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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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«Ya se ha estrenado El séptimo sello y estoy ocupado
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Mi querido actor: creo que lo primero que debo hacer
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Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título de Cuaderno de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perfilando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. «El valor de los cuadernos de trabajo no radica tanto en el emblemático nombre de Bergman, en que es el gran cineasta quien escribe acerca de sus películas, sino al contrario, creo yo, lo que ocurre en este libro ocurre por debajo del nombre, fuera de su alcance, y por tanto representa y muestra los procesos creativos per se: ¿Qué es crear? ¿Qué se precisa para crear? ¿Cómo abrir campo para una obra, cómo mantenerlo abierto, cómo ampliarlo? ¿En qué pensar, qué buscar?» (del prólogo de Karl Ove Knausgård).
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El miedo es un medio de transporte hacia la madurez. Por eso hemos fusionado dos universos: el cine y la literatura infantil. Esta antología no sólo es la novelización de algunos clásicos del género, es una lente para verlos desde un ángulo nuevo. Nos muestra que dentro de cada película hay una lección valiosa detrás de sus momentos más espeluznantes.
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El cine de Eloy de la Iglesia, el director maldito del cine español, revisado en un ensayo colectivo que repasa también las claves del género quinqui.Eloy de la Iglesia. El placer oculto del cine español nos aproxima a la trayectoria, vibrante y compleja, de uno de los directores más importantes de la Transición, responsable de títulos tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El pico o La estanquera de Vallecas. Mirado con desdén por la crítica de la época, que no le perdonó su ambición comercial, y reivindicado por las nuevas generaciones, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarnos a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.Este ensayo colectivo, coordinado por Carlos Barea, profundiza en los distintos aspectos que confluyen en las películas del cineasta vasco, donde la voluntad de provocación y el erotismo más crudo conviven con la intención de mostrar de manera realista los vaivenes políticos y las transformaciones sociales. Por su extensa filmografía desfilaron las estrellas del momento (Carmen Sevilla, Amparo Muñoz, Simón Andreu, Vicente Parra o José Sacristán, entre otros) y nuevos talentos sin experiencia ante la cámara (como José Luis Manzano, su actor fetiche).Homosexual y comunista, Eloy de la Iglesia contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba a la democracia pero que daba la espalda a una parte de la población. Entre los marginados se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero cinematográfico, o los integrantes del colectivo LGTB, a quienes dotó de una voz hasta entonces silenciada.
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Las series han protagonizado el que quizá sea el fenómeno cultural más importante del siglo xxi. No sólo por su calidad narrativa, sino también por su capacidad para involucrar emocionalmente a grandes audiencias globales. The Sopranos, The Wire, Lost, Mad Men, Breaking Bad, Game of Thrones, Stranger Things, Black Mirror o Euphoria son, además, obras fundamentales para entender la sociedad, la geopolítica o las industrias creativas de nuestra época. Son sólo diez de las cerca de doscientas series que analiza el crítico cultural Jorge Carrión en este libro. Al ensayo publicado por primera vez en 2011, que se convirtió enseguida en un título de referencia sobre la tercera edad de oro de la televisión, le ha añadido cien nuevas páginas en esta edición actualizada, ampliada y definitiva, que se puede leer como una lectura de conjunto de la ficción televisiva y como una guía para orientarse en ese fascinante universo.
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Entre los más felices recuerdos que las retinas de nuestra memoria guardan de la gran pantalla, muchos pertenecen al género musical. La alegría que sentimos viendo a Gene Kelly y su sonrisa infinita saltando entre esos charcos bajo una copiosa lluvia, la viva emoción que nos invade al contemplar el baile de Cyd Charisse y Fred Astaire en aquel Hyde Park nocturno con los rascacielos al fondo en The Band Wagon, el eléctrico y sensual garaje de West Side Story o el multitudinario baile de los conductores retenidos en la autovía al inicio de La La Land, son a la par, fuentes de placer y belleza. El género musical es, en muchos sentidos, la quintaesencia del cine. Este libro ofrece un recorrido distendido y, a veces, irreverente, por la historia del género, plagado de anécdotas curiosas, datos insospechados y descubrimientos sorprendentes, acompañados de numerosas y hermosas fotografías de los films.
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La danza es la más frágil y la más efímera de las artes, pues vive en el continuo movimiento de los cuerpos y se transmite únicamente a través de la memoria física y visual. Consciente de la importancia de contar y revisar su historia, y movida por la intención de fomentar el deseo de ver aquellas obras de las que trata, Ana Abad Carlés aborda en este libro un conciso pero completo recorrido cronológico en el que, sin olvidar en ningún momento evoluciones técnicas, obras escénicas e intérpretes, se dedica especial atención a los creadores de ayer y hoy que, iniciando y desarrollando nuevos principios coreográficos, consiguieron y han conseguido que la danza avance y refleje las inquietudes de su tiempo. Obra de lectura amena y rica en contenidos, esta nueva edición de la Historia del ballet y de la danza moderna no sólo actualiza fechas y contextos, sino que da cuenta de los importantes cambios relacionados con la danza que ha traído consigo la expansión de internet y con ella el acceso y la divulgación, insospechados hace sólo unos años, de contenidos tanto bibliográficos como visuales.
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Actualizado por el autor para la edición española, el presente atlas ofrece un panorama completo, detallado (con más de 10.000 referencias) y profusamente ilustrado (más de 250 tablas en color) de toda la historia del cine, desde sus comienzos a finales del siglo XIX hasta los inicios del presente. Tras un examen general de la situación de los diez últimos decenios, que recoge los principales descubrimientos tecnológicos, las escuelas (expresionismo, nueva ola, cine experimental...), corrientes y tendencias que han acompasado su evolución, cada cinematografía nacional se desarrolla siguiendo un discurso cronológico que tiene en cuenta el contexto, sociopolítico, económico y cultural. Un índice temático de las tablas ofrece útiles indicaciones y la posibilidad de leer la obra sólo a partir de la imagen. Por último, una bibliografía, un índice onomástico y uno de títulos complementan este Atlas que se dirige tanto a un neófito como a un cinéfilo experimentado.
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Cómo orquestar una comedia es un libro eminentemente práctico que con mucho humor ofrece al lector todos aquellos recursos imprescindibles para emprender la redacción de una comedia de forma eficaz, recursos que permiten eludir con garantía de éxito los obstáculos que a menudo se interponen en el desarrollo de situaciones cómicas.
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Peter Brook, director de teatro original y creativo, es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo. Este libro nos proporciona una absorvente visión del trabajo de Brook, mostrándonos qué pretende lograr a través del teatro, medio que ofrece, en su opinión, la más vívida metáfora de la vida misma.
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Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este segundo tomo pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de nuevas películas que complementan a las del primer tomo. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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El western producido en Hollywood a lo largo de las tres décadas comprendidas entre 1962 y 1992 constituye un bloque apasionante y muy peculiar en la historia del cine estadounidense. Sendas películas relevantes entrañan su proemio y epílogo respectivos: Duelo en la Alta Sierra (Sam Peckinpah, 1962) y Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). La primera tiende un puente entre el clasicismo moribundo y su reinterpretación crepuscular, de forma inconsciente, y la última encierra, de modo consciente, la despedida al género de uno de los cineastas emblemáticos de estos decenios (en su triple función de actor, director y productor).
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La fábrica de sueños de Hollywood atraviesa una pesadilla de restricciones. La cultura woke y sus políticas de identidad parecen enloquecer, estableciendo nuevas reglas que muchos ven como una lamentable pérdida de libertad. Las consignas se introducen en guiones y películas que pugnan por obtener un Oscar, y también en televisión, hasta constituir una verdadera revolución en el modo de mostrar sus contenidos.El galardonado crítico de cine Christian Toto analiza dónde se equivocó Hollywood, cómo se ha llevado a cabo ese proceso en la industria del cine y qué rayos de esperanza alberga el futuro.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores. George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas. Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
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Un viaje emocional por el cine y la televisión que han definido a toda una generación Hace menos de tres años parecía que el cine estaba muerto, que nadie volvería nunca a las salas, que las grandes estrellas no existían y que solo las películas de superhéroes eran viables económicamente. Y entonces llegó Barbie. Este es un recorrido personal -tan personal que es casi universal- por la historia más reciente del cine, y en particular del cine palomitero, ese cine comercial, orgulloso de serlo, que ha moldeado nuestro imaginario colectivo. Un mundo de dinosaurios, naves galácticas, agentes secretos y sirenas que Alberto empezó viendo primero desde el sofá de casa para poco a poco adentrarse en él profesionalmente. El libro se inmiscuye en rodajes de series y películas, en junkets de prensa, fiestas y premios que, junto a las mismas películas que luego vemos en la sala, configuran un universo que mezcla ficción y realidad y del que ningún peliculero podrá escapar nunca.
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Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, un método llamado Rítmica.Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.
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Las ideas de Gordon Craig estaban muy por delante de su tiempo. Creía en el director escénico como el creador definitivo, que debía dar unidad a las puestas en escena. Propuso un arte del teatro en el que la realidad, en lugar de ser reproducida miméticamente, sería revelada y desentrañada por las alegorías. Creó el concepto del actor como supermarioneta, cuyas acciones no tendrían que estar motivadas psicológicamente, sino que deberían ser simbólicas. El actor debe ser como una máscara para que el público termine de dilucidar. La supermarioneta propuesta por Gordon Craig es un concepto teórico, una figura ideal que sirve como modelo de sugerencia estética que permite una nueva mirada sobre el trabajo del actor. Y las reflexiones que sirven de base para la formulación de dicha figura abren, todavía hoy en día, un enorme y riquísimo campo de experimentación en el arte del teatro que no debería ser desaprovechado por los creadores. Las ideas de Gordon Craig respecto del culto de la personalidad del actor y su crítica radical del realismo tienen enorme significación hoy, cuando el arte del teatro muchas veces
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El libro de la serie Reina Roja, el fenómeno audiovisual del año. Con epílogo de Juan Gómez-Jurado y en colaboración con Prime Video. Descubre el proceso de creación de la adaptación audiovisual del best seller de Juan Gómez-Jurado. Con un epílogo del propio autor, estas páginas recopilan material exclusivo del making off de la serie: desde fotografías inéditas del rodaje, storyboards, fotogramas y declaraciones de los creadores y los actores hasta curiosidades sobre los efectos especiales o el desglose de las escenas más icónicas. «Nuestra serie -porque ahora también es tuya- es un desafío a lo que otros dicen que es posible, una oda a la inteligencia, una carcajada en el rostro de la muerte, un aplauso al amor incondicional. Porque así son Antonia y Jon. Y nunca los verás mejor ni más fielmente plasmados que habitando la piel de Hovik y Vicky. Ni mejor contados que por Koldo Serra. Estas páginas son testimonio de cinco años de trabajo narrando el amor». JUAN GÓMEZ-JURADO
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El libro realiza un minucioso estudio del Cine Negro clásico americano (desde 1930 a 1960) a través del análisis de las 60 películas más importantes del género según su autor, tratadas de manera independiente cada una de ellas.¿A quién va dirigido el libro El cine negro. 3ª edición?Este libro está dirigido a aficionados al cine, estudiantes de cine, investigadores del género negro y a cualquier persona interesada en la historia y el análisis del cine clásico americano. Su enfoque detallado y exhaustivo lo hace adecuado tanto para lectores con conocimientos previos sobre el cine negro como para aquellos que se acercan al género por primera vez. La profundidad del análisis y la cantidad de información proporcionada lo convierten en una obra de referencia para estudiosos y apasionados del tema.Temas que trata el libro El cine negro. 3ª ediciónEl libro El cine negro. 3ª edición realiza un estudio profundo del cine negro clásico americano, abarcando el periodo comprendido entre 1930 y 1960. Se centra en el análisis de sesenta películas consideradas como las más representativas e influyentes del género. El análisis no se limita a una simple descripción de las tramas, sino que profundiza en diversos aspectos:Análisis de la producción: Se examinan los procesos de producción de cada una de las películas, incluyendo detalles sobre la realización, los equipos de trabajo y las circunstancias de su creación.Análisis visual: Se presta especial atención al análisis de las imágenes y la estética visual característica del cine negro, explorando la composición, la iluminación y otros elementos visuales que contribuyen a la atmósfera del género.Análisis de personajes: Se estudian los personajes, sus motivaciones y su papel dentro de la narrativa, profundizando en la psicología de los protagonistas y antagonistas.Contexto histórico y social: Se contextualiza el cine negro dentro del marco histórico y social de la época, explorando las influencias culturales y políticas que moldearon el género.Evolución del género: Se analiza la evolución del cine negro a lo largo de las décadas de 1940 y 1950, identificando las tendencias y cambios estilísticos que se produjeron.Influencia y legado: Se explora la influencia del cine negro en la cultura popular y su legado en el cine posterior.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El cine negro. 3ª ediciónAún no hay opiniones o críticas sobre El cine negro. 3ª edición.
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Su Friedrich es una de las figuras centrales del cine de vanguardia estadounidense. Scott MacDonald, periodista y profesor, lleva más de cuatro décadas escribiendo sobre Friedrich. Comenzaron a charlar en 1986. Décadas más tarde retomaron sus entrevistas, produciendo un documento inédito hasta esta publicación.Las preguntas de MacDonald se atienen a lo más concreto. Friedrich se explica con lucidez y desenvoltura, su conversación revela una extraordinaria voluntad de vincular con precisión imágenes y palabras, al igual que ocurre en su cine, un trabajo documental (primero en 16 mm y blanco y negro, después en vídeo y color) que se ha desarrollado en paralelo a su biografía, y en el que ha abordado su sexualidad, batallas de género (personales y sociales), la relación con los padres, la salud (física y mental), la pareja, la gentrificación de su barrio o el envejecimiento (de los demás y el propio).
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Un libro para entender a los famosos y sus escándalos con humor e ironía.Este libro, entre el sarcasmo y la crítica, disecciona los comportamientos de las estrellas para explicar cómo funciona la fama. El autor analiza los episodios más mediáticos del momento, como el embarazo de Ana Obregón, los orígenes de la familia Beckham o las excentricidades de Kanye West. ¿Es la humildad de Rafael Nadal una estrategia? ¿Taylor Swift cambia de personalidad para vender sus álbumes? Preguntas que tienen respuesta cuando entendemos que la fama es la consecuencia de un consumo: el espectador es quien concede y arrebata la popularidad.
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Ampliamente considerado desde el momento de su publicación como uno de los mejores estudios jamás escritos sobre el cine y la cultura del horror, ''Monster Show'' indaga de manera provocadora y reflexiva en la obsesión de nuestra sociedad con lo macabro. Esta edición conmemorativa del 30 aniversario incluye un nuevo prólogo escrito para la ocasión por David J. Skal y decenas de ilustraciones adicionales. Iluminando el lado oscuro de la historia reciente de Estados Unidos, ''Monster Show'' rastrea los sorprendentes vínculos entre los entretenimientos terroríficos y las grandes crisis sociales de nuestro tiempo, así como la función del horror como contrapartida del surrealismo, el expresionismo y otros movimientos artísticos del siglo XX en el campo de la cultura popular. Armado con una penetrante capacidad de análisis y un sinfín de anécdotas, David J. Skal explora diversos ámbitos de la expresión cultural: de la pintura, la fotografía y los cómics a la televisión, el teatro y la música. Centrándose en última instancia en el cine, Skal examina los modos en que el arte popular predominante durante estos últimos cien años ha reflejado los traumas de dos guerras mundiales y una Gran Depresión, las visiones de desmesura atómica, invasión y control mental engendradas por la Guerra Fría, la moda de los efectos especiales capaces de distorsionar el cuerpo que se desarrolló en paralelo con la obsesión por la cirugía plástica, y el vínculo entre la epidemia del SIDA y una renovada fascinación por el vampirismo, entre muchos otros temas.
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Las grandes divas del cine clásico de Hollywood vistas a través de los impresionantes dibujos del ilustrador Alejandro Mogollo.Alejandro Mogollo sabe captar los gestos, las miradas y las expresiones de las grandes actrices del Hollywood clásico con gran precisión y preciosismo.Este libro presenta una selección de sus mejores dibujos, con una estética y colorido tan fascinantes que representan en sí mismos la esencia del glamour hollywoodiense.
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Combina la información última, el modelo preciso y el dato burocrático imprescindible con la reflexión y la sentencia práctica sobre la empresa teatral española.Desde la responsabilidad de programar tres teatros y dirigir el Festival de Mérida, Jesús Cimarro comparte su experiencia y conocimientos para exponer y analizar elementos y factores fundamentales de la actual escena española: modelos actuales de empresas teatrales, la producción de iniciativa pública y privada, ayudas públicas y subvenciones, incentivos fiscales, convenios colectivos, tipos de contrato, patrocinio y esponsorización, marketing y nuevas técnicas y canales de promoción y venta, redes y circuitos de distribución, asociaciones del sector...
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En el escenario y en la pantalla reconocemos una gran actuación cuando la vemos. Pero, ¿cómo consiguen los actores convertirse en arte?, y ¿cómo logran conferir a la fantasía la apariencia de lo real? Hace más de un siglo, uno de los directores de teatro con más talento de todos los tiempos, Constantin Stanislavski, se planteó estas preguntas y propuso múltiples respuestas que, desde 1930 y durante más de medio siglo, fueron interpretadas y adoptadas en Estados Unidos, una nación que todavía no había encontrado su voz como potencia artística.Los creadores del Método formarían a generaciones de actores. El Método ayudaría a algunos, pero destruiría a otros. James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Paul Newman, Kim Stanley, Dustin Hoffman, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Al Pacino..., son algunos de los artistas formados en el Método, o contra el Método, que consiguieron que Hollywood se convirtiera en la fábrica de sueños global que es hoy en día.Saltando a la perfección entre los puntos de vista de los personajes, mientras relata sus vidas y sus épocas, el crítico y director de teatro Isaac Butler explica la biografía del Método como nunca antes se había hecho, en una narración que transporta a los lectores de Moscú a Nueva York y Los Ángeles, de La gaviota de Chéjov a Un tranvía llamado Deseo de Tennessee Williams, de La ley del silencio de Marlon Brando, a Toro salvaje y El Padrino.
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En el 60 aniversario del film La gran evasión, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: Los hechos reales, la novela original. los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En 1982, Conan, el icónico antihéroe literario de Robert E. Howard, se abrió paso a espadazo limpio desde la página impresa hasta la gran pantalla tras un accidentado periplo de décadas. Con su potente combinación de épicas panorámicas y sangrientas batallas, Conan el Bárbaro entusiasmó a los espectadores de todo el mundo e hizo despegar la carrera cinematográfica de Arnold Schwarzenegger. Cuarenta años después de su estreno, este clásico de culto es objeto de celebración en Conan el Bárbaro: La historia oficial de la película, un lujoso volumen en el que se relata la historia completa de cómo se hizo el filme. Entrevistas nuevas con el reparto y el equipo artístico y técnico, ade- más de numerosas fotografías del rodaje, detrás de las cámaras y en los escenarios naturales, así como una cobertura visual completa de los ambiciosos sets construidos y todo el arte conceptual creado por el equipo de producción nos proporcionan una mirada privilegiada y fascinante del desarrollo de uno de los largometrajes fantásticos más venerados de los años 80.
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¡NUEVA EDICIÓN ACTUALIZADA Y AMPLIADA! y leyendas sobre ángeles y demonios, virus informáticos, teorías filosóficas sobre la corrupción del hombre…Sobre todo esto se ha forjado el complejo universo de la mítica serie Digimon. En este libro recorreremos todos los mundos de este universo, saga tras saga, con fichas de los personajes, desde Adventure a Frontier pasando por la reciente Adventure Tri. Enemigos, escenarios inolvidables o los videojuegos tienen su lugar en esta guía, la más ambiciosa y completa sobre la serie que marcó a toda una generación, y que aún lo sigue haciendo.
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Entendiendo el cine como una potente herramienta para la producción y la reproducción de la realidad social, las Ciencias Sociales y las Humanidades se han interesado por cómo las representaciones cinematográficas muestran las migraciones y personifican a las personas migrantes. En este sentido, la literatura académica es muy importante, en especial desde el campo de los estudios culturales y literarios, pero no solo. Y aunque en España no existe una arraigada tradición si se han dado un número importante de estudios y contamos ya con algunas personas académicas que podríamos considerar especialistas. Pero el cine español de migraciones se ha estudiado, sobre todo, fuera de España y en especial en el mundo anglosajón. Este libro viene a cubrir esta laguna de producción académica. El objetivo ha sido reunir textos diversos sobre la temática de cine y migraciones especialmente centrados en España. El conjunto de textos está organizado en tres partes: la imagen de las migraciones en diversos soportes: cine documental, literatura y audiovisuales en general.
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Este libro nos asoma al abismo de una obra de arte que jamás dejará de acompañarnos.Pocas películas han generado tanta literatura como Vértigo: recibida con tibieza en el momento de su estreno y votada hoy como una de las mejores de la historia, la obra cumbre de Alfred Hitchcock no solo ha cautivado a sucesivas generaciones de espectadores, sino que ha dado lugar a una rica discusión filosófica y servido como vehículo para el desarrollo de la disciplina académica de la teoría fílmica. Nombres ilustres como el del filósofo Eugenio Trías, que estudió la relación entre lo bello y lo siniestro, se vinculan a ella. Siempre controvertida, Vértigo se resiste a sus intérpretes: poseedora de una belleza intoxicante, proporciona una experiencia estética inolvidable y se presta a múltiples significados. Ficción fatal renueva el debate sobre el filme.
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Desde Harry Potter contra Draco Malfoy hasta Albus Dumbledore contra Credence Barebone, estos dinámicos duelos forman algunas de las escenas más emocionantes de las películas del Mundo Mágico. Este álbum ricamente ilustrado ofrece descripciones detalladas de las muchas escaramuzas hechizantes del mundo mágico, incluyendo la de Harry Potter contra Lord Voldemort, Molly Weasley contra Bellatrix Lestrange, Albus Dumbledore contra Gellert Grindelwald, y docenas más. Lleno de secretos del oficio cinematográfico y como celebración de los artistas visionarios detrás de las películas del Mundo Mágico, este volumen singular hace cobrar vida a los duelos de las películas como nunca antes. Lleno de extras, entre ellos adhesivos, pósteres, facsímiles y mucho más, Harry Potter: Duelos de magos: Un álbum de las películas es una pieza de coleccionista obligada para los fans del Mundo Mágico.
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En el período 1963-1975 la sociedad española vivirá una tímida apertura aunque seguirá deseando integrarse en la pujante Europa comunitaria y democrática, hecho que no llegará hasta finales de 1985. El cine impulsado con la fórmula de la coproducción fue un fiel espejo de estos vientos de cambio -apenas una brisa- de la raquítica industria cinematográfica española: otra mirada al exterior que hará tornar el blanco y negro en tímidos colores. Son los años del mítico 600, de las turistas en bikini, del auge del electrodoméstico y de las chicas yeyé. Es la época de esplendor del cine de género en España: western mediterráneo, fantaterror, thrillers aderezados con espías internacionales, cine bélico, comedias con aires pop, cine de barrio, de programa doble, construido con otros países vecinos buscando un mercado más global con un sello más europeo. Once especialistas procedentes de diferentes campos, con una marcada presencia del sello Film-Història asociado a autores como José María Caparrós, Rafael de España o Magí Crusells se acercan en este primer volumen a esas películas hechas en ocasiones con medios precarios, pero con una ilusión y amor al cine a prueba de bombas. Junto a un cine de corte más intelectual encontramos uno más popular, que inundó las plateas de los cines españoles, más tarde fue carne de videoclub y ha acabado teniendo una buena legión de seguidores. Esta obra nace con la intención de contextualizar esas películas y reivindicar a una serie de directores, técnicos, actores y más de 1500 títulos que forman parte de la Historia de nuestro cine y que merecen algo más que el menosprecio o el olvido.
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Tiempos de cine es una articulación de escritos sobre películas del autor durante los últimos seis años. En él hay mucho cine, algo de reflexión, pero, sobre todo, vida.Este libro puede ser leído de muchas maneras. Proponemos tomarlo como una guía, la tarea concienzuda de un prescriptor, de alguien que va abriendo las puertas de algunas de las mejores películas que constituyen el cine contemporáneo, fijando la atención en aquellos detalles que no debemos dejar pasar por alto.
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