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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Versos de un joven poeta, de la colección «Poesía portátil», es una selección de los versos más representativos del gran poeta en lengua alemana del siglo XX, Rainer Maria Rilke, acompañada de su celebrada carta «Carta a un joven poeta».
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La obra de Juan Ramón Jiménez (1881-1958), inseparable de su vida, no conoce fronteras rígidas entre el verso y la prosa, nacidos de esa única fuente de inspiración 'que mana y corre'. 'Platero y y'o manifiesta esa indiferenciación básica a lo largo de las ciento treinta y ocho estampas del texto, un clásico de la literatura española desde su primera edición completa en 1917. La realidad cotidiana, desnuda de todo prosaísmo, queda elevada a su pura esencia lírica en estas pinceladas breves y cuidadosamente depuradas.
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Pere Gimferrer és, des de la dècada dels seixanta i setanta, un referent poètic per als lectorsáde poesia més inquiets. Barroc, avantguardista, formalista i provocador, no ha cessat d?investigarái de transformar-se artísticament. Escriptor de projecció europea, després de l?èxitáobtingut ara fa dos anys amb El castell de la puresa, Gimferrer torna a la poesia amb Marinejant,áque sorprendrà els lectors des de la citació inicial de Carles Riba: ?Vet aquí uns versosáhumans, fins i tot massa humans?.
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Són molts els poetes de casa nostra que s'han interessat per la forma poètica d'origen japonès més coneguda per la seva concisió: el haiku. Però fins ara no n'existia una antologia. El poeta, assagista i crític D. Sam Abrams ha fet una selecció de 112 anys de producció poètica de haikus a les terres de parla catalana.
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Por su estilización de la poesía popular, que busca conjugar una voz esencial y un lenguaje sencillo con imágenes sorprendentes y ala vez rompedoras, y por su elección de temas muy del gusto vanguardista, Surtidor (1928), el segundo poemario de la escrit
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Ahora más que nunca la reflexión sobre el arte se percibe inminente, y lo es porque el sentido mismo se ha evaporado, ha perdido suantigua pertinencia. «Hacer por hacer-nos dice Chantal Maillard- no produce más que insatisfacción.» La gran desventura de
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L'estudiós Sam Abrams ha preparat l'edició de la poesia reunida de Gerard Vergés. La breu i celebrada obra de Gerard Vergés no es pot trobar fàcilment a les llibreries, i menys de manera completa, en una edició fiable com aquesta, que incorporarà els últims canvis i poemes de l'autor.
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La Araucana es un poema épico que narra la guerra de los españoles contra los indios araucanos durante la conquista de Chile, en el siglo XVI. Alonso de Ercilla presenció los hechos que más tarde relatará, en verso, y con una clara intención literaria. El poema se publicó en tres volúmenes a su regreso a España y desde entonces no ha dejado de leerse. No las damas, amor, no gentilezas de caballeros canto enamorados, ni las muestras, regalos y ternezas de amorosos afectos y cuidados, mas el valor, los hechos, las proezas de aquellos españoles esforzados que a la cerviz de Arauco no domada pusieron duro yugo por la espada. Canto I, vv. 261-266
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La Disputa, escrita de vers els anys 1417-1418, constitueix unadivertida sàtira de la pretesa superioritat humana respecte delsanimals.
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Si lo hubiera sabido... es un libro que sigue estelas antiguas: dispuesto a partir de cantos, su lenguaje deja entrever una poesía política que no renuncia a la belleza ni a la complejidad de enunciación. Su autor, Gustavo Gac-Artigas, pone ante nosotros sucesos históricos conocidos y reflexiona sobre el presente más inmediato, sin olvidar su pasado. Como lectores, nos incomoda la violencia y la realidad de estos poemas, como ciudadanos que cuidan de su mundo, necesitamos de ellos para entender la realidad que habitamos. Consciente de que la poesía sigue siendo un arma cargada de futuro, Gustavo Gac-Artigas nos interpela directamente: oh, lector, te suplico/ escribe en la página en blanco/ tu primer verso/ tu grito de dolor.
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Ausiàs March es uno de los grandes poetas de España en cualquiera de sus lenguas, y seis siglos después suvoz sigue resonando entre nosotros. En la historia de la literatura hispánica destaca como la figura másrepresentativa y conocida antes de Garcilaso de la Vega. Ambos inauguraron lo que actualmente consideramospoesía moderna, pero el valenciano March lo hizo para las letras en lengua catalana un siglo antes, influyendo en Garcilaso y muchos otros poetas posteriores.En sus poemas, que él llama las más de las veces Dictats, se fusionan de forma muy personal ideas,imaginación y un lenguaje nuevo, que dotan a la obrade un sentido global insólito entonces e irrepetibledespués. Hasta nuestros días han llegado un número considerable de copias manuscritas y ediciones del siglo XVI que recopilan una obra muy extensa y variada,más de diez mil versos en ciento veintinueve composiciones, escritas en catalán en su forma valenciana. Esta edición ofrece al lector el texto original de losDictats, acompañados de traducciones en prosa.
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Sucede a veces, pocas, que abres un libro y dejas que te devore. Los versos de Ángelo Néstore (Lecce, Italia, 1986) tienen esa virtud, poseen la capacidad de arrasarte, traspasan las fronteras de la poética, aparecen como un espacio escénico donde es posible el todo y la nada, la identidad y la herida. Lo saben bien los escritores Javier Fernández y Alejandro Simón Partal que arropan, intencionadamente y con certezas, el debut poético de una voz joven pero poderosa. ''Este drama muestra unos cuerpos ajenos que forman un nosotros, una tensión entre amar y ser amado, que acaba trascendiendo lo numinoso. Y, quizá lo más importante, es germen de autenticidad, de emoción soterrada, de cántico austero que engendra belleza: una propuesta íntima de aspirar a otra posibilidad''.
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Al borde del borde es un libro introspectivo que transita por lugares que hemos recorrido en algún momento de nuestras vidas: la contemplación de la naturaleza, las posibilidades e imposibilidades del amor, la velocidad implacable del tiempo, la muerte presente y la que se avecina. Con un lenguaje conciso y claro, y el uso de recursos líricos no exentos de humor e ironía, Rebeca Geffin nos hace partícipes de su proceso reflexivo. A través de los textos en este libro la poeta lleva al lector de la mano por un viaje íntimo donde el fulgor del camino es compartido por todos.
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En diu Joan Martí i Castell al pròleg del llibre que ''Vallverdú és una observador a ull nu, ni té necessitat ni vol res que s'interposi entre la seva més pregona humanitat i l'entorn més proper i més llunyà que l'envolta. Per això és molt encertat i té peculiar significat el títol que ha volgut donar al conjunt variat de poemes que recull en aquesta obra. Un poemari que avança amb sinceritat i pulcritut promeses amb la capçalera epigràfica, gravada en pedra ferma, dedicada a l'Antonieta: quatre versos d'art major, decasíl·labs i amb rima assonant, on es mesclen la saviesa, l'esperança, l'atzar, el pas dels segles, la pols dels difunts i l'oblit dels qui viuen. I la nitidesa i la veracitat es van desenvolupant sense defallir ni decebre mai, ni un instant ni un mot, al llarg de tot el llibre''.
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Beowulf es el más antiguo de los poemas épicos de cierta extensión que nos ha legado la literatura germánica, equiparable por su belleza y relevancia al Poema de Mio Cid o a la Canción de Roldán. El poema narra las peripecias del héroe Beowulf en do
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Dividido en seis partes, con constantes homenajes a creadores relacionados con la literatura y la música, «El bosque errante» indaga sobre el abismo que supone emprender una obra artística. Se trata de trazar un recorrido por ese lugar simbólico del bosque en el que se entrelazan el signo y la naturaleza de la que surgen las interrogantes del existir y de la creación misma, y en el que el autor escucha los sonidos primigenios junto a los ecos de su interpretación en ese instante pleno del nacimiento en la palabra o a la forma artística. Con este poemario Juan José Castro Martín ha obtenido por unanimidad el IV Premio de Poesía San Juan de la Cruz - Academia de Juglares de Fontiveros.
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¡Qué hermosa es la caída de la tarde, la luz del cielo en tierras como estas, oh, Italia, paraíso de exiliados! ¡Tus cordilleras, mares y viñedos, las torres que rodean tus ciudades! Qué dicha disfrutar de aquella vista bajo tu cielo. En el lugar preciso donde descabalgamos, los criados de Máddalo esperaban con la góndola. Igual que un peregrino se detiene para poder gozar de un buen paisaje, así nos demoramos a admirar el crepúsculo, el cielo entre Venecia y el Lido reflejado en la laguna…, *** Julián y Máddalo es un poema del gran poeta romántico inglés Percy Bysshe Shelley, quien imagina una conversación entre él mismo (optimista e idealista) y su amigo Lord Byron (pesimista y escéptico) sobre la condición humana y la posibilidad de remediar los males de la sociedad. A instancias de Byron, visitan a un interno en el manicomio de la laguna veneciana, cuyo atormentado monólogo contrasta con la conversación fluida de los dos amigos. Julián y Máddalo invita a reflexionar sobre el valor de la palabra en las interacciones humanas, y lo sombrío de la existencia cuando el diálogo deviene imposible. Esta versión, que sepamos, es la primera que aparece en español y trata de rendir homenaje a estos dos poetas en el bicentenario de la muerte de Byron y de la publicación de los Poemas póstumos de Shelley en 1824, donde por primera vez apareció publicado Julián y Máddalo.
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A veces un poema es tan breve como un beso robado. Y, como un beso robado, arrebata a la vez que nos deja en estado de estupefacción. ¿Ha pasado lo que creo que ha pasado? Y el alma, entonces, se queda quieta a la espera de una respuesta que el universo le debe por lo que acaba de experimentar. ¿Cómo algo tan pequeño te hace tanto? ¿Cómo puede contar tanto? ¿Cómo puede provocarte tanto? Desde la risa que nace en tu vientre sin que puedas evitarlo a la pasión que te deja con una media sonrisa en la cara y mirada cómplice, porque esto tú lo has vivido y el poeta ha logrado capturarlo y dártelo en mano como un globo de colores, pasando por la rabia hacia las injusticias que ves cada día y para las que casi no habías encontrado expresión hasta ahora. Todo lo que te pasa o te ha pasado en la vida o te pasará (si te dejas) está aquí y ahora y grita: ¡Agua! Y va a hablar de ti, de mí, del mundoà de la eternidad, como tiene que hacer la poesía.
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La furia es la poderosa nueva propuesta de una poeta profunda, original, que destaca en el ámbito de la poesía actual en castellano. En la misma aborda desde una perspectiva luminosa el sentimiento amoroso: «La furia es un nudo que en agua caliente se deshace. Hay una distancia exacta entre el horizonte y lo vivido: ahí lo escrito. Todo lo que se expande es poema. La furia es quietud y movimiento. El amor se va de quien lo destruye. El amor perdura para aquel que lo nombra y lo sostiene».
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Es necesario leer Vegetaciones carnívoras porque nos saca de la cómoda mecedora y nos sacude en un escenario poético repleto de certezas, dónde el poeta nos invita a ir de su mano a encontrar esa desgarradora verdad ansiada por todos,. Y lo hace con un lenguaje apasionado y preñado de sinceridad. Se cumple en la voz de Alexander Vórtice la cita fulgurante de Mario Benedetti: La poesía es el género de la sinceridad última e irreversible. Disfrutadlo. Paquita Dipego
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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Nana de la medusa es el primer libro de poemas de Marina Perezagua, una auténtica ráfaga de aire fresco en la poesía española actual. Su escritura es contundente, atrevida, sarcástica o sensitiva, despliega todos sus recursos para poner en pie una poesía anfibia, híbrida en su búsqueda entre la narración y la palabra puramente lírica. Con gran rigor estilístico, sensualidad e ironía, esgrime la escritura para intentar responder a ciertos interrogantes clave en su vida y de la nuestra en general: por qué somos pasto de la emigración, accederemos a una verdadera experiencia amorosa, en qué deriva tan cruel del mundo en general nos vemos embarcados. Todas estas cuestiones y otras tan espinosas como estas se encuentran presentes en los poemas de Marina Perezagua, que tienen una importancia clave en su transformación en una persona distinta a la que fue en otro tiempo.
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PoesíaPortátil suma a su colección la gran autora de las letras gallegas y precursora de la poesía española moderna: Rosalía de Castro.Rosalía de Castro es, sin duda, una de las voces poéticas más importantes de la lírica española del Romanticismo del siglo XIX. Gran precursora de la modernidad poética, la autora sigue siendo, incluso hoy en día, la viva imagen del espíritu y el alma máter literaria de su Galicia natal. Trabajó por defender las letras gallegas, devolviéndoles la dignidad y el carácter culto de una lengua literaria, y denunció la pobreza rural y la precariedad de su pueblo.Figura clave del rexurdimiento gallego, escribió tanto en su lengua materna -el gallego- como en castellano. Sus versos, cargados de pesimismo pero con una sensibilidad sublime, han inspirado a otros grandes autores como Antonio Machado, Luisa Carnés o Juan Ramón Jiménez. Dicen que antes de morir pidió ver el mar y la crítica apunta que esa era la imagen que tenía Rosalía de Castro de la muerte en sus poemas: la inmensidad del mar en la que descansar.El escritor y traductor Mauro Armiño, Premio Nacional a la Mejor Traducción (1979) por trasladar al castellano la poesía en gallego de Rosalía de Castro, se ha encargado de la antología de esta edición.«Nocuidaré ya los rosalesni los palomos que suyos tengo que sequen, como yo me seco,que mueran, como yo me muero.»
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José María Fonollosa no es tanto un poeta marginado por la época como un poeta que decide marginarse de una época con la que no comulga. Cantó a las ciudades que lo conocieron, como si el enjambre de calles fuera el silencioso testigo de su paso por el mundo: Barcelona, La Habana, Nueva York. Y su canto no habla de la agustiniana ciudad de dios, sino del ser humano: del hombre que no encuentra su lugar en el mundo y menos entre otros hombres. Es, en definitiva, la suya una voz libre y cercana, un poeta que dice lo que piensa y que ofrece en sus versos un retrato acerado y valiente de las fobias, las ilusiones y los fracasos del hombre contemporáneo. Su poesía es nuestra y, a la vez, universal y, sin embargo, el manuscrito de Ciudad del hombre, después de mucho tiempo en el olvido, se había publicado solo de manera incompleta
hasta hoy.Con esta edición, a cargo de José Ángel Cilleruelo, al fin se puede disfrutar de la obra original e íntegra que el autor escribió: 236 poemas con su orden y estructura. La presente edición le devuelve al autor, José María Fonollosa, y a sus lectores, la dignidad de una obra maestra que, tras dos décadas en el mercado, continuaba aún desconocida.
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Con The basement tapes, cuyo título rinde homenaje al disco que Bob Dylan grabó en un sótano durante la convalecencia de un accidente de motocicleta, Jaime Rodríguez Z. traza un universo de referencias pop no exento de humor (como ya sucedía en su anterior poemario, Canción de Vic Morrow. Ed.Trea), esta vez anclado a un tiempo real y político, el Madrid de los años 10. “Y pensé que finalmente estaba ocurriendo aquello / la transformación / pero las voces / su sonido / para mí indistinguible / de lo oscuro. // Aquellos cuervos // ¿Qué hubiera sido / si llegábamos al entendimiento?”.
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Luis Alberto de Cuenca reúne los poemas elegidos por el propio autor para ser leídos durante un encuentro distendido y cómplice con el también poeta Antonio Marín Albalate.El conjunto de poemas de este volumen dibuja un paisaje de versos construidos durante años y ofrece al lector una panorámica íntima (por la vocación con la que nace el encuentro que origina esta selección) y única (por la oportunidad de disfrutar del visionado de dicha lectura gracias al DVD que acompaña este libro).Tienen ustedes en sus manos, queridos lectores, un testimonio magnífico que les permitirá leer y escuchar a uno de los poetas españoles más importantes del momento: Luis Alberto de Cuenca. Disfrútenlo.
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El silbido vulnerable del jilguero me despierta, a veces, desde la ventana de la habitación. Y, como las gotas condensadas, empiezo a deslizarme por la memoria. Viajo otra vez a la tierra que habité, ahora curtida por el presente, y recuerdo todas las heridas existentes. Creo que fue en ese instante cuando empecé a escribir. O había sido antes, no sé. La memoria a veces es confusa. A veces, sin embargo, no escucho su silbido y hablo con el silencio, que me recuerda las ausencias que no vuelan. Entonces, les escribo y dejo que vuelen sobre el papel.Este poemario va dedicado a todos aquellos silencios que nos forman como individuos, como sociedad. Hay que habitarse a uno mismo, conocerse y encontrar la chispa. Aquello que te salve y te haga creer, sentir, resistir. Hay que amar, por encima de todo, a la vida. Para todos a los que los silencios ahogan, pesan e incluso asustan, estas páginas buscan resistir a la tristeza, encontrar el silbido y volver a volar.
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Luis Muñoz (Granada, 1966) es autor de los libros de poemas Septiembre (1991), Manzanas amarillas (1995), El apetito (1998), Correspondencias (2001) —,recogidos en Limpiar pescado. Poesía reunida (2005)—,, Querido silencio (2008), Vecindad (2018) y Guadarrama —,en diálogo con guaches de Montse Lago—, (2023). Actualmente es profesor en la Universidad de Iowa. Su poesía, que ha obtenido, entre otros, los premios Ojo Crítico, Generación del 27 y Ciudad de Córdoba, se debate —,en palabras de Araceli Iravedra—, en tensión continua entre la radiografía del instante y la afirmación de su flujo. Un momento, dividido en tres secciones introducidas por sendas perspectivas de Antonio Machado, indaga a través de la energía de sus imágenes —,a modo de instantáneas o composiciones visuales—,, en la esencia del amor como sorpresa y cambio, en el testimonio de los otros como inquietantes modelos de vida y en la feroz innovación del yo sumergido en un tiempo que es, a la vez, escurridizo y perenne.
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En 1926, el poeta y pintor José Moreno Villa conoció en la Residencia de Estudiantes a una joven universitaria neoyorquina que cambió su vida para siempre e inspiró los versos de su más célebre libro de poemas, Jacinta la pelirroja (1929). Nunca llegó a desvelar la verdadera identidad de su musa, por lo que durante mucho tiempo sólo se sabía de ella que había venido a Madrid para asistir a los cursos para extranjeros que se celebraban en verano en la Residencia (donde Moreno Villa vivió entre 1917 y 1936, ejerciendo un papel fundamental como tutor informal de los jóvenes residentes), que pronto nació entre los dos un apasionado romance que en pocas semanas los llevó a trazar planes de matrimonio, y que, tras un viaje a Nueva York para que la familia de ella conociera al futuro marido, se fraguó la ruptura definitiva de la pareja. En este libro Christopher Maurer relata la vida y fortuna de aquella misteriosa mujer cuyo nombre real era Florence Ruth Louchheim, ardiente defensora del arte moderno que acabaría enfrentándose con su clase social y poniendo su dinero al servicio de la pintura. La tumultuosa relación del malagueño con Florence, su visita a Nueva York y el choque con el pragmatismo norteamericano marcaron un antes y un después en la vida del artista que se refleja en sus producciones pictóricas y literarias posteriores, realizadas tanto desde Madrid como, a partir de su exilio por la guerra civil, desde México, adonde finalmente se trasladó a vivir, tras pasar unos meses en Estados Unidos, y donde volvió a encontrarse con Florence.
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JOSÉ HIERRO nació en Madrid en 1922 y en la misma ciudad murió el 21 de diciembre de 2002, aunque se consideraba santanderino de adopción y fuera titulado como Hijo adoptivo y Poeta de Cantabria. En su obra, tan rica en matices rítmicos como en empaque conceptual, se han fraguado las tendencias más válidas de la poesía española de posguerra. Sus primeros versos aparecieron en distintas publicaciones del frente republicano. Acabada la guerra civil padeció cuatro años de cárcel, y esta experiencia lo marcó para siempre. Hierro ha conseguido los galardones más relevantes de la literatura española: Premio de la Crítica en tres ocasiones, Premio Nacional en dos, el Príncipe de Asturias (1981), el Premio Pablo Iglesias (1986), el Nacional de las Letras Españolas (1990), el Premio Reina Sofía de Poesía Hispanoamericana (1995) y el Cervantes (1998). También fue elegido académico de la Real Academia Española (1990), cuyo discurso de ingreso sobre Juan Ramón Jiménez no llegó a pronunciar.
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Este libro es una carta de amor dirigida a cinco destinatarios: la patria del exilio, el padre, la pareja, el hijo, y quienes son, como el propio autor, migrantes. Los versos que Lee les dirige están impregnados de afecto, de un afán por señalar lo bello de la humanidad, pero también de una melancolía que es a veces real —,por la patria y el padre que ya no están, por el hijo que uno ya no es—, y otras preventiva —,por la pareja que se puede romper, por el hijo que un día se irá, por ese sentimiento de pertenencia que es meramente pasajero—,. A travé,s de la observació,n de momentos cotidianos, Li-Young Lee acentú,a las alegrí,as y las penas de la familia, el hogar, el exilio y, por supuesto, del amor. Un amor aprendido en la infancia, con el padre, y que desde entonces lo vertebra todo. Un amor que es placentero o doloroso, inocente o reflexivo, pero siempre omnipresente.
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Hombre de existencia y apariencia discretas, Claudio Rodríguez (1934-1999) es sin duda uno de los más extraordinarios poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. En esta antología se recogen los poemas más significativos de su corta, pero excelsa obra -''Don de la ebriedad'' (1953), ''Conjuros'' (1958), ''Alianza y condena'' (1965), ''El vuelo de la celebración'' (1976) y ''Casi una leyenda'' (1991)-, incluidos los 34 que, según indicó el autor, deberían figurar siempre en una antología de su obra. La introducción de Philip Silver, amigo personal del poeta y uno de los máximos conocedores de su obra, ilumina sus ejes básicos y proporciona un contexto inmejorable para la lectura.
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Aquí us les deixo [les meves bèsties]. Cadascú que en jutgi la versemblança, però no em busqueu. Jo ja no en vull saber res més. Al cap del temps, el que n'he après pel camí, amb el que em quedo, és amb el plaer de la recerca i de constatar que, en la impossibilitat de poder pensar i saber-ho tot, hi ha l'amplada i el formidable espai infinit, d'expansió de la nostra ment. Bon viatge. Laia Prat Garcia (Barcelona, 1982) és antropòloga de formació i treballa com a professora. També dinamitza tallers d'escriptura per a totes les edats, a biblioteques i escoles, i escriu narrativa i poesia. L'any 2015 va rebre el Premi Ciutat d'Igualada Joan Llacuna de Poesia pel seu primer poemari, Al revers del tapís (Viena, 2016), i el 2017 va rebre el Premi Sant Narcís de Girona pel recull de contes Coses que passen (Curbet Edicions, 2017). També ha format part de Bones confitures, la primera antologia de microrelat en català, a càrrec de Jordi Masó (Témenos, 2019). El 2022, aquest Bestiari ha estat reconegut amb el Premi de Poesia Ventura Ametller. Actualment viu a Sant Quirze del Vallès.
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Felipe Benítez Reyes nació en Rota (Cádiz) en 1960. En Visor ha publicado Sombras particulares (1992), Vidas improbables (1995, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Literatura), La misma luna (2006), Las identidades (2012) y Ya la sombra (2018), así como Libros de poemas (2009), que recopila su poesía escrita entre 1978 y 2008. Es autor de novelas (El novio del mundo, Mercado de espejismos, El pensamiento de los monstruos y El azar y viceversa, entre otras), de ensayos (Bazar de ingenios y El intruso honorífico), de libros de relatos (Oficios estelares, Cada cual y lo extraño y Por regiones fingidas) y ha traducido a T. S. Eliot, Vladimir Nabokov y Francis Scott Fitzgerald.
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Valentí Gómez i Oliver, barceloní de naixement i resident des del 1969 a la ciutat eterna, mai ha deixat de viatjar a Nova York. D’ençà l’any 1993 hi ha sojornat amb assiduitat, fins al punt que la intensitat dela relació de l’artista amb la metròpoli ha generat en el poeta una necessitat gairebé essencial d’expressar-la i fer-la obra. D’aquest vincle sorgeix Retaulede Nova York, una conjuminació de poemes, prosa poètica i dibuixos (llapis i aquarel·les). El conjunt de l’obra confegeix una mirada íntima sobre tota la ciutat que, en paraules de l’autor, «veu i enraona, una ciutat que és un espill on tots nosaltres ens hi veiemreflectits», on fins i tot els petits detalls esdevenen protagonistes. En definitiva, una Nova York on s’hi poden encabir moltes altres nova yorks, atès que lapregona pretensió de l’autor és establir un diàleg amb la Nova York que cadascun dels lectors porta al cor, un cop ha passejat per la ciutat i també, perhaps,ha entrat al Retaule. «“L’antiguitat modernitzada ila modernitat antiquada”, així has denotat Roma i Nova York, els dos grans vèrtexs imperials units en el temps, que no en va des de NYC es va enviar aquell Grito hacia Roma, un quiasme àncora inicial d’aquest Retaule – Teatre de la Memòria on els esperits errants podran perdres’hi i alhora trobar-s’hi, apreciat autorapòcrif en el sentit etimològic del mot. Cura et valeas!» Miquel de Palol «…veig aquest Retaule com unaòpera còsmica on es condensen elements universals a través del prisma d’una de les ciutats més apassionants de la història, Nova York, la darerra Babel, el nostre mite vivent, la ciutat de ciutats que encara araperdura després del major espectacle televisiu de lahistòria de la humanitat: l’11-S, una oda al terror que, en certa manera, també apareix com un espectre dins del Retaule». Jaume C. Pons Alorda
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Oscar Wilde (1854-1900) es para muchos la figura emblemática del dandi inglés. Pero esa imagen del artista del esteticismo extremado también se vincula a la figura perseguida por la hipócrita moral dominante de su tiempo. Durante décadas después de su muerte, Wilde fue objeto de controversia y, a pesar de la condena judicial y moral a la que fue sometido, el interés del público por su obra no decreció. Su producción abarca casi todos los géneros literarios (novela, cuento, ensayo, poesía), pero es en sus obras teatrales donde despliega todo su talento artístico, como lo demuestran ''La importancia de llamarse Ernesto ''y ''El abanico de lady Windermere.'' Wilde se sirvió en ellas de las convenciones y temas del teatro de su tiempo, especialmente del melodrama y de la comedia de costumbres del teatro clásico inglés, pero, gracias al ingenio verbal que le caracterizaba y a su singular capacidad para reírse de la realidad circundante sin causar la reacción negativa del público, logró trascender sus modelos y dignificar un género que se hallaba en decadencia artística.
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