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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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¿Cuáles son los patrones climáticos, los mitos e historias, los ritmos, los colores y las formas, los habitantes humanos y no humanos que conforman el Noroeste Ibérico en su realidad y ficción? Queriendo conocer los rituales y formas expresivas de personas, animales, plantas, elementos y minerales, fuimos en busca de las raíces, terminaciones y tentáculos del Noroeste Ibérico, tratando de encontrar, conocer y permanecer en los lugares donde pudieran residir. Al hacerlo, consideramos el pasado, pero sobre todo afrontamos el presente-futuro de estos espacios concretos e imaginados entre mares, bosques y asentamientos. Norte Silvestre Agreste es una exposición que recorre caminos y líneas de intensidad, fuerzas centrífugas que nos llevan más allá de Oporto, hacia esos supuestos márgenes donde estallan los intercambios para descubrir y compartir referencias, historias, palabras y conexiones con estos lugares con un largo pasado y un futuro aún más largo.Textos de Federico García Lorca, Miguel Torga, Filipa Ramos y Juan Luis Toboso, Chus Martínez, Ángel Calvo Ulloa, Ánxela do Canto, Belén Senín, Carlos Lixó, Lorena Conde, Cem Raios T’Abram, Luz Pichel, ¡Von Calhau!, Daniel Moreira e Rita Castro Neves, São Martinho de Dume.Con el trabajo de Alejandra Pombo Su, Cem Raios T’abram, Daniel Moreira y Rita Castro Neves, Diego Vites, Judith Adataberna, Lara y Noa Castro Lema, Lois Patiño, Mariana Barrote, Mariana Caló y Francisco Queimadela, Maruja Mallo, Óliver Laxe, Salvador Cidrás, Vicente Blanco, Von Calhau!.
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Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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En septiembre de 2022, el artista camerunés Barthélémy Toguo intervino durante una semana en las salas del Museu Picasso, pintando una serie de lienzos y también un amplio mural de diez metros de longitud. Este fascinante diálogo culmina en torno a la serie de Las Meninas: Toguo sigue el camino que el propio Picasso trazó en 1956 cuando reinterpretó la obra de Velázquez. En el museo, mientras desarrollaba sus obras en las salas del museo. El presente catálogo es la culminación de todo este proceso.
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Madelman es mucho más que un juguete, mucho más que una figura de acción, Madelman está vivo en el imaginario colectivo desde hace muchas décadas, y como algo vivo, salta, corre, dispara, rema y esto -y mucho más- es lo que Óscar Tahoces nos muestra en este libro con sus toys photographoes. Un volumen indispensable para todos aquellos que tuvieron un madelman entre sus manos y soñaban con verle moverse por sí solo. Ahora, lo verán salir de estas páginas con fuerzas renovadas para seguir proyectándose en el futuro.
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Publicado con motivo de la exposición El Greco. Santo Domingo el Antiguo, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de febrero y el 15 de junio de 2025.Las nueve pinturas realizadas por el Greco para el convento toledano de Santo Domingo el Antiguo, su primer encargo en España, fueron la carta de presentación del pintor en Toledo y figuran entre las más memorables de toda su producción artística. Las obras realizadas para los tres retablos de la iglesia deslumbraron en su día por su calidad y su audacia, y contribuyeron decisivamente a forjar una estrecha relación entre el convento y el artista, que eligió enterrarse en él.El conjunto comenzó a dispersarse en 1830, con la venta de la Asunción, la gran tela central del retablo mayor. Esta exposición reúne, por primera vez desde entonces, ocho de esas nueve obras que el Greco pintó entre 1577 y 1579.Este libro que acompaña a la exposición, a cargo de Leticia Ruiz, jefa del departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo del Prado, hace un repaso completo a la historia de estas obras, desde su encargo por parte de Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral de Toledo, hasta su dispersión a partir del siglo XIX. El libro incluye además una parte de catálogo con las fichas comentadas y la reproducción de las nueve obras (ocho de ellas presentes en la exposición) que formaban los tres retablos.
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Este libro es la guía práctica visual que le librará de las conjeturas a la hora de elegir y usar las combinaciones de colores. Los colores y los esquemas de colores presentados están relacionados con estados de ánimo concretos, ayudándole así a elegir la mejor combinación de colores para cualquier proyecto de diseño, ya sea gráfico, de interiores, artesanía o bellas artes. Las muestras recortables de cada color le permiten mezclar, conjuntar y examinar los distintos tonos existentes en sus diseños para poder definir mejor su proyecto. Se trata, sin duda, de una herramienta esencial para todos aquellos que diseñan y trabajan con colores.
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El Lisitski fue uno de los artistas más relevantes y polifacéticos de las vanguardias rusas y quizá el que ha ejercido mayor influencia en la evolución posterior de varios ámbitos de los lenguajes artísticos y la comunicación audiovisual. Su participación en el renacimiento cultural judío en Ucrania y Bielorrusia, su posición en el desarrollo de la abstracción, sus aportaciones pioneras en el fotomontaje, el diseño gráfico y de exposiciones, la publicidad, la tipografía o la propaganda masiva son aspectos que han concitado un interés agudo que parece lejos de atemperarse. Esta edición pretende reunir los textos teóricos más relevantes del autor para reseguir la trayectoria de sus ideas estéticas. Incluye un apéndice con textos de artistas e intelectuales coetáneos.
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Este libro recoge conversaciones con nueve artistas y colectivos cuya obra no solo diagnostica las tensiones y desafíos actuales, sino que propone alternativas prácticas y conceptuales para habitar nuestro planeta. El libro tiene como inspiración a los hongos, especialmente los matsutake que, como nos recuerda Anna Tsing, prosperan en paisajes devastados, deviniendo en un potente modelo para imaginar formas de vida resilientes y colaborativas. Desde esta perspectiva, las ruinas dejan de ser un símbolo de nostalgia inmovilizadora para convertirse en terreno fértil de posibilidades.A través del género de la entrevista, el libro teje reflexiones sobre la vulnerabilidad, los cuidados y el duelo como formas de estar en el mundo. Las voces de los artistas abordan no solo el qué de la crisis ambiental, sino también el cómo: cómo construir imaginarios alternativos, cómo repensar nuestras relaciones con lo humano y lo no humano, y cómo el arte puede trascender la representación para convertirse en un activismo práctico.Entre Ruinas es un semillero de ideas y prácticas que desafían los imaginarios hegemónicos del capitalismo, el antropocentrismo y el especismo. Una exhortación a ensanchar las posibilidades y a pensar otros mundos posibles desde el arte y la acción colectiva.
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Catálogo editado con motivo de la exposición ``Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto`` del 28 de febrero al 8 de junio de 2025 en la Fundación Juan March, Madrid.
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José María González Cuasante es catedrático de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Coautor de la obra Introducción al color, ha realizado diversos trabajos de investigación, ha dictado cursos monográficos y ha impartido conferencias sobre este tema. Como pintor siempre ha estado interesado en los aspectos cromáticos de la pintura, la interacción de los pigmentos y las dificultades que plantean las mezclas de los mismos, en los fascinantes y diversos resultados que se obtienen según la clase de pigmento y la proporción que se utilice en la mezcla, siendo éste un problema matérico al que hay que sumar la dimensión perceptual, «la plasmación o manipulación de la materia está condicionada por la sensación visual». Este libro muestra y desarrolla esta interesante problemática: «Todas las pruebas y reflexiones que sobre el color de la pintura se exponen en este libro son fruto de aproximadamente veinte años de investigación».
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'Ojalá que al dibujar podamos hacerle honor al origen de la palabra 'árbol'. Del latín 'arbor-arboris', se refiere al arte de cultivar, a lo recto, a lo que vincula la labor del hombre con la tierra y el cielo.'' Tras explorar la técnica de la acuarela a través de la riqueza de la fauna en 'animalia', con este nuevo manual la ilustradora Miriam Sugranyes nos invita a aprender a dar vida a esos bellos, majestuosos y siempre fascinantes seres de la naturaleza: los árboles. A partir del dibujo de su estructura general, en pocas capas de acuarela y guiados paso a paso seremos capaces de plasmar los rasgos más definitorios de los quince árboles aquí representados, desde la sinuosidad y la textura de sus troncos y ramas hasta los detallesy particularidades tonales de sus hojas y frutos.
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Están en todas partes: en los bosques y en el pan, en los recetarios de cocina de otoño y en el aire que respiramos, en la corteza de un limón que se pudre, en los cuentos folklóricos y en el queso, en las aceras, en el excremento de los herbívoros y en el fondo del mar. También en la copa de vino, la jarra de cerveza y los antibióticos. Son los hongos, organismos multiformes a los que no se concedió un reino propio hasta 1959, pese a que llevaban millones de años en el planeta. Desde entonces los fungi, denominación científica, comparten corona con el reino animal, el mineral y el vegetal. Y «Hongos» es una introducción descacharrante a ese mundo diverso, planteada de modo original, no como un libro divulgativo al uso, sino en forma de revista o boletín de noticias redactado y editado por los propios hongos. Son ellos quienes explican, en tono humorístico, su larga historia y la multiplicidad de sus formas, tamaños y características, cómo se relacionan con otros seres, qué papel desempeñan en el gran sistema ecológico y cómo han influido en la historia de la humanidad. El boletín, ilustrado y diseñado de manera espectacular, está salpicado de relatos protagonizados por hongos, así como poemas, leyendas, mitos y alguna que otra propuesta de experimento casero, además de una serie de instrucciones para buscadores de setas. Todo ello acompañado por un riguroso glosario de términos técnicos y científicos.
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El músico y productor Raül Refree nos ofrece su visión del acto creativo. «La creación artística es un camino apenas señalizado, no hay indicaciones en los desvíos ni un cielo estrellado que ilumine las coordenadas. Pero el final del camino ofrece una inmensa satisfacción». Compositor, músico y productor, Raül Refree ha dedicado gran parte de su trayectoria a colaborar con algunos de los talentos más destacados de la música española e internacional. Reconocido por encontrar caminos inesperados en el proceso artístico, su particular acercamiento al acto creativo lo convierte en una voz indispensable para todos aquellos que en algún momento han sentido la pulsión de dar forma a una obra. En este libro, Raül se propone sacar conclusiones de sus experiencias, y sugiere una aproximación a la creatividad que nos invita a perder el miedo, escuchar a nuestra intuición y confiar en la llegada de ese momento en el que todo encaja.La crítica ha dicho: «Joan Miró decía que él trabajaba como un hortelano y así, con intuición pero con paciencia, lo hace Raül Refree. Como novelista, siempre me interesan los libros sobre los procesos creativos de pintores o músicos. Y aquí Raül enseña la galería de recuerdos que lo ha llevado a ser el músico que es: fuerte a partir de la fragilidad y rebelde desde el esmero. Un libro cálido e inspirador como la galería de cristal esmerilado de la casa de sus padres, donde él tocó el piano por primera vez».Miqui Otero «Sin lugar a dudas, estamos ante uno de los músicos más interesantes e inquietos del panoramanacional, con una influencia muy importante en muchos artistas y trabajos icónicos de la última década».Mondosonoro
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Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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En este tercer volumen se narra la evolución del arte y la arquitectura durante la Edad Moderna. Dos módulos específicos se dedican el arte del Quattrocento y el Cinquecento en Italia, y un tercero estudia la difusión europea del Renacimiento. En otros tres apartados independientes se examina la arquitectura y el urbanismo, la pintura, y la escultura y las «artes menores» del Barroco y el Tococó. Por último, dos capítulos más analizan las transformaciones artísticas durante el periodo de la Ilustración y la historia del arte y la arquitectura de la Edad Moderna en Iberoamérica.
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CryptoPunks es una de las primeras y más buscadas colecciones de criptomonedas del mundo, serie pionera en el arte digital y la cultura web3.CryptoPunks: Free to Claim explora el ascenso meteórico de un coleccionable NFT preeminente: lo que comenzó como un experimento de propiedad digital se ha convertido en el catalizador de un movimiento de arte digital y una subcultura dinámica sinónimo de una nueva era de Internet.Acuñados en la cadena de bloques Ethereum en 2017, los CryptoPunks (10 000 personajes de píxeles generados de forma única) han producido más de 2300 millones de dólares en ventas acumuladas y han entrado en las colecciones permanentes de importantes instituciones, como LACMA y Centre Pompidou, al tiempo que fomentan una comunidad en línea apasionada y descentralizada.Los 10 000 CryptoPunks se presentan en un catálogo razonado especial de más de 400 páginas dentro de este libro, con una lista completa que incluye Punk, número, tipo, colores, atributos y hash de imagen. Una línea de tiempo ofrece una recopilación de publicaciones y tuits de miembros de la comunidad a medida que se produjeron, al estilo de una revista, mientras que un extenso glosario define más de 100 términos e ideas de autoría anónima con contribuciones de invitados como Beeple, Emily Segal, Venkatesh Rao y más.Con una entrevista en profundidad entre Hans Ulrich Obrist (director artístico de Serpentine Galleries) y los fundadores de CryptoPunks, Matt Hall y John Watkinson, este libro de culto y que define una categoría presenta una colección caleidoscópica de textos, entrevistas y ensayos visuales que exploran este mundo emergente de la web3 y la cultura digital en general, inspirando una primera ola de libros visuales sobre este tema innovador.El libro está dirigido a todos los niveles de conocimiento y presenta contribuciones únicas de figuras fascinantes en tecnología, diseño, moda, finanzas y arte contemporáneo, entre ellos: Anika Meier, Alexis Ohanian, Mat Dryhurst, Noam Segal (Guggenheim), Philippe Bettinelli y Marcella Lista (Centro Pompidou), Michael Connor (Rhizome), Mindy Seu, Chris Lyons (a16z), Salome Asega (NEW INC), Simon Denny, Shumon Basar, Martina Tiefenthaler, Jack Butcher, Sean Bonner, 6529, entre otros.
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Cuadernos de arte Cátedra
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Ramón dibujante. El lápiz atrevido es un amplio recorrido por una de las facetas menos conocida y estudiada del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888-Buenos Aires, 1963), la de su labor como dibujante de sus propios artículos y libros y, sobre todo, de su creación más singular en el campo de la literatura, las greguerías. Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas los hitos más relevantes de aquella forma compulsiva y singular de dibujar que tenía Ramón así como su manera de entender y reflexionar sobre la naturaleza de sus dibujos: sus comienzos en la revista escolar El Postal (1901-1903), sus ilustraciones en el periódico La Tribuna (entre 1920 y 1922), en los libros que definen su personal y diferenciador ismo, el ramonismo, desarrollado en libros «ilustrados por él» como Variaciones Iª Serie (1922), Ramonismo (1923), Caprichos (1925), Gollerías (1926) y Trampantojos (1947), pero sobre todo en Las Greguerías ilustradas (1930-1935), cima de su obra dibujística, así como la presencia del dibujo en la tertulia de Pombo y en los dos libros dedicados a ella (1918 y 1924). Este ensayo trata de responder a varias preguntas, entre otras, a: ¿por qué acompañó Ramón buena parte de sus escritos con dibujos propios? ¿Por qué sus dibujos obedecen al deseo de amplificar y aclarar lo escrito y funcionan como una llamada de atención al lector? ¿Por qué obedecen a una necesidad interna para ir más allá de lo estrictamente literario? ¿Por qué el dibujo afloró en su obra como una parte integrante más de su humorismo? La contestación a estas y otras preguntas desembocan en lo que el autor ha llamado, tras estudiar y glosar muchos de aquellos dibujos, su «poética gráfica», caracterizada, en palabras de Ramón por «lápices, tallos de iniciativas, para diseñar el mal dibujo». Un libro que descubrirá al lector muchas de las claves de los dibujos realizados por Ramón Gómez de la Serna para «ilustrar» sus artículos y libros, faceta del escritor poco conocida.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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Descubre la historia del arte contemporáneo como nunca antes te la habían contado. ¿Cómo se convirtió en arte una lata de sopa de tomate? ¿Y una tienda de campaña? ¿Y una cama deshecha o un tiburón en formol? ¿Cómo se desafía a uno de los gobiernos más poderosos del mundo rompiendo un jarrón antiguo? ¡BOOOM! La explosión del arte contemporáneo es una novela gráfica que recorre un siglo del arte más revolucionario. Desde el escandaloso urinario que Marcel Duchamp intervino en 1917 hasta el provocador plátano pegado a la pared por Maurizio Cattelan en 2019, este libro explica cómo el arte contemporáneo ha roto continuamente con las normas establecidas. A partir de un contexto de transición entre guerras mundiales, reflejando los cambios sociales y afrontando retos como el de la globalización, estas páginas repasan las vidas de los artistas clave y sus obras más impactantes o emblemáticas, y ponen de manifiesto su legado e influencia cultural. Una guía visual y accesible que te sorprenderá y te hará reflexionar.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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En una sociedad como la actual, para la que los valores han cambiado tan rápido, una obra que nos conecta de nuevo con nuestra naturaleza humana resulta esencial e iluminadora. Amor y arte es un ensayo fascinante de Ellen Dissanayake que nos devuelve la mirada hacia nuestro origen, y nos lleva a descubrir cómo el arte, lejos de ser una mera creación cultural, es una necesidad biológica profundamente arraigada en los seres humanos. A través de una propuesta revolucionaria, la autora muestra cómo el arte y el amor comparten un origen evolutivo común, ambos nacidos de la necesidad de establecer conexiones emocionales para garantizar nuestra supervivencia. Dissanayake explora cómo los primeros intercambios entre madre e hijo, basados en ritmos y movimientos sensoriales, dieron lugar a expresiones artísticas como la música, la danza y los rituales. Y, partiendo de esta premisa, realiza la que sea quizá la afirmación más controvertida e interesante de su pensamiento: que llevar a cabo actividades artísticas habría llevado a nuestros antepasados homínidos -tanto como socializar, obtener alimento u otras destrezas ancestrales- a ser seleccionados y a prosperar en sus vidas. Un ensayo que desafía nuestras concepciones sobre el arte y nos invita a reconocerlo como un elemento vital que sigue siendo esencial hoy para mantenernos conectados con lo que realmente importa.
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“A la pregunta ¿qué es el arte? puede responderse bromeando, con una broma que no es completamente necia: que el arte es aquello que todos saben lo que es. Y verdaderamente, si no se supiera de algún modo lo que es el arte, no podríamos tampoco formularnos esta pregunta, porque toda pregunta implica siempre una noticia de la cosa preguntada, designada en la pregunta y, por ende, calificada y conocida''
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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Publicada por primera vez en Florencia en 1550, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, de Giorgio Vasari, se considera la obra inaugural de la Historia del arte y la fuente escrita indispensable para quien quiera acercarse al arte del Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Vasari, él mismo pintor y arquitecto, no sólo nos ofrece en ellas el relato de las biografías de los más célebres artistas del Renacimiento italiano, sino que también analiza con detenimiento las técnicas artísticas y el vocabulario técnico y teórico específico.Se han incluido en esta antología la introducción, los proemios a cada una de las partes de las obra y las vidas de los artistas más conocidos entre el público (Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Giotto, etc.). Se trata, además, de una edición crítica guiada por la voluntad de facilitar al lector la comprensión de las obras, los términos artísticos y los datos históricos que aparecen en el texto vasariano.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Tercer volumen de la historia de la estética de W. Tatarkiewicz. Junto al minucioso estudio del autor sobre las claves de la estética del período, incluye numerosos textos de artistas y tratadistas cuyas versiones originales se ofrecen junto a su correlativa traducción al castellano.
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¿Qué capacidad tienen las comunidades para gestionar sus recursos, enfrentar la crisis ecológica e imaginar alternativas futuras? ¿Qué formas de reconsiderar las relaciones con el ambiente, la naturaleza y otros seres podemos encontrar? ¿Qué rol pueden jugar el arte contemporáneo y los procesos de participación pública para vislumbrar y movilizar deseos hacia la transformación social? Agenciamientos ecológicos reúne ensayos, experiencias y propuestas para rearticular la relaciones entre comunidades, territorios y futuros viables a través de procesos artísticos. Busca reconocer, en diferentes territorios y geografías, prácticas, léxicos y discursos que ponen de manifiesto la agencia de las comunidades en procesos de autogobierno, poner en cuestión las visiones heredadas en la concepción de lo que nos rodea y la capacidad del arte contemporáneo y la participación comunitaria para catalizar nuevos relatos y narrativas con los que enfrentar la crisis de imaginación ante un futuro climático incierto.Copublicado junto a Concomitentes
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte. Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura. Dibujar en 10 pasos: Flores y plantas silvestres enseña a dibujar más de 50 especies botánicas diferentes paso a paso, desde plantas de interior y frutas hasta flores silvestres, plantas del bosque y hongos. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de plantas.
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La Madonna Sixtina (1514) de Rafael Sanzio es uno de los lienzos más sugerentes del Renacimiento. Las misteriosas miradas de la Virgen y el Niño han venido interpelando a los espectadores, suscitando las más diversas lecturas. ¿Cómo interpretar tamaña belleza e inocencia? ¿Son esas miradas el fruto de la desolación o la asunción del destino trágico humano?El cuadro está expuesto en la Galería de Dresde, y allí acudió, de manera preferente, buena parte de la inteligentsia rusa de los siglos XIX y XX, para la cual esas miradas ayudan a entender el sentido de la trascendencia o la ausencia de la misma, a la vez que permiten aproximarse a la comprensión de los aspectos más cruciales de la realidad, entre la desolación y la belleza. Gentes ateas como Herzen y Bakunin, y teólogos como Serguei Bulgakov y Pavel Florensky han dejado su testimonio. El cuadro de Rafael subyugó obsesivamente a Dostoievski e irritó a Tolstoi… Algunos intelectuales alemanes dejaron también su interpretación al respecto, como es el caso de Schlegel, Richard Wagner o Nietzsche.Al fin de la Segunda Guerra Mundial el cuadro fue “raptado”, ocultado por los soviéticos y devuelto al cabo de los años a Alemania. Antes fue expuesto en Moscú, donde mereció un amplio abanico de comentarios, llegando incluso a compararse las miradas de la Madonna y el Niño con las de algunos de los supervivientes de los campos de concentración nazis.
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Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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Desde la invención de la fotografía en 1839, gran parte de las contribuciones aportadas por las mujeres han caído en el olvido, dejando su legado en los márgenes de la historia. En los últimos tiempos, esta visión sesgada ha ido evolucionando gracias al rescate historiográfico de numerosas aficionadas o profesionales, partícipes habituales en las distintas etapas del proceso creativo (investigadoras, fotógrafas, retocadoras, auxiliares, etc.). En ''Retratadas'', Stéphany Onfray ofrece un enfoque novedoso analizando los inicios del medio fotográfico desde el prisma del género. Gracias a una lúcida relectura de la relación que las féminas mantuvieron con la cámara, no ya como operadoras, sino como retratadas, propone nuevas líneas de reflexión para desmantelar los discursos hegemónicos que históricamente las han confinado en un papel de observadoras pasivas. Mediante un exhaustivo examen de la cultura visual y material decimonónica, desde la pintura, la literatura o el teatro, pasando por la prensa y una incipiente industria de la moda, la autora explora cómo, gracias a la capitalización de su propia imagen y por lo tanto de su cuerpo, las mujeres desplazaron las fronteras entre los sexos, empezando a ser parte de un diálogo cultural y social que no solamente redefinió los límites de género, sino que favoreció una visión más contemporánea, afectiva y artística del objeto fotográfico.
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'Sin música la vida sería un error'', he aquí el lema que preside este libro. La música nos ayuda a romper el silencio y el aislamiento a los que conduce la sociedad de nuestro tiempo, en la que el otro es percibido como una amenaza, un competidor o un enemigo. Frente a ello, la música llega desde afuera, requiere de nosotros el gesto de ponernos a la escucha, y nos permite así salir de nuestro encierro y ponernos en movimiento hacia lo Otro, hacia otros mundos, hacia otros seres. Este libro se detiene sobre todo en algunos de los principales creadores de rock, pop y jazz (The Rolling Stones, The Smiths, The Beach Boys, David Bowie, Frank Zappa, Raffaella Carrà, Kraftwerk, Radiohead, Sex Pistols, Nirvana, Phil Ochs, Cecil Taylor, Nina Simone y Laibach) que, desde finales de los sesenta del siglo pasado, nos han ayudado a soportar los tiempos de vacío existencial. Estos músicos nos han mostrado nuestras patologías, pero también nos han enseñado cómo debería ser la resistencia contra los males de nuestro tiempo. Incluso nos han permitido sentir y pensar los límites de una rebeldía juvenil que no nos emancipa. Esta obra nos recuerda que la música popular contemporánea nos vuelve conscientes de los quebrantos que sufrimos, pero también nos ofrece una esperanzadora alegría de vivir.
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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