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Llibres de decoració
Descobreix amb Abacus una gran selecció de llibres de decoració i interiorisme amb els quals iniciar-te en el món del disseny. La nostra col·lecció de lectures t'omplirà d'inspiració i creativitat per al teu dia a dia.
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Ya seas principiante o tengas experiencia previa con el macrame, este libro sera una excelente herramienta para que empieces a elaborar tus propios proyectos. El libro reune 4 secciones: secretos del macrame, nudos, patrones y proyectos.
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Bruce Mau lleva años aplicando el poder del diseño para transformar el mundo. Este libro se ha desarrollado durante los últimos 30 años para destilar todo el trabajo en 24 valores que forman el corazón de la filosofía de Mau. Contiene ensayos, observaciones, documentación de proyectos y obras de diseño de Mau y otrasfiguras claves del diseño, la arquitectura, el arte,la ciencia y el medioambiente. Práctico, juguetón ynecesario, este libro provee al lector con una caja de herramientas para empoderarlo a hacer un impacto ygenerar cambio a gran escala
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En este libro, la autora presenta las perspectivas devarios autores y diseñadores sobre cómo conseguir undiseño gráfico emocional. El diseño emocional es undiseño que reflexiona sobre el papel crucial que lasemociones tienen en la habilidad humana para comprender el mundo. De esta forma, el diseño gráfico se revela como algo más poderoso que una simple herramientaen manos del consumismo capitalista: como un medio que puede ser fundamental para crear conciencia y paraimpeler a los seres humanos a que se posicionen en temas sociales, políticos y medioambientales. Un buen diseño que tiene en cuenta el componente emocional mejora la relación entre el público y el producto, creando vínculos profundos entre ambos. Existen múltiplesteorías que hablan sobre emocional en el diseño de producto, industrial e incluso de web. ¿Pero qué ocurrecon el diseño gráfico? Este libro trara de acercar el diseñador gráfico a un diseño más emocional.
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Pinta 92 mostres d'art de carrer dels més famosos artistes i grafiters. Murals, cartells i adhesius de tots els estils reproduïts en blanc i negre perquè els donis vida.
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Carmen Calvo va iniciar als anys setanta del segle passat una de les trajectòries més personals de l’art espanyol. Gràcies a la serva formació en belles arts i en el món de la terrisseria, ha sabut subvertir els codis i tractar el fang com si fos pintura o escultura. Fascinada per l’arqueologia, col·loca petit motlles o objectes diversos de la mateixa manera que les arqueòlegs o els botiguers ordenen les seves troballes o les seves mercaderies. D’altra banda, les recopilacions en prestatgeries mostren formes d’escaiola o de guix extretes de motlles de cartró, amb una estètica austera que remet a Morandi.Les seves fotografies manipulades amb objectes o pintura configuren una lúcida crítica social a l’Espanya hermètica de la postguerra, a les seves institucions repressives i a les seves cotilles morals. La infantesa és un motiu recurrent en la seva obra, i en aquesta exposició la peça final fa referència a un episodi d’abús infantil que va a tenir lloc als anys noranta.El 2018 Carmen Calvo va crear una sèrie de targetes postals modificades, El tiempo que apasiona, que va a completar amb postals del Museu Picasso de Barcelona i que es mostren per primer com en aquest projecte.Carmen Calvo ha rebut nombrosos encàrrecs públics i múltiples guardons, entre els quals destaca el Premi Nacional d’Arts Plàstiques (2013) i el Premi Internacional Julio González (2022).
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En este libro se ofrece por vez primera un panorama amplio sobre el libro ilustrado en América Latina en el periodo 1920-1940, etapa caracterizada por el desarrollo y consolidación de modernidades propias. Se reproducen y analizan, dentro de narrativas nacionales y continentales, más de un millar de primeras ediciones ilustradas, ampliándose las referencias a libros intervenidos gráficamente por artistas latinoamericanos tanto en Europa como en Estados Unidos durante esos años.Además de hallar obras poco conocidas de muchos creadores consagrados, el lector podrá descubrir un extenso repertorio de artistas de vanguardia completamente olvidados hasta hoy.Con mirada transversal, cruzando ejemplares de diferentes procedencias, se dedican capítulos a temáticas específicas como Palabra-Imagen, Verbovisualidades, Precolombinismos y ancestralismos, y Gráfica social.De gran atractivo visual, este libro integra, además de los capítulos escritos por los autores, textos puntuales a cargo de Juan Manuel Bonet, Marina Garone Gravier y Dafne Cruz Porchini.''.
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Al igual que la rivalidad entre Coca-Cola y Pepsi o Apple y Microsoft cambiaron la industria y reescribieron la historia, la encarnizada contienda entre Sega y Nintendo sacó lo mejor (y lo peor) de ambas empresas y transformó para siempre el mundo del entretenimiento.Sin embargo, mientras se dibujaban las líneas de la batalla y los niños de todo el mundo se veían obligados a elegir entre un bando u otro, la Sega de Tom Kalinske debía emprender otra lucha. Sega y Nintendo buscaban destruirse la una a la otra, pero una mayor rivalidad se estaba fraguando entre Sega of America y Sega of Japan, un conflicto que acabaría convirtiéndose en una inimaginable guerra civil.Console Wars es un fascinante thriller empresarial que narra cómo Sega, una pequeña y valiente compañía liderada por un visionario y un equipo de rebeldes desafió a la todopoderosa Nintendo y revolucionó la industria de los videojuegos.
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* La historia de una de las casas de moda más elegantes del mundo. * Desde la fundación de la Casa de Valentino en la Roma de la década de 1950, Valentino Garavani ha sido celebrado por sus atractivos diseños, y sus deslumbrantes vestidos siguen siendo el ejemplo perfecto del glamur de la alfombra roja. * Valentino, a quien se le conoce simplemente por su nombre de pila, es toda una leyenda de la moda. Este libro empieza con los inicios de Valentino en el mundo de la alta costura en París, pasa por la rutilante escena social de Nueva York y la importante presencia de la casa en Hollywood desde la década de 1980, hasta nuestros días. La publicación reproduce hermosas fotografías de las diferentes épocas junto con una explicación de cada maravilloso modelo. ''Sé lo que quieren las mujeres. Quieren ser hermosas''. Valentino Garavani
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Los hogares de los diseñadores de interiores son los lugares donde todo el conocimiento y la experiencia en decoración que han perfeccionado se pueden ver en su máxima expresión. Inside: At Home with Great Designers es un recorrido privado por los hogares de sesenta de los creativos más talentosos y consumados que trabajan en el mundo del diseño actual.Este libro revelador nos permite una visión única de cómo y dónde viven los diseñadores y muestra un caleidoscopio inspirador y aspiracional de hogares en todo el mundo. Cuenta con los mejores diseñadores de interiores y decoradores contemporáneos en los EE. UU., el Reino Unido, Francia, Italia y muchos otros países del mundo y las casas de talentos del diseño internacional líderes como Brigette Romanek, Roman and Williams, Sheila Bridges, Darryl Carter, Sig Bergamin y Joseph Dirand. Las casas incluidas van desde apartamentos, casas adosadas y lofts, hasta refugios rurales y costeros, bungalows y palacios: este es el regalo perfecto y la inspiración para lectores de todo el mundo obsesionados con la casa y el diseño.
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Teresa Lanceta. Teixir com a codi obert inclou una àmplia reproducció de tapissos, llenços, pintures i dibuixos que, juntament amb els seus escrits i impressions tant sobre el Raval com sobre les seves llargues estades al Marroc, mostra les múltiples facetes de l'artista i la seva trajectòria des dels setanta fins a l'actualitat. A banda, els assajos del filòsof Miguel Morey, el comissari Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, la curadora associada Laura Vallés Vílchez i l'antropòleg Bert Flint ens parlen de Teresa Lanceta i de la seva obra des d una perspectiva molt personal. Una conversa curatorial entre l'artista i les cocomissàries de l'exposició al MACBA i l IVAM (Nuria Enguita i Laura Vallés Vílchez) és l eix per anar desgranant les etapes de l'artista i la seva manera de treballar. La part final del llibre recopila projectes que Lanceta ha dut a terme amb altres artistes o institucions durant aquests últims anys (Olga Diego, els alumnes de l IES Miquel Tarradell de Barcelona –amb la col.laboració de Nicolas Malevé–, Virginia García del Pino, Pedro G. Romero, Xavier Salaberria, la Trinxera i Leire Vergara). El llibre l'han dissenyat els Hermanos Berenguer i es publiquen tres edicions: català, castellà i anglès.
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Con frecuencia, elegir el color adecuado nos sitúa frente a un dilema difícil de resolver. Sin embargo, los tonos que seleccionamospara los ambientes, la vestimenta, los objetos o los diseños son también una característica distintiva de nuestro estilo. C
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Introducció L'any 2002 el filòleg, folklorista i historiador de la tipografia Josep Maria Pujol (1947-2012), llavors professor del Màster de Tipografia Avançada de l'Escola de Disseny i Art Eina, em va obsequiar amb un opuscle autoeditat que recollia sis textos, traduïts per ell mateix de l'anglès i de l'alemany, que ara formen part del llibre que teniu a les mans. El va intitular 1803-1948: Les dues tipografies en referència a les dues maneres d'entendre la composició i l'ús de la tipografia que han influït en com componem encara avui la pàgina impresa. El primer text era la traducció de William Morris, seguit de la d'Iwan Tschichold, la de Stanley Morison, la de Max Bill —,juntament amb la resposta de Tschichold (ara amb el nom de Jan)—, i, finalment, la de Paul Renner. Pujol fou qui millor podria haver explicat la transcendència del debat entre els dos corrents aparentment contraris que han influït en la manera d'entendre la pàgina tipogràfica fins avui. La seva experiència pràctica i teòrica en aquest camp, així com el profund coneixement de les biografies dels autors, especialment de Morison i Tschichold, que són el pinyol de la qüestió, l'autoritzaven a explicar-nos aquesta disputa. De segur que ho hauria fet amb rigor i mesura, i amb l'erudició sense pedanteria i la sornegueria sense malícia que el caracteritzaven. Però només ens va deixar un recull que no es va publicar i al qual va posar un títol que parlava de tipografia. Publicar una obra a la segona dècada del segle XXI amb un títol com Les dues tipografies pot fàcilment confondre el lector. Quan parlem d'un “,tipògraf”,, depenent de l'època històrica, pot ser que sigui per referir-nos a un punxonista, a un impressor, a un componedor o, ja en el segle XX, a algú que no s'embrutava els dits com Morison, però que estudiava, assessorava o dirigia el disseny d'una nova lletra. Per aquesta mateixa època un tipògraf també passa a ser l'ofici que precedirà els actuals dissenyadors gràfics. Max Bill diu aquí mateix que “,la tipografia és el disseny de blocs de text”,. Però la realitat és que, avui en dia, quan sentim aquesta paraula, pensem inevitablement en algú que dissenya tipografies en una pantalla d'ordinador. Per aquesta raó preferim parlar de “,disseny de pàgina”, enlloc de “,tipografia”,. La pàgina és el tema de tots els textos, fins i tot el d'Eric Gill, que aporta el seu punt de vista sobre el llibre. La tipografia, naturalment, està també present en tots els articles, però el motiu que justifica aquesta obra és la manera com la fem servir i no tant la forma particular de la lletra. Hem fet aquest llibre per posar a l'abast del lector no només el debat entre les dues maneres de compondre la pàgina, sinó també quatre altres textos que esperem que ajudin a entendre com és la pàgina avui. No només la del llibre, també la del diari, la de la revista, la d'un web o la del cartell. Dels nous textos que s'han incorporat al conjunt que va recollir Josep Maria Pujol (“,Un llibre està fet per ser llegit”,, d'Eric Gill, “,La copa de cristall”,, de Beatrice Warde, “,Sobre la tipografia”,, de Herbert Bayer, i “,La retícula i la filosofia del disseny”,, de Josef Müller-Brockmann), el de Beatrice Warde és ja de lectura obligatòria a les escoles de disseny. L'anteriorment citat d'Eric Gill i el de Paul Renner, autors més coneguts avui pels seus dissenys de lletra, aporten aquí les seves opinions sobre com ha de ser l'espai de la pàgina. I per acabar hem volgut afegir un text no gaire conegut de Josef Müller-Brockmann, un apòstol del disseny reticular que ha influït en la manera de treballar en disseny gràfic. Esperem que la lectura d'aquesta tria serveixi no només per entendre millor com hem arribat fins aquí, sinó també per raonar com hauria de ser la pàgina del futur més enllà de les modes de cada moment.
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AN IMMERSIVE PHOTOGRAPHIC TOUR OF THE LEGENDARY HOTEL CHELSEA, WHOSE RESIDENTS SHARE THEIR SPACES, THEIR STORIES, AND A DELIRIOUS COLLECTIVE HISTORY OF THIS LANDMARK.Jackson Pollock, Robert Mapplethorpe, Patti Smith, Dylan Thomas, Arthur Miller, Bob Dylan, Arthur C. Clarke, Andy Warhol, William S. Burroughs, Janis Joplin, Eugene O’Neill, Rufus Wainwright, Betsey Johnson, R. Crumb, Thomas Wolfe, Jasper Johns—these are just a few of the figures who at one time occupied one of the most alluring and storied residences ever: the Chelsea Hotel. Born during the Gilded Age and once the tallest building in New York, the twelve-story landmark has long been a magnet for artists, writers, musicians, and cultural provocateurs of all stripes.In this book, photographer Colin Miller and writer Ray Mock intimately portray the enduring bohemian spirit of the Chelsea Hotel through interviews with nearly two dozen current residents and richly detailed photographs of their unique spaces. As documented in Miller’s abundant photographs, these apartments project the quirky decorating sensibilities of urban aesthetes who largely work in film, theater, and the visual arts, resulting in deliriously ornamental spaces with a kitschy edge. Weathering the overall homogenization of New York and the rapid transformation of the hotel itself—amid recent ownership changeovers and tenant lawsuits—residents remain in about seventy apartments while the rest of the units are converted to rentals (and revert to a hotel-stay basis, which had ceased in 2011).For the community of artists and intellectuals who remain, the uncertain status of the hotel is just another stage in a roller-coaster history. A fascinating portrait of a strand of resilient bohemian New Yorkers and their creative, deeply idiosyncratic homes, Hotel Chelsea is a rich visual and narrative document of a cultural destination as complicated as it is mythical.
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El interés por los tocadiscos y los discos está renaciendo a medida que los nativos analógicos y los nuevos conversos encuentran inimitable su estilo perdurable y su extraordinario sonido. Revolution, una continuación del amado Hi-Fi: The History of High-End Audio Design de Phaidon, explora el diseño y el impacto cultural del tocadiscos, el componente central del 'renacimiento del vinilo'. Un libro esencial para audiófilos, coleccionistas y fanáticos del diseño, Revolution muestra la fascinante historia de los tocadiscos y la tecnología de vinilo desde la década de 1950 hasta los diseños de vanguardia de la actualidad.Escrito por Schwartz, autor de Hi-Fi: The History of High-End Audio Design, experto en diseño de audio y apasionado de la música analógica, este libro incluye 300 ilustraciones del mundo de los tocadiscos, desde asequibles hasta de gama alta, y todo en el medio. Una adición esencial a la estantería para los nativos analógicos y los nuevos en el renacimiento del vinilo, así como para los amantes de la música y el diseño.
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Teresa Lanceta. Weaving as Open Source includes reproductions of an extensive body of woven pieces, canvases, paintings and drawings which, together with Lanceta s writings and impressions of her time in the Raval and of the long periods she spent in Morocco, reveal the artist s many facets and her career from the 1970s to the present day. It also features essays by the philosopher Miguel Morey, the author Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, the joint curator Laura Vallés Vílchez and the anthropologist Bert Flint talk, who about Lanceta and her work from a very personal perspective. A curatorial conversation between the artist and the joint curators of the exhibition at the MACBA and the IVAM (Nuria Enguita and Laura Vallés Vílchez) forms the core of this survey of the artist s approaches and periods of her work. The book closes with a compilation of projects that Lanceta has undertaken in recent years with other artists and institutions: Olga Diego, the pupils at IES Miquel Tarradell at Barcelona (in collaboration with Nicolas Malevé), Virginia García del Pino, Pedro G. Romero, Xavier Salaberria, La Trinxera and Leire Vergara. The book has been designed by Hermanos Berenguer and is published in three editions: Catalan, English and Spanish. Títte
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Iittala es un conocido globalmente maestro del diseño que produce objetos eternos y hermosos, pero sobre todo esenciales. Por primera vez se presenta el trabajo de diferentes décadas juntos para documentar el crecimiento de la compañía dinámicamente, desde sus comienzos como un taller de vidrio en un pueblo remoto a una de las marcas más reconocibles del mundo. Incluye el trabajo de diseñadores como Aino y Alvar Aalto, Kaj Franck, Alberto Meda, Alfredo Häberli, Ronan and Erwan Bouroullec, Jasper Morrison, Claesson Koivisto Rune, Cecilie Manz, Issey Miyake Studio, Konstantin Grcic, Antonio Citterio, y Marc Newson. La publicación coincide con una exposición en el museo del diseño de Helsinki en 2021
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Este libro recoge el trabajo de más de 20 profesionales entre diseñadores, profesores, arquitectos e historiadores, que explican la historia de 101 sillas. AnaDomínguez, Mauricio Wiesenthal, Rosina Gómez-Baeza,Isabel Campi o Daniel Giralt-Miracle repasan la historia de las sillas más famosas, de los diseños más vanguardistas y también de los más humildes. Un compediode anécdotas y relatos alrededor de la silla.
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Campgràfic
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Bilbao es una ciudad infinita y el poder de la imaginación nos hace infinitos. Así nos lo demuestra el artista Asier Sanz, quiennos propone un viaje por el mobiliario urbano de la ciudad a través de la imaginación sacando de la rutina a los objetos para descubrirsu lado mágico. Deja que tus sueños sean tus alas y podrás encontrarte por el Botxo con cohetes, cowboys,Mafalda, Dalí,Homer Simpson, Keith Richards y hastacon Terminator. Como decía Peter Pan, no dejes nuncade soñar, solo quien sueña aprende a volar.
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En tiempos en los que el oficio de tipógrafo todavía no había dado el salto hacia el diseño gráfico, los libros eran reconocibles por las reglas que la tradición convirtió en norma. Sin embargo, no todo es tradición. El movimiento reformista británico, encabezado por Stanley Morison, y la nueva tipografía de Jan Tschichold, actualizaron unos principios casi intocables desde Gutenberg. Esta es la razón que empujó al profesor José M. Pujol a cen- trar sus reflexiones en estos dos autores clave de la tipo- grafía moderna. Para ello actualizó el contexto social y cultural de dos ámbitos culturales, el británico y el cen- troeuropeo, que hasta tiempos muy recientes se habían erigido en fuentes donde saciaba su sed la tipografía del libro. Más allá de las normas, Pujol se ha adentrado en las razones que dan pie a la cultura libresca y editorial, que nadie debería perder de vista antes de lanzarse a transgredirla.Con este nuevo libro, complemento de Jan Tshichold y la tipografía moderna (Campgràfic), se actualiza el estudio de Josep M. Pujol que se publicó en 1998 como in- troducción a los Principios fundamentales de la tipografía y que hoy mantiene toda su vigencia como reflexión esencial para cualquier profesional o estudiante de diseño gráfico que se enfrente al diseño de un libro. Ya sea para seguir sus pautas, ya sea para transgredirlas.¿Cuáles, por qué y para qué se impusieron unas normas? Son preguntas que, según el profesor Pujol, solo pueden comprenderse conociendo el contexto social y los momentos históricos. Como también ocurre con las respuestas que este libro ofrece.
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Este es un libro de cine explicado mediante la magia visual del diseño gráfico o un libro de diseño gráfico explicado a través de la magia evocadora del cine, como prefieras. Un libro sobre las emociones, sobre los surcos indelebles que el cine ha de
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