen enllaçats pel vincle ancestral de la poesia i la música.
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