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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Me suena, pero no sé quién me decía que la poesía es el único mundo separado que existe dentro del Mundo. Y si es así, su criatura puede mostrar cien formas y caminos. Puede ser el vino del diablo según San Agustín o el ángel del sabio de Hipona, rezo aparte o doctrina concreta. ¿Tiene que ser más profunda y concreta que la Historia como quería Aristóteles? ¿O más sensible, sensitiva y sentimental por lo que apostaba Rubén Darío? ¿Queda la Poesía sometida a la filosofía? ¿El contenido a la forma? (…,) Así en la tierra como en mi amigo Jesús Orea que Ha callado el silencio en un poemario en cuatro actos. ANTONIO HERNÁNDEZ En este libro se alza la voz contra el silencio, siempre cómplice, de un poeta. Una voz ya personal y madura, que se reconoce en el magisterio de los maestros y la tradición, pero con la fuerza más rabiosa de la contemporaneidad más necesaria. MANUEL FRANCISCO REINA Jesús Orea se alza con el calificativo indiscutible de gran escritor. ANTONIO HERRERA CASADO
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Premio de Poesia Ateneo-Universidad de Malaga. Versos de amor estremecidos y estremecedores de un poeta en su madurez.
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Diego Roel (Temperley, Buenos Aires, 1980) estudió Historia del Arte en la Universidad de La Plata y actualmente dicta talleres de escritura creativa en Posadas. Entre sus libros destacan Padre Tótem (2004), Dice Jonás (2015), Las intemperies del mar (2017), Shibólet (2018), Kadosh (2019), El infierno es una bestia callada y triste (2020) y Andréi Rubliov (2020). «Los cuadernos perdidos de Robert Walser es un libro que utiliza la técnica del monólogo dramático, mezclado con el monólogo interior, usando como fonador la personalidad del escritor suizo citado en el título, así como diversas referencias a Hölderlin, Keats y Rimbaud, que le permiten combinar la epístola y el pensamiento, la confidencia y la reflexión, manteniendo una distancia enunciatoria que objetiva lo subjetivo y que articula todo su sistema de dicción. El resultado es un libro que destaca por el rigor y la unidad de su escritura, el tono conseguido y una serenidad sin el menor atisbo de tragedia». Jaime Siles
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John Milton's Paradise Lost is one of the greatest epic poems in the English language. It tells the story of the Fall of Man, a tale of immense drama and excitement, of rebellion and treachery, of innocence pitted against corruption, in which God and Satan fight a bitter battle for control of mankind's destiny. The struggle rages across three worlds - heaven, hell, and earth - as Satan and his band of rebel angels plot their revenge against God. At the center of the conflict are Adam and Eve, who are motivated by all too human temptations but whose ultimate downfall is unyielding love.Marked by Milton's characteristic erudition, Paradise Lost is a work epic both in scale and, notoriously, in ambition. For nearly 350 years, it has held generation upon generation of audiences in rapt attention, and its profound influence can be seen in almost every corner of Western culture.
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Uno de los libros clave de la poesía brasileña de la segunda mitad del siglo XX con gran influencia en los poetas americanos de lengua castellana también.Audiovideotexto, videotextogame, las galaxias se sitúan en la frontera entre prosa y poesía. Hay en este libro caleidoscópico un gesto épico, narrativo —minihistorias que se articulan y se disipan con el «suspense» de una novela policial (Anatol Rosenfeld), pero la imagen acaba por prevalecer, la visión, la vocación de lo epifánico. En este sentido, el polo poético termina por imponerse al proyecto, y el resultado son cincuenta «cantos galácticos» con un total de más de 2000 versículos (unos 40 por página). Este libro permutante tiene, como vértebra semántica, un tema siempre recurrente y variado en toda su extensión: el viaje como libro y el libro como viaje (si bien —por eso mismo— no se trata exactamente de un «libro de viaje»…). Dos formantes, tipografiados en itálicas, el inicial (comienzo-fin: «y comienzo aquí») y el terminal (fin-comienzo-recomienzo), balizan el juego de páginas móviles, intercambiables según la lectura, donde cada fragmento aislado introduce su «diferencia», pero contiene en sí mismo, como en línea de agua, la imagen del libro entero, que a través de cada uno puede ser vislumbrada como por un mirador «aléfico».Haroldo de Campos.
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Cuando encuentras tu lugar en el mundo sabes que va a ser muy difícil marcharte de él. Al fin y al Cabo es un viaje interno por las luces y las sombras que habitan dentro de nosotros en algún momento de nuestra vida. Es el lugar al que vas cuando quieres sentirte en casa después de una dura mudanza. Este poemario de verso libre habla de lo mucho que duelen las rupturas temporales y de esa sensación de plenitud que te acompaña cuando encuentras tu hogar.
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Este poemario es una defensa de los días tristes, una reivindicación del duelo como forma de avanzar hacia un lugar mejor, siendo conscientes siempre de que todo pasa: lo bueno y también lo malo. Un desamor, un amante perdido, la ruptura de una pareja, la muerte de un ser querido... El estilo directo de Carmina Prieto hace que la identificación del lector sea inmediata y este haga suyos sus poemas, se sienta legitimado a dolerse. Así mismo, a lo largo del libro se encuentra también el consuelo de un duelo acompañado.
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Nuevo poemario de Beñat Arginzoniz, con prólogo de Juan Carlos Mestre.Es la belleza emancipada de toda retórica, es el testimonio de la grandeza del amor la que desvela el misterio de la existencia en las páginas de este libro, conmovedor y hermoso, transparente como el hielo.
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El poeta Julio Herranz selecciona 50 poemas de toda su obra poética para conmemorar sus 50 años de residencia en la isla de Ibiza.
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Poemario con el que Marina Cabo ha ganado el premio Ciudad de Palma Joan Alcover de poesia 2023, traducido del catalán por la autora.Los poemas de Marina de Cabo hablan de piscinas internacionales, de lecturas y de películas. Nos transportan a la relajación de los veranos infinitos y nos bañan con palabras delicadas, cuidadas y precisas. Un poemario que acompaña y refresca el panorama poético y que nos recuerda que la superficie del poema oculta profundidades desconocidas.
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Diane di Prima (Brooklyn, 1934-San Francisco, 2020) fue una poeta estadounidense perteneciente a la generación beat. Estudió budismo, sánscrito, alquimia y gnosticismo, y estuvo siempre comprometida con los movimientos a favor de la justicia social. Una muestra de ello es Cartas revolucionarias, un verdadero manual de vida contracultural, un manifiesto de protesta callejera y una ofensiva feminista contra el aparato represivo del Estado, tan relevante hoy como lo fue en sus inicios, hace más de cincuenta años. En 1968 Diane di Prima se mudó a San Francisco, donde comenzó a escribir estas «cartas» -auténticos poemas inmersos en tradiciones místicas, con una potente combinación de imaginación utópica, política radical y conciencia ecológica-, que al principio circulaban a través de periódicos y panfletos clandestinos. En 1971 se publicó la primera versión en libro, que Di Prima fue ampliando en ediciones posteriores. Durante sus últimos años, supervisó la versión final de este proyecto de toda la vida, añadiendo nuevos poemas escritos entre 2007 y 2020. «Cartas revolucionarias es una máquina del tiempo hacia un futuro mejor». Ken Chen
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Guillermo Carnero (Valencia, 1947) ha sido catedrático de Literatura Española entre 1986 y 2012, y profesor en las universidades estadounidenses de Berkeley, Virginia y Harvard. Es autor de catorce libros de poesía, por los que ha recibido el Premio de la Crítica (2000), el Nacional de Literatura-Poesía (2000), el Fastenrath de la Real Academia Española (2002), el Loewe (2005) y el de las Letras Valencianas (2006). Perfil perdido -expresión que en pintura designa un rostro vislumbrado desde un lado y atrás, con gran escorzo- es un poema continuo de novecientos versos en tres movimientos, la última entrega hasta ahora de Guillermo Carnero en la línea de poesía extensa que incluye Espejo de gran niebla (2002), Fuente de Médicis (2006), Cuatro noches romanas (2009) y Carta florentina (2018). Perfil perdido escribe el deseo del poeta de renunciar a la propia memoria vivida y escrita, y así mantiene un frecuente contacto intertextual con su obra anterior, desde Dibujo de la muerte (1967). El arte del olvido que conforma este libro exige partir de un arte de la memoria, que actualice la totalidad del recuerdo como requisito de su desvanecimiento. Dicha memoria es primordialmente la sensorial. Sin que se trate de ámbitos estancos, el primer movimiento está dedicado a la vista, el segundo al oído, el tercero a los restantes sentidos. Los cinco, una vez en blanco, se ofrecen a una mujer, que pasa ante ellos sin detenerse.
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Hay libros que son como piedras lanzadas desde los bordes de la poesía a ese lago profundo en donde la vida se refleja algunas veces. En ellos la infancia rebota, como un cartílago que se rompe y juega a enumerar las posibilidades de la muerte. En ellos todo es luz, la algarabía del infierno que se inunda bajo las cobijas y al que le crecen peces dentro del estómago. En Aguacero de plastilina, Edwin Martin se convierte en un pirómano que escribe con cenizas sobre las ondas que forma la tormenta que está por llegar. Hay fiebre y delirio. Un dos bajo la manga de quien le da forma al lenguaje mientras arriba Dios juega a los truenos. Hay libros que son como murciélagos que vuelan por las noches en busca de sangre y de jardines florecidos tras la niebla. Este libro son dos piedras que se besan. JOHN F. GALINDO
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El humor, la confesión y el homenaje son tres de los hilos con los que se tejen las historias que pueblan este conjunto de poemas. Festiva y también elegíaca, la voz de Víctor Muñoz cartografía tanto los territorios de su pasado como los de su intimidad, pues ambos son vasos comunicantes por donde circula en un viaje de ida y vuelta el trajín de las emociones. A través de la alquimia de la acción poética, Esta mayoría inválida de hombre intenta validar las insuficiencias que oprimen al ser humano en el baile de máscaras que es la vida.
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A través de la figura de Teresa de Ávila, Minerva Margarita Villarreal enuncia una poesía íntima y fervorosa, pero a la vez cercana y cotidiana. Las maneras del agua, obra ganadora del Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes 2016, combina poemas cortos con laude constantes donde lo divino cobra varias formas.
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Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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Paisajes para leer, poemas para mirar, dibujos para cantar. De la mañana a la noche. Del sol a la luna. Así se recorren las páginas de este libro de poemas y canciones de Federico García Lorca, ilustrado por Isol.
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Vittorio Bodini (Bari, 1914-Roma 1970), además de un magnífico poeta, fue un relevante hispanista y un excelente traductor. Su voz poética, nacida al calor del hermetismo florentino e imbuida de amor por España, sugestiones lorquianas y meridionalismo, despunta como una de las más significativas de la literatura italiana del siglo. Rafael Alberti, con el que Bodini trabó una sincera amistad durante sus años romanos, dijo de él que era «un traductor genial, un hombre genial, un poeta genial», y Carmen Laforet lo definió simplemente como «un poeta muy grande, muy actual y ya de siempre». Sus versos rompen de un puñetazo la cotidiana monotonía del alma, aturdida de inercias, y nos invitan a sumergirnos en las entrañas de la vida, con sus colores y sus sombras, porque «solo cuando hayamos aprendido de los sauces / a acariciarnos lentamente / y de la luna a apostar en contra de nosotros / podremos decir que hemos vividos dos veces».
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La historia colonial es una historia de violencias y de explotación: de cuerpos, de tierras, de paisajes, de semillas impuestas por la fuerza, dentro y fuera, y de campos sembrados. Es una historia que comienza muy atrás en el tiempo y que llega hasta hoy tomando muchas formas: unas se esconden, otras se disfrazan e incluso algunas se muestran tal como son. Mediante un diálogo poético a tres voces, este texto trenza el relato del ayer y el hoy del colonialismo exponiéndolo en su complejidad de formas, heridas y tiempo. Lina Meruane, Cristina Rivera Garza y Gabriela Wiener son tres voces fundamentales del panorama literario actual y dialogan en este libro a partir de sus poemas, compartiendo su pensamiento y su experiencia respecto a la colonialidad y la violencia.
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Megan Fox hace gala de su humor negro a lo largo de un poemario desgarrador y oscuro. A lo largo de más de setenta poemas, Fox hace una crónica de todas las maneras en que nos amoldamos a la forma de los que amamos, incluso si eso significa perdernos a nosotras mismas en el proceso. ''Estos poemas fueron escritos en un intento de extirpar la enfermedad que había arraigado en mí a causa de mi silencio. He pasado toda mi vida guardando los secretos de los hombres, me duele el cuerpo de cargar con el peso de sus pecados. Mi libertad vive en estas páginas, y espero que mis palabras puedan inspirar a otras a recuperar su felicidad y su identidad utilizando su voz para iluminar lo que ha quedado enterrado, pero no olvidado, en la oscuridad'', dice Fox. ''Los chicos guapos son tóxicos'' supone el poderoso debut literario de una de las mujeres más conocidas de nuestro tiempo. Pasa la página, muerde la manzana e híncale el diente al libro más deliciosamente convincente y adictivo que leerás en todo el año. Uno de los bestsellers del año según el New York Times. ''Desgarrador... Vayan todos a leer el libro''. -Alex Cooper, presentador del podcast Call Her Daddy.
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Tretze mil vuit-cents milions d'anys és, segons l'astrofísic Carl Sagan, l'edat del món. Tretze mil vuit-cents milions d'anys han hagut de passar per tal que del no-res, i després d'infinites eclosions i explosions, fusions i fissions estel·lars, planetàries, galàctiques, tal dia com avui, un matí d'un qualsevol dissabte d'estiu, des del balcó estant, arran de mar, jo pugui contemplar, lenta, esplendorosa, l'eixida del sol rere l'ampla línia, ara daurada, de l'horitzó i dir-te, mentre et despertes, senzillament: bon dia.
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Puede afirmarse que con este poema dramático comenzó la consagración del gran escritor noruego, cuyo nombre habría de ser bien pronto bandera de combate de la juventud intelectual de toda Europa. La primera edición se publicó en Cophenague en 1866, y su
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Veinte años de la poesía de Curiel, restituida y revisada hay en este Viajero de las edades (2000-2020). Sin un orden cronológico o temporal Curiel lo rescribe en su totalidad hasta darle la forma de un libro definitivo. Una de las voces más singulares y originales de la poesía española de los últimos tiempos. Desde su libro ''El Verano'' Accésit del premio Adonais 2002, una poesía como medio de conocimiento de la realidad y la existencia. Una reflexión sobre lo absoluto de la palabra y el sentido del ser. Una poética cada vez más cercana a la mística en un sentido moderno. En El Viajero de las edades Curiel indaga en su particular mundo interior desde la más honda radicalidad, siendo la naturaleza y la intemperie del hombre actual escenarios donde los grandes dramas de la existencia se conjugan y se desarrollan. Una reescritura de la cultura europea desde los límites del lenguaje. Una escritura radical, oscura y a la vez luminosa y cada vez más transparente, que en sus sucesivos libros se va despojando hasta volverse cada vez más diáfana. Una obra lúcida en la que se tratan los grandes temas que acompañan al ser humano, como el amor, la muerte, el paso del tiempo, la vida, el vacío o la existencia.
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«Milita Molina: un agujero belga en la literatura argentina», rezaba un titular en 2013. Estamos ante una autora de culto de la última literatura sudamericana. Traductora especializada en narrativa estoadounidense, su entrega inquebrantable a la fórmula enunciada por Osvaldo Lamborghini, «autor de un solo texto», convierte toda su obra en una formulación coherente y corrosiva que destella genialidad. Su poesía performativa y su narrativa contracultural se adhieren una a la otra en límites difusos y agujereados por fisuras llenas de humor negro y una ingeniosa crudeza. «El lector vacila, sigue intrépidamente adelante pero ya no se repondrá nunca más de este accidente: ¿qué estoy leyendo?», aseveraba Nicolás Rosa. Milita Molina «se refugia en los intempestivos, en los inoportunos», su droga dura ante la angustia de tener un cuerpo: enfermo, claro. «Se me incrustan las palabras y cuanto más morbosas enfermas y malditas y condenadas más se ensañan con su rum rum». Beckett, Mansilla, Kerouac, Tsvietáieva, Lamborghini, Copi, James, Baudelaire, Macedonio, Bowles, Kierkegaard, Hernández, Austen… Conciencia del daño que no renuncia y exprime. Y canta.
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Marcos de Quinto, conocido por su exitosa carrera empresarial al frente de Coca-Cola, se despoja de su traje de gran ejecutivo, revelándose como un poeta introspectivo que se concilia consigo mismo. La otra vida del fugitivo es un viaje personal marcado por el vitalismo y el humanismo desde la juventud hasta la madurez. A través de episodios de su propia vida y de una pulsión lírica presente en su día a día, de Quinto explora sobre la identidad, la pérdida, el amor y el desengaño en un discurso donde subyace una tensión dialéctica entre el poder y el deseo. Este libro aborda esa otra vida que todos vivimos en nuestro interior como fugitivos de las convenciones sociales y de las expectativas que se ciernen sobre cada uno, en un relato poético dividido en tres partes temporales: ''Juventud'', ''Madurez'' y ''Extrañeza''. La otra vida del fugitivo reflexiona sobre la lealtad a uno mismo, las contradicciones, las frustraciones y la construcción de la propia biografía. Cada poema funciona como una ''fotografía de tinta'', capturando un instante de la vida emocional y espiritual del autor en diferentes momentos y lugares del mundo, lo que imprime a este libro de poesía un espíritu de cosmopolitismo que alimenta la imaginación del lector y la imagen del carácter nómada de una voz definitivamente extraña y atípica.
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XXIX Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Alejandro Bellido (San Juan del Puerto, Huelva, 1993). Graduado en Filología Hispánica y Estudios Ingleses, ha publicado los poemarios La muerte en Cyterea (2018) y La oculta esperanza (2021). Ha participado en antologías de poesía joven como Piel fina (2019) o Luz nueva del suroeste (2015), y él mismo, además, ha realizado recuentos de la literatura de su provincia como Antología de poesía joven onubense (2015). Sus poemas pueden encontrarse en medios como Zenda, Anáfora, Casapaís o Maremágnum. Actualmente, codirige la revista literaria Centauros y copresenta el podcast de poesía Que tenemos que hablar de muchas cosas. Con Música para tigres resultó finalista del Premio Adonáis de poesía 2023. Algunos de sus poemas han sido traducidos al portugués.
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Recordando el famoso aforismo griego «Conócete a ti mismo», esta antología busca ahondar en las entrañas de la poesía. Una mirada sobre la propia voz.Tienes en tus manos un libro distinto, sin precedentes, un volumen confesional en el que 140 poetas, cada uno en su estilo, a su manera y a su gusto, han querido compartir la experiencia de la introspección y decirnos quién es, cómo se ve o cómo se imagina.Sin máscara o con ella, los autores nos desvelan su propia identidad. Recorremos con cada uno las encrucijadas del dédalo en una especie de camino iniciático, buscando el centro personal que a cada cual le corresponde.Es sabido que un poeta se encuentra consigo mismo cada vez que inicia un poema. Puede estar al lado, detrás, delante, cerca siempre, pero hay ocasiones en que decide estar dentro y ser él mismo el destino total de sus versos, contarse a sí mismo, decirnos quién es, quién quiso ser, quién quiere llegar a ser.En esta antología de autorretratos lo que en el fondo se intenta es levantar el velo que cubre lo que podría parecer un espejo donde reflejarse —véase la cubierta de este libro—, y descubrir que no es tal sino un laberinto en el que dejarse perder, en el que abandonarse. Encontrar el centro íntimo puede ser difícil, pero dar vueltas y más vueltas puede conseguir que lleguemos a ver muchos aspectos que tal vez desconocíamos.
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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Este poemario nos invita a explorar la dualidad de la vida y la muerte, la resistencia y la renovación en el contexto del mundo natural.En el poemario «¿De qué muere un buitre?» Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, la autora teje una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y las complejidades de la existencia.
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Un libro sobre la relación entre dos personas en particular que se vuelve una meditación sobre la amistad, el compañerismo y la construcción de dos vidas literarias.Es saxofonista, se mueve en el ámbito del jazz. Dirige el aula-taller de improvisación en la Escuela Municipal de Música de León, donde también es profesor de saxo. Fue miembro fundador de las revistas Cuadernos leoneses de poesía y El signo del gorrión.
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Cinètica és el seu poemari més expansiu, tant en continent com en contigut.
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Se ofrece en este volumen la poesía completa de Rosalía de Castro. Sus cinco libros: La flor (1857), A mi madre (1863), Cantares gallegos (1863), Follas novas (1880) y En las orillas del Sar (1884), más un Apéndice con poemas sueltos, así como algunas canciones y poemas populares recogidos por la escritora, se reúnen aquí en un único volumen, en edición bilingüe a cargo de Juan Barja (traducción y notas) y con una introducción de Arturo Leyte. Como señala el traductor, para la edición castellana «se ha optado por una versión rítmica y rimada, siguiendo los modelos originales -tal como seguramente hubiera preferido Rosalía-, mas tratando de guardar al máximo la semejanza, aun a riesgo de afear el resultado, sustituyendo, supliendo, variando en contadísimas ocasiones ''lo que dice'' el poeta, para respetar mejor lo que el poeta ''canta''. Además, siendo esta edición bilingüe -como quizá siempre deberían ser, al menos, las de todas las traducciones de libros de poesía-, la insuficiencia de mis logros queda más que favorablemente saldada y corregida. La versión castellana es así el trampolín donde se podrán apoyar los que no alcancen a desenvolverse directa o enteramente en gallego. Y con esto basta».
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Las citas de Sylvia Plath y Charles Olson con las que la autora abre este espacio poético (fosa y comuna) dibujan temprano el quiasmo fundamental de su obra: la imposibilidad de encontrarse (el tú y el yo) antepuesta a la voluntad insaciable de la intimidad. Emocionarse con, emocionarse en, instancias sucesivas de lo sensorial participado, desde ese colocarse en el sitio del otro que Edith Stein analizara por la vía de la fenomenología, al Proprioception (1965) del mismo Charles Olson y su «sensibilidad interior del organismo».A todo esto, María Belén Milla Altabás (Lima, 1991) desemplea la tradición corporal (y corporativa) del imaginario medieval —sangre, sudor, lágrimas— para embestir el cuerpo del otro, asistida de una diestra risotada, entre la bulla de Vallejo y el bullicio de Rabelais.La operación de la autora es tan libre como intrincada: en la intimidad de la afrenta amorosa el sentido de nuestro cuerpo se desplaza más allá de la piel, lo genital o lo capilar, a una zona peripersonal deseante que busca su expansión por el otro. En esa frontera competida, la violencia de los géneros desestabiliza nuestra ubicación y confunde los límites de nuestra identidad.Es lo preliminar a la emoción común de la cópula, que rescata al sujeto de su reciente desvarío y, atravesado por el otro, potencia su sentido de la interioridad, eso que ha dado en llamarse interocepción.Adéntrate aquí, lector, «ahora que mi multitud te espera».
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Sostiene Aristóteles en su poética que el metro yámbico es especialmente adecuado para el diálogo. Sale de forma espontánea al hablar, es más natural que los versos heroicos, pero no por ello exento de cadencia, ritmo y armonía. Esta métrica atañe sobre todo al ámbito privado, a la subjetividad de los sentimientos. ''Rumores yámbicos'' constituye el particular homenaje de su autora a las Heroidas de Ovidio. Un poemario epistolar de mujer a mujer, cartas escritas en la más estricta intimidad, muchas clandestinas, se diría que susurradas al oído. Se trata de confidencias rumorosas que atraviesan fronteras, surcan el Mediterráneo de orilla a orilla, conectan a cada una de estas mujeres de agua y tierra que otean, incansables, el horizonte.
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