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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Anna Murià, una clàssica moderna indiscutible, va recórrer gairebé sencer el tumultuós segle xx, i en va ser testimoni i protagonista privilegiada amb la seva fabulosa capacitat d'observació i anàlisi. Va fer contribucions eminents a tots els gèneres que va conrear, des del relat i la novel·la fins a les memòries, la crítica o la traducció literària. Afortunadament, en els últims temps estem assistint a un autèntic «revival» d'interès per l'obra de Murià, gràcies a les noves lleves lectores desacomplexades i encuriosides, reforçades pels efectes positius del feminisme literari. A Anna Murià, viure, escriure, Quirze Grifell recupera unes llargues converses amb l'escriptora i dona forma a un document amb un elevat valor testimonial. Amb les seves paraules, construeix un matisat retrat autobiogràfic que va més enllà de la crònica personal i que permet conèixer «les tres vides d'Anna Murià», a Barcelona abans i durant la guerra, amb Agustí Bartra a l'exili i de nou a Catalunya i, finalment, la que va viure en absència de la seva parella. «Aquest llibre és una peça clau per aclarir la trajectòria vital i literària d'una de les grans figures de les lletres catalanes del segle xx». - D. Sam Abrams
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Ni chamanes ni aura de la divinidad. No somos superhéroes. Apenas fingidores de un dolor que realmente sentimos. Esto dice Pablo en su texto. Y que solo San Juan sabe la clave wifi de Dios y que la guarda hace siglos a buen recaudo, solo para él. Y dice que el lenguaje es una fuerza, una tecnología prodigiosa, y que nos pertenece a todos. A veces elegimos unas pocas palabras y las llevamos -entre tantas- a nuestro juego. Que el lector tiene siempre la razón. Lo dice mientras friega los cacharros en éxtasis.
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Anna Murià (1904 - 2002) va ser una autora radicalment polièdrica i rica en estils i registres. L'articulisme en publicacions com La dona catalana, La Nau, La Rambla i L'Opinió es pot considerar el primer bressol de la seva escriptura, i és un testimoni ben interessant dels anys vint i trenta a la ciutat de Barcelona. Mostra d'una època de grans esperances per als drets de la dona, de conflicte i debat entre distintes concepcions del feminisme, i de gran vigor del periodisme literari català. Una tria temàtica que mostra l'evolució d'una escriptora en construcció amb un apèndix memorialístic en què l'autora fa un repàs generós de les seves companyes de viatge.
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A La remor, tan salada s'hi troben, d'entrada i per cloure, les remors incessants d'un baix continu: la pugna pel com dir i la batalla amb la bèstia, o com poder-se protegir-amb quina paraula!-del so constant del pas del temps. Entremig hi ha tot allò que queda sota la pell: del cap als peus, les venes obertes pel remugar de les entranyes.
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La poesia de Martí Boada ens sorprèn per la seva nuesa essencial i per la seva capacitat de projectar imatges imprevistes i fascinants, d'una poderosa força evocadora: «el llençol de la nit amaga el bosc» o «llençol endolat de la vesprada». A les pàgines d'aquest llibre els arbres sentinelles, llargueruts, pollancregen i els fanals tenen «el posat / metàl·lic de la girafa sabanoide». Boada ens diu: «Darrere la finestra / hi ha la vida vera.»
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L'antologia ''Cent poemes'' de Vicenç Llorca ens descobreix un poeta de fondes conviccions ètiques i estètiques, així com un creador infatigable i coherent que ens fa present alguns dels temes clau de la humanitat: la necessària harmonia entre la ciutat i la natura, la lluita contra l'oblit, el compromís humanista, la passió per la bellesa i, sobretot, la necessitat d'estimar i sentir-nos estimats. Els seus versos són una invitació a gaudir de la meravella i el misteri de ser i compartir.
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Pablo Neruda, el autor del siglo XX que mejor supo describir el amor, se libera de ataduras y nos entrega su poemario más libre, desnudo y sugerente. Neruda canta a su compañera y musa Matilde, pero también a la naturaleza de un país, Chile, del que tuvo que exiliarse y al que regresó poco antes de la publicación de este libro. El mar, la tierra y las diferentes fases del día evocan estados de ánimo y son los hilos conductores de esta extraordinaria declaración de amor. Una muestra del inabarcable talento de Neruda y una obra maestra de la lírica en lengua española.
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Esta es la autobiografía inédita de Margarita Alexandre, española pionera en la dirección de cine durante la dictadura franquista y la Revolución cubana. Margarita dejó como testimonio de vida una decena de películas como actriz y otras tantas como productora, directora y guionista. Sin embargo, fue esta obra autobiográfica el fruto al que más tiempo dedicó. Desde que yo tengo memoria de ella, pasaba los días y las noches frente al ordenador, intentando sacar, ordenar y transmitir todas las vivencias que aquí se relatan. A pesar de las dudas que siempre mantuvo acerca de la validez de estos textos, hoy los presentamos aquí con la convicción de que el lector encontrará en ellos una valiosa experiencia de vida y una visión, cuyo ejemplo quizás lo mueva e incite a afrontar la vida y sus dificultades con plena libertad. MARGARITA ALEXANDRE (León, 1923-Madrid, 2015) fue una actriz, directora y productora de cine y teatro española. Hija de padre francés y madre portorriqueña, los primeros años de su vida transcurren en Madrid hasta el estallido de la Guerra Civil, momento en el que se ve obligada a refugiarse en Valencia junto a su madre y sus hermanas. Con dieciocho años consigue su primer papel como actriz en la película Tierra y cielo (1941). Durante el rodaje de Puebla de las mujeres (1952) conocerá al que será su pareja durante muchos años, el crítico de cine Rafael Torrecilla, con quien funda la productora cinematográfica Altamira Films. Juntos dirigirán y producirán las películas Cristo (1953), La ciudad perdida (1954) y La gata (1955), entre otras. En 1959 deciden marchar a México para unirse a la colonia cinematográfica de exiliados republicanos. País en el que no llegan a desembarcar, pues durante la espera de los visados en Nueva York, conocen al director mexicano Manuel Barbachano Ponce, a quien deciden acompañar a Cuba donde acaba de triunfar la Revolución de Fidel Castro. Lo que en principio iba a ser un viaje corto a la isla, terminó por alargarse más de quince años, durante los cuales Margarita trabajó para el recién fundado ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos) y el Teatro Musical de La Habana.
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Un viaje por las distintas etapas de la vida a través de la poesía.¿Qué es la vida? Muchos han intentado contestar a esta pregunta mediante la ciencia, la filosofía o el arte. Sin embargo, solo los poetas han logrado acercarse a las mejores respuestas en pocas palabras: Calderón de la Barca nos diría que «la vida es sueño», Neruda, que «la vida huele a mar y a menta», y Rosalía de Castro, que «no hay vida sin amor». La poesía forma parte de nosotros, aunque a menudo todavía no sepamos verla, nos ayuda a comprender la relación entre este mundo, el real -tangible e imperfecto-, y la lírica, un género que traduce en rimas aquello que los mortales no alcanzamos a divisar con los ojos. En Una poesía para cada año de tu vida, la poeta Alejandra Martínez de Miguel nos acompaña en un recorrido vital a través de grandes poemas que nos enseñan a comprender cada etapa de nuestra existencia, regalándonos algunos de los mejores versos escritos hasta el momento.
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El sol y las otras estrellas profundiza en el concepto de amor, construyendo un recorrido íntimo por los diversos matices, nociones y perspectivas que comprende el amor humano, desde el erotismo y la sensualidad hasta la admiración, la ternura, la solidaridad o la exaltación materno-filial. El libro parte de la deifinición poética escrita por Dante Alighieri en el último verso de la Divina comedia: «Amor que mueve el sol y las otras estrellas», reflejo de la dimensión trascendente del mundo inteligible que constituye la naturaleza del amor. La mirada de Raquel Lanseros explora la inabarcable expresividad de la poesía amorosa, resemantizando desde el presente la riqueza de la herencia e indagando sobre la fusión física y espiritual, en una celebración creativa de la vida transida de romanticismo, sinceridad y pasión.
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Jardín de mi agonía desvela el perfume agrio de parterres en los que se cultiva el desprendimiento pero crece el desencanto y el dolor. Muestra el rosedal mustio de la otra vertiente de la existencia, con toda su verdad decadente. Muestra desolación. En él se enfatiza la entrega a la inercia de la vida, el desaliento y el desengaño, las sombras que han ido quedando cuando se ha despreciado el tiempo, todo lo que irremediablemente ha sido, con fecha de caducidad más que concluida. Jardín de mi agonía cataliza sentimientos y emociones que adquieren una desnudez inagotable pero con un horizonte definitivamente finito. Fragilidad y temor latente. El jardín en el que todos convergemos al final de nuestras vidas. Las lucernas se van agotando. La función casi terminada. Telón y olvido. «Es un libro sobre el dolor, pero todos lo son. Porque todas las historias son la misma historia. De contenido desabrido, ¿cuál no lo es?»
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Hereticum es una creación alternativa donde la simbología del bien y del mal se confunde entre plegarias, mitos y ecos de un lenguaje que se hace cuerpo. Estos versos hilvanan la esencia creadora del lenguaje, la violencia social, la desigualdad de género y el desastre ecológico, no sin dar una puntada de humor que invita al lector a convertirse en el sacerdote de una diosa olvidada.
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Versión en inglés de POETAS DE MADRID, con Cervantes, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Valle-Inclán y Rubén DaríoThis is Madrid.Madrid. Homeric city, the cradle and grave of many of us that pour out the joyful days of youth among its streets and wineries, throughout its history it has accepted into its fold non-conforming poets from the four corners of the earth, because one is born a poet in his land, but one is made and perishes in Madrid.No matter where you are from, Madrid never leaves you indifferent, it always offers the rhapsodist who has moved to the capital in search of fortune, a lively space about which to write their verses. If our lives are the rivers as Manrique said, today the Manzanares river has been reborn and is full of life.Poets of Madrid is a generous title, as is Madrid. This anthology shows that the city drew them in from very distant places: Rubén Darío, for example, was born in Nicaragua, Valle-Inclán in Galicia, Góngora was Andalusian, Cervantes was born in Alcalá de Henares, thirty kilometres from Madrid, only Francisco de Quevedo and Lope de Vega were true Madrid natives.With this, we are trying to say that the presence of Rubén Darío in the anthology represents the percentage of the Hispanic American population who, proud of the city that embraces them, carries the same language in their voices, Góngora and Valle-Inclán, that of the surrounding areas, Cervantes, that of the city's close neighbours, and Lope and Quevedo, that of those born in Madrid. Because those us of from other parts of the globe were attracted to this city, which is no longer a Manchegan dump, for its courtesy and its lack of rejection, as a place known for its cosmopolitanism should be.
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Romeo y Julieta ha mantenido plena vigencia desde la primera vez que fue representada, ya que trata, al igual que el resto de obras de su autor, de un tema universal, en este caso el de los obstáculos que deben vencer los amantes cuando pertenecen a familias enfrentadas. Esta obra fue escrita en 1597 por William Shakespeare, quien suele ser considerado el más grande dramaturgo de todos los tiempos.
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Martí, a les acaballes de la seua vida, es decideix a pintar el seu últim autoretrat. L’ autoretrat que tancarà la sèrie en què fa anys que treballa, i el més complex de tots, perquè en aquest quadre ha de reflectir tota la seua vida sense amagar-ne res: cal pintar els moments de llum i els de foscor, aquells que es vol recordar i aquells que normalment no s’ exposen mai.Autoretrat és una obra que incita a reflexionar sobre la dificultat de definir-se completament a un mateix, una obra que explora els límits de la identitat amb agilitat i intel·ligència.
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A las palabras de Calderón «la vida es sueño» se contrapone la afirmación'el sueño es vida», y de ahí surge el germen de estos poemas. Escritos como mensajes de amor a un amado desconocido y pero fruto de la mente de quien escribe, no solo le hacen cobrar vida sino que, como un astro, lo envuelven en la rotación del mundo que él mismo genera, a la vez personal y universal. Al ser objeto de deseo un ser irreal, igualmente se torna irreal quien le ha dado vida. Tan fuerte es este nexo que no hay posibilidad de separación. Clara Janés (Barcelona, 1940) es licenciada en Filosofía y Letras, Maitre és lettres, por la universidad de la Sorbona, y desde 2015, miembro de la Real Academia Española. Cultiva la poesía, la novela y el ensayo y se distingue como traductora, particularmente de la lengua checa. Ha vertido también al español, entre otros, a autores franceses, ingleses, alemanes, turcos y persas. En 1992 se le concede el Premio Tutav, de Turquía, en 1997 el Nacional de Traducción, en 2000 la Medalla del Mérito de la República checa, en 2004 la de Bellas Artes de España, en 2007 el Premio Teresa de Ávila, en 2011 el Francisco Pino de Poesía experimental. Su creación poética consta de más de cuarenta libros entre los que destacan Vivir, Kampa, Rosas de fuego, La indetenible quietud (en colaboración con Eduardo Chillida), El libro de los pájaros, Los secretos del bosque, Fractales, Río hacia la nada, Orbes del sueño, La noche de la pantera y Kráter. En prosa destacan sus novelas Los caballos del sueño y El hombre de Adén, y los libros María Zambrano. Desde la sombra llameante, La voz de Ofelia, Kamasutra para dormir a un espectro y La vida callada de Federico Mompou.
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La casa vacía es una obra que habla del duelo migratorio, que no solo sufren quienes se van, sino también quienes se quedan, especialmente los menores, las hijas e hijos a quienes cuidarán las abuelas. La autora narra las vivencias de tres mujeres de una misma familia. Dalia, la madre, está en Cuba al cuidado de su nieta. Mariana, la hija mayor, vive desde hace veinte años en España. Yania, la hija menor, está emprendiendo el camino desde Cuba hacia Estados Unidos. Tres mujeres que se comunican de manera constante ante la imposibilidad de estar juntas. Solo pueden encontrarse en los recuerdos, el único espacio que les queda disponible para compartir como familia.
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En estos introspectivos poemas, Juan Antonio Masoliver Ródenas se adentra en los recuerdos de su infancia en El Masnou, que se proyecta luminosa en el presente, transformada por sus versos en un espacio mítico ajeno al tiempo. El poema, suerte de idílico jardín sosegado y protegido, invita a la evocación o el reencuentro con deseos, temores, visiones antiguas o recientes, un espacio que ofrece la renovada oportunidad de asomarse a un ayer tornadizo y con vierte al poeta en peregrino incansable de un paisaje que ampara el último poema.
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El Comte Mal és un poema èpic en dotze cants, del poeta solleric Guillem Colom i Ferrà, que publicà l'Editorial Moll l'any 1955. El poema es basa en una cançó sobre el Comte Arnau, català, la qual, empeltada a Mallorca, segurament inspirà el poema de l'autor de Sóller. Històricament el Comte Mal va ser el segon comte de Santa Maria de Formiguera, Ramon Safortesa Pacs-Fuster de Villalonga i Nét, senyor de les antigues cavalleries d'Hero, Santa Margalida, Alcudiola, Maria, Puigblanc, Castellet i Tanca. Nasqué el 15 d'agost del 1627 i morí el 25 d'octubre del 1694. Aquest magnífic poema és una llegenda bastida entorn de la figura del personatge real, alguns trets i circumstàncies del qual coincidien amb els del personatge llegendari, inserit tot dins el marc incomparable de la serra de Tramuntana i envoltats, els fets, d'alguns esdeveniments de la història de Mallorca. El llibre ve precedit d'un complet estudi de Maria Antònia Perelló Femenia.
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Los pájaros entre los cerezos, la lluvia sobre el zorro, la boca gastada de los árboles, el lomo casi azul de los caballos, los álamos del viejo caserón, la nerviosa canción de los barrancos, la savia que se mueve todavía mezclada en nuestra sangre. Carreteras que brillan en el bosque entrecruza el ámbito rural con el urbano. Recoge las voces estropeadas en la ciudad de alimañas, tractores, espíritus del río, la bojeda, la escarcha, los rebaños, todos los dulces frutos del verano. Un tácito permiso para el vuelo con objeto de alcanzar hasta las últimas farolas pisando las hojas secas de un camino. Este libro, en el que el autor aboga porque «los últimos días sean tus brazos, nuestros brazos, ciervos milenarios», ha obtenido el XXVII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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Antonio Machado fue el poeta de la generación del ''noventa y ocho'' que llevó al verso las preocupaciones del ser humano, ciñéndose al sentimiento de lo temporal: ''palabra en el tiempo'', así definió él mismo una lírica que, arrancando del modernismo, no tarda en rechazar el colorismo y la musicalidad fácil, para buscar el pensamiento interior.
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Las obras de Chateaubriand, Byron, Balzac y Heine despertaron muy pronto la vocación poética de Gustavo Adolfo Bécquer (Sevilla,1836-Madrid, 1870), que siempre compartiría con una gran afición por el mundo del arte. Periodista y adaptador teatral, el
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Antón Paulovich Chejov es el gran analista de la vida social y política rusa en las últimas décadas del siglo XIX. Por sus más conocidas comedias: El tío Vaina, La Gaviota y El jardín de los Cerezos, constantemente representadas en los teatros del mundo, no es exagerado asegurar que puede clasificársele como creador del teatro contemporáneo.
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FERNANDO PESSOA desarrolló una labor especialmente intensa en los seis últimos años de su vida, en los que escribió muchas páginas esenciales de su Libro del desasosiego y de su Fausto y dio forma definitiva a Mensagem (Mensaje), único de sus libros en portugués publicado por él mismo.En este periodo escribió también numerosos poemas, tanto atribuidos a los heterónimos de su drama em gente como poesias ortónimas, a las que pertenecen las agrupadas por Ángel Crespo en este libro. En ellas, a los temas tradicionales del desasosiego, del tedio de vivir, de la génesis y justificación de la heteronimia y de los demás tratados en sus obras anteriores, venían a unirse el del rompimiento con Ofelia, el de unos nuevos amores, el del presentimiento de la muerte y otros muy relacionados con ellos.Estos poemas ortónimos de Pessoa son una sintesis de la tradición lírica portuguesa y del simbolismo contemporáneo, y punto de partida de los atribuidos a los heterónimos. En oponión de David Mourão Fereira, stales documentos poéticos constituyen un manantial imprescindible para la perfecta exegesis de la poesía de Fernando Pessoa».El poeta Ángel Crespo, responsable de esta edición, publicó numerosos articulos, libros y traducciones de y sobre Pessoa. Su ingente tarea como traductor fue oficialmente reconocida en 1993 al otorgarsele el Premio Nacional de Traducción por el conjunto de su labor.
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Pocas literaturas combinan tan bien la fascinación y el misterio como la japonesa. Esta antología supone una invitación a recorrer y esclarecer el corazón de su legado literario: la poesía. Ofrecemos un recorrido desde su arranque en el siglo VII hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Una secuencia que nos permite reflejar los cambios de una de las tradiciones más estables del planeta. La insinuación, la delicadeza, el ciclo de las estaciones, las emociones efímeras... el lector encontrará aquí todos los temas con los que se suele asociar la poesía japonesa, y también sus principales formas: el tanka, el haiku, el choka...
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Tras la muerte de su tía, la narradora afronta la penosa (y sin embargo evocadora) tarea de vaciar un apartamento repleto de fotografías descoloridas, de viejas postales, cartas, diarios íntimos e infinidad de recuerdos: el rastro de una vida, el repositorio de un siglo de existencia en Rusia. Estos fragmentos de historia personal, recopilados con absoluto esmero, relatan las vicisitudes de una familia judía de origen humilde que logró sobrevivir a la persecución implacable de su pueblo durante el pasado siglo. Stepánova firma un texto de extraordinario valor literario, en el que, entrelazando géneros, plantea una audaz reflexión sobre la historia y los mecanismos de la memoria, y donde también tienen cabida las impresiones, las remembranzas y los personajes más variopintos. Un libro sutil, inteligente y bello, impregnado de la delicadeza de la buena poesía.
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Un delicioso volumen en el que las imágenes de Madoz dialogan con la poesía de Brossa Fotopoemario es el resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa y el fotógrafo Chema Madoz. Ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, demuestran que, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema a su vez puede ofrecernos una gran imagen. Joan Brossa (Barcelona, 1919 1998) no entendió nunca de géneros: prefirió frecuentarlos todos para crear su propio concepto de poesía. Solo en él es posible que convivan surrealismo, sencillez, compromiso y humor. Chema Madoz (Madrid, 1958) ha logrado seducir tanto a la crítica especializada como al gran público, algo que muy pocos logran. Se vale de figuras literarias (analogías, metáforas, paradojas…) para crear un discurso artístico que es fotografía, escultura y poesía. Madoz altera nuestra percepción inmediata creando una realidad diferente en la que el espectador participa e interpreta. Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, fue el primer fotógrafo español vivo al que el Museo Reina Sofía dedicó una retrospectiva.
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Llueve en la taza reúne más de treinta poemas del gran escritor danés Henrik Nordbrandt publicados entre 1969 y 2007. Como señala Juan Marqués en el prólogo a esta edición: «Si hablamos de intimidad, ficción y talento, entramos ya de lleno en territorio de Henrik Nordbrandt, cuya estatura poética es tan inmensa como discreta: es un talento que no atropella, un talento que llega muy alto sin dejar de hacer sonreír. Uno se siente bien mientras lee a Nordbrandt, se tiene la sensación de estar siendo invitado a participar de un discurso civilizador y pacífico, de una poesía que resulta amable incluso cuando quiere ser dura, de unas palabras justas».
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Bestiario atípico y sorprendente libro de fábulas en el que la poesía, el humor y la crítica social confluyen para hacer de El Gran Zoo una de las obras cumbre de la poesía latinoamericana. En esta nueva edición en rústica y mayor tamaño se recogen estos poemas en los que Guillén se torna jovial, irónico y mordaz con la finalidad de construir un zoo como metáfora del mundo. Arnal Ballester ha sabido establecer un diálogo profundo con la palabra viva del gran poeta cubano a través de unas imágenes cargadas de fuerza y expresividad.
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En un momento en el que sus obras anteriores ya habían sido censuradas, Alfonso Sastre plantea en La mordaza una protesta cauta, posibilista, soterrada pero implacable contra el régimen franquista, al tiempo que lanza un mensaje claro, sin ambages: «Vivimos amordazados. No somos felices. Este silencio nos agobia». Este drama rural de tintes policíacos escrito en 1954 -y estrenado con gran éxito ese mismo año- narra un crimen ocurrido poco después del final de la ocupación nazi de Francia. Aunque su trama y detalles son fabulados, está basado en hechos reales y tiene como telón de fondo el asfixiante ambiente de una familia y su hacienda. Pieza clave en la producción del autor, La mordaza es, por ende, una obra cumbre de la dramaturgia española del siglo xx.
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Detrás de la cultura, de la emoción e intensidad vital que suscita, solo hay personas normales. Son las extraordinarias obras que han creado y el reconocimiento que han obtenido lo que las aleja de los demás mortales. Esas personas especiales son los verdaderos protagonistas de este libro, que nos permite vislumbrar la cueva donde se convierte ''la realidad más prosaica en fantasía''.
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La enfermedad y la muerte, el amor y los cuidados, la literatura como refugio y memoria. Un luminoso libro de duelo, o no exactamente: un libro de gratitud y despedida.Un hijo, una madre. Ella, joven todavía, ha enfermado. Intercambiando roles, él la cuida y, a la vez, se despide y la celebra. Todas y cada una de las palabras de este libro resuenan con temblor, intensidad y precisión, delimitando el dolor compartido con respeto amoroso. De hondura lírica y delicada sobriedad: así se revela su escritura. También su silencio.Andrés Neuman escribió estos poemas en secreto, cuidando de su madre frente a la proximidad de la muerte: la poesía como testimonio y refugio para crear un espacio —una isla de sentido— donde fijar la presencia amada, traduciendo su cuerpo a una música íntima. Aquellos textos permanecieron al fondo de un cajón, garabateados en hojas sueltas y papeles de hospital, sin que su autor se atreviese a releerlos. Quince años más tarde, impulsado por la intuición de que sólo abriendo el manuscrito resultaría posible cerrar el duelo, hoy rescata estos versos que entretejen tristeza y luminosidad.Perpetuación de la madre mediante la lengua materna, ritual de gratitud, Isla con madre se arroja a nombrar la difícil belleza y la cruda emoción que irradia.
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La extraordinaria y desconocida obra poética de Fernando Aramburu.Sinfonía corporal ofrece, reunidos, los seis libros de poesía que Fernando Aramburu escribió entre 1977 y 2005, obras casi desconocidas pero memorables de un autor que, pese a cambiar los versos por la prosa, nunca ha dejado de ser un poeta refugiado en la novela, el cuento, el ensayo y la columna periodística. Leídos ahora, los poemas de estos libros, en la actualidad inencontrables, sorprenden por su extraordinaria calidad. En ellos afloran el inconformismo como primer guía literario, las reflexiones sobre un entorno social injusto y violento, o el compromiso contra la crueldad política, pero también la sensualidad y el amor. La edición corre a cargo de Francisco Javier Irazoki, gran conocedor del corpus literario de Fernando Aramburu, guiado por el convencimiento de que estos poemas ensanchan y hacen más grande su obra. Como asegura el editor en el epílogo: «Sinfonía corporal es un fragmento mayor, importante, que completa la imagen literaria de Fernando Aramburu», un autor cuya intensidad poética «no se ha detenido o remansado. Continúa fluyendo con fuerza en otros cauces».
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Edición definitiva de dos obras fundamentales de Juan Ramón Jiménez, cumbres del poema en prosa en lengua españolaYa convertido en uno de los más destacados referentes del modernismo hispánico, el joven Juan Ramón compuso una ingente cantidad de textos en prosa que irá reservando en sus archivos. La aparición de Platero y yo en 1914 da buena cuenta de la calidad de estas prosas, escritas en su mayor parte durante su retiro en Moguer entre 1906 y 1912, pero no será este gran libro un logro único ni aislado. Nacen en paralelo dos extensos poemarios que titulará Baladas para después y Odas libres, conjunto este último que más tarde sumará a Odas castas bajo el genérico epígrafe Odas. Al cuidado de Soledad González Ródenas, el presente volumen supera las deficientes recopilaciones póstumas y ofrece una fidedigna organización de sus contenidos, que tiene en cuenta las indicaciones anotadas por el poeta para su edición y recupera un buen número de composiciones inéditas, ampliando el corpus hasta ahora conocido. Ambos libros suponen la más temprana e importante incursión de la lírica española en el debatido género del ''poema en prosa''. En ellos JRJ elude la melancolía decadentista y los tonos lúgubres de sus versos coetáneos para adentrarse en inflexiones que van de lo erótico a lo humorístico, pasando por lo coloquial, lo anecdótico o lo pictórico. Con estas breves y centelleantes prosas compondrá, además, una autobiografía lírica donde plasma sin cortapisas los devaneos -más carnales que sentimentales- que mantuvo con distintas mujeres, y a los que sólo puso fin su decisivo encuentro en 1913 con Zenobia.
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Els eclipsis ens sacsegen perquè ens impel·leixen a fixar la nostra atenció en un fenomen que trenca les seqüències visuals a què estem acostumats i és un encert que Montserrat Rubinat els hagi triat a l'hora de concebre i de batejar aquest volum. Els eclipsis de llum ens obren les portes del nostre propi interior. La preciosa tradició poètica japonesa ens convida a fixar l'instant en la seva bellesa i en la seva emoció en breus pinzellades de paraules, a celebrar amb versos concisos la meravella que la vida ens permet de contemplar i d'assaborir. A aquest «Nisshoku. Eclipsi de llum», l'acompanya un assaig filosòfic, «De la ment a l'art» realitzat per la mateix autora, Montserrat Rubinat, i un diàleg harmoniós d'obres de l'artista, Marta Montcada i del catedràtic d'art de la Universitat de Tokyo, en Ryuji Seki. «Aquest és un llibre per llegir sense pressa, per retrobar-nos-hi en silenci, una ofrena de llum que la poeta, Montserrat Rubinat ens fa.» (Carles Duarte)
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Publicado en Londres en 1888 por la editorial David Nutt, El Príncipe Feliz y otros cuentos de Oscar Wilde, con ilustraciones de Walter Crane y Jacomb Hood, viene recibiendo las mejores críticas desde hace más de un siglo. Obra fascinante y magnética, que año tras año se reedita en tantas lenguas porque fue un clásico instantáneo y sigue siéndolo. Aunque apenas se consiguen ejemplares de aquella primera edición de finales del siglo XIX, de apenas setenta y cinco ejemplares firmados por el autor y el editor, es esa joya bibliográfica la que siguió Libros del Zorro Rojo de manera fiel para la edición en castellano del 2013, que ahora reeditamos. Además del cuento que titula la selección, esta recoge, «El ruiseñor y la rosa», «El gigante egoísta», «El amigo fiel» y «El cohete extraordinario», traducidos por Julio Gómez de la Serna.
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