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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Dalí
Salvador Dal? va convertir el paisatge empordan?s en un s?mbol del surrealisme. LÕobra del pintor catal? resulta inseparable de la seva geografia natal. La millor prova la tenim als espais del Teatre-Museu Dal?, de Figueres, la casa de Portlligat i el cas
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Un recorrido exhaustivo y magníficamente ilustrado a través de la historia y la obra del fantástico artista ampurdanés. Un volumen de gran calidad tanto en su documentación, como en su presentación y en la estupenda selección de las obras ilustradas.
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Barcelona, que té forma de teatre grec, és una ciutat-mirador. Una ciutat on l'espectacle urbà es pot contemplar en la seva totalitat des d'innombrables talaies. Aquest llibre ens mostra tota la ciutat en imatges panoràmiques de gairebé 1 metre de llarg i comentades en sis idiomes. Tot un espectacle.
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An illustrated reader featuring a collection of essays from trailblazing curator and writer Helen Molesworth – the first book of her collected writings.Over the past three decades, Helen Molesworth’s singular voice and lively curatorial vision has established her as one of the most dynamic and influential voices in the art world. This generously illustrated reader – the first ever collection of her writings – presents 24 essays from the past 30 years, gathered from exhibition catalogs and art publications such as Artforum, Documents, frieze, and October. The volume opens with a new essay that lays out Molesworth’s belief in art’s unique capacity for merging knowledge and feeling. It also includes new critical and reflective commentary on her past writing, an innovative approach that will position Open Questions as an indispensable volume for viewing and thinking about contemporary art for generations to come.
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Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo ¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado ''el más filósofo de los pintores'', con el llamado ''filósofo de los artistas'', Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes? Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad.
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Una breve pero magistral historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, por el aclamado filósofo Michel Onfray, que da las principales claves para entender y conocer el arte.«El arte contemporáneo es un lenguaje que necesita la misma iniciación que cualquier otra obra de arte, sea del siglo que sea. Del mismo modo que no resulta fácil entender el retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud Rigaud si no se conoce la simbología de la época, no se puede entender el ramo de tulipanes de Jeff Koons si no sabemos nada de su lucha LGBTQ+ en nuestro tiempo. Me gustaría guiarte desde los primeros vestigios del arte (Chauvet, hace 40.000 años) hasta el famoso ramo de Jeff Koons (2019), o en otras palabras, de la prehistoria hasta nuestros días, para luchar contra los que afirman que el arte ha muerto, que la Belleza que siempre ha establecido la ley dejará de serlo, y que consideran que deberíamos tirar a la basura todo el arte contemporáneo. La Belleza ha sido una inquietud reciente y efímera en la historia del arte: duró entre la invención de la palabra ''estética'' en 1750 de la pluma de Baumgarten y la de la fotografía en 1826. Argumentar, por tanto, que, porque el arte contemporáneo ha dejado de ser Bello, que ya no sería legítimo hablar de arte, es un disparate.» Michel Onfray.
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Este es un relato sobre el Museo del Prado construidoa partir de textos del pintor Ramón Gaya. Se han utilizado dos libros suyos. En ellos se han espigado cuidadosamente frases aisladas para tejer esta historiaque narra cronológicamente la vida del pintor y su relación con el Museo, contada en primera persona. El conjunto nos permite adentrarnos en El Prado guiados por alguien que lo amó profundamente.
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Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzó en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la línea que separa el arte y la artesanía fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. También muestra cómo el sistema moderno sostiene su hegemonía asimilando a los artistas y a los músicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distinción entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.
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Pepe Espaliú es una de las figuras clave del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH en nuestro país.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su estado a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado.Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.
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Frente a la estabilidad y parálisis propias de la abstracción intelectual, la casa arde para mostrarnos, finalmente, que toda entidad es efímera.La casa en llamas nos habla de casas y de incendios, de casas vascas y de incendios epistemológicos. La propuesta de su autor es arrasar con las abstracciones que piensan la casa más allá de las vidas de sus habitantes. Ubicada en el Valle de Araotz (Oñati, Gipuzkoa), esta etnografía presenta los encuentros particulares que dan forma y vida a varios caseríos de la zona. A lo largo de la misma acompañamos las decisiones vitales y los acontecimientos vividos por sus protagonistas, pero también a los autores que a lo largo de más de un siglo han hecho del baserri o caserío vasco y de sus moradores una idea central del imaginario vasco.Con este trabajo, Ion Fernández de las Heras aviva y revitaliza uno de los campos clásicos de la antropología vasca, los estudios en torno a la casa, y les otorga un lugar dentro de los debates contemporáneos de la disciplina. La antropología está hoy más preocupada por establecer marcos de conocimiento que den cuenta de sus propios hábitos y convicciones -de “descolonizar el pensamiento”, expresión de Eduardo Viveiros de Castro-, que de “comprender las buenas y malas maneras indígenas”, como decía Bronislaw Malinowski. Los estudios sobre la casa vasca no habían trascendido esta finalidad clásica, que omitía el contexto ideológico, o el proyecto civilizador -nacional en este caso-, implícito en toda tarea de investigación.
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Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.''Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser, decía a propósito de sus retratos, o también: ''Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven: ven aunque no les pinte las pupilas.''Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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El universo de la banda de metal más famosa del mundo a través de la parte más importante y trascendental para cualquier fan de la música: sus letras.Más de 40 años después de su formación y tras 125 millones de álbumes vendidos, Metallica sigue siendo la banda más grande de metal rock. Se ha escrito mucho sobre el grupo, pero El sentido de Metallica es el primer libro que se adentra profundamente en los contenidos y el significado de sus letras. Sus poderosos riffs de guitarra y su contundente batería son legendarios, pero las letras de Metallica están a la misma altura que la intensidad de sus canciones. El cantante, James Hetfield, escribe poesía rock sobre la muerte, la guerra, la adicción, la alienación, la corrupción, la desesperación, la rabia, el poder, la religión, la justicia, la locura y otros temas trascendentales. Indignado en «And Justice for All», desconsolado en «Mama Said», enamorado en «Nothing Else Matters», triunfante en «Escape» o avergonzado en «King Nothing», Hetfield pinta un cuadro de emociones con mano maestra. Sutiles pero no oscuras, sus letras merecen especial atención. Y como gran maestro de la narrativa, consigue que sus seguidores se sientan identificados por un amplio abanico de personajes, desde un Dios vengativo hasta un adolescente suicida, pasando por la clásica crisis de la madurez.
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Guion escrito por Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen
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Conozca cómo son los mundos surgidos de la imaginación de los mejores creadores del cine, la literatura y el cómic.En este libro, las calles de Minas Tirith son tan reales como cuando Aragorn reinó como Rey de Arnor y Gondor podráspasear por Hogsm
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Fotografía con una sonrisa está en las antípodas de otra publicación del mismo autor que fuedurante mucho tiempo número uno en ventas: Los secretos de la Fotografía de Viajes. El humor y lacotidianidad diferencian a Fotografía con una sonrisa de los demás tratados porque concluye que todo está cerca de ti y solo tienes que aprender a verlo. Tino propone una filosofía de vida y un cantoa la felicidad por el método de apreciar fotográficamente los acontecimientos cotidianos, valorar el potencial de tu familia y de tus seres queridos como modelos y esforzarte para conseguir fotografías intrascendentes de tus vivencias, las mismas que quizás a la larga prevalecerán en el tiempo para subsistir en la memoria de la Humanidad. Encontrarás una propuesta divertida y útil para conseguir imágenes que trasciendana las típicas fotografías que se malgastan y se consumen en la memoria digital, sin más vida que compartirlas de inmediato. Además de unas ilustraciones hilarantes, Tino las acompaña de textos amenos con pequeños reportajes que aportan una visión de la película Alguien voló sobre el nido del cuco, la vuelta al mundo a partir de una idea estrafalaria, un homenaje a la iconografía del Che Guevara en Cuba o el recurso de las secuencias cinematográficas entre otras propuestas inspiradoras. Y lo mejor es que te reirás a mandíbula batiente mientras aprendes fotografía porque, ante todo, este es un libro concebido para deleitarinstruyendo. Verás cómo en los momentos más insospechados de la vida surgen las mejores oportunidadespara materializar fotos inolvidables porque el mundo, en realidad, es cómo te lo imaginas.
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La dramatización no solo es una técnica de interés educativo para el currículum escolar en el área de la educación artística, sino también en campos tan diversos como las áreas de lengua, educación física o la enseñanza de lenguas extranjeras. Continuando con el esquema establecido en el anterior libro, de los mismos autores, El juego dramático de 5 a 9 años, en la presente obra se ofrecen claves didácticas para la introducción de la dramática creativa en las edades comprendidas entre 9 y 13 años. Este libro constituye una guía fundamental para introducir el teatro en el aula de manera fácil y divertida tanto para el profesor como sus alumnos, siendo de interés para profesionales de la educación o del teatro interesados en la pedagogía teatral.
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¿Sabrías cómo manejarte ante una catástrofe humanitaria? ¿Sabrías cómo actuar como fotógrafo en un campo de refugiados? ¿Conoces lo que es un fixer y cómo contratarlo? ¿Sabrías cómo planificar un proyecto documental en una cultura totalmente ajena a la tuya o cómo incrustarte en un destacamento de soldados?¿Sabes que un fotógrafo documental puede llegar a desarrollar un vínculo imborrable de amistad con gentede culturas totalmente ajenas o padecer estrés postraumático por haberse involucrado en causas particularmente difíciles? ¿Y qué hay de hacerte pasar inadvertido, de integrarte en círculos sociales de complicadoacceso, de improvisar en situaciones desconocidas o de saber ganarte a esas personas cuyas vidas estás documentando? Esta obra recoge la naturaleza real dela fotografía documental y el acceso y la planificación del proyecto fotográfico con un contenido duro, impactante, pero también fascinante y alentador. El lector descubrirá cómo desplegar estrategias, lograr elacceso, la psicología de gentes, el arte de pasar inadvertido y en gran medida, el arte de improvisar ensituaciones desconocidas. Pobreza extrema, violencia, pero también ritos y costumbres fotografiados con mirada tranquila y respetuosa, sin prejuicios. Paraello el autor se ha servido de su experiencia personal y de un profundo análisis antropológico de las personas a las que documenta, lo que le ha valido el reconocimiento fotográfico de la comunidad internacionala través de numerosos premios, menciones de honor, como los IPA (International Photography Awards) durante varios años sucesivos, y exposiciones, siendo uno de sus trabajos más recientes el expuesto en el Dale Carnegie Hall de Nueva York.
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Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, Blade Runner ?obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo? tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género. al contrario, plantea problemas eternos ?la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro?? protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis. es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de Blade Runner y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
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El siglo XXI nos ha llenado de nuevas preguntas. No sabemos si hemos superado el XX, si seguimos en las mismas cuestiones de entonces, si estamos en otras o sihemos vuelto, incluso, hacia atrás.El presente volumen colectivo pretende abordar el sinfín de preguntasy fenómenos sonoros que caracterizan estos años.
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Nuevo libro de uno de los máximos exponentes de la crítica de la arquitectura contemporánea actual, donde analiza la relación entre la arquitectura y la abstracción.En este estudio teórico sobre la abstracción en la arquitectura, el primero de su tipo, Pier Vittorio Aureli aboga por reconsiderar la abstracción, sus significados y sus fuentes. Aunque los arquitectos normalmente han interpretado la abstracción en términos formales —la reducción deliberada de las complejidades del diseño a lo esencial—, Aureli demuestra que la abstracción surge de las condiciones materiales de la producción de edificios. En este texto se presenta la abstracción en la arquitectura no como una tendencia estética, sino como un movimiento que surge de las divisiones modernas del trabajo y las consecuentes asimetrías sociales. Estas divisiones fueron anticipadas por la arquitectura de la Antigüedad, que estableció una distinción entre trabajo manual e intelectual colocando el primero al servicio del segundo. Más abstracciones aparecieron a medida que la geometría, utilizada para medir territorios, se convirtió en intermediaria entre la tierra y el dinero, y finalmente produjo la lógica de la retícula. En nuestra época, la abstracción arquitectónica sirve a la lógica del capitalismo bajo la premisa de que todas las cosas pueden intercambiarse, incluso la experiencia misma es una mercancía. Para resistir este giro, Aureli busca una crítica de la arquitectura que se sitúe en la práctica material.
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Nada hacía presagiar que Brett Anderson ''nacido en la depauperada ciudad dormitorio de Haywards Heath, entre Londres y Brighton, en el seno de una familia humilde'' se convertiría en una de las voces más carismáticas del pop británico de los noventa y en una estrella internacional. En Mañanas negras como el carbón, el cantante de Suede relata sus años de infancia y juventud, entre descampados herrumbrosos y las crueles rivalidades de la adolescencia, entre un padre excéntrico y a veces colérico que aborrecía la música pop, y una madre con temperamento artístico que aceptaba con resignación y melancolía su matrimonio sin amor. Con un estilo elegante, lírico y descarnado, Anderson revive su temprana pasión por la música, que lo llevaría a formar una primigenia versión de lo que sería Suede con Bernard Butler ''uno de los mejores guitarristas de su generación'' y la que fue su primer gran amor y futura líder de Elastica, Justine Frischmann. Con esta mantendría un apasionado y tierno romance cuya ruptura dejó a Anderson destrozado y consumido por los celos, lo que daría lugar a las canciones libérrimas, descaradas e intensas del célebre álbum de debut del grupo, que marcó una época con hits como «The Drowners», «Metal Mickey», «Animal Nitrate» o «So Young».
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«Lincoln Perry ha escrito unas memorias de artista irresistiblemente cercanas y amenas, donde abundan frases para el recuerdo. Nada puede reemplazar al arte visto in situ, como Perry nos dice, pero pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante». JOYCE CAROL OATES Una visita al museo puede resultar abrumadora, extenuante y poco gratificante. Sin embargo, mirar las obras de arte de la mano de un artista se convierte en una experiencia enriquecedora y memorable. Desde la amplitud de su experiencia visual, que abarca la antigua Grecia, el Renacimiento, el arte africano y el asiático, o el modernismo, Lincoln Perry nos acerca a nuevas maneras de ver y de apreciar el arte. A lo largo de quince ensayos, consigue que las obras más diversas nos resulten cercanas y accesibles, y enriquece el relato con historias personales de su formación como pintor y escultor, o de aquellos días en los que todavía se podía pasar la noche en el aparcamiento del Museo del Louvre dentro de una furgoneta destartalada. A partir de varios ejemplos de arte europeo, el autor le da la vuelta a algunos conceptos establecidos y nos anima a evitar los prejuicios en nuestros gustos artísticos. Aborda también la manera en que leen las obras de arte creadores tan diferentes como Rodin, Picasso, Brueghel, Bernini, Courbet, Rubens, Pollock o Rothko. Y habla sobre la percepción del espectador: cómo influyen en ella la escala y el formato, y cómo se pueden entender esculturas y murales de una forma más personal. La mirada del artista es, en definitiva, un libro esclarecedor y lleno de revelaciones tanto para expertos como para aficionados. «Pasear de la mano de este observador ideal ''un artista en ejercicio dotado de una mirada aguda y empática'' es una experiencia verdaderamente emocionante».JOYCE CAROL OATES «El viaje que propone Lincoln Perry es un muestrario de lo que él ve y cómo lo ve, y es maravilloso. Cada página supone una revelación».JAMES GLEICK, autor de Caos: La creación de una ciencia«La mirada del artista revela hasta el mínimo detalle las interacciones de la luz, el color y los planos espaciales que se ocultan bajo la suntuosidad de las pinturas más importantes. Las lecciones de Perry son enormemente esclarecedoras».Kirkus Reviews
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Los acordes de Orfeo nos ofrece un recorrido por algunas de las obras más señeras y consagradas del género operístico, desde sus orígenes, entre el Renacimiento y el Barroco, con Monteverdi, pasando por Mozart, Donizetti y Bizet, hasta las óperas de Alban Berg y Stravinsky, bien entrado el siglo XX.
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“Una lectura pesimista de este ensayo de Robert Adams podría hacernos suponer que la arquitectura es una profesión en decadencia, merecida inevitable e inexorablemente. Pero no dejes que esto te desanime: Los 7 pecados capitales de los arquitectos, una serie de artículos breves ilustrados por la conocida mano del dibujante de Architects’ Journal Louis Hellman, expresa con cariño e ingenio una crítica mordaz de los peores aspectos de la profesión. La crítica de Adam es condenatoria, su discurso es seductor. [...] En este pequeño libro, Adam cambia el septeto de la envidia, el orgullo (nada ajeno a los despachos de arquitectura) y a sus tóxicos amigos por un nuevo paquete de pecados. El elitismo satiriza el vestuario extravagante de los arquitectos y la estrategia que usan para mantener aparte a la chusma. Le siguen la soberbia, el egocentrismo, el dogmatismo, la ignorancia y el derroche. Pero la advertencia más crítica proviene de la incompetencia. [...] Aunque pienses que se trata de los reproches de un tradicionalista, no te asustes. La preocupación del autor es la de un padre inquieto, alarmado por las travesuras de su hijo descarriado. Y en cualquier caso, si no te gusta, puede que tu pareja o un amigo que no sea arquitecto lo encuentre divertido”. James Pallister, en Architects’ Journal
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Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Paolo Sorrentino, Luchino Visconti, Marco Bellocchio, Giuseppe Tornatore, Ettore Scola, Nanni Moretti.Entre los escombros de la Segunda Guerra Mundial, Italia dio a luz uno de los períodos más importantes e influyentes de la historia del séptimo arte. La profunda crisis de las sociedades occidentales encontró en la obra de una nueva generación de cineastas una forma de expresión emancipada de los esquemas tradicionales de trama, personaje y conflicto característicos de las producciones de los grandes estudios. Un cine sofisticado y comprometido que encontró en el valor poético de la imagen y el sonido el medio privilegiado para posicionarse frente a un mundo en transformación.Mediante el análisis de los recursos narrativos y cinematográficos utilizados en grandes hitos del cine italiano como La dolce vita, Viaje en Italia o La muerte en Venecia, y la vida y obra de sus grandes cineastas, Gustavo Provitina construye un ensayo sobre los matices con que el arte supo devolverle al mundo su soledad, su frivolidad y su individualismo: los devenires trágicos y cómicos de la vida moderna.
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Residencias costeras de ensueño desde Martha's Vineyard hasta Vermont, Maryland y más alláEl arquitecto Mark Hutker y su firma diseñan reliquias residenciales profundamente arraigadas en la lengua vernácula de Nueva Inglaterra pero con una sensibilidad moderna: campamentos en la playa con madera en tonos de madera flotante y habitaciones de flujo abierto, casas modernas de varios niveles integradas perfectamente en su paisaje, viviendas estilo teja con detalles destilados, y casas de campo a medida en armonía con la tradición pero concebidas para la vida contemporánea.A través de hermosas fotografías y textos atractivos, este libro cuenta las historias de trece casas que resumen la fantasía de los veranos costeros de Nueva Inglaterra a través de una perspectiva moderna.Durante la última década, Hutker Architects ha establecido oficinas en cuatro ubicaciones en Nueva Inglaterra, incluidas Martha's Vineyard, Boston, Plymouth y Falmouth. Este lujoso libro presenta más de 200 impresionantes fotografías originales de inspiradoras residencias costeras, incluidas varias casas nunca antes publicadas.
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Humanos e inteligencias artificiales en nuevos paradigmas y estéticas para el almacenamiento de datos, arquitectura, preservación y cultura digitalEn un momento en que humanos e inteligencias artificiales generan volúmenes de datos sin precedentes, Marina Otero Verzier explora el lado material y extractivo de la nube. Otero Verzier propone nuevos paradigmas y estéticas para el almacenamiento de datos, integrando arquitectura, preservación y cultura digital. El ensayo aborda el borrado y el duelo como actos de resistencia contra la compulsión por acumular y la pérdida de soberanía sobre nuestras memorias digitales, ahora en manos de corporaciones.
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Sencillas ilustraciones paso a paso para dibujar manos y pies Manos juntas, que se tocan, rezan, señalan o se flexionan, y pies de puntillas o que bailan, andan o corren, todo ello mostrado a través de una sencilla técnica paso a paso, que empieza por las formas más sencillas y termina con dibujos detallados. Con este libro se pretende eliminar cualquier prevención que se tenga a dibujar manos y pies, y que enseñe que, como todo, son solo simples formas y que lo único que se requiere es calcular proporciones, el resto vendrá solo. Siguiendo los pasos que se muestran, en seguida se dominará su representación y se realizarán dibujos propios.
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El dibujo puede ser una afición, un pasatiempo, algo que a uno le gusta. Este libro tiene en cuenta todo eso, pero el objetivo que nos ha movido a prepararlo parte de una idea mucho más ambiciosa: el dibujo expresa una determinada manera de ver las cosas, de sentirlas. Un artista nunca presenta una realidad pura y objetiva. Siempre representa bajo el tamiz de sus sentimientos. El volumen que el lector tiene en sus manos pretende ser una guía, un camino, un compañero siempre fiel e inseparable para la práctica del dibujo. En este libro se tratan todas las técnicas de dibujo y los ejercicios presentan una gran variedad de temas para que nada quede olvidado. Con este importante bagaje esperamos haber logrado poner en manos del dibujante todo aquello que necesita para convertirse en un verdadero artista.
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El libro desvela el proceso íntimo de componer una canción y nos aproxima al profundo sentimiento de asombro que pervive en el corazón de este proceso tan curioso como gratificante. Asimismo, nos habla de la importancia de conseguir que la creatividad forme parte de nuestra vida cotidiana y de experimentar la esperanza, inspiración y gozo que están allí esperando a cualquiera que se decida a empezar a componer.
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¿Cuál es la verdadera identidad que se esconde tras el cuadro más famosodel mundo?Existen al menos cinco referencias históricas reales que certifican laexistencia de un retrato femenino de manos de Leonardo da Vinci. Unencargo que, al parecer, nunca entregó. Sin embargo, a la hora deidentificar a la modelo de la Gioconda, las palabras de AgostinoVespucci, Antonio de Beatis, Giorgio Vasari, Cassiano dal Pozzo y elAnónimo Gaddiano no coinciden.¿A qué retrato se refieren cada uno de ellos? ¿Al cuadro que exhibe elMuseo del Louvre en París y que mundialmente se reconoce como LisaGherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, o por el contrario alretrato que hoy en día cuelga en las paredes del madrileño Museo delPrado? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esas imágenes con elresto del imaginario de la Gioconda, tales como La Mona Lisa deIsleworth o La Monna Vanna? ¿Es Leonardo el creador de cada una de estasrepresentaciones femeninas? ¿Cuáles son los enigmas que esconde laGioconda y cómo se gestó su ascenso meteórico a la fama?A través de estas páginas examinaremos la situación global del rolfemenino en el Renacimiento, descubriremos a mujeres brillantes que lahistoria eclipsó, pondremos en valor el papel de la mujer en laevolución del retrato en la Historia del Arte y analizaremos todas lasteorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado entorno a la representación femenina en la obra Leonardo da Vinci con elpropósito de encontrar la verdadera identidad del retrato más conocidode la historia de la humanidad: la
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Como bien detectó en su momento Walter Benjamin,Charles Baudelaire (1821-1867) encarnó todas las tensiones y contradicciones de la modernidad, época (enelsentido lato de la palabra) de la cual fue uno delosprincipales alumbradores. Obra clave para
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El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje. Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma. La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.
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Es la veneciana, la pintura de mayor goce visual: alcanza a todas las demás escuelas e incluso supera a la mayoría de ellas, en lo que a valor se refiere, por la simple abundancia de ideas pictóricas, por su sensualidad y por la proverbial primacía del
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La primera recopilación sistemática y exhaustiva de todo lo que JohnBerger ha escrito sobre los artistas. Una personalísima historia delarteSiempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presentaJohn Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas.Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría decrítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo hasabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que haaportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visualy su papel en la cultura contemporánea.Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen deforma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistasque le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras.Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aunen vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcandesde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta eladvenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los delsegundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hastaRanda Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos sedesprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Bergerque durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores adistintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindiblepara conocer el legado de Berger.
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