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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Mucha gente está familiarizada con la vida y la obra de Vincent Van Gogh y su activa y reveladora correspondencia con su hermano Theo. Pero sus hermanas, Anna, Lies y Wil van Gogh, han pasado desapercibidas hasta ahora. En esta convincente biografía colectiva basada en la correspondencia inédita del archivo de la familia Van Gogh, el historiador del arte Willem-Jan Verlinden convierte a las tres hermanas de Vincent en el centro de la atención. Una discusión con Anna, la hermana mayor, provocó que el artista abandonara para siempre los Países Bajos. La segunda, Lies, cayó en la pobreza a pesar de sus aspiraciones literarias y se vio obligada a vender muchos cuadros de su hermano. Willemien, la menor, participó activamente en el emergente movimiento feminista, y discutía con entusiasmo sobre arte con Vincent. Este fascinante relato refleja un momento histórico de profundo cambio social, económico y artístico, en el que las hermanas Van Gogh, en la correspondencia poco conocida entre ellas, registraron sus aspiraciones y sueños, sus decepciones y penas.
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“Nueva York, tus maniquíes descabezados están ya dormidos, vertiendo toda su ‘perpetua sangre’, que fluye como las ‘fuentes quirúrgicas de la publicidad’.'' Dalí (1942)Este libro reúne artículos publicados en Estados Unidos durante los años treinta y cuarenta que nos descubren las claves del innegable protagonismo de Salvador Dalí y de su versión del surrealismo en la cultura popular de ese país.
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Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles
L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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El videoarte como acontecimiento: la obra de Joskowicz como espacio de apertura críticaQuietud en movimiento ofrece una visión panorámica de los últimos quince años de producción de la destacada videoartista boliviana Claudia Joskowicz, conocida por su compromiso con la historia, la memoria y el espacio de las realidades sociales latinoamericanas.Con un formato híbrido entrela fotografía y el cine, Joskowicz se aleja de los enfoques documentales, esquivando las narrativas cerradas en las que las conclusiones éticas y políticas están dadas.Por medio de planos secuencia, tomas dobles y oposiciones dialécticas (parálisis-movimiento, silencio-ruido, centro-periferia), cuestiona aquello en lo que tradicionalmente se interesa la cámara y abre un espacio que posibilita la reconfiguración activa de la mirada.Así, su obra invita a una reconsideración profunda de la memoria colectiva, apuntando hacia el rol del espectador en la creación de la narrativa histórica.
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Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.
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Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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Compendio de trabajos de Oteiza. Poesía, prosa, cartas, escritos, todos ellos inéditos y sorprendentes como el propio autor. ElíasáAmézagaáha sido capaz de expresar su trayectoria en unas líneas: ''Oteiza no es la paz, ni la concordia, ni el conformismo, ni el triunfo, ni el dinero, ni la gloria. Es la lucha, los nervios, la inquietud, la cólera de Dios, la reencarnación de Lope de Aguirre con sus furores épicos''. El mismo Jorge se definió como ''un utopista, no creo más que en una utopía yáesaáha sido mi desgracia. Creer en la revolución, siguiendo una utopía, unos programas, unos sueños''.
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El desmayo atraviesa la historia del Arte con una insistencia temática e iconográfica merecedora de mayor atención. Es un gesto masivamente atribuido al cuerpo femenino como índice de su afectividad y desvalimiento. La plasticidad y poder de conmoción del desmayo ha servido, durante siglos, para retratar de manera diferenciada los poderes de hombres y mujeres en escena. Alguien cae, alguien levanta: porque no tienen el mismo poder. Desmayadas recorre las «figuraciones» del desmayo femenino en sus diferentes registros artísticos, desde la pintura hasta el cine, pasando por la literatura y el drama musical. A través de diálogos con el Bosco y Artemisia Gentileschi, con Safo y Shakespeare, con Ingmar Bergman y Rita Azevedo Gomes, entre otros, Desmayadas desvela la complejidad que subyace a un gesto tan banalizado. Explorar el desmayo en su(s) historia(s) permite sacar a la luz las violencias sobre las que se soportan nuestros escenarios sociales. Su impacto pictórico, literario y cinematográfico sigue hoy señalando a aquellas agencias políticas que precarizan nuestra conciencia y hacen que nuestros cuerpos caigan, antes de merecer un auxilio.
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Un martes de mayo de 1891, en el número 89 de la pari- sina rue de Rome, tuvo lugar uno de los encuentros que a la postre constituirían el que probablemente fuera el cená- culo más singular y fructífero de la modernidad. Tres personajes, el pintor Odilon Redon, el compositor Claude Debussy y el poeta Stéphane Mallarmé, anfitrión de la velada, tres figuras cardinales del panorama artístico finisecular, enfrentaron sus reflexiones en torno a los lí- mites de la representación de la realidad -ahondando en conceptos cruciales como «sugerencia » y «evocación»- y dieron paso a la formulación de campos de exploración y contagio entre disciplinas tradicionalmente separadas. ¿Es posible una pintura musical? ¿Una música hecha con palabras? ¿Superar, en última instancia, la especificidad de cada disciplina? Fue en las sucesivas reuniones del ce- náculo donde muchas de estas cuestiones, que hoy en día son claves para comprender el desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas, se formularon por primera vez. Entreverando historia cultural e historia del pensa- miento, Sonsoles Hernández Barbosa nos adentra en una época fascinante y plantea un análisis de las teorías esté- ticas discutidas durante dichas reuniones, auténtico la- boratorio que finalizaría en la Europa de las vanguardias.
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Debes leer este libro antes de comprar cualquier obra de arte, escrito por el principal economista del mercado del arte del mundo.Navegar por el mundo del coleccionismo puede ser un proceso complicado, especialmente para alguien que recién comienza en el mercado del arte. Magnus Resch, el principal experto mundial en el mercado del arte, explica los principios básicos del mercado del arte y revela los secretos de cómo construir y hacer crecer una colección de arte.• ¿En qué arte debería invertir?• ¿Dónde empiezo?• ¿Qué galería debo visitar?• ¿Cómo consigo entradas VIP para Art Basel?• ¿Cuál es el mejor lugar para vender mi arte?• ¿Es este precio justo?Junto a los consejos de Magnus para coleccionar, se incluyen citas y estudios de casos de estimados profesionales del mundo del arte, incluidos los mega coleccionistas Shelley y Philip Aarons, Beth Rudin DeWoody, Jorge M. Pérez, Howard E. Rachofsky y Komal Shah, los directores de museo Adam Weinberg y Heidi Zuckerman, la fundadora de la feria de arte Touria El Glaoui, los mega marchantes de arte Marc Glimcher, Adam Lindemann, Jeffrey Deitch y Simon de Pury, el destacado curador de arte Hans Ulrich Obrist, la asesora de arte superestrella Amy Cappellazzo, y el artista Julian Schnabel.
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Un altre fi. La resta
L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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El somni del Dolfi
Dolfi era un jove dofí amb una gran passió: nedar en cercles. Un tomb cap a la dreta. Un tomb cap a l’esquerra. Fins que un dia la Lola, una petita orca, va arribar a la piscina i li va parlar d’un lloc meravellós anomenat oceà. Descobreix la història de Dolf i i Lola, un relat emotiu i sorprenent que parla sobre els cetacis que viuen en captivitat.
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Publicado por encargo de Dia Art Foundation, el libro no es sólo una retrospectiva de la obra de Morelos, sino que también profundiza en las complejas relaciones entre las comunidades indígenas y su entorno natural.Al examinar las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en las instalaciones de Morelos, los lectores reflexionan sobre su propia relación con el medio ambiente y los materiales que conforman nuestro mundo.Incluye una conversación entre Morelos y la artista y poetisa chilena Cecilia Vicuña, así como relatos de comunidades indígenas de la Colombia amazónica, que permiten conocer de primera mano las narrativas culturales que informan la práctica de Morelos.Sus instalaciones inmersivas pretenden cultivar momentos de conexión con lo que la artista describe como la ''humedad íntima de la Tierra''. Esta monografía, la primera que se publica en Estados Unidos, sitúa la práctica de la artista bogotana dentro de una historia más amplia y global del Land art y la abstracción. A su vez examina las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en el encargo por parte de Dia, así como su singular impacto sensorial, espacial y fenomenológico en el espectador.El libro desvelará los fascinantes fundamentos histórico-artísticos del encargo a través de una introducción de Alexis Lowry, conservador de Dia. Esta visión general se complementará con una meditación sobre la turba, un material singular y controvertido en el Land art, a cargo de la comisaria Camila Marambio y la profesora de biología de la Universidad de Queensland Renee Rossini, así como un ensayo sobre el olor y la escultura de Oswaldo Macía. El libro también incluirá una declaración de la propia artista y una animada conversación entre Morelos y la artista y poeta chilena Cecilia Vicuña. Para profundizar en una de las principales inspiraciones creativas e intelectuales de Morelos -las narrativas indígenas sobre la tierra y el suelo-, este volumen publicará por primera vez una sección especial de relatos de cuatro comunidades -Barasana, Uitoto N+pode y Yucuna- asentadas en las tierras amazónicas más conocidas como Colombia.
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“Si Maillol a veces se aproxima a los griegos del tiempo de Fidias no es que los comprenda por alguna elucubración intelectual, por el intermedio de un razonamiento, o que los copie, es que siente directamente como ellos, su perfección es la suya, responde a la verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.”
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Eduardo Barba, autor de El jardín del Prado, nos propone en esta ocasión un recorrido por la pintura de jardines, esos mágicos espacios verdes que nos vinculan íntimamente a la naturaleza y que, como obra de arte viva, constituyen uno de los más sofisticados medios de expresión cultural de cada época. Desde el antiguo Egipto a nuestros días, cada jardín encierra una concepción del mundo y es un mundo en sí mismo, habitado por diferentes plantas que el autor nos descubrirá con la mirada de un jardinero apasionado también por el arte.
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El catálogo Visiones de la Tierra / El mundo planeado presenta obras fundamentales del modernismo brasileño y latinoamericano, de las vanguardias neo constructivistas y del arte contemporáneo internacional que Luís Paulo Montenegro ha ido reuniendo en los últimos veinteaños y que Fundación Banco Santander va a exponer en la Sala de Arte Santander desde el 19 de febrero. El responsable de la edición y comisario de la muestra, Rodrigo Moura, ha seleccionado más de doscientas obras de más de un centenar de destacados artistas de la Colección Luís Paulo Montenegro y las ha agrupado en diez apartados. Su planteamiento, ilustrado con obras fechadas desde la década d e 1920 hasta nuestros días, permite un acercamiento a la historia del arte brasileño de los siglos XX y XXI, para poner sobre el tablero una historia de las vanguardias en Brasil y de cómo la cultura brasileña ha abordado los procesos de renovación de las artes visuales en diálogo con otras corrientes, tiempos y territorios del arte contemporáneo internacional.
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Basic Human Anatomy teaches artists the simple yet powerful formula artists have used for centuries to draw the human figure from the inside out. A comprehensive, yet flexible and holistic approach, Roberto Osti’s method of teaching anatomy is exhaustive, but never loses sight of the fact that this understanding should lead to the creation of art. Osti, using the basic system of line, shape, and form used by da Vinci, Raphael, and Michelangelo, takes readers step-by-step through all the lessons needed in order to master this essential foundation skill. Organized progressively, the book shows readers how to replicate the underlying structure of the body using easy-to-understand scales and ratios, conceptualize the front and side views of the skeleton with basic shapes, add detail with simplified depictions of complex bones and joints, draw a muscle map of the body with volumetric form and realistic dimension, master the feet, hands, and skull to create realistic renderings of the human form, and apply a deeper knowledge of anatomy to finished drawings for more impact.
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La pintora española más importante de principios del siglo XXSus composiciones, aunque siempre impregnadas de la disciplina cubista, reservaban a la figura humana desterrada del cubismo puro, un lugar primordial. ¡Y qué figuras! endurecidas a fuerza de intensidad, particularizadas al máximo, sólo comparables con las figuras góticas.Artista de gran talento, adscrita al cubismo más clásico y poético antes de crear su propio estilo, de vida dolorida y expresión desgarrada, la santanderina afincada en París, María Blanchard (1881-1932), es la artista española más importante de principios del siglo XX.
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¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos décadas, Arthur C. Danto anunció que la llegada del fin del arte se había dado en los años sesenta, y fue precisamente tras esa declaración cuando se situó a la vanguardia en la crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulación a gran escala de esta original percepción y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definió para él en el Renacimiento.
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Una encuesta global de los artistas más innovadores de la actualidad que trabajan con textoLa inclusión de texto en obras de arte fue un avance creativo revolucionario del siglo XX, en el que los artistas subvirtieron las concepciones tradicionales de ''arte'' y ''escritura''. Las generaciones más jóvenes de artistas han seguido utilizando la legibilidad inherente de las palabras para comunicar ideas a los espectadores, a través de una amplia gama de medios, incluyendo pintura, escultura, instalación y video.Nominado por 66 destacados expertos mundiales (incluidos curadores, críticos, directores de museos y profesores), Vitamin Txt muestra a 103 artistas vivos, de 34 países, que sitúan el uso del texto en un lugar central de sus prácticas artísticas. Con más de 500 obras de arte ilustradas y una introducción sobre la historia de los artistas que utilizan textos desde la antigua caligrafía china hasta el arte digital contemporáneo, el enfoque del libro permite mostrar una variedad de medios diferentes, brindando una visión interdisciplinaria del mundo del arte hoy.Los asesores incluyen: Negar Azimi, Naomi Beckwith, Meriem Berrada, Isolde Brielmaier, Yeon Shim Chung, Tandazani Dhlakama, Yilmaz Dziewior, Touria El Glaoui, Ruth Erickson, Alison Gingeras, Krist Gruijthuijsen, Jennifer Higgie, Mami Kataoka, Sunjung Kim, Venus Lau, Helen Molesworth, Kimberly Moulton, Fumio Nanjo, Chika Okeke-Agulu, Adriano Pedrosa, Nada Raza, Dieter Roelstraete, Andrew Russeth, Nancy Spector, Sarah Thornton, Marianna Vecellio, Gilbert Vicario, Victor WangLos artistas destacados incluyen: Ghada Amer, Hellen Ascoli, Kamyar Bineshtarigh, Sophie Calle, Alejandro Cesarco, Heman Chong, Tony Cokes, Tracey Emin, Jeffrey Gibson, Shilpa Gupta, Jenny Holzer, Roni Horn, Ichihara Hiroko, Christine Sun Kim, Barbara Kruger, Glenn Ligon, Harland Miller, Shirin Neshat, Adam Pendleton, Shubigi Rao, Kameelah Janan Rasheed, Kay Rosen, Ed Ruscha, David Shrigley, Studio for Propositional Cinema, Hank Willis Thomas, Rirkrit Tiravanija, Nora Turato, Kaylene Whiskey, John Wood y Paul Harrison, Xu Bing, Young-Hae Chang Industrias Pesadas.
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El videoartista más influyente del arte actualBill Viola es uno de los artistas contemporáneos más populares. En las últimas décadas, sus video instalaciones, caracterizadas por combinar innovación tecnológica y temas clásicos, han sido expuestas en algunos de los museos más relevantes del mundo. Sin embargo, hasta la fecha, no existía un texto en castellano centrado en su figura. Este libro no se limita a cubrir este espacio, sino que propone una innovadora discusión sobre el poder que sus obras ejercen sobre el público.
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A quién va dirigido el libro Un Van Gogh en el salón?Este libro está dirigido a un público amplio, interesado en el arte pero que quizás no se sienta cómodo con los enfoques académicos tradicionales. Se presenta como una opción accesible y amena para aquellos que desean aprender sobre historia del arte de una forma divertida y atractiva, sin necesidad de conocimientos previos extensos. Su estilo informal y cercano lo hace ideal para lectores jóvenes, estudiantes o cualquier persona que busque una aproximación diferente y menos formal al mundo del arte. La inclusión de referencias a la cultura pop facilita la comprensión y conexión con el material para un público más amplio.Temas que trata el libro Un Van Gogh en el salónEl libro Un Van Gogh en el salón explora la historia del arte a través de anécdotas, secretos y curiosidades de obras icónicas y otras menos conocidas. Se centra en:Aspectos poco conocidos de obras famosas: El libro desvela datos curiosos y detalles ocultos tras las obras de arte más famosas, ofreciendo una perspectiva más íntima y humana de los artistas y sus creaciones.Rivalidades y escándalos artísticos: Se abordan las disputas y controversias entre artistas, mostrando el lado más humano y a veces conflictivo del mundo del arte.Artistas femeninas y LGTBIQ+: El libro destaca la contribución de artistas mujeres y pertenecientes al colectivo LGTBIQ+, contribuyendo a una visión más inclusiva e igualitaria de la historia del arte.Contexto social y cultural: Las obras de arte se contextualizan en la sociedad y cultura de su época, mostrando la influencia del entorno en la creación artística.Arte y cultura pop: El libro establece conexiones entre el arte clásico y la cultura popular, facilitando la comprensión y el interés para un público más amplio.Desmitificación de artistas: Se presentan algunos artistas de forma más humana, alejándose de la imagen idealizada que a veces se proyecta sobre ellos.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Un Van Gogh en el salónLas opiniones sobre Un Van Gogh en el salón son variadas. Algunos lectores destacan su enfoque ameno, divertido y accesible, que facilita el aprendizaje sobre historia del arte. Se elogia la capacidad de la autora para desmitificar a algunos artistas y revelar aspectos poco conocidos de sus obras. El estilo informal y cercano, con referencias a la cultura pop, es apreciado por muchos. Sin embargo, otros lectores consideran que algunas de las opiniones feministas o las referencias a la cultura pop resultan excesivas o fuera de lugar. Algunos señalan que parte de la información ya había sido compartida por la autora en redes sociales. A pesar de estas opiniones divergentes, la mayoría de los lectores coinciden en que el libro es una lectura entretenida e interesante, que ofrece una nueva perspectiva sobre la historia del arte.
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Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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Cincuenta y un términos muestran los distintos ensayos institucionales que el centro de artes Santa Mònica ha venido desarrollando en los últimos años, enfocados a repensar su estructura, naturaleza y función desde la práctica diaria. Estos términos, organizados en seis secciones, confeccionan un glosario necesariamente incompleto, no cerrado ni definitivo: una instantánea de una nueva institución que se basa en la porosidad hacia la acción colectiva, así como en una autointerrogación y transformación constantes.
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Monografia que reuneix els treballs i escrits sobre restauració exposats per Cesare Brandi a l'Istituto Centrale del Restauro. Dirigit a crítics, tècnics i historiadors de l'art, el llibre analitza el significat i els mètodes de la restauració, posant especial atenció als criteris teòrics que han guiat les activitats de l'Institut.
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Una amena lectura, con las claves estéticas para entender las obras de los más destacados artistas japoneses, desde la decorativista escuela Rinpa (Kōetsu y Kenzan) y el popular ukiyo-e (los primitivos, Utamaro, Hiroshige, Kyōsai y Yoshitoshi), hasta los pintores de las corrientes nihonga y yōga del siglo XIX y comienzos del XX, cuando el viejo arte se enfrentó con las nuevas corrientes llegadas de Occidente. Con edición crítica del profesor David Almazán y profusamente ilustrado, este libro es una ventana a una selección de artistas fascinantes, con los acertados comentarios de Noguchi, que nos facilitan su valoración.
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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Le peintre inquiétantLes superstitions, les peurs, les follies, les hallucinations qui hantèrent les cerveaux flamands et brabançons à la fin du Moyen Âge n’empêchèrent pas chez eux — constatation étrange et d’apparence paradoxale — l’esprit caustique et gouailleur.La complète expression de cette mentalité, nous la trouvons dans les œuvres de Jérôme Bosch qui la reflètent, dans son incohérence, avec la fidélité d’un miroir.
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Lleona de Girona/La
La columna de la Leona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento.
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El tema de los animales siempre ha tenido un gran atractivo para los artistas. Sin embargo, crear bocetos convincentes de animales puede resultar desalentador y llevarle a preguntarse: ¿por dónde empiezo? Olvídese del miedo y déjese guiar por expertos con este cuaderno de bocetos. Descubrirá habilidades de dibujo que nunca pensó que podría tener. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos Empiece con técnicas sencillas de trazado y esbozo, y continúe después con la estructura, la textura y la expresión (los elementos fundamentales que harán que sus dibujos de animales pasen de buenos a magníficos). Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar animales!
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L'artista en el laboratori
Art i ciència, que per a molta gent poden semblar dues activitats ben separades, han tingut i tenen molts punts en comú. Al llarg de la història, artistes i científics s'han proporcionat mútuament eines¬ de treball, nous materials o motius d'inspiració. En aquesta obra, s'expliquen de manera amena i assequible temes com el descobriment de nous pigments gràcies a l'evolució de la química o les tècniques modernes que permeten conèixer molts detalls sobre obres pictòriques, estudiar estils i detectar fraus o datacions equivocades. A més a més, s'explora la visió del món que es desprèn de diverses obres a partir de la influència mútua entre l'art, d'una banda, i l'astronomia, la biologia, les matemàtiques o la física, de l'altra. L'artista en el laboratori, finalista del Premi Europeu de Divulgació Científica Estudi General 2006, posa en relació personatges com Newton, Boyle, Van Eyck, Turner, Chevreul, Seurat, Galileu, Einstein, Dalí, Gaudí, Leonardo, Mandelbrot, Vermeer, Leeuwenhoek, Duchamp, Pollock i molts altres.
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La nuestra es una época de aceleración de la experiencia, de imperio de lo efímero, de ascenso de la insignificancia.
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