Encara no hi ha cap producte a la teva cistella
Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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La obra de Neruda más reivindicativa y más cercana a su Chile natal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Himno telúrico a los elementos naturales del continente americano, ascensión hacia la redención del propio ser desde el deshumanizador mundo masificado hasta la comunión con un pasado que es un paisaje a la vez humano, arqueológico y orográfico, Canto general es quizá, por encima de todo, un poema a la vez épico y moral. Se trata de un texto en la gran tradición de la poesía a un tiempo civil, histórica y metafísica de los poetas románticos, a la que ha sido incorporada la herencia expresiva de las vanguardias de nuestro siglo, y la capacidad desmitificadora y satírica del cronista crítico del presente. Esta monumental biografía de un continente es también la biografía de un hombre, el propio Neruda, errante y clandestino al redactarla, y un canto a sus compatriotas anónimos, a la fraternidad con los oprimidos y humildes y a la vastedad silenciosa y solemne del gran océano inmemorial que lo circunda todo. Este impresionante canto a América es una de las obras maestras de Neruda y de la literatura en lengua española del siglo xx. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Tres magníficas historias de detectives que capturan el alma de Sicilia y nos invitan a disfrutar del mejor Camilleri Las tres historias policíacas reunidas en este volumen capturan con total intensidad el alma de Sicilia y suponen una nueva ocasión para disfrutar de la prodigiosa imaginación de Andrea Camilleri. En «Demasiados secretos», el destino hace que Bruno Costa, un técnico telefónico, y Anna Zanchi, una traductora, se conozcan y se enamoren perdidamente, sin embargo, su historia de amor se rompe de forma brutal cuando la mujer es asesinada: temiendo ser acusado, Bruno decide entonces ir a la caza del verdadero asesino. En «El juez Surra», un relato ambientado en 1862, inmediatamente después de la Unificación de Italia, tiene como protagonista al magistrado Efisio Surra, de cincuenta años, que es trasladado de Turín al tribunal siciliano de Montelusa, hombre valiente y tenaz, con una conciencia de hierro, Surra parece ignorar por completo la sombra alargada de la «Hermandad», la Mafia de la época: su único objetivo es hacer cumplir la ley, pero su integridad lo llevará a realizar acciones que cambiarán el destino de la propia mafia. La historia «El medallón» nos lleva a un pintoresco pueblo con vistas a la costa cerca de Cefalú, donde el mariscal de los carabinieri, Antonio Brancato, tiene que hacer frente a una situación complicada: el viejo Ciccino Barbano se ha atrincherado en su casa de campo, amenazando con disparar a cualquiera que se le acerque, incluido el cura. Tres historias llenas de crímenes, intrigas, sospechas y personajes memorables que confirman una vez más el extraordinario talento inventivo y narrativo de Andrea Camilleri.La crítica ha dicho: «Una magnífica compilación, que ilustra a la perfección una de las cualidades más universalmente reconocidas y estimadas del Maestro: su generosidad sin parangón.» La Repubblica «Unos relatos llenos de ironía, desenfado y, al mismo tiempo, pensamientos y reflexiones más oscuros que diluyen la aparente ligereza de algunas situaciones.» L'Unione Sarda«Un precioso testimonio dentro de una producción larga y feliz.» Giornale di Sicilia «Tres composiciones de distinta configuración narrativa, de igual calidad inventiva y muy amenas de leer.» La Bottega di Hamlin
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LA FORTUNA DE SER FELIZ Mientras intento comenzar esta historia, no dejo de pensar en cuál debe ser su principio, por dónde coger esa hebra que me conduzca hasta hoy, hasta el día en que este proyecto acabe, pues, al fin y al cabo, lo único que pretendo es describir un sueño. Soy de esas personas a las que les ha tocado disfrutar una vida feliz, una vida en la que cada minuto ha significado algo importante, algo que me ha servido y me sirve para llenar este zurrón de esperanza, de optimismo, de sonrisas, de gratas sorpresas que me impulsan y me obligan a no dejarlo en un rincón olvidado, como si no hubiera ocurrido. Intento describir con mis versos una vida repleta de personas que me han ido ayudando a no perder de vista la senda que me había llevado hasta allí donde se encontraban para poder seguir adelante hacia donde otros esperaban con la misma intención de mostrarme la ruta que seguía y seguía. Pocas veces he echado la vista atrás para ver el polvo levantado, porque sé que éste, poco a poco, se asuela y el camino sigue con esos pocos que han decidido, de una forma u otra, ser compañeros de viaje.
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En mis sueños siempre tienes veinte años es una selección de poemas escritos por Kirmen Uribe durante los años 1999 y 2024 que incluye el libreto inédito de la ópera Saturraran, estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao en 2024, con música de Juan Carlos Pérez. Son composiciones diversas y de formas múltiples tales como el poema narrativo, el tanka japonés, la glosa o la canción, y que tratan temas como nuestra relación con la naturaleza, la diferencia, la fragilidad del amor y la amistad, la pérdida, la destrucción de las guerras, o las adicciones. Kirmen Uribe ha escrito cuatro novelas y dos poemarios. Sus libros están traducidos a más de veinte idiomas. Premio Nacional de Narrativa, Premio de la Crítica y Premio Eusko Ikaskuntza, sus poemas han aparecido en The New Yorker y The Paris Review, entre otros. En 2018 recibió la prestigiosa beca Cullman de escritura de la Biblioteca Pública de Nueva York, ciudad en la que reside y donde es profesor en el MFA de escritura creativa en español de la Universidad de Nueva York (NYU). «La poesía de Kirmen Uribe se ha hecho universal e íntima. Por eso nos habla del mundo, de los libros leídos, de las canciones escuchadas y de las pequeñas cosas de la vida». Luis García Montero
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Les hores ferides parla de com sobreviure a les absències de les persones estimades i de saber anar-se'n i afrontar el propi final de vida. El volum, que inclou tres parts, destaca per la seva combinació de prosa poètica i poemes en sentit estricte, subratllant la diversitat i l'equilibri en l'ús de diferents formes poètiques per part de l'autor. A més, cal destacar la capacitat de l'autor per construir el poema a partir d'imatges colpidores i il·luminadores que potencien el simbolisme de cadascuna de les peces. Un llibre on hi ha una interrogació constant sobre quin és el sentit del dolor que ens deixen les morts properes i sobre què n'hem d'aprendre de les hores difícils on els desordres de la vida ens atrapen per recordar-nos la nostra condició finita.
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Mucho hemos oído de hazañas, batallas y descubrimientos realizados por héroes, caballeros y genios. Pero, ¿qué hay de las mujeres que también cambiaron el mundo? Escritoras, científicas, pensadoras, exploradoras y hasta piratas cuya grandeza quedó en la sombra por el simple hecho de ser mujeres.En estos trece poemas, Raquel Díez Leal y Tamara Durán dan vida a figuras como Virginia Woolf, Ada Byron, María Moliner y Frida Kahlo, entre muchas otras, desvelando sus historias y logros. Una colección que ilumina sus voces olvidadas y silenciadas, para que todos conozcamos las hazañas de quienes también hicieron historia, aun desde el silencio.
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XXX Premi de Poesia Joan Llacuna Ciutat d’Igualada 2024Pot salvar-nos el so daurat d’un saxo suspès en l’aire? On va a parar la llum perduda? Com de gran és la força d’un bri d’herba? Hi ha cap refugi més segur que la poesia?Al llarg de més d’un centenar de haikus i tankes, Pujol Nadal ens sacseja i ens transforma. No només descriu l’instant, la realitat del que està passant, sinó que també ens hi posa en contacte i ens convida a sentir i pensar.Un llibre delicat i alhora intens, amb imatges d’una gran nitidesa, que ens parla de caure i aixecar-se, del que guanyem en perdre i del que perdem en guanyar, de sol i núvols, de la vida, de la mort i de tot el que hi ha entremig.
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Espejo de emergencia es tu semejante, tu compañero ideal, tu cómplice, tu amigo, el que te comprende, el que te saca una sonrisa, aquel que te hace pensar glosando sobre lo cotidiano y sobre lo inefable, o te emociona sin recurrir a sensiblerías. Es un amigo alquimista que sabe combinar sus recursos para conseguir que, hablando de él, te veas reflejado, en una imagen a veces real, a veces distorsionada, humorística, irónica... Porque la poesía de Diego Alonso Cánovas versa sobre esas cosas que compartimos los humanos, y se ubica en un territorio nítido, poblado de luz, de claridad expresiva —línea clara, como diría Luis Alberto de Cuenca—, y salpicado de frescura y humor, que hace de su lectura un goce comunicativo al alcance de todos. Y con una cuidada métrica, donde predominan los versos heptasílabos, alejandrinos y endecasílabos, o los guiños a poemas clásicos.Diego Alonso Cánovas se ve como un adulto con alma de niño, un eterno buscador de algo que no sabe lo que es. Sensible, quizás, en exceso. A veces, este plus de sensibilidad puede ser un inconveniente para la vida cotidiana, pero, para la poesía, es imprescindible. Estos versos, además de darnos a conocer un poco a su autor, quizás nos ayuden a conocernos a nosotros mismos. Eso sería lo deseable.
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¿Es necesaria la poesía para la vida? Seguramente la lectura de poesía nos ayude a comprender el mundo mejor. En cierto modo, leer es preguntarse. Dionisia García: Poética para la vida nos acerca con visión crítica la obra –poesía y prosa– de una escritora fundamental por su hondo compromiso humanístico, por transmitir una apreciación del mundo y una visión trascendente de la vida. Su lenguaje de raíces clásicas y su apuesta por la sencillez y la belleza convierten su extensa obra en referente fundamental de la literatura española actual.«La obra poética de Dionisia García ocupa, en el panorama de las letras españolas contemporáneas, un lugar sobresaliente, conseguido con la calidad de una poesía llena de dignidad, desgranada en una serie de libros admirablemente bien construidos a lo largo de casi medio siglo. En ellos se pone de relieve la fidelidad a un estilo y a unos planteamientos estéticos y vitales que la autora ha ido enriqueciendo, a lo largo de los años, con la incorporación a su universo poético de nuevas inquietudes y reflexiones. Dionisia es una escritora de raza porque son muchos otros los géneros literarios por ella cultivados: narración, aforismos, memorias, ensayo, autobiografía, crítica literaria, epistolarios, reseñas, diarios... En todos ha despuntado por su originalidad y por su dominio del género por complejo que este sea y siempre ha coronado sus libros con esa maravillosa capacidad para redondear la obra bien hecha que, a lo largo de su trayectoria, despliega sin cesar. Su capacidad expresiva, su lenguaje, ese idioma suyo propio e inconfundible por su precisión semántica, siempre han sido sello de la casa, emblema de calidad indiscutible. Ana Cárceles Alemán aborda con pasión y conocimiento profundo una visión completa del mundo literario de la escritora en este lúcido ensayo Dionisia García: Poética para la vida». Francisco Javier Díez de Revenga«“¡Los poetas escriben de la vida!”. Son parte de este mundo, tienen memoria de personas y lugares, miran en lo común, inventan nuevas realidades, escuchan la música del universo. Nombran, acompañan, arriesgan, dudan, tiemblan... ¡Cuántas cosas nos enseñan poetas como Dionisia García! La vida, con su humana verdad, nos busca y nos encuentra decidida a continuar más allá del último verso». Manuel Madrid«Nutrido de sutil magnetismo, este ensayo de la profesora Ana Cárceles a propósito de Dionisia García, nos atrapa por la agudeza en el análisis y la poética propia, entregándonos uno de los mejores y más perdurables trabajos en torno a la obra de la poeta manchega. El resultado creativo es esclarecedor, sensitivo, profesional y muy hermoso». Marisa López Soria
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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La figura y la obra de Alfonsina Storni han sido víctimas a menudo de mixtificaciones y malentendidos que se han ido alargando a lo largo de los años. Su tiempo nunca supo entender del todo a la mujer que fue Alfonsina Storni, del mismo modo que la crítica tampoco acertó nunca a situar su poesía en el contexto adecuado ni a comprender su potencial capacidad renovadora de la poesía americana, más allá del convencional uso de la métrica y la rima. Lo importante es que Alfonsina Storni ensanchó ampliamente los límites de lo que puede contarse o no puede contarse en un poema, ya que parece que nunca dejó de contar lo que realmente quería contar o cantar en un poema. Pocos poetas han sido, en ese sentido, tan salvajemente libres, tan afirmativos, tan dueños de sus temores, alegrías y obsesiones como lo fue Alfonsina Storni. Esta antología, prologada por Mª Ángeles Robles, poeta y estudiosa gaditana, pudiera ser que proponga unas nuevas líneas de lectura de la poesía de Alfonsina a los lectores del siglo XXI. A.L.
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El paraíso está en la tierra consta de veinticinco poemas que parece que están escritos fuera de este mundo, por alguien, el poeta, que no pertenece a él. Pero gracias a esto, paradójicamente, el lector puede sentir con fuerza el latir del que escribe, del que vive en ellos, que finalmente, por el arte de la literatura, de la lectura, puede constituir su propio latido. Muchos de estos poemas son de amor, pero todos, también estos, trascienden esta condición para alcanzar lo inaprehensible, lo que tal vez solo la literatura, la poesía, puede expresar. Eduardo Martínez Rico siente que escribió estos poemas en otra época de su vida y, aunque los reconoce plenamente, siente también que fue otro el que los compuso. Escritos en otras latitudes de su existencia, con un lenguaje diferente, seleccionados a lo largo de los años, El paraíso está en la tierra reúne lo que el escritor piensa que es lo mejor de su producción poética hasta la fecha.El prólogo es de Luis Alberto de Cuenca.
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''Cantares del más acá'', de Jorge Solís, es una obra poética que reinterpreta el Cántico espiritual de San Juan de la Cruz desde una perspectiva contemporánea, anclada en la inmanencia del mundo sensible. Galardonado previamente con el Premio de Poesía Pablo García Baena, Solís despliega en este libro una voz lírica que fusiona la tradición mística del Siglo de Oro con las inquietudes de la poesía espiritual actual. A través de once ''Canciones'', el poemario traza un itinerario de encuentro amoroso donde la amada —humana, natural o proyección del yo— se revela como presencia omnipresente, transformando el anhelo trascendente de San Juan en una celebración del ''más acá'': ''Adónde te encontré / callado / sin luz en tanto brillo'': flores, hojas, viento y luz se convierten en epifanías de lo sagrado. La naturaleza, el silencio y el amor como saber intuitivo atraviesan las composiciones, marcadas por un lenguaje sensorial y un ritmo casi litúrgico que evoca la cadencia mística, aunque con una sencillez accesible. Poemas como ''Canción del encuentro'' o ''Canción de nueva luz'' exploran la paradoja de ''nada sabiendo sino amor'', mientras el cierre, ''Canción de vuelta'', afirma la plenitud del presente: ''y en este bosque abierto / estar y estar estando''. Dialogando con poetas contemporáneos como Ángela Segovia y María de la Cruz, Solís ofrece una espiritualidad íntima y corpórea, alejada de dogmas, que resuena con la sensibilidad actual. Las citas de Juan Ramón Jiménez, Goethe y Emily Dickinson enriquecen su intertextualidad, situándolo en un puente entre lo clásico y lo moderno. ''Cantares del más acá'' es un canto a lo visible como suficiente para la belleza y la verdad, una obra que reafirma la vigencia de la mística en un mundo secular, con una voz fresca y profunda que invita a habitar el instante.
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Poemas habitados por figuras han sido fundamentales –el padre, la madre, los hermanos, los amigos, los enemigos– en el trayecto literario del autor, y también por referencias a su intimidad, para celebrar el oficio de la poesía como espacio de reunión y generación de vida. Vida que mata, sí, pero vida que resurge siempre atentamente y que en este libro es presentada de forma prismática, de la periferia al centro, en una tentativa por diagnosticar la época y, mediante ella, desaparecer.
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Con Ceremonia de despedida, Marcelo Rioseco regresa a una escritura de orden metafísico, la cual sigue el hilo conductor de libros anteriores respecto a temáticas concernientes a la extranjería, donde se produce un desdoblamiento del hablante lírico por su condición de inmigrante radicado en Oklahoma, Estados Unidos. A partir de dicha irradiación surgen libros como La vida doméstica (2016) y Olivia en los suburbios (2020), por citar solo dos de sus últimas entregas. El poema que da inicio al volumen, es una clara muestra de ello y se titula, “También son extranjeros”. Allí escribe: “Para el desterrado no hay patria ni casa / ni forma de regresar. / Se ha caminado / demasiado y todas las ciudades se parecen”. Sin embargo, el poeta tiene un lugar en el mundo, y ese lugar es el lenguaje y Rioseco lo utiliza de manera maestra. Su país natal es la metáfora de lo que ya no se puede asir, y a la vez, se desmorona y linda con lo fantasmagórico, características propias de nuestra época. Por lo mismo, su obra es actual y nos podemos leer en ella. En “Regresar a la patria”, escribe: “Regresar a la patria, / arrastrando otro país a cuestas, sentados ahora alrededor de una mesa / rodeados de extranjeros”.La poesía de Marcelo Rioseco, en estas páginas, nos invita a reflexionar sobre la muerte, lo filial, dios y, finalmente, la existencia. Su mirada es incisiva y aguda, dejando en el lector más interrogantes que respuestas. Esto resulta singular, pues constituye, a fin de cuentas, el trasfondo de todo lo metafísico.
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El joven Víctor Frankenstein descubre el secreto que devuelve la materia muerta a la vida, y crea un monstruo espantoso que acabará rebelándose contra su propio creador. Con una gran fidelidad a la novela original, esta adaptación del Frankenstein de Mary Shelley, realizada por Jesús Cortés, da a conocer a los lectores jóvenes muchos aspectos desconocidos de una de la obras más famosas de la literatura de terror.
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Siguiendo las líneas de relación que van del dreck a las constelaciones (y viceversa), la poética de José Kozer se sitúa, muy a menudo, en un doble sendero: en ella se verifica, libro a libro, tanto el trayecto del residuo a la reliquia como el que va en sentido contrario. Se trata, en todo caso, más que de una apuesta que reivindica una suerte de «salvación a través de los residuos», de una apuesta ética (y religiosa) un poco más radical. Y es que, siguiendo los vaivenes entre disgregación y multiplicidad, y entregado a una intensificación sensorial casi mística («entre los pinos/ rodenos quizás /escuchando la/ circulación de/ la resina»), el poeta registra las capilarizadas geografías de su propia lengua, al tiempo que da cuenta de las intermitentes superposiciones y convergencias entre deshacimiento e identidad («Yo ya no soy yo llegué a casa»), convergencias en las que se afirman, en su cotidiano esplendor, la vida y la muerte que hay en las palabras.Michel Mendoza
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Entre mangos de Ataúlfo, de Raúl Chávez, nos invita a recorrer la carretera del deseo y los senderos intrincados de la memoria. Su escritura se bifurca al alternar el lirismo autobiográfico con técnicas de montaje documental. Esta poesía entrelaza recuerdos de la infancia con encuentros amorosos y las crisis sociales. La voz firme de Raúl Chávez revela que lo que ocurre en nuestra intimidad más profunda está inextricablemente ligado a la historia de los otros.MIJAÍL LAMAS
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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En traducciones de poetas importantísimos españoles como Juana Castro y Carlos Pujol, y mexicanos como Marco Antonio Campos, sin dejar de lado algunos de los poemas traducidos por Lucía Coco de Carolis, Emilio Coco rinde homenaje a grandes como García Lorca o José Hierro, y a poetas mayores de su tierra natal como Dante, Giuseppe Ungaretti, Tommaso Grossi o Alda Merini. De esa admiración se infiere el influjo que en su obra estas voces han dejado.Traductor al castellano (aquí mismo se traduce en El don de la noche) e hispanista condecorado por sus aportes en la difusión de voces de España y América Latina vertidas al italiano, Coco nos presenta en El Tiempo, el camino, una parte esencial de su obra que abarca cuatro décadas en un impulso lírico que va de la antigüedad clásica a nuestros días.
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Traslumbramientos'' es una enigmática obra poética donde el asombro y la perplejidad ante lo cotidiano se transforman en una lírica de honda resonancia metafísica. A través de cuarenta poemas construidos desde un particular sentido de ''apertura de lo íntimo'', Santiago Elso teje una red de correspondencias entre lo visible y lo invisible, entre la experiencia inmediata y su trascendencia, siguiendo la estela de poetas como José Ángel Valente o Clara Janés en su búsqueda de una palabra esencial que ilumine los intersticios de la realidad. El poemario se articula en torno al concepto de ''traslumbramiento'' —ese instante de deslumbramiento que precede a la desaparición—, convirtiendo la fugacidad y lo efímero en territorio fértil para la indagación poética. Desde el primer hombre fotografiado hasta una estrella fugaz, desde un árbol talado hasta la luz filtrada por una persiana, los poemas exploran esos momentos de revelación donde lo ordinario se transfigura en extraordinario. La obra destaca por su capacidad para aunar tradición y modernidad, como señala el jurado del XXXII Premio Internacional de Poesía Ciudad de Córdoba ''Ricardo Molina''. El autor maneja con maestría tanto formas clásicas como versos libres de largo aliento, siempre al servicio de una mirada contemplativa que descubre epifanías en los detalles más nimios de la existencia. ''Traslumbramientos'' es un libro que celebra la perplejidad ante el mundo y reivindica el poder de la poesía para capturar esos instantes donde la realidad parece revelar su verdadera naturaleza frente al sinsentido del mundo contemporáneo. Una obra que confirma a Santiago Elso como una de las voces más sólidas y personales de la poesía española contemporánea.
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Hace no mucho tiempo fuimos dictadura, tierra de látigo y sangre. Un lugar donde la fuerza vestía uniformes, pistolas y sotanas. Pero este es un concepto difuso de la fortaleza.Porque la auténtica pertenecía a las madres que soportaban los abusos y sacaban adelante a su prole, o la de aquellas trabajadoras que pese a tener a un sistema político y religioso en contra seguían levantándose, o la de las vecinas que se apoyaban y desahogaban cuando no podían expresar su sentir en público… Eso sí era poderío.Así, esta obra se ubica en un vecindario de esa época grisácea.La Filo, La Maritxu, La Charo… siempre con el «La» delante, montan su pequeña revolución frente a la impunidad de un llamado a sí mismo «servidor de Dios». Un depredador sexual amparado y protegido por sus ropajes, y un sistema cómplice y discriminador que nunca quiso poner coto a este tipo de conductas.Con ellas lloras, empatizas y también ríes, porque el humor nunca falta en esta tragicomedia, incluso cuando suenan truenos y la lluvia golpea contra el tejado. Ellas te infunden una fuerza sobrehumana, la de aquellas que saben que algún día llegará su hora, y si no es de ellas, pues de la siguiente generación, y que su lucha nunca será en vano porque saben que siempre, después de la tormenta, vendrá la calma.
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El poemario propone una lectura de indicios, a base que avanzamos en los poemas entendemos que ha habido un accidente y leemos a la hija que mira a la madre y que mira el frío, el silencio, lo injusto de quedarse con quien no está, pero está y no deja continuar. La vida intentando hacerse paso desde el daño. El poema en murmullo, sin ruidos ni artificios dejando que el blanco señale, que el silencio lo haga. Un poemario que trabaja sobre temas como el duelo, la pérdida del padre, el dolor que nos señala como distintos y nos aparta.
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…Y esto es lo que encontramos si caminamos despacio por los poemas de Veintiún signos en la frente, del poeta George Reyes (Ecuador / México), un impactante descubrimiento de quehacer demiurgo del autor, no un libro de poesía al uso, convencional, sino un volumen lleno de frases y sentencias que se estimulan la conciencia del lector. Un “fraseo de muerte calado en tu frente”. Una sorpresa en un mundo lleno de hipérboles en el que el único dilema es leer o no leer los poemas que ahora tiene en su mano.
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Un compendio esencial de la obra de la mejor poeta y cuentista mexicana del siglo XX. «Rosario Castellanos es el ejemplo más sólido de vocación literaria que se ha dado entre nosotros». Elena Poniatowska Pero si es necesaria una definición para el papel de identidad, apunte que soy mujer de buenas intenciones que he pavimentado un camino directo y fácil al infierno. La colección «Poesía portátil» nos trae Mujer de buenas intenciones, antología que permite explorar el universo lírico de Rosario Castellanos, quien fue portavoz de los sectores más reprimidos de Latinoamérica y una autora a la vanguardia de temas impropios de su época, los cuales supo encajar con maestría en todo tipo de géneros y estilos. Feminista y combativa, fue una digna heredera de sor Juana Inés de la Cruz. No por nada declaró: «apunte / que soy mujer de buenas intenciones / que he pavimentado / un camino directo y fácil al infierno».La crítica ha dicho...Reseñas:El Jurado ha dicho:Los blogueros opinan...Los lectores comentan...Críticas:
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Es un poemario desgarrador, crudo y, a veces, irónico, que explora el viaje emocional de una persona a través de las etapas del amor, la pérdida y la auto-redención. Desde las calles de Miami hasta los callejones de Melbourne, la narrativa poética recorre geografías físicas y emocionales, mostrando cómo las relaciones moldean y, a veces, desmoronan nuestra identidad. Este libro es una confesión y un juicio, donde la autora se enfrenta a sus propios errores y encuentra su identidad entre los restos de lo destruido. La voz poética en Lugares a donde no puedo volver es directa, utilizando metáforas poderosas e imágenes claras que permiten al lector visualizar los lugares a través de las palabras. El lenguaje accesible transmite sentimientos profundos, convirtiendo cada poema en una confesión y un fragmento de una historia mayor.
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La obra posee una elocuencia instintiva donde predominan el humor, la turbiedad, la belleza, la violencia y el caos que desemboca en una colección de poemas agresivos, desenfadados, irónicos, místicos, llenos de humor e hipercríticos, pero anclados en la tierra y que viajan entre nubes. Con una lírica desbordante multitemática sustentada en la militancia de la libertad, que colinda con la tecnología y la cultura pop globalizada, y una postura original y auténtica que se desmarca de cualquier estética, el autor logra crear un diálogo directo con el lector y conformar un catálogo del exterminio y la evolución de las especies con el paso de la humanidad, compartiendo el mismo paisaje en este tramo de la supervivencia social.
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Una pesta letal i inesperada s'escampa per tot el planeta, deixant al seu pas angoixa, malaltia i mort. Els països del Primer Món descobreixen, incrèduls, la pròpia fragilitat i impotència. El poemari assenyala l'única sortida possible davant la incertesa: el viatge interior, la recerca d'una llibertat despullada d'alegries de disseny.Però, abans, cal travessar el desert i comprendre,finalment, per a què ha servit la tempesta.
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“La Montse Castellà és una veu especial per moltes circumstàncies. Una veu compromesa, culta, feta d'una peça. Una veu de país franca, a celobert, des de la solidaritat amb les persones i arrelada en la natura. Una veu que no es rendeix al temps i que munta la seva vida sota una premissa: vol ser lliure i accepta el preu que se n'ha de pagar.Avui ens presenta aquest recull de lletres que amb el pas dels anys i amb la música han anat expressant inquietuds, passions, compromisos, dubtes i testimonis d'una vida atzarosa però amb una constant: ser fidel a la pròpia llibertat des d'unes arrels que no l'impedeixen volar prou alt. Ans al contrari, amb la convicció que només qui té arrels s'acosta a una vertadera universalitat...”Lluís Llach, del pròleg a Que hi brolle vida i llum.
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Text dramàtic que pot llegir-se com a prosa o prosa que pot representar-se en un teatre, Diàleg es va estrenar al Burgtheater de Viena el 2022. Imaginem dos actors, com Bruno Ganz i Otto Sander, als quals està dedicat el llibre, tots dos àngels en la cèlebre pel·lícula Der Himmel über Berlin («El cel sobre Berlín»), dos homes ja grans, amics, còmplices, dialogant sobre la força i l'actualitat del teatre, sobre el fet d'envellir, sobre els records i les vivències que deixen una petjada inesborrable en la memòria... Text rítmic, en la línia de l'últim Handke, que defuig les lectures còmodes i uniformes, llarga conversa, construïda amb una riquesa textual prodigiosa, que s'obre pas mitjançant imatges reveladores, relats del passat i referències a la pròpia obra, a la cultura popular i a la tradició literària. I també, entre jocs de paraules i evocacions evanescents, en Diàleg hi ha espai per a la reflexió històrica i política, al·ludint al relat espuri amb què es va intentar ennuvolar l'adhesió dels avis al Tercer Reich.
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Este libro forma parte de una serie de publicaciones dedicadas a las grandes obras de la dramaturgia española del siglo XIX. En esta ocasión, se centra en el estudio y la edición del teatro breve de esa época, un tipo de piezas que representa aproximadamente un tercio de la vasta producción escénica de un siglo marcado por el surgimiento y desarrollo de la industria teatral.A partir del entremés barroco y otras formas teatrales cercanas, la proliferación de obras breves se intensificó en el siglo XVIII, consolidándose el sainete como género principal para expresar el costumbrismo y la comicidad popular. Durante el Romanticismo, esta tradición teatral se mantuvo viva y fue enriquecida por los escritores surgidos en el contexto de la revolución burguesa, quienes incorporaron nuevos temas, personajes y una particular visión de la realidad.En este volumen se incluye una muestra representativa de piezas teatrales en un acto, que refleja el tono, la temática y los rasgos distintivos del género en los años centrales del siglo xix. En total, son doce obras elegidas no solo por el éxito que alcanzaron en su tiempo, sino también por su originalidad, calidad literaria y, en especial, su potencial escénico. Los autores incluidos abarcan tanto figuras de gran relevancia en la literatura de la época como nombres menos conocidos, pero igualmente valiosos para ilustrar la riqueza del teatro español del siglo xix. Entre ellos destacan Manuel Bretón de los Herreros, Mariano Pina y Bohigas, Antonio Gil y Zárate, Joaquina Vera, Manuel Fernández y González, Antonio María Segovia, José Méndez de Álvaro, Rafael Máiquez, Miguel Pastorfido, Juan de la Puerta Vizcaíno, Ventura de la Vega, Carlos García Doncel y Luis Valladares y Garriga.
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A través de un lenguaje oblicuo y plegado sobre sí mismo, La estúpida belleza de las deflagraciones se nos muestra como un libro que intenta poner en palabras fragmentosdel dolor de una existencia, consciente desde el principio de su abocamiento al fraca
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'Canto general'' es un clásico de la literatura hispanoamericana y de la poesía universal de siglo XX, al que Neruda llamó en sus ''Memorias'' mi ''libro más importante''. Obra de carácter enciclopédico, reúne múltiples temas, géneros y técnicas bajo un denominador común: América, constituyendo una historia marginal del continente. Obras maestras como el gran poema ''Alturas de Macchu Picchu'' forman parte del libro.
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En el apogeo de su madurez poética, Victor Hugo (1802-1885) dio voz a “los siete monumentos que en la lengua humana se llaman maravillas”: el Templo de Artemisa, los jardines colgantes de Babilonia, el Mausoleo de Halicarnaso, la estatua de Zeus en Olimpia, el Faro de Alejandría, el Coloso de Rodas y las pirámides de Egipto.
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Kokoro anhela conocer el Mar, del mismo azul profundo que sus ojos. Se prepara para el viaje día tras día. Pero, a veces, las cosas no salen como se planean. Un accidente precipita su partida en las condiciones más inesperadas. Sin embargo, tiene todo lo que necesita para enfrentarse a la inmensidad del MAR y a la gran OLA que la espera en su travesía. María Belón Bordes sobrevivió al tsunami de Asia-Pacífico en diciembre de 2004 con su marido y sus tres hijos. Esta historia nació durante el proceso de escritura del guion de la película ''Lo imposible'' (2012) de J. A. Bayona, cuando Jota le pidió: «María, cuéntame qué se aprende al regresar de estas experiencias tan difíciles que la vida nos hace vivir». Fue entonces cuando Kokoro emergió desde el fondo del Mar.
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En el contexto literario de hoy, la lectura de la realidad de Fernando Camacho, la elección del léxico y el ritmo de sus versos conforman una voz inconfundible.Este es un libro de una escritura clara, de un autor vibrante y con mucha sorna, unos poemas sencillos de una persona excepcional. La principal pregunta que plantea el libro es cómo afronta la belleza alguien con tendencias depresivas. Pasado el existencialismo y el pomodernismo, enfrentarse a esta y otra preguntas supone abocarnos directamente al caos, que podría ser una de las visiones de un libro comprometido, sutil y sagaz, irónico y tierno al mismo tiempo.
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