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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Entre los más felices recuerdos que las retinas de nuestra memoria guardan de la gran pantalla, muchos pertenecen al género musical. La alegría que sentimos viendo a Gene Kelly y su sonrisa infinita saltando entre esos charcos bajo una copiosa lluvia, la viva emoción que nos invade al contemplar el baile de Cyd Charisse y Fred Astaire en aquel Hyde Park nocturno con los rascacielos al fondo en The Band Wagon, el eléctrico y sensual garaje de West Side Story o el multitudinario baile de los conductores retenidos en la autovía al inicio de La La Land, son a la par, fuentes de placer y belleza. El género musical es, en muchos sentidos, la quintaesencia del cine. Este libro ofrece un recorrido distendido y, a veces, irreverente, por la historia del género, plagado de anécdotas curiosas, datos insospechados y descubrimientos sorprendentes, acompañados de numerosas y hermosas fotografías de los films.
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La danza es la más frágil y la más efímera de las artes, pues vive en el continuo movimiento de los cuerpos y se transmite únicamente a través de la memoria física y visual. Consciente de la importancia de contar y revisar su historia, y movida por la intención de fomentar el deseo de ver aquellas obras de las que trata, Ana Abad Carlés aborda en este libro un conciso pero completo recorrido cronológico en el que, sin olvidar en ningún momento evoluciones técnicas, obras escénicas e intérpretes, se dedica especial atención a los creadores de ayer y hoy que, iniciando y desarrollando nuevos principios coreográficos, consiguieron y han conseguido que la danza avance y refleje las inquietudes de su tiempo. Obra de lectura amena y rica en contenidos, esta nueva edición de la Historia del ballet y de la danza moderna no sólo actualiza fechas y contextos, sino que da cuenta de los importantes cambios relacionados con la danza que ha traído consigo la expansión de internet y con ella el acceso y la divulgación, insospechados hace sólo unos años, de contenidos tanto bibliográficos como visuales.
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Actualizado por el autor para la edición española, el presente atlas ofrece un panorama completo, detallado (con más de 10.000 referencias) y profusamente ilustrado (más de 250 tablas en color) de toda la historia del cine, desde sus comienzos a finales del siglo XIX hasta los inicios del presente. Tras un examen general de la situación de los diez últimos decenios, que recoge los principales descubrimientos tecnológicos, las escuelas (expresionismo, nueva ola, cine experimental...), corrientes y tendencias que han acompasado su evolución, cada cinematografía nacional se desarrolla siguiendo un discurso cronológico que tiene en cuenta el contexto, sociopolítico, económico y cultural. Un índice temático de las tablas ofrece útiles indicaciones y la posibilidad de leer la obra sólo a partir de la imagen. Por último, una bibliografía, un índice onomástico y uno de títulos complementan este Atlas que se dirige tanto a un neófito como a un cinéfilo experimentado.
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Peter Brook, director de teatro original y creativo, es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo. Este libro nos proporciona una absorvente visión del trabajo de Brook, mostrándonos qué pretende lograr a través del teatro, medio que ofrece, en su opinión, la más vívida metáfora de la vida misma.
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L'art de l'escenificació
Aquest és alhora un assaig sobre la creació artística i un estudi sobre els principis tècnics, ètics i estètics de la direcció d'escena. Amb vocació divulgativa, l'autor proposa respostes a les preguntes que es fa qui vol ser director o directora teatral: què cal fer i saber? És un art o un ofici? Es pot parlar d'uns fonaments sòlids de l'art de l'escenificació? Pouant en la seva experiència com a artista de l'escena i com a pedagog, Ramon Simó ens ofereix un viatge que, partint d'una reflexió crítica sobre el concepte d'escenificació, fonamenta històricament i amb l'aportació de diverses teories i tècniques teatrals, literàries o científiques, una manera de fer, uns procediments, una metodologia, sense cap voluntat de convertir-la en un manual de validesa universal.
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Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Paolo Sorrentino, Luchino Visconti, Marco Bellocchio, Giuseppe Tornatore, Ettore Scola, Nanni Moretti.Entre los escombros de la Segunda Guerra Mundial, Italia dio a luz uno de los períodos más importantes e influyentes de la historia del séptimo arte. La profunda crisis de las sociedades occidentales encontró en la obra de una nueva generación de cineastas una forma de expresión emancipada de los esquemas tradicionales de trama, personaje y conflicto característicos de las producciones de los grandes estudios. Un cine sofisticado y comprometido que encontró en el valor poético de la imagen y el sonido el medio privilegiado para posicionarse frente a un mundo en transformación.Mediante el análisis de los recursos narrativos y cinematográficos utilizados en grandes hitos del cine italiano como La dolce vita, Viaje en Italia o La muerte en Venecia, y la vida y obra de sus grandes cineastas, Gustavo Provitina construye un ensayo sobre los matices con que el arte supo devolverle al mundo su soledad, su frivolidad y su individualismo: los devenires trágicos y cómicos de la vida moderna.
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El gran homenaje al cineasta más famoso de todos los tiempos.Las películas de Spielberg son célebres y han cautivado a millones de espectadores por la forma en que combinan el aspecto comercial con la profundidad creativa del director. A menudo sus filmes ocultan un cierto trasfondo oscuro que se complementa con su maestría para entrelazar historias extraordinarias con los aspectos más mundanos de la vida. Y esque hasta Indiana Jones tiene un lado vulnerable y humano. La inmensa trayectoria de Steven Spielberg está repleta de grandes colaboraciones: desde George Lucas hasta John Williams, pasando por una infinidad de auténticas leyendas del cine en cada una de las fases de realización de sus películas. Nombres que lo han acompañado fielmente a lo largo de, por ejemplo, la accidentada producción de Tiburón, el éxito revolucionario de Parque Jurásico o las conmovedoras narraciones de La lista de Schindler o Salvar al soldado Ryan. A pesar de sus grandes éxitos profesionales como E.T., el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase, El color púrpura, Minority Report o la impresionante saga de Parque jurásico, sus inolvidables películas reflejan una constante búsqueda personal de aprobación, tanto por parte de su entorno, como también de sus colegas. Y es que para entender su trabajo debemos ver más allá de la superficie de sus narraciones y comprender de dónde vienen sus fuentes de inspiración, sus interpretaciones llenas de matices y las temáticas recurrentes de su filmografía. El reconocido periodista cinematográfico Ian Nathan recorre con gran destreza y detalle la monumental trayectoria de Spielberg, destacando por encima de todo sus inmensas cualidades artísticas atemporales y revela las múltiples e intrincadas capas de su extraordinaria filmografía.
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El homenaje oficial al personaje más conocido y querido de Disney.«Solo espero que nunca perdamos de vista una cosa: que todo esto lo empezó un ratón.»Walt Disney Tras sus modestos inicios en 1928, este ratón creado por Walt Disney se ha convertido en uno de los personajes más conocidos y queridos. Descubre los dibujos, acetatos y obras de arte de la original exposición Mickey Mouse: From Walt to the World de The Walt Disney Family Museum. El diseño de Mickey. Muestra cómo Walt creó y perfeccionó a su famoso ratón, y repasa el trabajo de otros artistas que construyeron Disney, como Ub Iwerks y Fred Moore. Mickey en el cine. Explora su dilatada carrera cinematográfica desde sus humildes inicios en Barco de vapor Willie (1928) hasta la gran obra de arte que es Fantasía (1940) y muchas otras películas, tanto cortometrajes clásicos como tesoros olvidados. Mickey en los cómics. Ilustra el trabajo de Walt para llevar a Mickey de la gran pantalla a los periódicos con la ayuda de Ub Iwerks y las tiras cómicas que se publicaron en todo el mundo. El merchandise de Mickey. Presenta las muchas reproducciones del personaje por todo el mundo como muñeco de trapo o figurita, en relojes de pulsera, platos, pañuelos y mucho más. Mickey en el arte. Ofrece una muestra de las obras de arte creadas por artistas de la talla de Andy Warhol y Damien Hirst, además de nuevas obras de la ilustradora de Disney Lorelay Bové y el muralista de San Francisco Sirron Norris, e ilustra cómo estos artistas y otros han intentado retratar a Mickey, ese símbolo íntegro de la felicidad y la nostalgia, inseparable del espíritu estadounidense, el ingenio y el éxito.
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Un ensayo sobre los viajes temporales más populares.Los viajes en el tiempo siempre nos han fascinado. Todos nos hemos imaginado realizando uno para poder cambiar los acontecimientos de nuestra vida. Con un análisis de La máquina del tiempo de H.G. Wells y la película que la adaptó, El tiempo en sus manos, como piedra angular, en este ensayo encontrarás variados viajes en el tiempo en el cine, la literatura, los cómics y muchos otros ámbitos. Llegando también a las teorías de los más afamados científicos o las leyendas urbanas más populares. Adéntrate con este libro en un universo infinito y sorprendente de viajes temporales de todo tipo
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Pensado para que el guionista lo tenga siempre a mano, El estándar de Hollywood proporciona mucho más que el mejor software de guiones: instrucciones claras y cientos de ejemplos para resolver todo interrogante sobre el formato: - cuándo es apropiado un nuevo encabezamiento de plano y cuándo no, - cómo dar formato a los encabezamientos de plano, diálogos, indicaciones de dirección y transiciones, - cómo controlar el ritmo con el formato, - cómo hacer que una página de guion resulte visualmente atractiva para el lector, - qué poner en mayúsculas y por qué, - cómo entrar y salir de una toma PDV, - cómo manejar los mensajes de texto y las reuniones Zoom, - cómo los guionistas más innovadores de Hollywood están ampliando los límites del formato, - cómo el formato para animación difiere de los formatos de acción real... En pocas palabras, Riley sabe más que nadie en Hollywood sobre el formato de guiones y lo comparte todo en esta guía indispensable.
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David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka y Burroughs.
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Norman McLaren dijo que «la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino el arte de los movimientos que se dibujan. Lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma». ¿Qué veríamos, pues, si pudiéramos parar el tiempo entre fotograma y fotograma? ¿Cómo se manipulan estos intersticios invisibles, esta otra dimensión paralela a las imágenes? Elena Duque, cineasta y profesora especializada en animación experimental nos propone un recorrido que empieza en la primera década del siglo XX, con los primeros estudios de animación, y nos lleva hacia el trabajo de la animación experimental analógica a través del análisis de una serie de películas creadas por artistas de reconocimiento internacional.
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Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el siglo XX vistos a través de las películas que nos han marcado. Una celebración del cine y la cultura popular española.El trasfondo de un país de la complejidad de España ha sido objeto de apasionados debates que arreciaron durante el zarandeado siglo XX, cuando se lo consideró un «enigma histórico», un «laberinto» o algo «invertebrado». Pero bajo tantos quiebros identitarios aún podían reconocerse continuidades tan llamativas como la vitalidad de su cultura popular, incluso tras la llegada del cine, que la rearticuló de abajo arriba, asistido por la industrialización del ocio y el consumo de masas. A la altura de los años sesenta del pasado siglo, las mutaciones eran de tal calibre que lo popular se había convertido en pop, estableciendo un nuevo pacto que la llegada de la democracia tradujo dos décadas después en productos tan inclasificables como las películas de Almodóvar. Un realizador que tras su audaz vanguardismo terminaría mostrando un hondo enraizamiento en tradiciones de tanto recorrido como el sainete, ya actualizado en la filmografía de Berlanga. No son los únicos ejemplos de ese sustrato autóctono atendidos por este libro. En sus páginas se narran muchos otros, trazando una crónica dramática o desenfadada, siempre fascinante de sus aspectos más insólitos o significativos. Se exploran así nuevas perspectivas sobre el cine, la intrahistoria española y su vida cotidiana, revelando sorprendentes atavismos agazapados en nuestro irreductible imaginario colectivo.
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«Ya se ha estrenado El séptimo sello y estoy ocupado
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Mi querido actor: creo que lo primero que debo hacer
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Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título de Cuaderno de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perfilando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. «El valor de los cuadernos de trabajo no radica tanto en el emblemático nombre de Bergman, en que es el gran cineasta quien escribe acerca de sus películas, sino al contrario, creo yo, lo que ocurre en este libro ocurre por debajo del nombre, fuera de su alcance, y por tanto representa y muestra los procesos creativos per se: ¿Qué es crear? ¿Qué se precisa para crear? ¿Cómo abrir campo para una obra, cómo mantenerlo abierto, cómo ampliarlo? ¿En qué pensar, qué buscar?» (del prólogo de Karl Ove Knausgård).
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El miedo es un medio de transporte hacia la madurez. Por eso hemos fusionado dos universos: el cine y la literatura infantil. Esta antología no sólo es la novelización de algunos clásicos del género, es una lente para verlos desde un ángulo nuevo. Nos muestra que dentro de cada película hay una lección valiosa detrás de sus momentos más espeluznantes.
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El cine de Eloy de la Iglesia, el director maldito del cine español, revisado en un ensayo colectivo que repasa también las claves del género quinqui.Eloy de la Iglesia. El placer oculto del cine español nos aproxima a la trayectoria, vibrante y compleja, de uno de los directores más importantes de la Transición, responsable de títulos tan populares como El techo de cristal, La semana del asesino, El diputado, El pico o La estanquera de Vallecas. Mirado con desdén por la crítica de la época, que no le perdonó su ambición comercial, y reivindicado por las nuevas generaciones, la figura de Eloy de la Iglesia es fundamental para acercarnos a una de las etapas más convulsas de nuestra historia reciente.Este ensayo colectivo, coordinado por Carlos Barea, profundiza en los distintos aspectos que confluyen en las películas del cineasta vasco, donde la voluntad de provocación y el erotismo más crudo conviven con la intención de mostrar de manera realista los vaivenes políticos y las transformaciones sociales. Por su extensa filmografía desfilaron las estrellas del momento (Carmen Sevilla, Amparo Muñoz, Simón Andreu, Vicente Parra o José Sacristán, entre otros) y nuevos talentos sin experiencia ante la cámara (como José Luis Manzano, su actor fetiche).Homosexual y comunista, Eloy de la Iglesia contribuyó decisivamente a retratar las luces y, sobre todo, las sombras de un país que despertaba a la democracia pero que daba la espalda a una parte de la población. Entre los marginados se hallaban los denominados quinquis, que dieron nombre al exitoso subgénero cinematográfico, o los integrantes del colectivo LGTB, a quienes dotó de una voz hasta entonces silenciada.
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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Las series han protagonizado el que quizá sea el fenómeno cultural más importante del siglo xxi. No sólo por su calidad narrativa, sino también por su capacidad para involucrar emocionalmente a grandes audiencias globales. The Sopranos, The Wire, Lost, Mad Men, Breaking Bad, Game of Thrones, Stranger Things, Black Mirror o Euphoria son, además, obras fundamentales para entender la sociedad, la geopolítica o las industrias creativas de nuestra época. Son sólo diez de las cerca de doscientas series que analiza el crítico cultural Jorge Carrión en este libro. Al ensayo publicado por primera vez en 2011, que se convirtió enseguida en un título de referencia sobre la tercera edad de oro de la televisión, le ha añadido cien nuevas páginas en esta edición actualizada, ampliada y definitiva, que se puede leer como una lectura de conjunto de la ficción televisiva y como una guía para orientarse en ese fascinante universo.
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La comedia de situación es el formato cómico por excelencia en la ficción televisiva anglosajona debido aque su estructura no ha cambiado apenas nada desde sucreación en los años cincuenta. Con este formato hemosdisfrutado de grandes series como Cheers, Frasier,Seinfeld, Friends o The Big Bang Theory. Pero, a finales del siglo pasado fue emergiendo poco a poco unacomedia diferente, tanto en el fondo como en la forma, una comedia que, obviando las reglas clásicas y enfrentando temas novedosos, ha producido una revoluciónen el humor televisivo. The Office, Community, Girls, Atlanta, Veep, Orange Is the New Black, Transparent, Master of None o Fleabag son algunas de las nuevasy revolucionarias series. El libro es un repaso por la historia de las sitcoms y un análisis de las seriesmás destacadas, para identificar las diferencias entre losdos formatos y conocer mejor los cambios que ha sufrido la ficción cómica en los últimos años.
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El libro se centra en esta nueva televisión de ficción, que desde los 80 crea una segunda edad dorada de la televisión. Series como Hill Street Blues, Los Soprano, Breaking Bad, Homeland,revolucionaron la televisión y marcaron el horizonte de lo que vemos hoy en las producciones de HBO, Showtime o Netflix
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Alicia descubre el sentido de la vida viajando, volviendo a los mismos lugares, pero con otra mirada. Este libro debe entenderse como un viaje. Uno sube, toma asiento y disfruta del paisaje sin prisa por llegar a su destino. Simplemente hay que dejarse llevar, meciéndose en las olas del Mar del Norte.
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Ya sea con vampiros, fantasmas, hombres lobo, científicos locos, satanistas o psicópatas asesinos en serie, la liberación catártica que supone dar rienda suelta a una de nuestras emociones más primarias como es el miedo ha estado presente en nuestra cultura desde Shakespeare hasta los memes de internet. Este libroexamina los rostros cambiantes del género hasta hoyy cómo se ha utilizado el horror para articular los temores y tabúes de cada generación.
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Después de publicar el exitoso libro Los lugares del terror, Enrique Agudo vuelve de nuevo su mirada al cine, a loscómics y a los videojuegos para adentrarse en los tenebrosos pantanos en los que la muerte acecha. Si en aquel primerlibro sus referentes eran la ciudad y la periferia, en esta ocasión el terror nos espera en castillos y bosques tenebrosos, encampamentos de verano sangrientos o en apacibles casas junto a un lago en el que no puede verse el fondo.Este libro está repleto de miedos que la cultura popular ha ido cosechando a lo largo del tiempo, terrores que esperanen el fondo de un pozo en Japón, en la granja de los Sawyer en Texas o en una estación polar en la Antártida. Atrévetea entrar en la alcantarilla donde se alimenta It, acompaña a los chicos de Stranger Things al mundo del revés, o intentamantenerte lejos de la Wonder Woman zombi de DCsos. Elige tu muerte favorita, antes de que ella te elija a ti.
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Hollywood produjo en 1941 un buen puñado de grandes películas. Con muchos de los mejores directores de la Historia en activo, y gran parte del Star System en pleno apogeo, la cosecha fue realmente prodigiosa. Este libro recoge los grandes estrenos de aquel año,uno por uno, acompañado de un gran despliegue gráfico.
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Hollywood es glamour: alfombras rojas, grandes marquesinas, entregas de premios, estudios cinematográficos tan grandes como ciudades, estrellas que se convierten en leyendas, y un universo de películas eternas. Pero también es el escenario de historias trágicas, truculentas, de ritos y maldiciones, de crímenes sanguinarios y suicidios inesperados. Desde Rodolfo Valentino hasta los Power Rangers y Glee, pasando por James Dean, Sharon Tate, Marilyn Monroe, Bruce y Brandon Lee, la maldición de los Superman, las muertes dudosas de Poltergeist o las difíciles vidas de los protagonistas de Blanco y negro, este libro explora algunos de los personajes y hechos que forman parte del lado más tétrico de''la Meca del cine'', un lugar en el que la ficción más horrible parece cosa de niños en comparación con la cruda realidad.
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Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este segundo tomo pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de nuevas películas que complementan a las del primer tomo. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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El western producido en Hollywood a lo largo de las tres décadas comprendidas entre 1962 y 1992 constituye un bloque apasionante y muy peculiar en la historia del cine estadounidense. Sendas películas relevantes entrañan su proemio y epílogo respectivos: Duelo en la Alta Sierra (Sam Peckinpah, 1962) y Sin perdón (Clint Eastwood, 1992). La primera tiende un puente entre el clasicismo moribundo y su reinterpretación crepuscular, de forma inconsciente, y la última encierra, de modo consciente, la despedida al género de uno de los cineastas emblemáticos de estos decenios (en su triple función de actor, director y productor).
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La fábrica de sueños de Hollywood atraviesa una pesadilla de restricciones. La cultura woke y sus políticas de identidad parecen enloquecer, estableciendo nuevas reglas que muchos ven como una lamentable pérdida de libertad. Las consignas se introducen en guiones y películas que pugnan por obtener un Oscar, y también en televisión, hasta constituir una verdadera revolución en el modo de mostrar sus contenidos.El galardonado crítico de cine Christian Toto analiza dónde se equivocó Hollywood, cómo se ha llevado a cabo ese proceso en la industria del cine y qué rayos de esperanza alberga el futuro.
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En esta larga e íntima conversación entre Alejandro Amenábar y el periodista Antonio Lucas, el cineasta desgrana los momentos más importantes de su vida. En este documento habla del origen infantil de su pasión por las películas de terror y suspense, así como el gusto por escribir y dibujar historias. Su primer largometraje, ''Tesis'' ( 1996), ganó siete premios Goya y le catapultó a la fama con solo 21 años, hasta convertirse hoy, seis películas después, en uno de nuestros directores más internacionales. Nunca le ha gustado hablar de si mismo, pero en esta íntima conversación con el periodista Antonio Lucas comparte su experiencia vital y profesional, sus orígenes, sus dudas y sus miedos, así como sus reflexiones sobre el éxito, el fracaso, la vejez, la muerte, la amistad, el amor y, por supuesto, el cine.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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Una invitación a descubrir la vida y obra de uno de los genios del cine, cuyo legado ha inspirado a generaciones de espectadores y creadores. George Lucas es uno de los cineastas más reconocidos y admirados de todos los tiempos. En este libro, David M. Buisán nos descubre la fascinante historia de su vida y obra. A través de sus vibrantes ilustraciones, podremos revivir escenas icónicas de las películas de Lucas, además de conocer detalles y curiosidades sobre la producción y realización de sus grandes trabajos y de otras obras menos conocidas. Sumérgete en la vida del mago de la luz y conoce desde sus primeros contactos con el cine, las películas que marcaron su juventud y su amistad con los artistas que le ayudaron a desarrollar su visión cinematográfica (Francis Ford Coppola, Steven Spielberg), hasta el éxito mundial de sus obras más famosas, como Star Wars o Indiana Jones.
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Un viaje emocional por el cine y la televisión que han definido a toda una generación Hace menos de tres años parecía que el cine estaba muerto, que nadie volvería nunca a las salas, que las grandes estrellas no existían y que solo las películas de superhéroes eran viables económicamente. Y entonces llegó Barbie. Este es un recorrido personal -tan personal que es casi universal- por la historia más reciente del cine, y en particular del cine palomitero, ese cine comercial, orgulloso de serlo, que ha moldeado nuestro imaginario colectivo. Un mundo de dinosaurios, naves galácticas, agentes secretos y sirenas que Alberto empezó viendo primero desde el sofá de casa para poco a poco adentrarse en él profesionalmente. El libro se inmiscuye en rodajes de series y películas, en junkets de prensa, fiestas y premios que, junto a las mismas películas que luego vemos en la sala, configuran un universo que mezcla ficción y realidad y del que ningún peliculero podrá escapar nunca.
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Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, un método llamado Rítmica.Émile Jaques-Dalcroze, pedagogo musical suizo, fue uno de los primeros en utilizar el movimiento corporal como un medio para enseñar música, desarrollando un método llamado Rítmica. Este método se basa en tener primero una vivencia sonora experimentando emociones a través del cuerpo, para pasar después al aprendizaje de la música mediante el razonamiento.En el Conservatorio de Música de Ginebra comenzó a crear una serie de ejercicios para paliar la arritmia que encontró en sus alumnos, y a trabajar en un aula muy espaciosa con espejos en las paredes. A sus alumnos, futuros músicos, actores o cantantes, que estaban acostumbrados a recibir clases sentados, los hizo poner de pie y trabajar descalzos, para que pudieran desplazarse con comodidad al ritmo de las melodías que él mismo interpretaba al piano. Les hacía experimentar, empleando el cuerpo como instrumento musical primario, el control de sus energías en el tiempo y en el espacio.La Rítmica consiste en interrelacionar los movimientos del cuerpo y los ritmos de la música con la capacidad de imaginación y reflexión.Rítmica y creación nos acerca las propuestas de Émile Jaques-Dalcroze, para descubrir y entender la música y la expresión corporal, tanto física como emocionalmente.
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