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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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La Barcelona actual, a través de los cinematográficos ojos de Loquillo. Paseo de gracia, más allá de una autobiografía, es un recorrido por la ciudad de Barcelona, por sus calles y su esencia. Por todos los cambios y evoluciones que ha vivido la Ciudad Condal y quienes viven en ella. La propia historia, pasada y presente, de Loquillo es parte intrínseca de esa ciudad y la influencia en su arte es palpable. Paseo de gracia también rescata aquellos artistas, de diversos ámbitos, que ayudaron a conformar al Loquillo actual. Todo ello es narrado con un estilo muy lírico y que se dirige al lector para hacerle partícipe de toda esta historia. Además de un testimonio de su evolución y crecimiento como artista, es un homenaje a su ciudad y a sus raíces, aquella que lo vio convertirse en un icono del rock español.
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El texto plantea diversas estrategias para desarrollar propuestas curriculares más efectivas a través del arte. Propone explorar un enfoque basado en proyectos para la formación de docentes en educación artística. El objetivo principal es estimular una reflexión sobre la educación artística y la cultura visual, proponiendo prácticas que se enfoquen en los métodos de enseñanza y aprendizaje, así como en la generación de nuevas formas de pensamiento, acción, sentimiento y percepción desde la experiencia personal de los individuos.
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La colección de Bishop Auckland ofrece un recorrido casi enciclopédico por la escultura española desde la Edad Media hasta el siglo XIX, tanto por cronología como por temática. Muchas de las piezas, la mayoría de carácter religioso, estaban policromadas y doradas en origen, ya fuesen destinadas al culto privado, a una iglesia o a una portada arquitectónica. El presente catálogo constituye el primer estudio sistemático de este interesante conjunto de obras -algunas muy enigmáticas- y analiza en el contexto del arte español tanto a los artistas que las crearon como su estilo y su iconografía.
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A quién va dirigido el libro El sexo en tiempos del románico?Este libro está dirigido a un público amplio interesado en la historia, el arte y la cultura medieval, especialmente en el periodo románico. Se dirige a lectores que deseen explorar una nueva perspectiva sobre la sexualidad en la Edad Media, desafiando las interpretaciones tradicionales y ofreciendo una visión más compleja y matizada. Es de interés para estudiantes, investigadores, aficionados a la historia del arte y a cualquier persona curiosa por conocer una faceta poco explorada de la sociedad medieval. La obra se presenta como un ensayo accesible, aunque también puede ser de utilidad para estudiosos del tema.Temas que trata el libro El sexo en tiempos del románicoEl libro El sexo en tiempos del románico se centra en el análisis de las representaciones sexuales presentes en el arte románico, específicamente en las iglesias y sus elementos arquitectónicos. Se exploran las siguientes temáticas:Representaciones explícitas de la sexualidad en el arte románico: Se examinan las imágenes de vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito que aparecen en portadas, capiteles y canecillos de las iglesias románicas. Se analiza la frecuencia y la variedad de estas representaciones, así como su contexto artístico y cultural.Interpretaciones históricas de las imágenes sexuales: Se cuestionan las interpretaciones tradicionales que ven estas imágenes como simples representaciones del pecado, proponiendo una lectura alternativa que las sitúa dentro de una visión más abierta y compleja de la sexualidad medieval.El sexo como herramienta de poder político: El libro argumenta que la sexualidad (o su ausencia) jugó un papel crucial en las luchas de poder político entre las élites sociales durante los siglos XI y XIII. Se analiza cómo las representaciones sexuales se utilizaron para legitimar el poder y las relaciones sociales.La perspectiva de género en el arte románico: Se considera el papel de las mujeres en la creación y el significado de las imágenes sexuales románicas, explorando la participación femenina en la construcción de las iglesias y su influencia en la iconografía.Desafío a la lógica actual: El libro invita a replantear la forma en que entendemos la sexualidad en la Edad Media, confrontando las interpretaciones modernas con la evidencia proporcionada por el arte románico.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El sexo en tiempos del románicoSe han encontrado algunas opiniones positivas que destacan la amenidad y la documentación del libro, así como su capacidad para sorprender al lector y cambiar su percepción de la sexualidad en la Edad Media. Otras opiniones señalan la originalidad del enfoque y la rigurosidad de la investigación. Sin embargo, se precisa de más información para ofrecer un resumen completo de las críticas y valoraciones.
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Rafael Canogar es, sin duda alguna, uno de los pintores contemporáneos más importantes del arte español. En 1957 Canogar funda junto con varios pintores -Luis Feito, Antonio Saura, Manolo Millares, Martín Chirino, Juana Francés, Manuel Rivera, Manuel Viola y Pablo Serrano- el grupo El Paso , y participa activamente en la realización de exposiciones, manifiestos, publicaciones y textos que describen la propuesta artística del grupo.En el caso de la obra y trayectoria de Rafael Canogar (Toledo, 1935), todo se vuelve magia y sorpresa. Su vocación pictórica temprana fue atípica en el panorama español, su evolución a lo largo de siete décadas, sorprendente. Su importancia no solo es capital para España, sino también para Europa y América. Canogar es un artista dotado, dueño de un mundo de formas e imágenes monumentales, contemporáneas y del pasado, que otorgan sentido crítico a su pintura. Toda su obra es una metáfora interminable.
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En movimiento es el título de la primera exposición temporal de la Galería de las Colecciones Reales. Pero es además, o sobre todo, una metáfora de la propia Galería y de la transformación que este proyecto está impulsando en Patrimonio Nacional. Esta muestra exhibe una cuidada selección de los ejemplos más relevantes de la colección de vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional en su contexto histórico. Adentrarse en la museografía es hacer un viaje a lo largo del tiempo, asomarse a través de esas ventanas que se evocan en el montaje y conocer la evolución de unas piezas que aunaron utilidad práctica, comodidad, tecnología y belleza. Se trata de una de las mejores colecciones de Europa en su género y los carruajes que la componen tuvieron, además, un excepcional protagonismo en la vida cotidiana de la corte. Sabido es que, durante siglos, la corte española fue itinerante y que este fue uno de sus aspectos diferenciales respecto a otras cortes europeas. Hoy en día, muchos de esos vehículos se han musealizado, mientras que otros aún sirven para las ceremonias oficiales.
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Winterreise és un cicle de lieder que evoca el viatge emocional d'una ànima turmentada per la melangia i la desesperació. En diàleg amb l'obra mestra de Schubert, Joan Fontcuberta trasmuda aquests sentiments en imatges que il·lustren una memòria fràgil com el glaç que es fon. Perdre els records és també endinsar-se en l'hivern fosc de l'esperit. Què som sense la llum de la memòria? Aquí, fotografies que s'esvaeixen, tràgicament amnèsiques però d'una bellesa que trasbalsa, emprenen el seu propi viatge d'hivern, tot resseguint el rastre intens dels versos i la música del Winterreise.
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En este catálogo destaca la diversidad de materiales y técnicas que el artista exploró a lo largo de su carrera. Cada pieza es un testimonio de su búsqueda incansable por entender y expresar la relación entre el espacio, la materia y el tiempo. En las décadas de los ochenta y noventa, las obras de Eduardo Chillida se transformaron a través de su diálogo con la arquitectura, un intercambio que marcó su evolución artística y dejó una huella indeleble en su legado.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velázquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artístico, y tener un incalculable valor histórico. PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacío de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artísticamente y olvidadas históricamente. En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gállego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.
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El Arte de Retorno se explica a partir de las relaciones comerciales que tienen América y Europa, haciendo hincapié en la circulación bidireccional de obras, artistas, modelos iconográficos y estéticos. A su vez, las islas Canarias funcionan como lugar de paso obligatorio para navíos que hacían la ruta atlántica en ambos sentidos, estableciéndose como filtro, además de como laboratorio artístico y urbanístico. Esto hace que en el Archipiélago no tengan peso regulaciones gremiales y ordenanzas que controlen el trabajo de arquitectos, escultores, pintores, orfebres y creadores de toda índole, sino que, en su versión más libre y sin pasar necesariamente por la categoría de maestros, podían firmar contratos y dar rienda suelta a su creatividad. Esta efervescencia cultural e intelectual durante los siglos xvi, xvii y xviii impactará en los canarios, en su manera de ser y hacer, y generará un patrimonio cultural único. Al mismo tiempo, el isleño muestra desde los inicios de su historia un sentido de hermanamiento con los virreinatos y capitanías que no decae con la secularización de las sociedades en el siglo xix ni con la independencia de las colonias americanas. Aunque exista una intelectualidad decimonónica que mira a países culturalmente boyantes como Italia o Francia, las clases más bajas seguirán leyendo en clave colonial y consumiendo obras de arte de clara querencia virreinal. El concepto de 'ida y vuelta' que engloba obras, artistas y modelos continúa hasta bien entrado el siglo xx y puede extrapolarse a otras relaciones entre regiones que, sin contar ya con Canarias, pero dentro del mundo del arte, se adhieren a la idea de Arte de Retorno y los posibles ecos que éste deja en manifestaciones artísticas contemporáneas, así como en la fotografía y en el cine.
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Carlos Marín: una voz eterna, un legado inolvidable.Uno de los cantantes españoles más brillantes de este siglo, Carlos Marín alcanzó renombre internacional como componente de Il Divo, cuarteto de crossover con el que vendió más de 30 millones de discos en todo el mundo y recorrió con ambiciosas giras los cinco continentes. Pero fue mucho más: un prominente artista de ópera, zarzuela y musicales que destacó también por discos y conciertos en solitario. Fallecido inesperadamente el 19 de diciembre de 2021, con solo 53 años, su recuerdo se mantiene imborrable en cada rincón del planeta donde apreciaron su enorme talento. A través de entrevistas a miembros de su familia, su exesposa (Geraldine Larrosa, conocida en la música como Innocence), el magnate Simon Cowell, fundador de Il Divo, y personas que fueron importantes en su carrera, este volumen repasa con minucioso detalle desde sus inicios como intérprete infantil a su gloriosa etapa en el grupo que le brindó fama global, e indaga en su parcela personal: su infancia en Alemania, donde nació, su singular historia de amor con Larrosa, su noviazgo con la actriz india Kim Sharma, su relación con otros grandes de la música como Barbra Streisand, Céline Dion o Julio Iglesias, y sus últimos días de vida casi minuto a minuto.
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¿Cuáles son los misterios escondidos detrás de la representación del nacimiento de Jesús en los belenes contemporáneos? ¿Se llevaron a cabo en la Edad Media festividades desenfrenadas y juegos de pelota en las mismas catedrales que hoy admiramos por su esplendor arquitectónico? ¿Qué relaciones iconográficas vinculan a Jesucristo con personajes como Moisés y Alejandro Magno? Si en sus orígenes el término «gótico» se usaba para describir un «arte de bárbaros» porque se apartaba de la estética clásica, a partir del siglo XIX hasta la actualidad la visión cambió radicalmente. Esta corriente artística no solo nos brinda una visión del Medievo cristiano, cargado de simbolismo bíblico, sino que también revela sorprendentes similitudes con nuestra época: desde el egocentrismo hasta las supersticiones, pasando por el humor y las narrativas protagonizadas por bestias fantásticas. A través de una prosa erudita y asequible, esta guía divulgativa nos descubre los secretos de la iconografía gótica, desvelando cómo cada detalle alberga un mensaje metafórico que trasciende lo puramente visual. Carlos Taranilla nos invita a apreciar las catedrales góticas europeas como obras maestras del arte y símbolos vivientes de la búsqueda espiritual y la creatividad humana. Con Iconografía del gótico, el lector emprende un fascinante viaje a las profundidades de la mente medieval, donde la imagen no solo supera a las palabras, sino que encierra un universo completo de sabiduría y significado. «Estoy segura de que esta obra fascinará a quien la lea, tal y como me ha ocurrido a mí, al adentrarse en los misterios que acompañan a cada elemento arquitectónico, a cada escultura, a cada pliegue del manto o la sonrisa de esculturas de vírgenes, apóstoles o fieros animales». Del prólogo de Ester Muñoz de la Iglesia, diputada nacional por León.
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En nuestro siglo, las formas creativas y expresivas del dibujo se han multiplicado significativamente. La ilustración, el diseño, la gráfica descriptiva, el sketching, etc. parecen haber redescu¬bierto el dibujo, no solo como modo de representación, sino también como modo de acción, de acceso y relación con nuevas realidades. Los nuevos contextos de la ilustración gráfica, que vienen a ampliar aquellos en los que esta cumplía funciones editoriales, ornamentales, testimoniales, educativas, etcétera, se han vuelto especialmente noto¬rios dentro de las artes visuales, el diseño gráfico, el diseño industrial, de espacios, moda y arquitectura han rehabilitado el dibujo conce¬diéndole valor de relato, y volviendo así a proclamarse como arti del disegno, por su parte, dentro de los discursos del arte contemporáneo, el arte gráfico ha encontrado un espacio mucho más amplio, dejando atrás su tradicional estatuto de inconclusión o incompletitud. Todos estos desarrollos suponen modos de imbricación entre lo que podemos llamar dibujo-trayecto y dibujo-proyecto en tanto que ponen en rela¬ción las ideas que solo toman forma en la línea y desde la línea, y las ideas que se formalizan mediante la línea, el punto o el plano. En toda esta expansión de las formas y medios del dibujo las crea¬doras juegan un papel determinante. Existe cierta sincronía, cierta conexión lógica y efectiva entre esta emancipación del dibujo y la socialización de una nueva conciencia feminista, auténtico huma¬nismo de nuestro siglo. La autarquía del dibujo está necesariamente motivada por una liberación y transvaloración del acto mismo de dibujar, del gesto, de la acción y del cuerpo, y no solo por modifica¬ciones en las condiciones del medio (editorial, artístico, etcétera).
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La música, intangible, casi etérea, es hoy algo que, aunque accedamos a ella tanto como deseemos, no podemos ''poseer''. Hubo un tiempo en que sí: los años en que su formato era redondo, cuando tenías ''tu música'' en singles, EPs, LPs, CDs... En aquella época cuando la música ''se palpaba'', sus éxitos también se alcanzaban en forma de círculo perfecto: una discográfica creía en un artista, la radio decidía apoyarlo, el oyente disfrutaba escuchándolo y acudía a comprar sus discos a la tienda que los vendía. Cuando la Música era Redonda (Con R de Radio) te acerca a ese antes de la radio y de la música. Conocer cómo fueron no será solo un recuerdo para quienes lo vivimos, también servirá para allanar el camino entre los músicos de las nuevas generaciones y sus posibles audiencias. Las teclas a tocar han sido, son y serán siempre las mismas: ingenio, colaboración, intuición, inconformismo, tenacidad, y capacidad para arriesgarse, sorprender y generar oportunidades. Luis Merino, su protagonista, ha vivido en su trayectoria profesional todas las facetas de la música: desde la comunicación hablada, escrita y audiovisual a la intensidad de la negociación con las compañías discográficas, desde la producción y la grabación hasta la realidad de la música en directo, la organización de eventos o el management. Su carrera es un baile a tres con la radio y la música, cuyo máximo objetivo ha sido conseguir que los músicos obtengan el merecido reconocimiento por parte de los oyentes.
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70 fotografías para zambullirse, comprender el cosmos y conocer las técnicas con las que se cosecha la luz de la oscuridad. Imágenes del cielo que cuentan historias, evocan mitos, siembran preguntas y sueñan respuestas para mezclar divulgación con ficción. Delirio cósmico es un libro astrofotográfico de Oswaldo Felipe Royo, ilustrado con textos del propio autor, imágenes deslumbrantes y palabras que son hallazgos, pensamientos poéticos, referencias mitológicas, delirios creativos de un espíritu inquieto, un actor y contador de historias de la PAI (Promotora de Acción Infantil) de Zaragoza, que inventa artilugios, captura estrellas y desvela constelaciones.El libro, editado en tapa dura, está protagonizado por imágenes de astrofotografía acompañadas cada una de ellas por un sugerente y breve texto, contenidos principales a los que se suman un apéndice de Datos cuerdos, con los datos reales de cada una de las imágenes (lugar, técnica utilizada, parámetros de la toma...) y otro apéndice de Tácticas y métodos, en el que el autor nos introduce de manera sucinta en los tres ámbitos básicos de la astrofotografía: la fotografía de cielo profundo, la lunar y planetaria y la de paisaje.Delirio cósmico no es un libro sobre técnica de astrofotografía, es un nuevo artilugio de Oswaldo Felipe para disfrutar, aprender y soñar planetas, estrellas y constelaciones. Un estupendo compañero para viajar por las noches de este año 2023 en el que Galáctica - Centro de Divulgación y Práctica de la Astronomía, ese fabuloso complejo creado a los pies del Observatorio Astrofisico Javalambre, en Arcos de las Salinas, abrirá su segundo espacio al público, y en el que la ciudad de Zaragoza acogerá el XXV Congreso Estatal de Astronomía, el último fin de semana de abril.
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En las páginas de esta práctica guía encontrarás, además de 33 propuestas especialmente indicadas para que los más pequeños se adentren progresivamente en el mundo de la montaña, un completo manual con información práctica, recomendaciones, curiosidades, consejos, juegos, actividades y datos útiles para convertir cada excursión en una pequeña gran aventura. Planos y descripciones de las rutas con más de 300 imágenes a todo color para no perder ningún detalle. Incluye tracks descargables a través de códigos QR.
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Santiago Calatrava es un arquitecto, ingeniero estructural, escultor y artista de fama internacional. Desde el Complejo Deportivo Olímpico de Atenas 2004 hasta el Centro de Transporte del World Trade Center en Manhattan, exhibe una extraordinaria destreza en lo estético y en lo ingenieril y una gran sensibilidad tanto para la apariencia como para la anatomía de una estructura.Sus influencias son muy variadas: El enfoque de Auguste Rodin de la escultura y la arquitectura, los principios del clasicismo y del arte cicládico griego, el diseño espacial de la NASA y una profunda admiración por la naturaleza, a la que considera madre y maestra. Así, las creaciones de Calatrava son a la vez aerodinámicas y orgánicas en sus asociaciones, con las formas naturales y el movimiento humano en el corazón de muchos de sus proyectos. Tiene un interés particular en el punto de encuentro del equilibrio y el dinamismo.Esta monografía reúne textos, fotografías y bocetos originales en acuarela que distinguen a Calatrava como un maestro creativo único. Incluye muchas de sus aportes a trabajos colaborativos y proyectos como la Estación Mediopadana en Reggio Emilia, Italia, el Museo del Mañana en Río de Janeiro, así como obras recientes, como el Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos en la Expo 2020 celebrada en Dubái, la Iglesia Griega de San Nicolás en la Zona Cero de Nueva York y Constellation, una gran escultura en el River Point Park de Chicago.
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Este primer artbook del célebre artista de medios mixtos Hieu Nguyen captura la esencia de su arte y su viaje creativo. Aunque vive en Melbourne, Australia, la obra de Hieu -conocido en el mundo artístico como Kelogsloops- ha cruzado fronteras, exhibiéndose en galerías de ciudades como Los Ángeles, Berlín, San Francisco y Sídney. Con una combinación única de acuarelas etéreas y vibrantes y un dominio de la pintura digital, Hieu funde su amor por el surrealismo y el anime japonés en cada una de sus piezas. Este impresionante libro de arte invita a los lectores a explorar su evolución artística, desde sus primeros trazos influenciados por el manga, enseñados por su hermana mayor cuando tenía apenas cinco años, hasta el momento en que conquista más de un millón de seguidores en Instagram y se consolida como una figura destacada en el arte contemporáneo. Hieu es, principalmente, acuarelista y crea obras que son a la vez delicadas y potentes, evocando sentimientos profundos de amor, nostalgia y dolor, esas emociones universales que solo el arte logra comunicar. Los seguidores de Kelogsloops y los amantes del arte en general encontrarán en estas páginas una mirada íntima a las fuentes de inspiración de Hieu y al proceso que hay detrás de sus piezas más icónicas. Con una producción de altísima calidad, este libro es una joya imprescindible para cualquier estantería, un homenaje visual que perdurará en el tiempo.
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Experience the boundless vision of one of the greatest architects, designers, and art directors of the 20th century. Gio Ponti is a book scaled to his kaleidoscopic universe. An unprecedented tribute to Ponti's achievements as ingenious publisher as well as timeless creator, this edition draws its reader closer to his work than ever before.
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En público es el noveno cuaderno de la colección de Cristóbal Hara Los ensayos banales. El lenguaje fotográfico, y en particular el lenguaje de la fotografía con ambición documental, está sujeto a múltiples reglas y convenciones. El trabajo de Cristóbal Hara gira en torno a la búsqueda de alternati vas a las convenciones de su época. En Los ensayos banales, el formato de ensayo, más conciso que el de un libro, le permite aislar y tratar diferentes aspectos del oficio de fotógrafo, ilustrándolos con imágenes, algunas conocidas y otras inéditas, realizadas durante sus más de cuarenta años de trabajo. Los Ensayos Banales tratan aspectos que tienen que ver con la creación de imágenes y con el oficio de fotógrafo.
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Fa més d’un segle, les pintures romàniques de l’absis de l’església de Santa Maria de Mur (Pallars Jussà) van ser arrencades i venudes als Estats Units, d’on no han tornat mai més. Aquest esdeveniment va suposar un punt d’inflexió en la preservació i la protecció de l’art a Catalunya, ja que, per evitar més casos com el de Mur, el Govern de l’època va ordenar arrencar la resta de pintures murals romàniques del Pirineu i d’altres zones del territori i les va dipositar a l’actual Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). ''Mur al descobert'' narra els fets de la redescoberta de les pintures i la seva arrencada i venda posterior. Tot de la mà de deu dels seus protagonistes: quatre excursionistes científics, un d’ells l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner, el president de la Mancomunitat, Enric Prat de la Riba, el col·leccionista Lluís Plandiura i Pou, Josep Farràs i Serradell, el mossèn que va vendre les pintures, els Steffanoni, els italians que van fer l’arrencament, Arthur Fairbanks, el llavors director del Museu de Boston, i Joaquim Folch i Torres, que va endegar la campanya de salvament.
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Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 25ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y a difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general.Los artistas seleccionados este año son: Álvaro Chior (A Coruña, 1992), Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994), Tana Garrido Ruiz (Tarragona, 1989), Marina González Guerreiro (Pontevedra, 1992), Isabel Merchante (Madrid, 1999), Mar Reykjavik (Valencia, 1995), Elián Stolarsky (Uruguay, 1990) y Javier Velázquez Cabrero (Madrid, 1990) y. Con textos de Ericka Flórez y Bruno Leitão.
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¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, comisariada por Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló, reúne a artistas cuyas obras están atravesadas por la idea de la generosidad. La exposición forma parte de la celebración del 25 aniversario de Generaciones, la convocatoria para jóvenes artistas de la Fundación Montemadrid, y presenta el trabajo actual de artistas que han sido parte de la historia del premio. En paralelo, la exposición se expande bajo el título ¿Adónde iré yo que no te lleve? a tres espacios independientes de creación y reflexión contemporánea cercanos a La Casa Encendida: Araña, Conciencia Afro y La Parcería.Con textos de Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló y Laurence Rassel.Incluye colección de 13 posters
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Ramón Gómez de la Serna glosa aquí la figura de ocho pintores, entre ellos, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Toulouse-Lautrec, Marc Chagall, Juan Gris o Dalí.“Un pintor es un punto de vista biográfico muy interesante para un escritor. Si lo ha conocido, si lo ha visto –a él además de su pintura–, tiene delante un personaje humano en pleno afán por detener la muerte, por salvar con más o menos delirio lo que se mira cuando aún se tienen ojos y se goza de esa pequeña inmortalidad que es la contemplación.”
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Se dice que Hokusai pintó su primer cuadro a los seis años. Un año después de su muerte, con 89 años, se publicaron póstumamente sus dibujos para libros ilustrados. Esta edición recorre cada una de las fases creativas de la larga y prolífica carrera del artista: desde los retratos de actores con los que se inició hasta los 1300 diseños realizados en sus últimos años bajo el nombre de Manji.Este volumen, que reproduce 746 xilografías, pinturas, bocetos e ilustraciones de libros, muchos de ellos con gran detalle, es la publicación más completa sobre el que posiblemente sea el artista más famoso de Japón. El atractivo de Hokusai como figura representativa del periodo Edo de Japón perdura hasta el día de hoy: en marzo de 2023 se publicó una versión de su icónica xilografía La gran ola de Kanagawa, de su serie Treinta y seis vistas del monte Fuji, que se subastó por 2,76 millones de dólares.Esta monografía va mucho más allá de La gran ola y presenta obras de arte familiares y otras menos conocidas y rara vez reimpresas. Titulada The (almost) complete Hokusai, ofrece una variedad inigualable de temas y técnicas: desde una vista de la cascada Kirifuri hasta mapas de gran formato de los caminos del Tōkaidō y del Kisokaidō y de la península de Bōsō, desplegables de libros ilustrados, entre los que se cuentan originales estampas eróticas (shunga) y manuales de dibujo, como los quince volúmenes Hokusai manga, y varias representaciones de animales, como sus diversas series de xilografías sobre pájaros y flores y sus posteriores pinturas en pergaminos colgantes de patos en medio de un arroyo y un tigre en la nieve.Tras un extenso trabajo de documentación, esta edición presenta nuevas fotografías de obras de arte conservadas en más de 100 instituciones de todo el mundo. Estas incluyen museos y colecciones de Europa, Estados Unidos y Japón, como el santuario Hiei en Kisarazu, donde con motivo de esta edición se volvió a fotografiar un panel que representa la caza de un jabalí al pie del monte Fuji.Los textos de Andreas Marks sitúan las obras de Hokusai en su contexto histórico y exploran su influencia en artistas occidentales como Degas y Gauguin, a pesar de que nunca abandonó Japón. The (almost) complete Hokusai combina la investigación rigurosa sobre la autenticidad del arte de Hokusai con reproducciones extragrandes, incluidos cuatro desplegables, para ofrecer un carnaval visual del Japón del periodo Edo y una valiosa obra de referencia académica.
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La amistad entre Friedrich Nietzsche y Richard Wagner dio lugar a una de las relaciones personales e intelectuales más sorprendentes y trascendentales de la moderna historia cultural alemana y europea, tal como queda reflejado en esta Correspondencia, de la que publicamos la edición más completa y definitiva.Todo comenzó en noviembre de 1868, y aunque su relación nunca fue simétrica, en poco tiempo aquel joven brillante y desgarbado que apenas comenzaba su andadura intelectual logró tal grado de intimidad con aquel genio polémico, consagrado y admirado por su música como para crear una «alianza» intensa y fructífera, que duró cerca de una década. Como apunta Miguel Ángel González Barrio en su prólogo, las consecuencias de aquel encuentro dejaron en Nietzsche una impronta indeleble y estuvieron presentes el resto de su vida, pese a la ruptura posterior y a la muerte del compositor.
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Con sus increíbles hazañas, dramas familiares, batallas trepidantes y cambiante magia, no es de extrañar que la mitología nos fascine a todos. Repleto de datos y profusamente ilustrado por alrededor de quince artistas de culturas de todo el mundo, Fabulosos inmortales presenta a más de ochenta de estos seres fantásticos. Explora las sobrecogedoras aventuras, los formidables poderes, los árboles genealógicos y los animales de compañía de deidades de más de treinta panteones, desde las deidades del fuego y el agua hasta las de la guerra y el amor.Contempla a Raijin, el terrorífico dios del trueno sintoísta, a Odín, el soberano nórdico tuerto, a Durga, la diosa hindú de la guerra con múltiples brazos, a Sedna, de los inuit, que gobierna los mares, y a Medeina, una protectora de los bosques lituanos siempre escoltada por una manada de lobos. Llenas de traición, intriga y hazañas imposibles, estas cautivadoras historias nos entretienen y, de paso, pueden ayudarnos a responder algunas de las preguntas más importantes de la vida.
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El presente volumen forma parte de la colección VEGAP CONTEXTOS que, resultado del ciclo CÍRCULO VISUAL organizado por VEGAP y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, tiene como finalidad desarrollar una amplia reflexión sociológica y de antropología cultural sobre el arte de nuestro tiempo y los diferentes aspectos de la fenomenología socioeconómica que se ciernen en su entorno en el presente capitalismo informacional. Así, y teniendo como eje vertebrador la inteligencia artificial (IA) y su interacción con la creación artística, Antón Patiño , escritor y artista, además de presidente de VEGAP, analiza la ambivalencia e incertidumbres que nos provocan estos importantes cambios. A continuación Valerio Rocco , filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, se centra en cuestionar el carácter innovador de la inteligencia artificial. Por su parte, Daniel Innerarity , filósofo, se instala en una posición ecléctica al valorar, sin efectismos ni mágicos ni apocalípticos, el fenómeno de transformación tecnológica que supone la inteligencia artificial. Daniel Canogar , creador visual, nos transmite sus reflexiones no solo teóricas, también empíricas, como artista que utiliza la IA como herramienta tecnológica para su trabajo creativo. Finalmente, Javier Gutiérrez Vicén, director general de VEGAP, recoge en su contribución distintos postulados e informaciones de carácter jurídico del fenómeno de la inteligencia artificial, su regulación en Europa, y los dilemas que plantea para los autores de obras de creación visual.
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Este libro no sólo cuenta la maravillosa trayectoria de un músico que, nacido en una oscura ciudad de Bohemia, llegó a convertirse en director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Además, relata una página fundamental de la historia de la cultura, la de la música a comienzos del siglo xx en la Europa central y, sobre todo, en Viena. Durante sus diez años como director artístico de la Ópera de la capital austríaca, Mahler suscitó entusiasmo y controversias apasionadas. Su matrimonio con Alma Schindler y los dramas de su vida familiar contribuyeron a su celebridad. Su obra –arraigada en las postrimerías del romanticismo pero destinada a desbrozar el camino de un nuevo lenguaje musical– y el prestigio de su persona lo convirtieron en una figura mayor de una ciudad como Viena, auténtico crisol de unas transformaciones artísticas e intelectuales que todavía hoy no dejan de fascinarnos.La publicación, entre 1979 y 1984, de los tres volúmenes que constituyen la gran biografía dedicada por Henry-Louis de La Grange a Gustav Mahler, supuso un auténtico acontecimiento, que contribuyó a revelar a un genio de la música con una vida fascinante y conmovedora, que aspiraba a que su obra reflejara «la creación entera» y que se convirtió en «un instrumento del universo». La necesidad de facilitar el acceso del mayor número posible de personas a tan magna empresa llevó a realizar una edición más breve que, sin ser esquemática, resumiera lo esencial de las casi cuatro mil páginas originales. El resultado lo tiene el lector entre sus manos: sin lugar a dudas, la biografía definitiva de uno de los compositores fundamentales de la historia de la música.
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Edición ampliada con intervenciones de Sara Mesa, Mariana Enriquez, Carla Simón, Pilar Pedraza, Christina Rosenvinge, Elisa Victoria y muchas más. «Un libro lúcido y valiente sobre cómo el cine de terror ayuda a pensar el duelo, la soledad, la violencia sexual, la locura y ese pavor que te sigue, de noche, en la calle oscura.» MARIANA ENRIQUEZ «Una visión del horror que duele por su honestidad y emociona por su belleza, que desenmascara aquello que esconde la oscuridad de un cine: que el alma de las películas de terror es inmensa, libre y, sobre todo, femenina.» J.A. BAYONA Tengo miedo a caminar sola de noche por la calle. Miedo a no ser aceptada. Miedo a obsesionarme con el amor romántico. Miedo a desactivar los roles tradicionales en mis relaciones sentimentales y familiares. Miedo a desear. Miedo a mi propio cuerpo y al ajeno. Miedo a engordar y envejecer. Miedo a fracasar como madre, y a la presión social por la maternidad. Miedo a la pérdida. Miedo, en general, a no estar a la altura. Tengo mucho miedo. Todo el rato. Pero el cine de terror me ha ayudado desde que era niña: a la vez que alimentaba mis temores y generaba muchos nuevos, me ha brindado un lugar en el que cobijarme, en el que aprender. Ahora que tengo más herramientas para combatirlo soy capaz de enfrentarme a él. De ganar al miedo.
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Si te interesan las historias entre bastidores, los negocios y el aspecto legal de la industria musical, este libro es para ti.Cuando un músico muere, rara vez es el final de su historia.Mientras que la muerte puede impulsar a las megaestrellas a un éxito aún mayor, los artistas ignorados en vida también pueden encontrar un nuevo tipo de fama. El coronel Tom Parker, antiguo mercachifle de feria, comprendió implícitamente esta cuerda floja, y la carrera póstuma de Elvis Presley ha servido de modelo para todos los demás. Los sellos tienen dos tareas: mantener vivo el nombre del artista y asegurarse de que sigue ganando dinero. A veces pueden ser objetivos compatibles, pero a menudo generan una tensión única en el negocio de la música. El libro abarca todos los ángulos imaginables, revelando cómo la industria musical se esfuerza en perfeccionar el negocio de la muerte.
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Aquest llibre és una introducció àmplia i accessible a la relació ambivalent entre cinema i política. Inspirant-se en la teoria crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), l'autor argumenta que el cinema és una eina clau tant en la construcció de l'autoritat política, la dominació, com en les crítiques de les injustícies en les societats contemporànies. Des d'aquesta perspectiva, Cinema i política inclou anàlisis precises dels clàssics del cinema occidental (Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnes Varda, Jean-Luc Godard), i adopta una visió global amb exemples del cinema africà, asiàtic o llatinoamericà (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, Glauber Rocha). El llibre comença cronològicament des dels inicis del cinema fins a finals del segle XIX, i avança a través de diferents períodes històrics que arriben fins als nostres dies amb l'anàlisi de pel·lícules recents com Joker (2010) i de sèries brillants com The Handmaid's Tale i Black Mirror.
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Descubrir al compositor y a la persona es fundamental para comprender la dimensión de la obra musical.Roberto Gerhard (Valls, 1896-Cambridge, 1970) es uno de los músicos españoles más importantes del siglo XX. A diferencia de sus coetáneos, es el único que, haciendo acopio de una gran valentía, solicitó a Arnold Schönberg ser aceptado como su alumno, lo que lo convirtió en el único discípulo español del maestro vienés. Tras formarse con Schönberg, apostó por la defensa y difusión de la «nueva música» (parafraseando a Adorno), tanto con su propia obra como con la organización de conciertos. Tras la Guerra Civil se exilió en Inglaterra, donde desarrolló el resto de su carrera profesional hasta su muerte.La correspondencia que aquí se presenta tiene un gran valor no sólo por poner de relieve la relación personal del compositor español con una figura clave en el desarrollo de la música contemporánea, sino porque en ella se recogen nuevos datos biográficos e historiográficos, así como cuestiones de índole musical (compositivas, teóricas, conciertos…) que son de gran importancia no sólo para entender la labor creativa de Gerhard, sino para dimensionar su papel de primer orden en la historia de la música española del pasado siglo.Este libro permite descubrir tanto al compositor como a la persona, cuestión fundamental para comprender en su justa medida la dimensión de la obra musical.
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En aquest llibre Joan Molet presenta la producción de l'arquitecte Pere Falqués i Urpí (1849-1916) conegut per a ver estat l'arquitecte municipal de Barcelona durant els anys del Modernisme.
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Carme Pinós, Premio Nacional de Arquitectura en 2021, además de ser una de las mejores arquitectas del mundo también desarrolla una interesantísima y personal labor de diseño de mobiliario y objetos.Este pequeño libro va recorriendo la doble condición de Pinós de homo sapiens y de homo ludens. Creadora incansable, parte a veces de un encargo y una necesidad concreta pero generalizable, otras de una idea luminosa que desarrolla como un divertimento personal y en ocasiones del deseo de extender la escala de la arquitectura hasta completar un ambiente, incorporando el mobiliario adecuado diseñado ex profeso. En estas páginas nos muestra, a través de diseños, muebles y objetos, su proceso creativo siempre vinculado al juego y a su propia cotidianeidad, comunicándonos de un modo sencillo y directo la riqueza de sus arquitecturas, mobiliarios y ambientes.
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