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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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«Zoo» narra los encuentros entre un escritor ''alter ego del autor'', una doctora veterinaria y un gorila dentro de un zoológico. La intención inicial del escritor es conocer los hábitos de este animal para escribir una obra, sin embargo, las interacciones tanto con el gorila como con la veterinaria comenzarán a transformarse en una fascinante historia de amor. A medida que la relación se intensifica, el gorila y el escritor establecen una dependencia apasionada que cuestiona los límites entre lo humano y lo animal, lo civilizado y lo bárbaro. «Tierra» es una mirada sobre el duelo y la transformación que sobreviene a la muerte. Tres personajes que fueron alumnos de la maestra Liliana, fallecida hace poco tiempo, están marcados por la muerte de un familiar: Lucas asesinó a su hermano gemelo, Celia perdió a su hijo en un accidente, y María Clara es hija de un desaparecido de la dictadura militar. A partir de aquí, descubriremos las complejas situaciones de duelo que han atravesado.
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Una obra de teatro en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche.La fiesta es aún peor de lo que esperaban, así que tanto Leyre como Diana abandonan pronto el reencuentro de su antigua promoción del instituto, al que ni siquiera saben por qué han acudido. Apenas se conocieron en esos años pero, hartas de la explosión de nostalgia noventera, ambas encuentran en la necesidad de compartir taxi una excusa para no dar por terminada la noche.Sin rumbo ni intenciones fijas, acaban deambulando en busca de algún deus ex machina que les permita creer que el presente no está tan lejos del futuro idílico que les prometieron y que, a sus cuarenta y algo, se les sigue escapando.Escrita a pie de escena a partir de un taller con sus intérpretes, Esta sí tenemos que bailarla de Nando López es una obra de teatro tragicómica y canalla en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche. Una comedia ácida llena de ritmo —de fondo resuena el eco de las canciones de Raffaella Carrà—, diálogos punzantes y momentos que van de lo íntimo a lo explosivo. Un viaje a través de bares y carreteras cinéfilas en el que sus dos protagonistas comparten madrugada a vueltas con sus dudas y sus ganas de vivirlo —y bebérselo— todo.
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Parte de la producción dramatúrgica de Antonio Álamo está marcada por el minucioso y casi obsesivo examen de los mecanismos y las alucinaciones del poder en los más diversos ámbitos y estancias. Pese a ello, los engranajes que mueven la acción de estas obras, a partir de singulares, irónicas y certeras intuiciones dramáticas, tienen siempre un carácter íntimo. Este volumen recoge sus principales exploraciones en este terreno. En «Los borrachos», somos testigos de la celebración privada del lanzamiento de la primera bomba atómica por parte de sus creadores, «Los enfermos» nos cuenta las azarosas aventuras de un cadáver famoso, el de Adolf Hitler, en «Yo, Satán», el autor imagina a un papa que, valiéndose del dogma de su infalibilidad, pone en aprietos a la institución que representa, y del que se acaba sospechando que pudiera estar endemoniado, «Cantando bajo las balas» nos deja asistir al primer acto franquista de la historia narrado por un cadáver, el de Millán Astray, descontento y angustiado con el lugar que le ha concedido la historia, en «Grande como una tumba», el fantasma de un artista recorre las distintas escenas de un mundo que agoniza y se hunde sin remedio, y, por último, «El bebé salvaje», la única obra inédita y no estrenada, fija su mirada en un capítulo vergonzoso de la vida de Karl Marx, un hombre que, soportando circunstancias muy adversas, nunca renunció a su derecho a pensar ni a beber, y que, como dijo Bernard Shaw, realizó la mayor proeza que puede llevar a cabo un escritor: cambió la mentalidad del mundo.
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El sueño de una noche de verano fue escrita para servir de divertimento en las nupcias de personajes nobiliarios de la Corte de Isabel I. Shakespeare utilizó una ingente cantidad de fuentes, magistralmente manipuladas y transformadas de acuerdo con el propósito estético: desde las Metamorfosis de Ovidio, pasando por los cuentos de Chaucer o la Diana de Montemayor hasta llegar a los ritos de la fertilidad y el folclor de Gales. En una amalgama admirable, el dramaturgo funde tan heterogéneas influencias en un texto en que se presenta el amor consumado en el matrimonio como fuente de conflictos para alcanzar el poder político. / Las alegres comadres de Windsor, por contra, se presenta como una obra de comicidad y desenfado en la que los espectadores de la época, y aún los de hoy, pueden reconocer en escena los arquetipos de la Corte londinense. El obeso Falstaff, las comadres Ford y Page y los tipos de las callejuelas de Windsor pertenecen ya al enredo de la dramaturgia universal.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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José María Alvarez, reconocido estudioso de Shakespeare ahora presenta esta traducción de El rey Lear. Este rey Lear es fruto de su amistad con el actor Eusebio Lázaro, que se la propuso para su representación enEspaña. Por esa razón, cuando José María Alvarez sededicó a traducirlo tuvo muy en cuenta «la escena», lo que sucede en el teatro, y considerando que no es texto fácil para un lector no especializado y lo difícil que resulta poder asistir a una representación deesta obra, ha estado muy atento a insertar explicaciones de la puesta en escena, a gestos o entonaciones-tras un considerable estudio de lo que sobre El reyLear habían establecido Granville Barker o sir John Gielgud, Jan Kott y otros- que facilitaran a ese lector una mejor comprensión de la obra.
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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Les pressions que rep Gabriela Duarte per a delatar la ubicació del seu marit Rodrigo Duarte, ferm detractor de la dictadura al Brasil, són cada vegada més violentes. Gabriela no en sap res, o no en vol dir res. Per amor es pot fer qualsevol cosa, però què passa quan l'amor flaqueja?Una història en què s'encaren les conviccions polítiques i l'amor. Complots, subterfugis, passions i traïcions converteixen Clandestins en una obra àgil i captivadora en què ningú és qui sembla ser.
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Durante una fría noche de marzo, Koharu confiesa a sus hijos que ha matado a su marido, un hombre maltratador que había convertido en un infierno la vida de los jóvenes. Quince años después, y tras haber cumplido su condena en prisión, la madre vuelve al hogar, a la empresa familiar: Taxis Inamaru. El reencuentro resulta difícil para todos: la felicidad por recuperar al ser querido no diluye por completo el rencor ni la culpa, ni puede hacer olvidar todos los años de ausencia.
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Este volumen reúne dos textos singulares que han saboreado las mieles del escenario de la mano del propio autor.''Asesinato de un fotógrafo'' es un festín de obsesiones del género detectivesco clásico y el noir más cinematográfico. Las andanzas de un detective solitario que observa con sonriente melancolía la ausencia de agarraderas en la que vivimos.''Castroponce'' es un alegato en favor de la creación por encima de cualquier discusión histórica. Un supuesto simposio en un pequeño pueblo de la llanura castellana sirve de pretexto para exponer desbordantes ideas sobre teatro político.
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Aquest volum agrupa Dinamarca, l'última obra dels germans Sirera, i Plagi, el nou text teatral de Rodolf Sirera. Dinamarca és la hist.ria de la família d'un pastor luterà i les seues relacions amb el món del teatre durant els anys de l'ocupació alemanya a la II Guerra Mundial. I Plagi és una obra de suspens que uneix un escriptor que ha perdut la inspiració, una escriptora que es fa passar per periodista, una obra plagiada i un segrest.
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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Què tenen en comú Azalais de Porcairagues, trobairitz nascuda l'any 1146, sor Isabel de Villena, religiosa i escriptora valenciana del segle xv, i Rita, una youtuber que carrega el pes de 5.000 anys d'història? En @Rita_Trobador, Joan Nave ens planteja un joc literari que reflecteix en el passat la posició feminista de la nostra era mitjançant tres dones que ens ofereixen tres mirades en el temps que, en el fons, són una sola veu.
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¿Quién no querría volar hasta Nunca Jamás? Solo hay que tomar la segunda estrella a la derecha y todo recto hasta la mañana. Una vez allí los sueños se hacen realidad: sirenas, hadas, piratas... Pero toda aventura tiene un precio: luchar con tu propia sombra. Perderte. Morir. Incluso crecer...
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Una comedia del autor de de la distopía ''Nosotros''Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro, caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarronería y la presunción de la sociedad rusa y, por extensión, soviética.Por su inconformismo y su sentido de la sátira, pronto quedará censurado y relegado en su país del que, no obstante, podrá salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes soviéticos.
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«No me queráis tanto, que me vais a matáh» nos dice el dramaturgo, director de escena y performer Alberto Cortés en su nueva pieza, Analphabet. En ella, los fantasmas ocupan el papel protagonista de una historia construida sobre y a partir de la melancolía, la vulnerabilidad y la pena a las que nos llevan en ocasiones las relaciones de pareja. Ambientada en una mezcla de paisajes vascos, playas andaluzas y bosques del romanticismo alemán, Analphabet es (quiere ser) mito y consuelo de nuestras heridas y azote de nuestros abusadores. La palabra se convierte así en sanación del cuerpo maltratado y en altavoz de los abusos tantas veces silenciados que se dan (también) en las relaciones intragénero.Entre los múltiples paisajes y visiones aparecidos en estas páginas, encontramos a otros fantasmas que comparten genealogía: Goethe, Hölderling, Novalis, Bergamín o Anne Carson.Como correlato de esta herida, Siempre vengo de noche se cierra con un cuaderno de notas, o diario de trabajo, en el que el autor crea otra obra donde recoge sus inseguridades, contradicciones e impresiones acerca del hecho escénico y del oficio mismo de escribir.
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La materia fabulosa en torno a Bernardo del Carpio, así como a la historia de su padre, el conde de Saldaña, gozó durante los siglos de oro de una gran difusión popular, ya fuera por medio de la tupida red de romances que glosaban sus peripecias o de los géneros épico y dramático. Las dos comedias que reunimos en este volumen, ''La mocedad de Bernardo del Carpio'' y ''El casamiento en la muerte'', atribuidas a Lope de Vega con distintos grados de fiabilidad, se cuentan entre las más importantes de este último género, tanto por su calidad literaria como por el alto grado de difusión que alcanzaron entre espectadores y lectores.
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Se trata de una comedia urbana cuya acción se desarrolla en Madrid, una ciudad que ofrece oportunidades para los caballeros o que llega a corromper a las damas. Por sus calles viven, transitan, aman y engañan losprotagonistas, con el consabido final feliz de ''cada oveja con su pareja''.
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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Si Teatro 1989-2014 recoge buena parte de las obras de mayor extensión de Juan Mayorga y Elipses sus ensayos, Teatro para minutos reúne todas sus piezas brevesescritas hasta la fecha. Un total de cuarenta y cuatro textos, varios de ellos inéditos, muy diversos ensus asuntos y lenguajes. Son formas breves que abrengrandes territorios. Pues, como ha señalado Mayorga,igual que «la importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerzacon que tensiona esa pared, tampoco el valor de una obra teatral depende de su extensión, sino de su intensidad». Teatro para minutos es un atlas cuyos mapasnos ayudan a orientarnos en las regiones más extrañasde nuestro tiempo.
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Premi Ciutat de València Eduard Escalante de Teatre.L’obra indaga en les conseqüències de la mort per a les persones que es queden, el buit que es queda quan algú desapareix i que difícilment es pot omplir. Una història subtil que t’obliga a seguir un rastre delicadíssim de pistes que ens guia a descobrir un final tan tendre com devastador.Un accident de moto en una carretera secundària és el pretext per t una reflexió sobre la mort: l’accidental o la volguda. Buit de mi és una obra àgil però profunda on hi abunden els sobreentesos i les frases a mig dir, una obra amb un rastre delicadíssim de pistes que ens porten a un final tan tendre com devastador.
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¿Quién recuerda hoy a Lise Meitner? A pesar de ser una de las personas que descubrió la fisión nuclear, su legado ha permanecido en un segundo plano hasta ahora. Mujer, científica y judía, huyó de la Alemania nazi y se refugió en Suecia. En 1944, el único galardonado con el Premio Nobel por el descubrimiento de la fisión sería su estrecho colaborador Otto Hahn. ¿Por qué ignoró el tribunal de los premios el papel esencial que desempeñó Meitner en el proceso? ¿Qué motivó esta aventura científica y la traición que le siguió? Con veracidad y pasión, esta obra arroja luz sobre una de las figuras fundamentales de la ciencia del siglo XX y, con ella, sobre tantas y tantas trayectorias que merecen ser redescubiertas.
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Nos encontramos ante una reescritura rebelde de Las bacantes de Eurípides. En esta versión el escenario se convierte en el salón de una casa en un lugar indeterminado del Japón contemporáneo y por él desfilan un ama de casa asidua a los happening bars, una bestia a la que esta mujer creó a través de inseminación artificial, el coro atormentado de las almas de las vacas lecheras y hasta un perro papillón comprado por capricho.
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En Las canciones, texto escrito a partir de personajes y situaciones de Antón Chéjov, un grupo de personas se reúne para escuchar diversas músicas. Y lo que en principio parecía un acto inofensivo, termina por transformarlos.Pablo Messiez escribe esta obra para excitar el sentido del oído, ese sentido siempre abierto, el primero. Nos propone escuchar el mundo y escuchar su música, contra la que ningún párpado protege puesto que, como dice Quignard, ningún párpado se cierra sobre la oreja.Con epílogo en forma de conversación entre el dramaturgo y director de escena Pablo Messiez y el director y guionista Carlos Marqués-Marcet.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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Durante los siglos XVI y XVII Madrid vive una época de esplendor. El brillo de la Corte atrae por igual a nobles y clérigos que a hidalgos, vividores y rufianes. Las gentes de letras encuentran en la ciudad el mejor escenario para ambientar sus obras y se convierte en la gran protagonista literaria del Siglo de Oro. El mejor retrato de un Madrid bullicioso en el que conviven la comedia, el drama, el romance y la mala vida.
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Marina está sola en medio del mar a bordo del Peter Pan. Acostumbrada a viajar en el asiento de copiloto y a no decidir ni el rumbo ni las maniobras de su propia vida, realiza una travesía hacia Tánger con el fin de cumplir el último deseo de su pareja. Pero Óscar ya no está aquí para guiarla y el viaje se convertirá en una auténtica odisea. Los sueños recuperados, la lucha contra los elementos, la pelea por la libertad y el recuerdo de Óscar hacen a El síndrome del copiloto heredera del espíritu de El viejo y el mar, La Odisea, Cinco horas con Mario y Magnolias de acero en su reverso más luminoso. Adaptación teatral libre de la novela Mujeres que compran flores «Una historia que llega. Todo es tan cercano, tan auténtico que duele. Un recordatorio de lo mucho que podemos conseguir si nos arriesgamos. Una lectura para recordar». Papel en blanco «Se trata de una historia emotiva y tremendamente sentimental, con un texto plagado de frases hermosas, motivantes y reflexivas». Regina Sotorrío, Diario Sur «Una emocionante adaptación del best seller Mujeres que compran flores». Revista Godot
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Electra es una joven de padre desconocido, criada enun convento en Francia y que, tras la muerte de su madre Eleuteria, es acogida por su tía Evarista y el marido de esta Don Urbano. Electra se enamora perdidamente del científico Máximo, un sobrino de Evarista. Sinembargo, don Salvador de Pantoja le confiesa a Electra que Máximo y ella son hermanos de madre por lo queElectra, presa de sus temores, se refugia en un convento animada por Pantoja. Allí, Eleuteria se le aparece para revelarle que los rumores que la atormentanson totalmente falsos y le aconsejará abandonar el convento en el que le augura la infelicidad.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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El filòsof grec Plató (514 aC-520 aC) se serveix del mite de la caverna (inclòs en La República) per comparar l'efecte de l'educació (παιδεία) i la manca d'aquesta en la nostra naturalesa. El professor de secundària, Carles Bosch, també l'usa per comprovar-ne l'efecte sobre un grup escollit d'alumnes a l'hora d'explicar-los l'ascens de les tendències extremistes que neguen la igualtat entre els sexes o la solidaritat en defensa del liberalisme salvatge, el populisme mentider, el masclisme o el desig d'un retorn a certes formes de feixisme. El professor observa i analitza les reaccions del grup d'elegits, les quals li donaran més d'una sorpresa. Es tracta d'una proposta teatral jove, crítica i divertida que ens fa pensar: hem eixit de la caverna platònica per mirar el sol o encara ens movem entre les seues ombres?
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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Itsaso Arana, Violeta Gil y Celso Giménez, los componentes de La tristura, llevan más de quince años trabajando alrededor de las artes escénicas, tratando de generar «situaciones humanas» dentro y fuera del escenario como en estas tres obras que os presentamos. En CINE acompañamos a Pablo en la búsqueda de su identidad. Los orígenes ocultos y los secretos de su biografía se funden con la historia de los niños robados en España. Future Lovers presenta las inquietudes de seis adolescentes ante un mundo que sienten ajeno mientras intentan crear un refugio donde sus comportamientos no sean condenados. La obra consigue que el espectador se reconozca en los personajes y se cuestione si sus expectativas y sus sueños juveniles lograron cumplirse finalmente. Con un lenguaje metateatral y un dispositivo que juega con el documental, Renacimiento, explora los casi 50 años de democracia española, mientras acompañamos a los personajes de la obra a través de la trastienda de los montajes y desmontajes de una compañía de teatro cualquiera. Una obra que nos recuerda que, sin importar cómo hayamos llegado hasta aquí, la vida empieza, de nuevo e imparablemente, ahora mismo. «La tristura era un atentado contra la idea de individualidad, una vida opinable y comentable. Hablaban en plural, casi no bebían, toda la vida era obra. Durante un tiempo vivieron todos juntos. Todo les parecía poco, el teatro no era suficiente. De hecho, sigue sin serlo». Del prólogo de Sabina Urraca «La historia de La tristura es la del siglo xxi español, la del teatro último. Una de las aventuras más obsesivas, arriesgadas y, en el buen sentido de la palabra, pretenciosas de nuestro teatro». Pablo Caruana, El País « un trabajo hondo y capaz de encontrar el equilibrio entre la búsqueda y el hallazgo, entre nuevas narrativas y compromiso político, que reta al espectador a hacer su trabajo sin caer en el hermetismo. Lo moderno es amar». David Montero, El Diario [sobre CINE]
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Una nueva obra de Lope de Vega sale a la luz.Francia e Inglaterra acaban de sellar una paz que se confirmará mediante un matrimonio regio. Para ello, el heredero francés al trono recomienda enviar como embajador al conde Arnaldo a Londres. Lo hace con una intención oculta: alejarlo de su joven esposa, Laura, a la que pretende seducir.La francesa Laura ha permanecido de incógnito durante siglos, pero gracias a la inteligencia artificial es más que evidente que no es una obra huérfana más, sino que todo apunta hacia la autoría de un Lope de Vega en la última etapa de su producción. Este hallazgo no solo es de una importancia capital porque constata las enormes posibilidades que nos ofrecen las nuevas herramientas digitales, sino también porque podemos añadir al corpus lopesco una nueva obra de sobrada calidad de uno de los grandes de la dramaturgia universal.
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