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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Ya sea saltando las grietas, saludando a las urracas o tocando madera, todos buscamos la buena fortuna realizando curiosos rituales. Pero, ¿hay algo de saber ancestral tras el folclore de las supersticiones?En este recorrido, exquisitamente ilustrado, a través de siglos de tradición, Willow Winsham explora los misteriosos orígenes de cien de las supersticiones más enigmáticas de todo el mundo.
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Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
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La época actual se puede denominar barroca sobre todo por la complejidad de sus construcciones visuales. Todos los demás factores que también contribuyen a hacerla barroca giran en torno a este eje cultural, estético y cognitivo que resulta de la transición de una cultura basada en el texto a otra fundamentada en la imagen. La imagen contemporánea es más un campo de significado que en un medio concreto, ya que no solo existen muchos tipos de imagen, sino que hay que contar sobre todo con el hecho de que muchas de ellas poseen movimiento y van acompañadas, ademas, de sonido. El barroco actual surge del ecosistema que configuran una realidad compleja, una imagen compleja y un sujeto complejo, todos ellos en constante interacción transformadora que catalizan las tecnologías de la imaginación.
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Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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La flauta mágica es la ópera más popular de Mozart, a pesar de que su acción plantea grandes enigmas. ¿En qué país una astuta serpiente hace de las suyas en los aledaños de un Templo de la Sabiduría? ¿Quién es bueno y quién malo? ¿Qué significa la prueba del fuego y del agua? Los contemporáneos de Mozart supieron orientarse en este mundo, pues en la historia de las dos desiguales parejas descubrieron alusiones a la francmasonería, a las concepciones de ésta sobre el antiguo Egipto y a los cultos mistéricos a él ligados. El gran egiptólogo Jan Assmann nos cuenta La flauta mágica escena por escena, mostrando lo estrechamente conectadas que la acción y la música de la flauta mágica están con la fascinación que el antiguo Egipto y los cultos mistéricos ejercieron sobre Mozart y sus contemporáneos. Y de repente esta historia deja de parecernos tan enigmática. Más bien asistimos a la transformación de los actores en el escenario, entre dudas y pruebas, en hombres ilustrados, y nosotros mismos nos convertimos en parte de la historia, ya sea un teatro de ópera como ante un equipo de música. Estamos, pues, ante un libro que vuelve a abrir los ojos y los oídos a una ópera que hace mucho que creíamos conocer.
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Como podrá comprobarse con echar un rápido vistazo al índice, el lazo que anuda la diversidad de artículos recogidos en el presente libro no se limita a su temática. Lo que, y, sobre todo, anuda, son ciertos motivos y motivaciones. Y es que el empeño que destilan las páginas que el lector tiene frente a sí no es otro que el de seguir pensando nuestras instituciones, esforzándose por proponer formas de institucionalidad que respondan a las transformaciones de la época en que vivimos y a los retos que ella conlleva. En este sentido, el objetivo que el libro se impone es el de profundizar en el conocimiento de las transformaciones y alteraciones que sufren las instituciones contemporáneas, las profesiones (tan ligadas a formas de institucionalidad), el estado de derecho y de bienestar o las políticas públicas, sociales y educativas. Profundizar en el conocimiento de lo que (nos) acontece, como no puede ser de otro modo, para extraer todas sus consecuencias y, en última instancia, orientar otras concepciones y otros modos de acción.Desde distintas disciplinas científicas, las y los autores de cada uno de los textos aquí recogidos apuestan por una investigación de las prácticas sociales en y desde las mismas prácticas, articulando el trabajo de problematización teórica y la orientación de la intervención en instituciones y organizaciones sociales y educativas.
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Publicado con motivo de la exposición Reversos, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 7 de noviembre de 2023 y el 3 de marzo de 2024.En Las meninas, Velázquez nos mira desde detrás de un gran lienzo del que solo vemos la trasera y que ocupa buena parte de la superficie pictórica. Con esa tela clavada a un bastidor de madera el pintor nos habla de la imagen como artificio y nos abre una puerta hacia una dimensión secreta. La exposición Reversos va más allá de la simple acción de girar los cuadros. El Museo del Prado hace con ella una reevaluación integral de los reversos de sus colecciones e identifica en otros grandes museos elocuentes ejemplos que demuestran cómo se enriquece la apreciación de las obras de arte cuando no nos limitamos a mirarlas de frente. Al voltear esas obras, pervirtiendo así su frontalidad convencional, y al obligarnos a rodearlas asumiendo como espectadores un rol más activo, insertamos en el museo experiencias contemplativas que reivindican ese lado de la pintura al que no llega la luz.El catálogo incluye textos de Ramón Andrés, Ana González Mozo, Antonio Muñoz Molina, Victor I. Stoichita y el propio comisario de la exposición, el artista Miguel Ángel Blanco.
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El libro que fascinó a la realeza europea del Renacimiento.Si amas la Astronomía, las Matemáticas o la Ciencia, este pedazo de la Historia es para ti.Corría el año 1540 cuando el intelectual alemán Petrus Apianus diseñó para la realeza europea un singular tratado sobre Astronomía: el Astronomicum Caesareum. Este manual explicaba con sencillez la Astronomía del siglo XVI e incluía detalladas ilustraciones de la bóveda celeste y discos móviles que permitían identificar rutas de cometas o pronosticar eclipses.Gracias al Astronomicum Caesareum, Petrus Apianus fue capaz de determinar las fechas de nacimiento de la realeza europea. Ello le permitió ser nombrado Matemático Imperial y recibir financiación para seguir estudiando Matemáticas y Astronomía durante toda su vida.Hoy, cinco siglos después, el mundo reconoce el legado de Petrus Apianus dando su nombre a un cráter de la Luna y a un asteroide. 1540: una odisea del espacio es un homenaje a este genio del Renacimiento, un tesoro de la Historia para aquellos que, como Petrus Apianus, aman las Matemáticas, la Astronomía y la Ciencia.
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Con un enfoque transversal dividido por temas, ofrecemos una nueva perspectiva de comprensión en este volumen que presenta el arte del shunga como un fenómeno artístico, histórico y social. Como expresión de un período específico en la historia del arte japonés, los grabados eróticos continúan fascinando, quizás por su apariencia a veces sobrenatural, otras por su violencia, pero siempre por su sensualidad.
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Animales, arquitectura arte y construcción. Un recorrido por las relaciones entre naturaleza y creación humana desde las construcciones biomiméticas.El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.
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Se ofrecen más de 100 juegos de música y sonido que desarrollan capacidades diferentes (juegos de confianza, juegos de audición, de concentración, de expresión e improvisación,...).
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Aunque nos gustaría cartografiarlo de forma minuciosa, el cuerpo humano siempre se ha resistido a ofrecernos un mapa definitivo de sí mismo. Lo único que tenemos de él son retazos y jirones, invitaciones a la digresión y al ensueño. El ensayista Pablo Maurette y el artista Julio César Pérez se han embarcado en esa aventura cartográfica asumiendo de antemano la derrota de toda pretensión universal y han compuesto un atlas del cuerpo tan fragmentario como deslumbrante: un itinerario que se sirve de la historia de la ciencia y de la historia del arte, pero también del detalle y lo particular, de la anécdota prosaica, del asombro y la melancolía, para invitarnos a reflexionar sobre la materia de la que estamos hechos.
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La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
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La historia del siglo XX muestra que hasta prácticamente los años sesenta, cuando emerge la contestación gay, lésbica y trans en las calles, la representación de la diversidad sexual se mueve en líneas generales en el ámbito privado, en la ocultación, en la vergüenza. No obstante, diversas manifestaciones artísticas lograron abrirse paso, en determinados círculos y sin llegar al gran público, para que los artistas pudiesen expresar su identidad sexual con la discreción obligada por la moralidad imperante.Es el caso de Duncan Grant, Romaine Brooks o Claude Cahun en la primera mitad del siglo pasado. El pudor se rompió a lo largo de los años setenta con el surgimiento de colectivos homosexuales que irrumpen en la vía pública tanto en Nueva York como en París, Santiago de Chile o Barcelona. Paralelamente, algunos artistas como Robert Mapplethorpe, censurado por los sectores más conservadores y ultrarreligiosos, mostraba en sus imágenes una sexualidad inconcebible para la sociedad mojigata. Los años ochenta y noventa afianzaron el retorno de las políticas sexófobas al convertir el sida en una condena moral.En esos tiempos tan duros emerge la denominada teoría queer y una pléyade de artistas inconformistas ponen de manifiesto sus deseos heterodoxos, sus formas de vida alternativas a la familia nuclear. El binomio de género (hombre/mujer, masculino/femenino) es puesto en tela de juicio, como puede verse en el espacio abierto del arte, donde las transgresiones adquieren fuerza y visibilidad. Un mundo perseguido ofrece un completo panorama de la diversidad sexual en las manifestaciones artísticas del siglo xx, en el que el título alude tanto al deseo de conseguir una vida en la que prime la libertad y el respeto a la diferencia como la realidad de que la diversidad sexual ha sido –y sigue siendo– amordazada, patologizada y condenada por las leyes y las normas sociales.
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The first comprehensive monograph on one of today’s most innovative and successful painters – made in close collaboration with the artistDefined by bold brushstrokes, a dynamic use of color and imaginative compositions, the paintings of Dana Schutz are panoramic expanses that offer visions of humanity in all its complex facets. Her deeply subjective approach, untethered from realism, translates into images that seem to exist in a place that transcends time while celebrating the intrinsic qualities of her medium of choice with freedom and intelligence. As the artist herself stated, ‘I’m interested in painting as an affective place where the hierarchies of the world can be rearranged within the space of a painting.’ This first comprehensive monograph on her work was created in close collaboration with the artist and features a number of never-before-seen paintings and drawings.
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La obra de este arquitecto, ingeniero y artista plástico valenciano ha traspasado fronteras desde los inicios de su carrera. En España le lanzó a la fama la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia y desde entonces ha estado a la cabeza de grandes obras, como complejos urbanísticos, puentes, torres o arte cinético, por todo el mundo.
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A guide to the art, artists, and culture of graffiti from the 1970s to today, as told by the taggers themselves.This major co-publication with the Museum of Graffiti chronicles the worldwide graffiti movement from its birth in the 1970s, through the street and train painting of the 1980s, to its emergence as an artistic genre admired in museums and sold at auction. With hundreds of never-before-seen photographs of graffiti art from the 1970s to today, many of which have been provided exclusively for this volume by the artists themselves, the book gives an insider’s view through multiple interviews with celebrated graffiti artists, including Roger Smith of Sane Smith, Hotboy Hert, DESA, Shirt King Phade, RIME, MadC, Saber, AURA, and others.Told through essays, hundreds of images, and interviews with the artists – both the underground outlaws and the writers who went mainstream – The Wide World of Graffiti will become the standard-bearer of the art form’s history and life today, a unique contribution from the first and only museum dedicated to graffiti as an art form.
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¿Cuándo comenzó la música? Esta pregunta guía a Ramón Andrés desde el originario encuentro del hombre con el sonido hasta la obra de los compositores contemporáneos, desde China y Mesopotamia, pasando por la India, Egipto, Grecia y Roma, hasta el Occidente moderno, a través de la magia, la medicina, las matemáticas y la astronomía. 'El mundo en el oído' es un estudio extraordinariamente documentado y también un intenso recorrido por un arte que, siglo tras siglo, se ha revelado como una insustituible fuente de conocimiento y deleite.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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Esta obra es una selección de estudios sobre las complejas relaciones entre la imagen y el lenguaje, y sobre las dependencias ideológicas nacidas de su relación. El planteamiento de cada uno de los trabajos que se recogen aquí aborda transversalmente trasfondos metodológicos de máxima actualidad derivados de las crisis de las disciplinas que se venían encargando de analizar las prácticas artísticas, las instituciones culturales, los imaginarios globalizados y las formas de comunicación masiva inscritas en nuestras narrativas actuales.En todos estos casos, se impone una aproximación intermedial para analizar con nuevas herramientas y perspectiva suficiente fenómenos dispares pero unidos por esta dimensión migrante entre diversos soportes, medios y contextos institucionales. En este volumen podrá encontrarse una propuesta de análisis liberada de determinismos históricos, centrada en la capacidad de los casos de estudio, con independencia de su ubicación o su distancia histórica, para revelar las pervivencias actuales de estos mecanismos de interacción imagolingüísticos.
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La monografía definitiva sobre uno de los artistas más venerados de nuestro tiempo.Ellsworth Kelly será recordado para siempre como uno de los artistas más distintivos e influyentes de nuestro tiempo. Este libro, el último creado en estrecha colaboración con el artista, mapea su prolífica y diversa obra desde la década de 1940 hasta sus proyectos finales antes de su muerte a finales de 2015. Con una portada recientemente diseñada, esta edición de tapa dura lleva el volumen aclamado por la crítica de Tricia Paik a un nivel superior. nueva audiencia de lectores.
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Recientemente, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, con la intención de hacer el Arte Moderno y Contemporáneo más accesible al público, decidió dedicar una sala a facilitar ese acceso. El texto que se encuentra en la entrada de dicha sala anuncia: “Se ofrece aquí a los distintos tipos de visitantes una variedad de materiales que les ayude a comprender las obras de arte, ampliar sus lecturas, conocer mejor a sus autores y sus procesos creativos y situar el contexto histórico y social, con el fin de potenciar la experiencia estética.”
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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En Palma de Mallorca, en la imaginaria 'playa' que rodea el homérico Mediterráneo, Joan Miró instalará en 1956 su taller definitivo. Desde ahí trabajará para devolver a su arte la fuerza de la voz coral, capaz de someter, con la memoria de la historia y el gesto del oficio, la materia a las formas del espíritu.
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Punto de partida. Colección Isabel y Agustín Coppel forma parte de la línea expositiva de arte contemporáneo organizada en la Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander. La muestra recoge una selección de obras de la colección del matrimonio Coppel, una de las más importantes colecciones mexicanas de arte contemporáneo internacional.
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This catalog presents the works of the Hochschild Collection, one of the most important in Peru, and the only one that so far has been devoted almost exclusively to the production of Modern and contemporary art of the Andean country. The Collection will be shown in an exhibition, taking place in Madrid at the Sala Alcalá 31 from the 21st of February.
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UN LIBRO PARA SWIFTIES Mucho más que una superestrella de la música, Taylor Swift es un auténtico fenómeno cultural que ha marcado una época, evolucionando de joven promesa del country a icono mundial del pop. Con su estilo único de contar historias y sus espectaculares actuaciones en directo, Taylor Swift, artista estadounidense nacida en 1989, ha cautivado los corazones de millones de fans de todas las edades, contando historias de amor, dolor y crecimiento personal que resuenan universalmente. The Tortured Poets Department, su undécimo y último álbum, salió a la venta a mediados de abril de 2024 y se descargó más de 200 millones de veces en 12 horas sólo en Spotify, con récords absolutos también en plataformas como Apple Music y Amazon. Desde la portada de Time a los premios Grammy, pasando por la conquista del Top Ten estadounidense con 5 álbumes –una hazaña que antes de ella sólo había logrado Prince en los días posteriores a su muerte–, Taylor Swift sigue acumulando premios y reconocimientos, dominando las listas de éxitos y el corazón de sus muchos fans, sin nadie que pueda hacerle sombra.
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Alexandru Tone interpreta mediante collages 25 greguerías, breves piezas literarias que constituyen el rasgo más original de la obra de Ramón Gómez de la Serna Un libro para disfrutar de encuentros naturalmente inesperados entre realidad e imaginación de dos artistas cuya obra despierta el asombro en el espectador.
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En Artesanía de China podemos encontrar la larga historia de los objetos artesanos, desde las piezas laqueadas, pasando por hermosos ropajes y adornos con piel de pescado, elegantes cerámicas tricolor hasta las espléndidas telas estampadas al índigo, bolsas perfumadas... Paseo por los cuatro puntos cardinales.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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Una corriente oculta de pensamiento ha avivado las llamas de la creatividad y del arte durante siglos, impulsando la creación de obras que conectan y dialogan con distintas ramas del conocimiento esotérico y de la filosofía oriental. Accesus ad veritatem nos ofrece una puerta privilegiada de entrada a estas fuentes de inspiración y reflexión, mediante un abanico de estudios que arrancan en la primera mitad del XIX (con la figura visionaria de William Blake) hasta llegar a los últimos compases del siglo XX (con la inspiradora combinación de tecnología y Budismo Zen en la obra de Nam June Paik).Entre medias, Iñigo Sarriugarte alumbra la estrecha conexión de las Vanguardias Históricas con la teosofía y la antroposofía, el potente vinculo de ciertos artistas con el ámbito de la mediumnidad y el espiritismo, o la atrevida exploración de la cuarta dimensión en el Cubismo o en el legado de Mondrian o Malevich. Además, este volumen ilustra la continua experimentación de otros muchos creadores, marcados por la interrelación del arte, la ciencia y la espiritualidad. Y ofrece también una aproximación a la pintura sanadora de Emma Kunz, el chamanismo performativo de Joseph Beuys o el influjo determinante del pensamiento oriental en el movimiento Fluxus, entre otros.
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Animales y seres fantásticos del mundo antiguo al Medievo cristiano. Incluye coda final con imágenes y equivalencias simbólicas de los animales y seres fantásticos que conforman el bestiario.Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo cristiano románico no sin resistencias y críticas. No obstante, cuando se sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales -tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, empiezan a plagar capiteles, canecillos, metopas, tímpanos, arquivoltas, muros, pilas bautismales, objetos litúrgicos y una incontable serie de soportes que, lejos de la mera función ornamental, aportan un significado simbólico cuyo sentido trata de desentrañarse en este libro.El bestiario fantástico es uno de los motivos escultóricos que más interés genera, y el que mayor efecto de intimidación provoca en el hombre medieval. Estas peculiares e imaginativas bestias nacían por combinación de partes de animales diferentes, creando estampas, en ocasiones, atroces. Los animales podían ser representados solos, en lucha entre sí o con hombres indefensos, siempre con el objetivo de conmover y motivar al creyente en su esfuerzo por evitar las tentaciones y renegar del pecado.Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal. Las aves como la cigüeña, el águila o la paloma simbolizan el anhelo del espíritu por alejarse de lo terrenal en busca de valores más altos. El león, por su parte, representa nobleza y fuerza. Son animales que ''guardan'' el templo. No impiden el paso al recinto sagrado pero advierten que el umbral divide lo sagrado de lo profano. Por el contrario, en la nómina de los animales relacionados con el mal aparecen el mono, como caricatura grotesca del hombre, la serpiente, símbolo del pecado y del demonio, la liebre y el conejo asociados con la concupiscencia por su fertilidad, el jabalí y el cerdo por ser lujuriosos, sucios y perezosos...Esta obra es una verdadera guía sobre todo ese bestiario a través de un proceso de deconstrucción de su significado que, en ocasiones, se remonta a nuestro pasado más arcaico. Un viaje a través del arte, de los mitos, leyendas y tradiciones populares en cuyos contenidos se encuentra buena parte de nuestras principales preocupaciones existenciales.
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En enero de 2015, a Iván de la Nuez le fue extendido en La Habana, desde los Servicios Necrológicos de una funeraria, su certificado de defunción. Un hecho insólito, atribuido a un «error burocrático». Después del shock inicial ,¿cómo se puede salir del país estando muerto, qué mente enferma es capaz de fraguar una broma así, cómo «volver» legalmente a la vida?
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Los Brincos (Juan Pardo, Antonio ''Junior'' Morales, Manolo González, Fernando Arbex) aparecieron a finales de 1964, a imagen y semejanza de los Beatles, dominadores del panorama pop mundial. El sello Zafiro-Novola puso en órbita a su nueva banda tratando de emular a los de Liverpool, con buenas canciones beat originales e inequívoco aire español. Esta es la historia de Los Brincos, el mejor grupo pop español de los sesenta, pero también de sus múltiples historias vividas: grabaciones, actuaciones y sus éxitos, desde el punto de vista de los propios músicos, junto con la copiosa hemeroteca disponible. Los Brincos forman parte de nuestro imaginario colectivo cultural pues con ellos arrancó la música moderna, liderando con autoridad aquella primera edad de oro del pop-rock nacional.
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