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Gèneres Literaris
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UN CLÁSICO MODERNO GANADOR DEL NATIONAL BOOK CRITICS CIRCLE AWARD MÁS DE UN MILLÓN DE EJEMPLARES VENDIDOS UNA ESTIMULANTE MEZCLA DE AUTOBIOGRAFÍA Y MITOLOGÍA «Vertiginoso, elemental, un poema convertido en espada». THE NEW YORK TIMES «Un clásico, y con razón». CELESTE NG Cuando era niña, Kingston habitó dos mundos muy distintos: la California a la que emigraron sus padres y la China de las historias de su madre. Las feroces y astutas guerreras que poblaban los cuentos de su madre chocaban frontalmente con la dura realidad que le había tocado vivir a las mujeres de su familia. El sentido de identidad de Kingston emergió en las grietas de estas historias, vacíos que aprendió a llenar con sus propias fabulaciones. Guerrera de las palabras, la autora forja en estas páginas mitos y recuerdos, fundiéndolo todo para hallar una comprensión nueva de su linaje y de su propio presente. Un libro que combina la autobiografía con el folclore chino para crear un rico tapiz de historias que exploran temas universales como la identidad, el feminismo o la herencia cultural. «Intensa, feroz e inquietante. Una historia salvajemente aterradora y literalmente maravillosa». THE WASHINGTON POST «Un triunfo. Sorprendentemente lograda». TIME
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Esta colección de testimonios de primera mano y ensayos críticos sobre la deslumbrante obra del poeta peruano Eduardo Chirinos (1960-2016) es un puente entre lectores contemporáneos del poeta y lectores por venir. Es también un primer juicio crítico sobre un poeta de múltiples registros y tonos, pues sus libros, conservando una marca inconfundible, iban transformando su forma de uno a otro con envidiable ductilidad. Las contribuciones, firmadas por académicos, poetas y escritores de diversos lugares del mundo, son testimonio de la importancia de la poesía de Chirinos en el ámbito iberoamericano. Entre ellas encontramos recuerdos de amigos de infancia en que se avizoran los rumbos que tomaría con el tiempo la obra de Chirinos, reflexiones sobre la vinculación de su poesía con otras fuentes como la música, y temas importantes para el poeta como el exilio, la extranjería, la enfermedad y el mundo animal, real e imaginario. El primer libro de estudios y testimonios dedicados a Eduardo Chirinos, uno de los poetas más importantes del cambio de siglo en lengua española.
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La novela negra, en sus diversas variantes, requiere del escritor un esfuerzo particularmente acusado, pues la trama se sustenta por lo común en un engranaje bien armado, en una arquitectura sólida e inapelable en la que todos y cada uno de los elementos que la conforman están integrados con perfecta coherencia. Nada debe quedar al azar. Esa es la naturaleza del género, la credibilidad del proceso que conduce a la detención del criminal o, cuando esta no se produce, a su triunfo. Por tal circunstancia, el autor de novela negra o policíaca precisa de un conocimiento amplio de las herramientas que en la vida real permiten a los investigadores conducir y llevar a buen término la indagación de un asesinato, los móviles que lo propiciaron y la identificación del culpable. Y dentro de esa panoplia de herramientas no desempeña un rol menor la ciencia forense, que con el correr de los años ha permitido desentrañar no pocos crímenes cuya resolución parecía de antemano imposible. Este libro es de imprescindible lectura para cualquiera que esté interesado en escribir (o leer con asiduidad) novela negra. En síntesis, se trata de un compendio de los criterios y prácticas forenses que, de manera habitual y general, se llevan a cabo, y que suelen distar mucho de la ficción que se exhibe en las series de televisión y en las aproximaciones literarias menos documentadas. El resultado es una obra fascinante, tan esclarecedora como útil para quienes aspiren a doctorarse en un género que explora los pérfiles más sórdidos de nuestras sociedades modernas.
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¿De dónde procede la querencia de los literatos alemanes por el morir? ¿Esa deleitación morbosa es algo propio de singularidades o impregna toda la cultura germana? Toni Montesinos responde a estas preguntas con una extensa relación de autores, vidas y obras que, abrumadoramente, ponen de relieve cómo la muerte preside la lengua alemana y ha marcado el devenir histórico de sus tierras. De este modo, el autor hace alarde de su maestría investigadora para ofrecer una historia de las letras alemanas, desde el siglo XVIII hasta el XXI, en que cuestiona a muchos de sus protagonistas, desmitificando biografías y libros, al tiempo que lleva al lector a ese imán social hacia el suicidio o el afán mortuorio en forma de guerras o exterminio de seres humanos. Y es que, como escribió George Clemenceau: «En la naturaleza de los hombres está el amar la vida. Alemania no practica este culto. En el alma alemana, en el arte, la filosofía y la literatura de este pueblo no se comprende lo que es verdaderamente la vida, lo que constituye su magia y su grandeza. Y hay en él una atracción morbosa y satánica por la muerte. Este pueblo ama la muerte».
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El tiempo y su espuma. Correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles reúne veintisiete cartas inéditas entre los dos poetas valencianos, así como varios apartados que documentan valiosos testimonios de su amistad. Si bien la amistad entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles se extiende entre el famoso encuentro de enero de 1970 hasta el fallecimiento del primero de ellos (1994), esta relación epistolar puede acotarse gracias al arco temporal que va desde 1970 hasta 1984. En cualquier caso, entendemos que la publicación de esta correspondencia puede representar un hito en sus respectivos historiales literarios, al mismo tiempo que arrojar luz sobre el panorama literario valenciano de la baja posguerra española. Aquí entra en juego la importancia del «decanato» de Juan Gil-Albert sobre el «grupo valenciano» y la funcionalidad historiográfica de su casa de Taquígrafo Martí, por donde pasarán Francisco Brines, Guillermo Carnero, Pedro J. de la Peña, Alfonso López Gradolí, Jenaro Talens, Jaime Siles o el propio César Simón. Así recorre este libro la correspondencia personal entre Juan Gil-Albert y Jaime Siles, como los sellos gastados de una intimidad franqueada por la nostalgia, un pasaje fundamental para entender las cenizas finiseculares de nuestra literatura reciente. A pesar del «tiempo y su espuma», cuando «las pocas páginas escritas de mi vida» -citando una misiva de Siles- «no han sido ensuciadas por los años». A este lado, simplemente, el Mediterráneo, la tradición clásica, André frente a Gide, los caballos galopando sobre la arena: la nada.
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Tomàs Martínez pretén superar la pretensió reduccionista que implica el concepte de “Cançoner satírich valencià” formulat per Miquel i Planas, amb l'estudi de les obres concretes i amb la comparació d'aquestes amb altres manifestacions literàries de les pròpies tradicions catalana i europea.
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Las lágrimas son intrínsecas a la naturaleza humana. Escapar del llanto es, por ende, una empresa imposible para las personas. Sin embargo, su significado está condicionado por el momento histórico que lo ve nacer. Este libro parte de esta premisa para ofrecer un retrato de las lágrimas en la Edad Media y, concretamente, de aquellas que derramaron mujeres con fama de santidad en la Castilla de finales del siglo XV y principios del XVI. Su estudio nos ayuda a comprenderlas mejor y nos revela que el llorar fue para ellas una forma de perseguir su vocación religiosa y de alcanzar una insólita autoridad espiritual en su tiempo.
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Este libro El oficio de perder, penúltimo punto del laberinto que se ha ido construyendo García Vega, es una autobiografía que no se parece a una autobiografía. «Pero ¿es posible aún leer un libro así? -pregunta el poeta Carlos A. Aguilera-. Un libro neurótico, ahistórico, sin salida, que dice nada y tampoco quiere decir nada, que no sirve para descansar bajo el sol mientras los niños lanzan piedrecitas a los patos, ¿que no narra? ¿Un libro hueco escrito desde ese otro hueco que es la historia y su perverso subebaja? ¿Un libro fuera de tiempo y lugar, inútil? Parece que sí y parece que con este libro autobiográfico, continuación a distancia de Los años de Orígenes, García Vega se coloca dentro de cierta tradición negativa que tiene entre sus mejores exponentes a Macedonio Fernández, Arlt, Felisberto o Piñera. No sólo porque reescribe desde el delirio todo el tejemaneje cubano: la revolución, el exilio, la república, Lezama, sino porque descompone su núcleo-caricaturesco-de-poder, y traza la mejor radiografía que se ha hecho, en serio ''de un país como Cuba. Un país sin memoria y donde hasta ahora casi no han existido memorias. Un país fronterizo''». «El mundo de García Vega -dice el profesor Christophe Singler en su tesis Contra las ficciones, la imagen. El oficio de perder de Lorenzo García Vega- es esencialmente antibarroco, porque la opulencia barroca encubre la escasez, categoría fundamental de su estética. Si juega con lo kitsch, lo hace porque es parte de su circunstancia. García Vega menciona alguna vez su afición a los papagayos de plástico y las estatuillas pseudo-clásicas colocadas en los patios. Para liberarse de la enajenación que representa lo kitsch por simular el sentimiento humano, es necesario pasar por la mímesis de este mundo falso, fabricado por la industria cultural, según diría Adorno. Resulta tanto más fácil cuanto que García Vega es consciente y admite abiertamente que este ambiente de simulacro, presente también en el bolero y en la exuberancia del mambo, es parte inalienable de su cultura personal. El encaprichamiento con el papagayo de plástico indica que García Vega observa su contexto con mirada fotográfica, actitud nominalista en busca de lo inexpresivo».
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Conocidas internacionalmente como ''Las tres Marías'', escriben una obra literaria compuesta por cartas, ensayos, poemas, en respuesta a las clásicas Cartas portuguesasTras el ataque a una de ellas en critica a lo avanzado de su obra, las llamadas Tres Marias, Maria Isabel Barreno, Maria Teresa Horta y Maria Velho da Costa , escriben una obra coral donde contraponen la imagen clásica de la mujer a la actual dejando en evidencia lo que piensan sobre el machismo que rodea la sociedad.
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«¿Coneixeu Miquel Villà? Ja sé que la majoria dels lectors contestaran: no.» En paraules de Gabriel Ferrater, Miquel Villà és «un dels pintors catalans més autèntics». Va viure a París i a l’Argentina, i va ser molt amic d’Irene Polo. ¿Coneixeu Irene Polo? La majoria dels lectors contestaran: no.Val la pena conèixer-la. Perquè era una reportera fascinant dels diaris més importants de la Segona República, perquè va ser una dona agosarada, moderna, reivindicativa, lesbiana i suïcida. El 1936 va viatjar a l’Amèrica del Sud amb la companyia de Margarida Xirgu. Cap de les dues no en va tornar.Les cartes de Polo a Villà són un testimoni inèdit i vivíssim de l’exili. Els tres textos escrits per ella i els tres articles dedicats a la seva figura ens en fan entendre la grandesa. El postfaci és la clau de volta: ens explica l’aventura americana i ens aclareix els enigmes dels seus últims anys. ¿Qui era la Judith que Polo esmenta a les cartes?
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Artaud, cruz entre dos rostros, presentado aquí en edición bilingüe, ahonda en la visión ético-política del poeta francés. Lucidez y locura, valentía y desobediencia, sexua-lidad y anarquía se presentan como rostros posibles de una misma cruz, una cruz encarnada o un quiasmo luciente que la historia persigue con crueldad. El volumen se completa con una pieza de Joana Masó sobre la violencia necesaria para sobrevivir (o para no estar muerto), escrita a partir de los trabajos de Arnau Pons sobre Artaud, además de otro texto del mismo Pons sobre Heliogábalo o el anarquista coronado.
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Ramon Llull va redactar l'Art de fer e solre qüestions en català i, amb tota probabilitat, a Roma en 1295-1296, va ser traduïda al llatí molt posteriorment, el 1407. Es tracta d'una extensa obra de pràctica de l'Art lul·liana, fonamentada en l'Ars inventiva veritatis (1290) i en la Taula general (1293-1294), que té com a objectiu donar exemples d'aplicació de la doctrina cristiana. S'hi exposen els principis i els components del sistema de manera reiterada per facilitar-ne l'aprenentatge. Aquesta és la primera vegada que es publica la versió catalana original de l'Art de fer e solre qüestions, que és una de les últimes obres inèdites de Ramon Llull. Ofereix un veritable tresor d'ex-pressions i conceptes lul·lians fins ara desconeguts. Presentem el primer volum de l'obra, amb les distincions I i II, el segon (i últim) contindrà la distinció III.
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Este libro viene a culminar la labor de investigación del grupo Andalucía Literaria, del Plan Andaluz de Investigación de la Junta de Andalucía, que ha venido dirigiendo el profesor Diego Martínez Torrón desde 1991. Ideología y castas en Cervantes intenta una aproximación, en diversas calas, al cervantismo de los siglos XVIII, XIX y XX. Y ofrece una nueva comprensión del pensamiento de Cervantes. Se abre con un pormenorizado y extenso trabajo de Diego Martínez Torrón, que analiza detenidamente la totalidad de la obra filológica de Américo Castro, interpretando su pensamiento. Los trabajos de Américo Castro ofrecen un intento de indagar en cuestiones de contenido, frente al formalismo de la filología tradicional de la época, basándose sobre todo en el estudio de las castas en la nación española. Pero a la vez este ensayo aborda también el tema de las castas que don Américo no estudia: la de los gitanos -a partir de un análisis de La gitanilla de Cervantes-, y la de los pícaros, con interpretaciones novedosas que atienden tanto a la novela picaresca, como sobre todo a Rinconete y Cortadillo, visto desde una perspectiva diferente. De Martínez Torrón se contiene también otro extenso trabajo sobre el Quijote de Bowle, en el que se analizan igualmente las anotaciones de las ediciones de Pellicer en el XVIII, de Clemencín en el XIX y las anotaciones de Bastús. De este modo se clarifica la evolución de la ecdótica cervantina desde la Ilustración al Romanticismo. Los profesores Santiago López-Ríos y Jaime Olmedo Ramos aportan el análisis y una valiosa colección de cartas inéditas de Américo Castro a Santiago Alba, que ilustran los avatares de la acción cultural española de don Américo en el exterior, entre 1921 y 1924, dentro de la Oficina de Relaciones Culturales, que iba a realizar investigaciones similares a las que Menéndez Pidal coordinó en el Centro de Estudios Filológicos. El epistolario que aquí se recoge es de interés para comprender el pensamiento, la labor y el temperamento de Castro. El profesor Antonio Varo Baena aporta interesante correspondencia inédita que Luis Astrana Marín cruza, entre 1950 y 1957, con el académico José Cobos Jiménez. De este modo se contextualizan las indagaciones de Astrana para componer su monumental Vida ejemplar y heroica de Miguel de Cervantes Saavedra. El profesor Antonio Arroyo Almaraz ofrece un estudio acerca de un curioso texto de tema cervantino aparecido en el Diario de Madrid en 1805, y debido a la pluma de Nicolás Pérez, el Setabiense, que aborda de modo crítico la obra de Cervantes, y que contiene interesantes sugerencias acerca de las polémicas propias de la época. Fue contestado por Juan Antonio Pellicer y Saforcada en 1806. Concluye el libro con un trabajo sobre el erasmismo cervantino de la joven profesora Beatriz López Pastor. Este libro constituye así un intento diferente, que se aparta del cervantismo formalista. Y aporta, en definitiva, una hermosa visión del pensamiento de Cervantes, con aspectos que estaban necesitados de estudio.
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William Morris estuvo aquí se compone de cuatro ensayos fundamentales del artesano y poeta inglés, hasta ahora inéditos en lengua castellana. Además, la edición contiene un prólogo sobre el autor y su obra, e introducciones correspondientes a cada uno de los ensayos escogidos, una recopilación de textos traducidos y seleccionados por Andrea Constanza Ferrari y Tomás García Lavín.La frase que da título a la presente antología está inspirada en la firma del pintor flamenco Jan Van Eyck, a quien Morris toma como un excelente retratista de la belleza de siglos pretéritos, el artista flamenco firmó algunas de sus obras diciendo que “estuvo allí”, que había presenciado lo que supo retratar. Y Morris, exultante, sostiene además que viendo sus cuadros se puede “ver a través de sus ojos”.Cuatro ensayosEn El arte: cosa seria Morris expresa, recurriendo a ejemplos de su vida y de la sociedad de su tiempo, la relevancia de saber disfrutar de la naturaleza y del trabajo libre, insta al lector a apreciar el espacio donde vive, y a crear, porque el llamado “hombre común”, el artesano, está llamado a participar física y espiritualmente en la mejora de las condiciones de vida de su comunidad. Y da cuenta de un concepto de arte ampliado: abandonando los elitismos decimonónicos, renueva el concepto para que todos lo sepan apreciar y sepan incorporarlo a sus vidas. Ello, según el autor, sería una fuente de libertad.En Arte y trabajo encontramos sutiles definiciones de los términos que titulan el ensayo, y, a partir de ellos, vemos que lo que llamamos trabajo en casos puede ser una disfrazada esclavitud, y que incluso durante la esclavitud que primaba en los pueblos señeros de la Antigüedad la gente igualmente se las ingeniaba para poder realizar tareas artísticas. Y sugiere Morris que, aunque la servidumbre imperante en aquellos pueblos pueda indignarnos, sería más conveniente ocuparnos de mejorar la situación laboral de las sociedades contemporáneas, y eso, sostiene, solo se logra con el desarrollo y la difusión del arte.En La antigua literatura del Norte: Islandia, Morris expresa su afecto por aquella isla agreste que también generase un inusitado interés en otros autores, como Jorge Luis Borges. En este ensayo, que al comienzo es una suerte de diario de viajes por Islandia, se nos cuenta cómo fue que en aquella casi despoblada tierra de pastores y guerreros nació una mitología que sentaría las bases de la fe de nórdicos y británicos, los islandeses aparecen como un pueblo recio, pero dueño de un imaginario que el autor equipara al de la Antigua Grecia. Aquí vemos, en una muestra de su exuberante formación, cómo Morris dominaba la historia y los mitos islandeses, abundan anécdotas sobre héroes y dioses deseosos por hacerse con el poder y la gloria.En La Inglaterra primitiva habla de su afecto por la tierra donde nació: relata las hazañas y los pesares de aquellas tribus vernáculas que, con los siglos, recibieron invasiones del Imperio Romano y de los pueblos del mar, con los cuales, además de guerrear, se mezclaron para forjar el pueblo británico: poseedor de una suerte de espíritu nacional en el que conviven, con cierta tensión, el paganismo del Norte con del Cristianismo institucionalizado, al que parece acusar de ser uno de los culpables de la pérdida del patrimonio cultural que existía antes de su llegada.
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Esta co-publicación de la Serpentine con Ivorypress bebe de la exposición e incluye mucha información adicional como nuevos ensayos de escritores, artistas e investigadores. Entre los textos encontramos los nombres de Graciela Speranza, Maristella Svampa, Marisol de la Cadena, Eduardo Kohn, Arturo Escobar, Yuk Hui y James Bridle y un nuevo texto de Tomás Saranceno.El libro incluye también dos ensayos visuales sobre los proyectos Aerocene y el Adivinador de arañas Ngam Dù, una sección intermedia que refleja visualmente los encuentros mencionados previamente, durante y más allá de exposición y una mirada más cercana a los trabajos incluidos dentro y alrededor de la Serpentine.El libro se ha producido con la huella de carbono mínima. El formato escogido se ha pensado para generar el menor excedente posible de papel, usando además papel reciclado y retractilado compostable. La cubierta se ha producido con papel lleno de semillas aromáticas de cantueso (de manera que el libro sea percibido por otros seres vivos distintos de los humanos). El lector es invitado a cortar trozos de la doble cubierta y plantarlos.
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Una obra essencial per a comprendre el funcionament de la literatura.L'art de la ficció és una anàlisi dels aspectes principals de l'art de narrar. Partint de novel·les de la literatura universal, tant clàssiques com modernes, i d'autors tan diversos com Jane Austen, Martin Amis, Henry Fielding o James Joyce, David Lodge posa a l'abast del lector no especialitzat l'entrellat de l'obra narrativa i n'interpreta els conceptes principals, com ara el punt de vista, el monòleg interior o la intertextualitat. Amb l'amenitat i l'humor característics de totes les seves novel·les, David Lodge ha escrit un llibre altament instructiu destinat a convertir-se en una obra imprescindible per als estudiants de literatura, escriptors en potència i qualsevol que desitgi comprendre els mecanismes interns de la ficció. «Un compendi esplèndid de teoria literària on el crític, el professor, el novel·lista o el lector hipòcrita i bucòlic hi poden trobar verdaderes lliçons sobre els mecanismes i engranatges de la ficció. Un autèntic plaer intel·lectual i un magnífic banquet literari». Fernando Iwasaki, El Cultural «Una delícia per al bon aficionat i una ocasió d'or per aquell que s'inicia en la lectura i desitja orientació.» José María Guelbenzu, Babelia «Fascinant. Un llibre per obrir debats. M'ha fet pensar com a escriptor, com a lector i com a professor.» The Sunday Times «És meravellós conèixer alguns dels trucs màgics de l'ofici: el punt de vista, el flux de consciència, l'ús de noms, el sentit del lloc, el desplaçament temporal i la intertextualitat.» Los Angeles Times «Un troba aquí la saviesa humana i expansiva que tanta falta fa en la crítica moderna. Arriba al fons de les coses, explicant-nos per què llegim ficció. Els admiradors hi trobaran concentrada l'essència de Lodge.» The Guardian «Aquests assajos són tan frescos i entretinguts com sempre.» The Independent
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Las historias de la literatura española del hispanismo italiano (1882-1969) se propone como un estudio de la evolución de la historiografía literaria del hispanismo italiano desde finales del siglo XIX hasta la segunda mitad del XX. A través del análisis de las trece historias de la literatura española publicadas en este periodo, el autor analiza el desarrollo del discurso historiográfico-literario italiano, desde sus primeras aportaciones aún deudoras de otras tradiciones interpretativas como la francesa hasta la consolidación de una perspectiva autónoma. El estudio no solo atiende a la selección y valoración de autores en cada una de estas historias, sino que también examina las metodologías que emplean, las estructuras que despliegan y los contextos intelectuales en los que aparecen, a la vez que las contextualiza en la tradición historiográfica del hispanismo internacional. Se exploran cuestiones clave como la influencia de las corrientes ideológicas y académicas en la configuración del canon, las tensiones entre positivismo y narración histórica, y el impacto de la historiografía extranjera en la evolución del hispanismo italiano. Este volumen se sitúa en el cruce de la teoría de la historia literaria y los estudios sobre el hispanismo, ofreciendo una mira-da panorámica y crítica a un corpus hasta ahora poco estudiado. Su combinación de análisis cuantitativo y cualitativo, así como su enfoque comparativo, lo convierten en punto de partida para investigadores y lectores interesados en la historiografía literaria, la recepción de la literatura española en Europa y la historia del hispanismo extranjero.
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'Perdonen si me apropio, con infinito respeto, de la expresión que acuñó Nabokov para decir que el libro que el lector tiene en sus manos se compone de opiniones contundentes. Responden a reflexiones sobre muy diverso espectro en materia de literatura, cultura y política, siempre abordadas desde lo que podría llamarse el ensayo subjetivo, es decir, un intento de involucrarme como escritor en las cuestiones que, precisamente en tanto que escritor, me interpelan una y otra vez y ante las que no tengo una postura políticamente correcta, sino más bien algo osada, algo melancólica, incluso algo irónica, y siempre decidida.' Así comienza Adolfo García Ortega este libro sorprendente en el que, con la experiencia de más de treinta años de literatura a sus espaldas, propone un recorrido personal por algunas referencias de la cultura y del mundo actuales. Todo cabe en este libro enciclopédico: el paso del tiempo, la música, Gonzalo Suárez, Doctorow, las vivencias íntimas, Julián Herbert, el yihadismo y los peligros identitarios, Günter Grass, John Ford, Annie Ernaux, el canibalismo, Rushdie, Wittgenstein, DeLillo, Atxaga, Mordzinski, Stevenson, Longares, los autómatas, Caravaggio, Bill Viola, Nabokov, lo barroco y un largo etcétera de nombres y asuntos. En el mosaico de 'fantasmas' que conforma estas páginas, el autor no elude el compromiso ético, a veces muy cercano al compromiso estético, ni la propuesta audaz de una teoría literaria.
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Un texto iluminador sobre la relación entre clase social y literatura que subraya el poder liberador de la escritura- El tema de esta conferencia que Virginia Woolf pronunció en una asociación obrera en mayo de 1940, en plena Guerra Mundial, es una cuestión tan candente entonces como ahora: cómo influye la clase social de los autores en las obras que producen, y qué literatura podría surgir de una sociedad más igualitaria. El resultado es un alegato emocionante y crítico que defiende el poder liberador de la escritura. Esta nueva traducción de Rafael Accorinti incluye un prólogo escrito por la escritora Laura Casielles, que interpreta las palabras de Woolf desde una pers-pectiva contemporánea y las inscribe en los debates actuales sobre clase, cultura y opinión.
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José Bergamín (1895-1983) es sin duda uno de los grandes escritores de la generación del 27. Es también una de las figuras más polémicas del siglo XX español. Tal vez solo su faceta polémica puede explicar (ya que nunca justificar) el olvido tan injusto en que su vasta obra literaria -compuesta de ensayos, aforismos, teatro y poesía- ha caído. Marginado en vida por los extremos a los que alguna vez llevó sus convicciones políticas, Bergamín no ha gozado de la reivindicación póstuma de la que otros escritores de su tiempo, a menudo menos talentosos que él, se han visto beneficiados. El presente libro, sin entrar en una discusión de las ideas políticas de Bergamín, ofrece, por primera vez, un estudio muy documentado de la ingente labor cultural llevada a cabo por él durante los años de la posguerra en que estuvo exiliado en México, Venezuela, Uruguay y Francia. Se estudia la labor de Bergamín como director de la legendaria Editorial Séneca, se examina sus relaciones con otros poetas del exilio (como Pedro Salinas, Rafael Alberti y Humberto Rivas) y también se analiza su propia trayectoria como dramaturgo, ensayista y, sobre todo, poeta. El primer libro en estudiar a fondo la vasta obra literaria escrita en el exilio por José Bergamín. Este estudio documenta capítulos centrales de la vida y obra de uno de los escritores más polémicos del siglo XX español, José Bergamín. Nigel Dennis (1949-2013) estudió en la Universidad de Cambridge, donde se doctoró con una tesis sobre José Bergamín. Fue después profesor de la Universidad de Ottawa, en Canadá, y director del Departamento de Español de la Universidad de St. Andrews, en Escocia. Durante diez años dirigió la Revista Canadiense de Estudios Hispánicos. Si bien como hispanista dedicó la mayor parte de su vida profesional al estudio de la vida y obra de Bergamín -de ahí, por ejemplo, El aposento en el aire. Introducción a la poesía de José Bergamín (1983) y Perfume and Poison. A Study of the Relationship between José Bergamín and Juan Ramón Jiménez (1985)-, también escribió trabajos importantes sobre otras figuras clave del siglo XX como Miguel de Unamuno, Ramón Gaya, Federico García Lorca, Luis Cernuda, Emilio Prados, Rafael Alberti y Ernesto Giménez Caballero. En esta misma editorial apareció póstumamente su libro José Bergamín. Introducción crítica (1920-1936) (2018). El presente libro, que se concibe como una especie de continuación del de 2018, recoge los principales trabajos que Dennis dedicó a la muy variada labor cultural emprendida por Bergamín durante los largos años que vivió exiliado.
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Ficcionario no es el clásico libro de ensayos sobre literatura, sino una colección de respuestas a treinta y cinco sospechas que Ricardo Silva Romero ha venido despejando a lo largo de su vida como escritor, sobre las formas en las que el drama –o la ilusión de que todo tiene sentido– está presente en la vida y en las distintas manifestaciones del arte.A modo de bestiario de la ficción, el autor realiza un inventario de sus pasiones –el cine de Alfred Hitchcock, de Martin Scorsese, de Woody Allen, de Mike Nichols, la literatura de Alejandro Dumas, de Paul Auster, de los hermanos Grimm, la poesía de César Vallejo, la música de Paul Simon, entre otros temas–, que ejemplifican de manera brillante una amplia gama de temas relacionados con las decisiones que hay detrás de cada trama y de cada personaje. Escrito desde un profundo respeto por el oficio, Ficcionario es un libro esencial para lectores, espectadores, directores, escritores ocualquier persona interesada en descifrar el arte de contar historias.
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Tras más de cincuenta años dedicado al mundo del teatro, José Luis Alonso de Santos, uno de nuestros dramaturgos más aclamados en todo el mundo, ha sentido la necesidad de revisar su carrera. O, mejor dicho, su vida. Y he aquí el resultado: una especie de resumen, o memorias, de sus andanzas con, en, dentro de, por y para el teatro. Así, Vivir el teatro no es una obra teatral ni un ensayo sobre el mismo. Aunque sí es un compendio de lo que ello significa para el autor, su experiencia vívida y única de lo que es vivir las entretelas. Porque, como él sabe bien, hay que jugarse la vida en cada frase que se escribe, en cada interpretación en escena, en cada signo de dirección, en cada comunicación a través del arte. Si no, el juego sólo es un simulacro y deja de tener sentido. Porque, en otras palabras, lo primero es poner el corazón en carne viva y enseñárselo al público. O, parafraseando a Calderón de la Barca, como bien se entenderá al leer esta obra, siempre hay que ''volver a nuestra conversación''. ¿Qué es el teatro y para qué sirve? ¿Se puede aprender? ¿Cómo poder dar forma escénica a lo informe y hacer visible lo invisible? ¿Qué es el tiempo, en el escenario y en la vida? ¿Cómo conseguir entrar en la auténtica dimensión de la belleza? Este libro es, querido lector, el legado de un gran dramaturgo, la vida en la tramoya de José Luis Alonso. No te lo pierdas.
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¿Es necesaria la poesía para la vida? Seguramente la lectura de poesía nos ayude a comprender el mundo mejor. En cierto modo, leer es preguntarse. Dionisia García: Poética para la vida nos acerca con visión crítica la obra –poesía y prosa– de una escritora fundamental por su hondo compromiso humanístico, por transmitir una apreciación del mundo y una visión trascendente de la vida. Su lenguaje de raíces clásicas y su apuesta por la sencillez y la belleza convierten su extensa obra en referente fundamental de la literatura española actual.«La obra poética de Dionisia García ocupa, en el panorama de las letras españolas contemporáneas, un lugar sobresaliente, conseguido con la calidad de una poesía llena de dignidad, desgranada en una serie de libros admirablemente bien construidos a lo largo de casi medio siglo. En ellos se pone de relieve la fidelidad a un estilo y a unos planteamientos estéticos y vitales que la autora ha ido enriqueciendo, a lo largo de los años, con la incorporación a su universo poético de nuevas inquietudes y reflexiones. Dionisia es una escritora de raza porque son muchos otros los géneros literarios por ella cultivados: narración, aforismos, memorias, ensayo, autobiografía, crítica literaria, epistolarios, reseñas, diarios... En todos ha despuntado por su originalidad y por su dominio del género por complejo que este sea y siempre ha coronado sus libros con esa maravillosa capacidad para redondear la obra bien hecha que, a lo largo de su trayectoria, despliega sin cesar. Su capacidad expresiva, su lenguaje, ese idioma suyo propio e inconfundible por su precisión semántica, siempre han sido sello de la casa, emblema de calidad indiscutible. Ana Cárceles Alemán aborda con pasión y conocimiento profundo una visión completa del mundo literario de la escritora en este lúcido ensayo Dionisia García: Poética para la vida». Francisco Javier Díez de Revenga«“¡Los poetas escriben de la vida!”. Son parte de este mundo, tienen memoria de personas y lugares, miran en lo común, inventan nuevas realidades, escuchan la música del universo. Nombran, acompañan, arriesgan, dudan, tiemblan... ¡Cuántas cosas nos enseñan poetas como Dionisia García! La vida, con su humana verdad, nos busca y nos encuentra decidida a continuar más allá del último verso». Manuel Madrid«Nutrido de sutil magnetismo, este ensayo de la profesora Ana Cárceles a propósito de Dionisia García, nos atrapa por la agudeza en el análisis y la poética propia, entregándonos uno de los mejores y más perdurables trabajos en torno a la obra de la poeta manchega. El resultado creativo es esclarecedor, sensitivo, profesional y muy hermoso». Marisa López Soria
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Cees Nooteboom visita a sus " muertos amados" allá donde se encuentren para entablar diálogos con ellos, para verificar suinmortalidad. Peregrinó a la tumba deNeruda en Chile, a las de Vallejo y Cortázar en París, a la de Antonio Machado e
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PEN -'Poetas, ensayistas, novelistas'- fue fundado enLondres en 1921 para promover la amistad, la cooperación intelectual y el intercambio entre escritores detodo el mundo. Desde entonces se ha convertido en una red mundial de autores, una comunidad extendida pormás de cien países. Esta es la extraordinaria historia de cómo PEN ha puesto la celebración de la literatura y la defensa de la libertad de expresión en el centro de la lucha de la humanidad contra la represióny el terror. Desde oponerse a la quema de libros y ala persecución de escritores en la Alemania nazi hasta prestar apoyo a los autores disidentes durante la Guerra Fría y hacer campañas en favor de los escritores encarcelados en la China actual, PEN siempre ha procurado proteger contra todo tipo de censura y de autocensura. Entre los excepcionales autores que han sidocasos PEN se hallan Federico García Lorca, Stefan Zweig, Musine Kokalari, Wole Soyinka, Salman Rushdie, Ng?g? wa Thiong'o, Anna Politkóvskaya, Hrant Dink y Svetlana Alexievich. Aquí se cuentan sus historias y las de muchos otros, ilustradas con fotografías y documentos de archivo. Las voces de estos autores y las detodos los demás que han luchado por defender la primera frase del Acta Constitutiva de PEN Internacional-'la literatura no conoce fronteras'- siguen muy presentes entre nosotros. Su fortaleza es la que ha hechoque PEN Internacional sea el movimiento fuerte, dinámico y activo que es hoy.
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La relación de Gerardo Diego con la música es la másextensa e intensa de todos los escritores del siglo XX. Sólo Pérez Galdós en el XIX podría parangonárseleen su obra narrativa. Este libro se basa en el estudio musical de toda su poesía, de la más antigua a la poesía final, es decir, una actividad de casi siete décadas, y tanto en la poesía más vanguardista como enla más tradicional, pues el santanderino se expresó con toda normalidad, y al mismo tiempo, en todos los géneros poéticos. También se basa, naturalmente, en loque sobre todo ello escribió el autor en su obra enprosa. El lazo de unión es casi siempre una imagen musical, desde la más abstracta a la más cercana incluso a la grafía musical. Gerardo Diego es el escritorespañol que más veces partió de lo musical para crearsus poemas, tanto en España como probablemente en elresto del mundo. Gerardo Diego (Santander, 1896-Madrid, 1987) es uno de los más afamados poetas de la llamada Generación del 27, y un excelente estudioso dela poesía española, tanto antigua como contemporánea.Antonio Gallego Gallego (Zamora, 1942) es tituladopor el Conservatorio de Valladolid, y licenciado enArte por la Complutense. Ha sido catedrático de Musicología y subdirector del Real Conservatorio Superiorde Madrid, y director de Actividades Culturales de laFundación Juan March. Ha publicado numerosos librossobre diversas materias: música en general, iconografía musical, o sobre grabado (Historia del grabado enEspaña, 1979, 1990, 1999). Ha prestado también especial atención a las relaciones entre literatura y música: Al son del roncón. La música en los poetas asturianos (2006), Gerardo Diego. Poemas musicales. Antología (2012), Número sonoro o lengua de la pasión. La música ilustrada de los jesuitas expulsos (2015), o Galdós en el Real. La ópera en sus narraciones (2020). Sobre Gerardo Diego y la música, además de la antologíacitada, es autor de otros estudios, reseñados en laabundante bibliografía final de este libro. Miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Real Academia de Extremadura, presideel Comité científico de Archivo Manuel de Falla y esmiembro permanente del patronato de la Fundación Guerrero.
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En aquests últims vint anys, les condicions socials, polítiques i econòmiques han canviat molt. Després d'una època de bonança -culturalment marcada pel postmodernisme i, en l'àmbit teatral, el postdramatisme- hem accedit a una etapa de precarietats, temors i incerteses. És en aquest context que Bernd Stegemann publica _Elogi del realisme_. El llibre exposa la polèmica tesi que el teatre postdramàtic, tant en les seves expressions més formals i autoreferencials com en aquelles que cerquen l'autenticitat del real, ha acabat fent el joc al sistema neoliberal que pretenia qu?estionar. Cal un «nou realisme» que pugui treballar en la visibilització del món, no en la seva encriptació. El debat que sorgeix arran d'aquesta polèmica ha modificat el pensament i la teoria teatrals a Alemanya molt més enllà del que sembla apuntar el conflicte de partida. L'ANTOLOGIA QUE US PRESENTEM RECULL LES PRINCIPALS APORTACIONS AL DEBAT, I TAMBÉ MOLTES ALTRES MANIFESTACIONS. EL CONJUNT ENS AJUDA A COMPRENDRE EL SIGNE I L'ORIENTACIÓ DE LES ARTS ESCÈNIQUES DEL NOSTRE TEMPS. COM PODEM, AMB EL TEATRE D'AVUI, REPRESENTAR LA REALITAT? COM PODEM INCIDIR-HI? EDICIÓ A CURA DE THOMAS SAUERTEIG TRADUCCIÓ D'ALBERT TOLA I THOMAS SAUERTEIG
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Original y ambiciosa contribución de un joven Oscar Wilde al anarquismo literario durante la década de 1890. En esta colección de ensayos, algunos inéditos en lengua española, descubrimos una faceta un tanto olvidada del escritor irlandés, que también rezuma ingenio y una asombrosa erudición. Oscar Wilde es un clásico imbatible, siempre brillante, con lectores de todas las edades e intereses.
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EL LIBRO QUE CELEBRA LA ENTRADA DEL PREMIO NOBEL MARIO VARGAS LLOSA EN LA ACADEMIA FRANCESA «La literatura francesa fue la mejor y sigue siéndolo. La más osada, la más libre, [...] la que se insubordina a la actualidad, la que regula y administra los sueños de los seres vivos». Los mitos literarios y el dinamismo intelectual en Francia sedujeron a Vargas Llosa en los inicios de su carrera hasta el punto de que llegó a creer que sólo se convertiría en escritor si llegaba a París y lograba aclimatarse a un ambiente que concedía a las artes y al pensamiento un lugar privilegiado. Las novelas de Dumas y Flaubert le abrieron la imaginación y lo inclinaron hacia el realismo, y las ideas de Sartre, Camus, Bataille, Aron y Revel le mostraron cómo debía ser un intelectual público. Según indica Carlos Granés en el prólogo de este libro, «su formación intelectual y cultural le dio la certeza de que cualquier escritor latinoamericano, incluso uno nacido en la provincia peruana (un bárbaro), podía participar en todos los asuntos políticos, culturales y sociales de su época si se nutría de sólidas tradiciones literarias y filosóficas. Buscando a Francia, Vargas Llosa encontró su país natal y el mundo entero». La selección de escritos que conforman Un bárbaro en París da cuenta de esta devoción por la cultura francesa que ha conducido a Vargas Llosa a ser el primer autor de una lengua extranjera que recibe el más alto honor destinado a los escritores francófonos: convertirse en uno de los «inmortales». Por esta razón, el volumen se cierra con el discurso inédito de ingreso en la Academia Francesa pronunciado en febrero de 2023.La crítica ha dicho:«La escritura de Mario Vargas Llosa ha dado forma a nuestra imagen de Sudamérica y tiene su propio capítulo en la historia de la literatura contemporánea. En sus primeros años, fue un renovador de la novela, hoy, un poeta épico».Per Wästberg, presidente del Comité Nobel «Entre nuestros contemporáneos, nadie mejor que el Premio Nobel de 2010 ha sido capaz de seducir amablemente a una gran masa de lectores contándoles historias llenas de sentido con una prosa tan bella como eficaz. Y con un dominio de las estrategias narrativas que la evolución de la literatura del siglo XX instrumentó para superar la manera de hacer novela en el siglo anterior».Darío Villanueva «Sus libros contienen la más compleja, apasionada y persuasiva visión de la novela y del oficio de novelista de la que tengo noticia, también contienen el mejor estímulo que un novelista puede encontrar para escribir, un estímulo solo inferior al que contienen las propias novelas de Vargas Llosa».Javier Cercas, El País
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El ruido del tiempo' -libro que Ósip Mandelstam empieza a escribir en otoño de 1923 en Crimea y que prosigue en San Petersburgo y Moscú, hasta su publicación dos años después- cubre el arco temporal que corresponde a la infancia y adolescencia del autor. En él, por una parte, hallamos los recuerdos familiares, incluida la compleja relación de Mandelstam con el judaísmo, y por otra, la vida en San Petersburgo, la entonces capital administrativa del imperio zarista a la que la familia se traslada en 1897. Muchas de sus páginas están dedicadas a esta ciudad, cuya geometría marcará decisivamente el imaginario del futuro poeta, así como a captar la tensión irresuelta entre tiempo y memoria en el momento previo a la Revolución que romperá todas las brújulas. A caballo entre dos siglos que son también dos mundos, el joven Mandelstam se confiesa hostil a las epopeyas. No estamos, pese a las apariencias, ante una autobiografía nostálgica. El autor apenas se autoanaliza, ni le interesa apelar al encanto de una época pasada, más dichosa que los difíciles años en que escribe y publica estas páginas. Habla de su niñez y entorno familiar, de los libros que lo formaron, de la escuela, de algunos encuentros y experiencias decisivas, pero siempre con una distancia irónica. Parece a veces la historia de la germinación de un lenguaje propio, el que Mandelstam desarrollará cuando empiece a escribir versos, curiosamente el año en que finalizan los recuerdos aquí reunidos. Ósip Mandelstam (Varsovia, 1891 - Vladivostok, 1938), poeta y ensayista ruso, creció en una familia judía en San Petersburgo y vivió los años de la Revolución y el posterior ascenso de la Unión Soviética. Publicó en vida dos poemarios, Piedra (1913) y Tristia (1922), que cambiaron para siempre el panorama literario en lengua rusa. En 1934 fue denunciado y arrestado por escribir un poema satírico contra Stalin. A partir de entonces, vivió unos años de existencia nómada junto a su mujer, Nadiezhda Khazina, durante los que trabajó como traductor y escribió libros infantiles. Cuatro años más tarde sufrió un nuevo arresto y fue condenado a trabajos forzados. Murió en un campo de tránsito cercano a Vladivostok el 27 de diciembre de 1938.
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Las reflexiones de Jaume Cabré sobre la lectura, la escritura, la música y el arte reunidos en un libroJaume Cabré concibe la literatura como una búsqueda. A lo largo de los años, esta búsqueda le ha ido suscitando preguntas, planteando pruebas e incluso tendido una trampa. Desde el conocimiento de quien hace décadas que da respuestas y propone soluciones al proceso creativo, Cabré ha escrito también tres textos testimoniales y teóricos que son un tesoro para cualquier amante de la literatura y del arte. Son textos escritos con complicidad de quien se reconoce, antes que nada, como un lector, un oyente, como un espectador.
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Este libro reúne una serie de ensayos breves, reseñas de libros, cuentos, parábolas e incluso programas de radio para niños y nos ofrece una nueva apreciación de cómo el pensamiento de Benjamin fue cambiando y madurando con el tiempo, a la vez que incluye varias de sus lecturas claves: textos de sus contemporáneos Ernst Bloch y Georg Lukács, de Paul Valéry, y de Heródoto y Montaigne.
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En la obra de Luis Cernuda el exilio es mucho más que una temática —ya estudiada convenientemente por la crítica—, porque más allá de ser motivo y motor esencial en La Realidad y el Deseo, determina las bases del discurso poético, y es visible tanto en el tipo de enunciación como en la disposición gráfica de los versos en la página, así como en el tratamiento de ciertos motivos recurrentes.Este estudio tiene por objetivo definir una poética —arte y método— mediante un análisis de los procedimientos que Luis Cernuda despliega, en el mismo corazón de la escritura, para expresar mediante todo tipo de estrategias su experiencia del exilio.Gracias a las diferentes posibilidades de enunciación, el poeta construye un sujeto desintegrado que sólo la actividad del lector hará único y reconocible. Por otra parte, la disposición espacial de las palabras contribuye sobremanera a la expresión del exilio, puesto que el yo llega a quedar aislado visualmente en el espacio de la página, separado por un blanco tipográfico del mundo y del poema, ocupando un lugar cada vez más exiguo, mediante una progresiva reducción de formas y versos, hasta llegar a una suerte de transparencia. Por último, la huida y la piedra, motivos recurrentes en la obra de Luis Cernuda, resultan ser dos poderosos vectores de la escritura del aislamiento, del desarraigo.
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La desaparición de quien ha sido el maestro, en contra de toda lógica y en contra de sus suposiciones y expectativas, lleva al narrador a hundirse en la depresión y en la nosomanía. Este estado catastrófico de su espíritu, por su parte, tiene sus expresiones corporales dolorosas.Después de una larga experiencia negativa con toda suerte de profesionales de la salud, se le revela que su curación solamente depende de sí mismo. De sí mismo. Esa hermosa y poderosisima revelación de independencia superlativa se convierte en el motor de su retorno a la normalidad.No obstante, en ese lento camino de terapia y recuperación, halla la inestimable ayuda y amistad de dos personas que confían plenamente en él. Esta confianza se muestra cuando le cuentan sus correspondientes experiencias traumáticas.Solamente desde la independencia total se puede acceder al prójimo. Eso es lo que nos viene a decir el autor del texto.
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Los romances fronterizos, desarrollados durante los últimos dos siglos de la Edad Media, exponen la prolongada coexistencia de moros y cristianos en la Andalucía de aquella época, enfrentados una y otra vez en diferentes clases de contiendas y con resultados diversos. En muchos casos, la redacción de las baladas evidencia claramente lo cercano de dichos acontecimientos, pues con frecuencia los hechos divulgados eran todavía muy recientes. Buena parte de los romances fronterizos se consideran así romances noticieros, de tal modo que siendo literatura, esa poesía es también historia, hasta el punto que no pocos de ellos tienen interés para los historiadores, y por entonces informaban a los cronistas de los hechos ocurridos. Para el pueblo los romances servían para conocer lo que sucedía o había sucedido, y se difundían cantados porque la inmensa mayoría de la gente no sabía leer.
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A partir de una colección de viejas tarjetas postales, el artista plástico Fidel Sclavo extiende líneas y planos de color para imaginar la continuación de sus calles.A partir de una colección de viejas tarjetas postales, el artista plástico Fidel Sclavo extiende líneas y planos de color para imaginar la continuación de sus calles y paisajes. Recorriendo entonces el camino inverso al común de los libros ilustrados, la poeta María Negroni se inspira en estas coloridas reinvenciones del pasado y las hace propias. InterZona presenta un libro único y dual originalmente publicado en una edición limitada.
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