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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Dring
PREMI DE POESIA VICENT ANDRÉS ESTELLÉS 1999AJUNTAMENT DE BURJASSOT
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Bressoleig a l'insomni de la ira
PREMI DE LA CRÍTICA CATALANA 2003 Ella podria fer-ho, com ho feia quan l'infantesa teua reclamava bressoleig i cançons. Ella sabria adormir a la ira, acaronar-la, i defensar-te del malson de dur-la tothora al teu costat. Tu no saps fer-ho. No s'adorm. Li fa mal alguna cosa que a tu et fa mal també. I en vindre el dia us trobarà nedant claror i insomni. Ja ho veus: no vol la ira amb tu adormir-se. No la saps bressolar com cal. L'enutja la teua torpitud en intentar-ho. (Ella sí que sabria...)
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Las Rimas y Leyendas escritas por Gustavo Adolfo Bécquer son, por un lado, un conjunto de poesías románticas y, por otro, narraciones fantásticas con cierta dosis de misterio. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Para iniciar la colección Poesía de la editorial, Lumen presenta la primera edición íntegra de Pido la paz y la palabra, escrita en 1955 -y enmarcada dentro de una época del autor de poesía de denuncia social-, que es seguramente el libro más denso y tenso de una obra rigurosa y personalísima. «Considero que fue uno de los grandes poetas de la posguerra.»Rafael Alberti «[Evocaba la] tensión [...] en su silencio: este gran solitario es uno de los hombres con más voluntad de comunidad que se haya dado acaso entre los poetas de este tiempo.»Vicente Aleixandre Blas de Otero nació en Bilbao en 1916. La publicación de su primer libro, Ángel fieramente humano, produce una auténtica conmoción en la poesía española de posguerra. A partir de entonces (1950), su nombre representa una de las cimas de la poesía española del siglo XX, a la vez que dota de actualidad a la tradición que la poesía cívica y moral tiene en la literatura de todos los tiempos y países. Pido la paz y la palabra es ya un título clásico en la poesía española de posguerra, un libro estremecedor, único y de apabullante actualidad. La crítica ha dicho: «La obra de Blas de Otero nos permite comprobar que la poesía puede atender a las circunstancias concretas sin convertirse en un ejercicio circunstancial. [...] Cuando Blas de Otero escribió ''Si me muero, que sepan que he vivido / luchando por la vida y por la paz'', estaba poniendo su voz en muchas llagas, en muchas heridas de carácter poco coyuntural.»Luis García Montero «Uno de los más grandes sonetistas de la posguerra.»José Luis García Martín, El Cultural «Siempre tengo a Blas de Otero a mano.»Antonio Lucas, El Mundo «Blas es él solo una entera clasificación. [...] Es el mayor de los poetas españoles de la llamada promoción de posguerra.»José Ángel Valente «Como su propio nombre, mitad popular y mitad aristocrático, Blas de Otero siempre sonó a dos cosas distintas: una persona normal y un héroe, un poeta conocido y un misterio. [...] Sigue pareciendo el mejor poeta de su generación.»Benjamín Prado, El País «Es el poeta más fenomenal que hemos tenido. Nuestra unión fue absoluta, tanto en la lucha como en la poesía.»Gabriel Celaya «El autor de una de las propuestas poéticas más ricas, personales y sugerentes del pasado siglo, con una irradiación que alcanza a muchas de las voces más representativas de la poesía reciente, [...] con esa doble faz de permanencia y continua influencia sobre cualquier planteamiento que quiera encarar una voluntad de riesgo, una aventura hacia la indagación del hombre como ser histórico.»Juan José Lanz, El País «Blas de Otero es uno de los más hondos y estremecedores poetas españoles y entre los de su edad [...] nadie le supera ni quizá le iguala.»Gerardo Diego «[La capacidad idiomática de Otero es comparable] a las de un García Lorca y de algunos otros poetas de mi propia generación. [...] Otero es quien con más lucidez que nadie ha expresado [...] los datos esenciales del problema del desarraigo.»Dámaso Alonso «Blas de Otero, el poeta que pidió «la paz y la palabra», que luchó contra el franquismo y luchó por la democracia, la voz de la llamada poesía social, [...] fue un gran poeta que atravesó el siglo XX, [...] el poeta comprometido con lo humano, encasillado en el canon de la poesía social y política dialogó también con la tradición moderna y la poesía experimental.»Carmen Sigüenza, La Vanguardia «Para él solo existía la realidad, el pueblo y las necesidades del pueblo: la gente, la felicidad, la paz y la libertad.»Sabina de la Cruz
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El libro de poemas más emblemático de Peter Handke, premio Nobel de literatura 2019. Peter Handke publicó Poema a la duración en 1986, el mismo año en que apareció su novela La repetición, con la que de alguna manera se relaciona. Lírico y épico a un tiempo, narrativo y filosófico, este poema largo explora la duración como algo que, a diferencia de la noción metafísica de la eternidad, se manifiesta en la irrupción súbita de algo que vuelve, arrastrándonos en el tiempo y dándonos la sensación de que en la vida humana hay una unidad interna muy fuerte y a la vez completamente desconocida. Canto a la fugacidad y al movimiento incesante de la vida, Poema a la duración es una obra maestra del género que aquí publicamos en la extraordinaria y ya clásica versión de Eustaquio Barjau. Reseñas:«Por un trabajo influyente que, con inventiva lingüística, ha explorado las periferias y la especificidad de la experiencia humana.»Jurado del Premio Nobel «Si tuviera que elegir entre toda su bibliografía, optaría por Poema a la duración. En él se encuentra condensado todo su pensamiento poético-filosófico. [...] Handke busca el instante ya no como los poetas de otros tiempos a través de objetos puros, sagrados, sino a través de los profanos, de los cotidianos, de los restos de lo que fue abolido. Handke construye su propia cosmogonía a base de los fragmentos sueltos que deja el tiempo arqueológico que es uno y todo.»César Antonio Molina, ABC «No es solo su mejor trabajo poético, sino una de las cimas de toda su carrera literaria. [...] La duración es su enseña, el distintivo de una vida a la que, durante un instante, le es concedido el don de verse perpetuada.»Luis Muñiz, La Nueva España «Tiene algo de ensayo, algo de narración, y ese ''algo'' distinto que constituye la originalidad de la mirada de Handke: una extrañeza a la hora de comenzar el libro que casi siempre perdura al acabarlo, pero que se queda pegada a la retina como una nueva forma de mirar.»Librería La Central «Handke se ha vuelto un clásico. [...] Un escritor que traza con su aguda, implacable mirada, y su oído atento, los contornos precisos del aire.»El País «Handke pertenece a la camada intelectual de los que hacen de la escritura un testamento incendiario, una diatriba contra las convenciones.»Antonio Lucas, El Mundo «Peter Handke, justo ganador del Premio Nobel de Literatura 2019, es el escritor que consiguió que el mundo, no los personajes ni sus conciencias, hablara en monólogo interior y que supiéramos lo que el mundo pensaba y cómo pensaba.»Alejandro Gándara, El Cultural «El Premio Nobel -¡por fin!- que Peter Handke acaba de recibir es un reconocimiento y una recompensa a una obra destinada a perdurar durante mucho tiempo.»Eustaquio Barjau, ABC
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Premio Nobel de Literatura La escritora polaca más reconocida junto a Ryszard Kapuscinski y a Stanislaw Lem. Amplia selección de la obra de Wislawa Szymborska, poeta polaca galardonada con el Premio Nobel de Literatura, Paisaje con grano de arena es el primer volumen poético de la autora que se publicó en lengua castellana. Los cien poemas recogidos en esta antología, autorizada por la autora, constituyen una excelente muestra del recorrido literario y temático de la poesía de Szymborska, una poesía que, según la Academia sueca, «mezcla la elegancia de Mozart con la pasión de Beethoven», y, en palabras de Czeslaw Milosz, premio Nobel de 1980, «es una lección de austeridad, ironía y simplicidad». Críticas:«Nadie saldrá indiferente. [...] Szymborska es un referente de tal dimensión que sería interesante comprobar hasta qué punto, desde su popularización, ha permeado las obras ajenas.»Vanessa Gutiérrez, El Comercio «Su poesía, con irónica precisión, permite que el contexto histórico y biológico surja a la luz en fragmentos de la realidad humana.»Acta del jurado del Premio Nobel «Algo único que había en ella era la mezcla de sentido de la tragedia y sentido del humor: sabía mirar la brutalidad del poder y también su ridículo, que tantas veces lo hace todavía más peligroso.»Antonio Muñoz Molina «Lo que tenían en común su obra y vida era un pertinaz y obstinado apego a la independencia.»Adam Zagajewski «Destacó por una poesía llena de humor y por su hábil juego de palabras. De ella se desprende una consideración antropológica basada en la finitud humana, en la debilidad del hombre frente a la naturaleza, con el hombre en el centro de sus interrogantes.»La Vanguardia
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Preparada por el poeta y periodista Antonio Lucas, esta antología poética de Vicente Aleixandre (1898-1984), Premio Nobel de Literatura en 1977, es una puerta de entrada inmejorable a una obra tan decisiva como influyente en la lírica española moderna, desde la interrogación amorosa y existencial de sus inicios, espoleada por el ejemplo de libertad del surrealismo, al vitalismo panteísta y la indagación metafísica que caracterizan su desarrollo posterior.
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18 ciervas', nuevo poemario de Rosana Acquaroni tras 'La casa grande' (Premio Libro del Año 2019 del Gremio de Librerías de Madrid), nos descubre el hilo que conduce del desamor, y el sufrimiento, al amor y a su verdad más profunda. Alumbra pasadizos que desconocíamos de nuestra propia vida. Hace de espejo sobre las carencias y desatenciones hacia quienes amamos. Trasciende, de esta forma, el testimonio de lo vivido para ahondar en el origen simbólico y ancestral de la emoción, la culpa, el daño y el perdón: poesía amatoria de largo alcance, perturbadora, cargada de sentido, de luz, de música interior y de fuerza expresiva. Un libro bello e hiriente del que no se sale indemne. MANUEL RICO
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Nihil obstat
Aquest Nihil obstat ha quedat inèdit fins avui perquè la censura franquista, el 1965, es va encarregar de prohibir-ne la publicació. Ara, per fi, podem llegir per primera vegada cinquanta poemes de Miquel Bauçà que arrenquen de l'experiència poètica dels primers anys seixanta i ja apunten cap al camí que la seva poesia va enfilar a partir dels anys setanta.
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Blanca Varela (Lima, 1926-2009) es una de las voces poéticas más destacadas de América Latina. Ha publicado Ese puerto existe (1959), Luz de día (1963), Valses y otras falsas confesiones (1972), Canto villano (1978), Ejercicios materiales (1993), El libro de barro (1993), Concierto animal (1999) y El falso teclado (2001), todos ellos incluidos en este volumen junto con una serie de poemas dispersos. Por su obra obtuvo el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2006) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2007). «Blanca Varela es una poeta que no se complace en sus hallazgos ni se embriaga con su canto. Con el instinto del verdadero poeta, sabe callarse a tiempo. Su poesía no explica ni razona. Tampoco es una confidencia. Es un signo, un conjuro frente, contra y hacia el mundo, una piedra negra tatuada por el fuego y la sal, el amor, el tiempo y la soledad. Y, también, una exploración de la propia conciencia. Poesía contenida pero explosiva, poesía de rebelión. La pasión brilla, arde, se concentra y afila en una frase que es, a un tiempo, un cuchillo y una herida: Amo esa flor roja sin inocencia». Octavio Paz
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Aloses invisibles
Amb Aloses invisibles, Jaume Huch ha volgut establir un diàleg amb els poetes de la Primera Guerra Mundial. Amb els seus poemes, el poeta «retorna al vers la seva utilitat com a manera d'intentar aproximar-se a un saber que se'ns escapa, a més de procurar escatir el dramàtic rerefons d'allò que Ted Hughes va definir, en relació amb la Primera Guerra Mundial, com a ''guerra enorme i sense sentit''», com bé assenyala Jordi Solà Coll a l'epíleg. Certament, «en el conjunt d'Aloses invisibles hi predomina un to líric introspectiu, a la vegada que elegíac. L'acció del pensament s'emmarca en l'especulació poètica, tant cabdal és el valor que té emmirallar-se en l'obra dels poetes de la guerra que ha escollit l'autor. En tot cas, és la manera en què Jaume Huch ha fixat la seva veu a l'hora de recuperar el sentit utilitari del poema, tal com útils eren els poemes de llavors quan es tractava de precisar el sentit d'allò que no en tenia.»
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Antínous i altres poemes en anglès
De Fernando Pessoa, el més gran poeta portuguès del segle xx, és poc conegut que va començar a escriure poesia seriosa en anglès i que té una important obra poètica en aquesta llengua. Tal com succeeix amb la seva obra en portuguès, es tracta d un conjunt que es desplega en direccions múltiples. En presentam una mostra encapçalada pel poema narratiu Antínous, el plany de l'emperador Adrià a la mort del seu efebus, composició de tema obertament homoeròtic. El completen algunes mostres dels seus sonets d'inspiració shakesperiana, alguns epitafis de tall grecoromà i alguns poemes amb aire de cançó del recull El violinista boig.
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Homei
El poemari Homei d'en Manel Queralt és una cosmogonia en què es posa en circulació el naixement i desenvolupament de tota una sèrie de forces, més o menys espectrals, que han de fer front a les vicissituds de la seva existència. Una existència, val a dir, erràtica, nòmada, paradoxal, vel leïtosa. Ens trobem amb éssers que són ombres, energia no encarnada, en què el vaivé entre presència i absència cobra una dimensió ontològica fonamental. Del pròleg d'Oriol Alonso Cano.
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Oli calent del gresol de la vida
Entre la gran quantitat de llibres escrits per Vicent Andrés Estellés a la dècada dels cinquanta, tan sols tres van ser publicats llavors: Ciutat a cau d'orella (1953), La nit (1956) i Donzell amarg (1958). Inclouen els poemes que fonamenten i prefiguren tota la seva obra posterior, que el convertiria en el gran poeta des d'Ausiàs March, el més llegit i valorat, i en la veu que renovaria la creació poètica valenciana del segle xx. En aquests poemaris s'enfronta d'una manera nova al fet poètic, que l'allunya dels seus contemporanis, dins del panorama desolador de la postguerra.La seva obra lírica, que arrenca de les paraules senzilles i les situacions quotidianes, reflecteix una visió desmitificadora de la vida, que es presenta tal com és, filtrada per la seva mirada. I amb el tema de la tensió entre l'amor i la mort, sempre, de teló de fons.Just quan fa cent anys del naixement del poeta de Burjassot, recuperar els llibres que incloem en aquest Oli calent del gresol de la vida, títol pres d'un dels seus versos, ens permet compartir una visió del món que ja és eterna.¿A quién va dirigido el libro Oli calent del gresol de la vida?Se dirige a un público interesado en la poesía valenciana del siglo XX y en la obra de Vicent Andrés Estellés. Es especialmente relevante para lectores que aprecian la poesía que parte de la cotidianidad y reflexiona sobre temas universales como el amor, la muerte y la condición humana. También resulta de interés para aquellos que estudian la literatura catalana y la evolución de la poesía valenciana en el contexto de la postguerra española. La obra, por su profundidad y complejidad, puede ser disfrutada tanto por lectores con experiencia en poesía como por aquellos que se acercan a este género por primera vez, siempre y cuando tengan interés en la poesía en lengua catalana.Temas que trata el libro Oli calent del gresol de la vidaEl libro Oli calent del gresol de la vida recopila tres poemarios de Vicent Andrés Estellés: Ciutat a cau d'orella, La nit y Donzell amarg. Estos poemarios, publicados originalmente en la década de 1950, exploran diversos temas con una perspectiva innovadora para su época:La vida cotidiana: Estellés utiliza un lenguaje sencillo y directo para describir la realidad de su entorno, alejándose de la idealización romántica. Se centra en la vida urbana, con sus luces y sombras, y en las experiencias personales del poeta.La ciudad: Ciutat a cau d'orella se centra en la experiencia urbana, mostrando una visión desoladora y a la vez esperanzadora de la ciudad. Se describe un ambiente entristecido y desolado, pero también se deja espacio para la esperanza.El amor y la muerte: Estos dos temas se presentan como fuerzas opuestas y complementarias, siempre presentes en la obra de Estellés. La tensión entre el deseo de vivir y la inevitabilidad de la muerte se explora con intensidad, especialmente en Donzell amarg.Las grandes preguntas existenciales: Donzell amarg profundiza en las preguntas fundamentales sobre la existencia, la angustia, la alegría, el amor, la pasión, el silencio y la palabra poética. Se trata de una exploración íntima y personal de la condición humana.El erotismo: En Donzell amarg, Estellés incluye imágenes de profundo erotismo, alejándose del amor platónico y mostrando un amor apasionado y a veces desesperado.La renovación poética: La obra de Estellés supuso una renovación en la poesía valenciana, alejándose de las convenciones de su tiempo y utilizando un lenguaje fresco y directo. Su poesía se caracteriza por su sencillez y su capacidad para expresar emociones profundas.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Oli calent del gresol de la vidaAún no hay opiniones o críticas sobre Oli calent del gresol de la vida disponibles públicamente. Sin embargo, la obra de Vicent Andrés Estellés en general es considerada fundamental en la poesía valenciana del siglo XX, y se espera que esta recopilación de sus primeros poemarios reciba una buena acogida por parte de la crítica y los lectores.
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Miedos, amor y vértigo llenos de desnudez emocional… En estas páginas encontrarás un abrazo al que agarrarte y un hombro en el que llorar en las noches de soledad.Con un estilo magnético, a veces oscuro y otras delicado, unas directo y otras evasivo, Milena Smit reflexiona sobre el deseo sexual, la ansiedad amorosa, el desamor y la soledad a través de un viaje por las fases más lunáticas del amor y del duelo.A pesar del vértigo te hará ver la vida desde un prisma muy diferente. Atrévete a sumergirte en este libro, podrás bajar al cielo o subir a los infiernos, pero sobre todo tendrás un sitio al que volver siempre.Ilustrado por Amanda Portillo
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García Lorca no fue sólo un poeta, sino muchos, y se pasó la vida buscando al escritor que quería ser. Y lo hizo con pasión, con el entusiasmo propio de los románticos. En su obra, por ello, hay muchos mundos de escritura, esto es, muchos Lorca. Así, la obra de Federico García Lorca (1898-1936), posiblemente el creador más popular de la literatura española del siglo XX, logra reunir caracteres tan dispares como tradición y vanguardia, gracia popular en el ritmo, metáfora audaz, densidad en el simbolismo y frustración de los deseos más íntimos. Esta edición, a cargo del filólogo y profesor Fernando Carratalá, recoge muchos de sus maravillosos poemas, alguno de ellos comentados, y está pensada para entrar en el mundo lorquiano, disfrutar de él... y no querer salir nunca jamás.
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Publicamos una amplia selección poética de una autora importantísima y desconocida en España como es Marnie Pomeroy.Adscrita al círculo literario de Robert Graves, Pomeroy se caracteriza por una prosa sencilla, honda y desprejuiciada. Sus poemas son a la vez descarados, sinceros y brillantes, con una pasión que no queda recluida por el falso pudor y que supondrá todo un descubrimiento para aquellos que degusten la poesía, en especial de autoras poco conocidas en España.La edición que publicamos es bilingüe inglés-español.La obra, así como el estudio introductorio, llevan la firma Imanol Gómez Martín. Incluye el libro una autobiografía hecha expresamente por la autora y material de todo tipo, desde imágenes personales, de su obra pictórica y sus cartas.Esta colección de poemas de Marnie Pomeroy (nacida en el campo cerca de Millbrook, New York, 1932) contiene poemas de “The Speck”, antología de poemas editados por The Ladysmith Press, Ladysmith, Québec (1972), que incluía “A Calendar for Dinah” (1966), “Soft Jobs and Miracles” (1969), “For Us Living” (1970) y el poemario que da título a esta antología “The Speck” (1972).Asimismo, están incluidos prácticamente en su totalidad los poemarios que publicó con la editorial inglesa Greenwich Exchange, “The Flaming” (2010) y “Blue Moon”, (2015).Se recoge en la obra una autobiografía seguida de un poema epitafio titulado “Mi historia”, escritos por la autora en exclusiva para esta edición, junto con una selección de sus últimos poemas aún no publicados y un poema regalo a Robert Graves, con cuya familia vivió una temporada en la casa que los Graves aún tienen en Deiá, Mallorca.Pomeroy mantuvo una estrecha relación tanto con Robert Graves, como con su esposa Beryl. Graves editó para la revista New World Writing, en su número 14, tres poemas de la joven Marnie Pomeroy, junto a otros poetas tales como Martin Seymour-Smith, James Reeves o Alastair Reid, entre otros.Acerca de la poesía de Marnie Pomeroy, decía Graves lo siguiente: “Marnie se ocupa de sus poemas como un perro de un hueso, y a pesar de la dificultad que entraña reprimir una florida imaginación natural, siempre persiste hasta vencer el problema.”William Graves ha recopilado recientemente las cartas que su padre, Robert Graves, escribiera a la poeta, cartas que han tenido un valor extraordinario para entender mejor, a la hora de realizar este libro, la poesía de Marnie Pomeroy.Al final del libro, en el apartado bibliográfico, aparece un link para consultar las cartas. También aparece otro link que remite al excelente ensayo que Seán Haldane, quien fundara con Pomeroy la editorial The Ladysmith Press, escribiera sobre el libro “Blue Moon” en el año 2016.Artista polifacética, Marnie Pomeroy publica también para la editorial Greenwich Exchange tres estudios sobre las poetas Sylvia Plath, Christina Rossetti y Emily Dickinson. Abandona durante unos años la publicación de su poesía para dedicarse a la música, como violinista en una orquesta, y realiza exitosas exposiciones de pintura. Vuelve con los poemarios citados anteriormente “The Flaming” y “Blue Moon”, ambos para el editorial Greenwich Exchange. Marnie Pomeroy vive actualmente en Ottawa, Canada.
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Giacona Belli, nacida en Nicaragua, en 1948, destaca de las letras Hispanoamericanas contemporáneas. Fresca y vitalista, profundamente personal, tiene un estilo que escapa a cualquier corriente o escuela.
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Claudio Rodríguez prefería ''Alianza y condena'' entre todos los libros que integran su breve pero excepcional trayectoria poética, que se inicia en 1953 con ''Don de la ebriedad'' (1953) ùPremio Adonaisù, y se completa con los poemarios ''Conjuros'' (1958), ''El vuelo de la celebración'' (1976) y ''Casi una leyenda'' (1991). Ediciones Cálamo recupera ''Alianza y condena'' con una lúcida introducción del profesor Luis García Jambrina, profundo conocedor de la obra del autor zamorano. Escrito a lo largo de unos siete años, mientras Claudio Rodríguez ejerció como lector en las universidades de Nottingham y Cambridge, ''Alianza y condena'' se publicó por primera vez en 1965 y fue Premio de la Crítica.
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Los poemas de Las flores del mal despliegan una arquitectura verbal resplandeciente mientras nos introducen en el lado más oscuro de la naturaleza humana, esa raíz maldita que, según Baudelaire, nos alimenta a todos. Desde su primera edición en 1857, este libro «maldito» —ahora nuevamente traducido por el poeta Pedro Provencio— ejerció una enorme influencia en la poesía posromántica y, hasta bien entrado el siglo xx, su trascendencia es equiparable a la del Cancionero de Petrarca en el Renacimiento.
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En este libro fundamental de su bibliografía emerge la figura del ángel como símbolo perfecto de esa aparente contradicción que es en realidad simbiosis: una simbiosis no exenta de dolor y desgarro ?aquí no sólo el alma se hace preguntas, también el cuerpo, no sólo el cuerpo desea, también el alma- que no es otra cosa que la búsqueda de una calma que sea dada tras las imposibles respuestas.
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A favor de l'enemic
A favor de l'enemic és un llibre on apareixen diversos personat-ges que s'adonen, quan ja és massa tard, de la inconsistència de les seves vides, envoltades d'una inèrcia que ha substituït sense mostrar cap oposició la fermesa vital, la dignitat de la naturalesa humana, per la norma i la passivitat de sobreviure en una societat consumista que els empara: «Hi ha massa vida que no ho és,/ massa gent com les ciutats mirades des d'un avió/ mentre voles d'una a l'altra».
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Imagínate un símbolo inequívocamente privado, La puerta de mi casa, con una “puerta adentro” (sus muertos amados), su “patio de atrás” (adolescencia e infancia) y “terraza” (presente o porvenir a cielo raso), que se va desplegando imprevisible y bajo el cual cabe techar —sin hacer ruido ni magnificarla— una ética privada y pública como un modo de estar cotidiano en el mundo junto a otros. Imagínate que la voz que propone ese recorrido despliega las alas de una subjetividad en relación tan fluida, estrecha, con el dolor, la pérdida, la falta, que es capaz de acoger la tristeza propia o la de otro “como se toma un bien gratuito” —elevar la fragilidad humana a la categoría de un bien—, absolutamente consciente de que la dignidad y la cercanía humanas nada tienen que ver con la tan cacareada felicidad como imperativo. Es más, imagínate que es una casa (para el deseo, el ser) que se construye —diariamente— a sí misma, y que sabe hacer con su narrativa propia de lo tierno a lo sombrío, y que para lidiar con las falsas promesas de la vida, “como los cristales de una lámpara / derretida entre los dedos”, no sabe de más horizonte obcecado que el deber (lucidez) del amor o, dicho en lorquiano, de la alegría. Mónica Francés
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La sonrisa de la luna es un pequeño llanto de aquella que perdió una parte de su ser en el camino. Se adentra en las lágrimas de aquel ser que se debilitó tras perder su luz, su brillo. Nos enseña a sonreírle a la luna, pues es ella la que, mostrándose en trozos, brilla más que el día anterior, día en el que su risa, la soledad le arrebató. Muestra el momento en el que más dolor sintió, pero también, el momento en el que más feliz se sintió, y ya no es solo la luna la que le enseña, sino también el sol, astros opuestos que deslumbran y acompañan dondequiera que vaya su corazón.
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Sota l'esqueix, la tanyada
Sota l'esqueix, la tanyada és un recull de poemes escrit fonamentalment des de la gratitud i el record. Constitueix un diàleg amb el fill perdut i pregonament enyorat, en un marc en què la natura esdevé protagonista a través de la figura d'un pi llegendari el Pi Gros de Santa Maria del Camí, a Mallorca, que al capdavall servirà al poeta per establir un paral·lelisme entre l'arbre ara malmès i esqueixat i la malaltia que, irreversiblement, va fent el seu camí.Tanmateix, allò que sura tot al llarg del poemari és una sensació de serenitat i equilibri, de manera que Sota l'esqueix, la tanyada esdevé un exercici poètic que bascula entre l'inevitable dol i la gratitud per haver conegut el fill i haver pogut gaudir de la seva mirada, de la seva bonhomia, dels seus somriures?XLI Premi de Poesia «25 d'abril» Vila de Benissa 2021.
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«La risa por fuera, el desastre por dentro resumen todos y cada uno de esos días en los que te dibujas una sonrisa a la fuerza para salir a la calle, enfrentarte al mundo, realizar tu rutina diaria: estudios, trabajo... Mientras que tu interior ha estallado en mil pedazos: con heridas que no se ven, una lucha frente al espejo de la que solamente tú eres consciente. Lágrimas que caen hacia dentro, la soledad, el sentir que nadie te entiende, la baja autoestima. En este libro están reflejadas todas las veces que hemos tenido que disfrazarnos para que la tristeza no pueda con nosotros, todas las veces que hemos buscado el sol en días de lluvia y hemos respondido ''estoy bien'' cuando en realidad algo nos estaba matando por dentro».
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Thomas Hardy está considerado uno de los grandes novelistas de su tiempo, pero después de que críticos y lectores de su época le dieran la espalda a su ficción narrativa por considerarla demasiado incisiva, se refugió en su vieja pasión: la poesía. Hardy combina un gusto por los paisajes del xix (con sus brumas y fantasmas) y los ambientes rurales con un estilo seco y templado que influirá decisivamente en poetas tan modernos como Larkin, Auden o Hughes. Su poesía prolonga algunos de los temas más queridos de su literatura como la ambición o la catástrofe. Pero si por algo destaca es por la exploración de la gama completa de los sentimientos amorosos (del éxtasis al abandono) con una complejidad y crudeza inéditas. El presente volumen ofrece al lector una antología que cubre una extensa parte de su obra poética en la excelente traducción de Xandru Fernández.
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Las tres décadas transcurridas a caballo entre los siglos XIX y XX, y en concreto los años que van desde 1890 a 1918, que delimitan en Polonia, respectivamente, el final del Positivismo y el inicio del período de Entreguerras, se corresponden con una etapa en la que la bohemia y los dandis se enfrentaron a la moral burguesa, la estandarización social y la dependencia de la tecnología con una explosión de extraordinaria creatividad y originalidad, y a la cual es habitual referirse como la Joven Polonia. La presente antología reúne algunos de los poemas más célebres de los cuatro poetas que con mayor pureza reflejan y representan las diferentes tendencias estéticas y los núcleos temáticos de este periodo: Jan Kasprowicz (1860-1926), Kazimierz Przerwa-Tetmajer (1865-1940), Tadeusz Micinski (1873-1918) y Boleslaw Lesmian (1877-1937).
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Peus de cedre
Peus de cedre, un títol que surt d'Emily Dickinson, conté cent trenta intents poètics que són un diari que transita per esdeveniments íntims (la mort dels pares, les relacions personals amb la família, amb les amistats, amb el món en general...) i esdeveniments col·lectius (la consciència humana, la consciència nacional de pertànyer a una cultura amenaçada...). En una formalització molt simple, pretén que tot estigui al servei de la idea temàtica de cada poema.
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La poesía toda de Jaime Ferrán es un recorrido, un vademécum de vida. Un paseo por el mundo que ilumina y el tiempo que da sombra, al calor del deseo amistoso o amoroso y de la cultura, que nunca es un adorno, sino la raíz honda y más humana del hombre, que nos muestra partes y sujetos de la Historia. Dada su trayectoria vital, plena de viajes físicos y en la mente de ideas y palabras, no puede sorprender que Ferrán falleciera en Georgia, EEUU, en 2016. El olvido se había ido haciendo ya con él, inmerecidamente. Fue un hombre ávido de cultura y vida, como demostraría su antología de poesía colombiana nueva -años 60- Generación sin nombre, editada en 1970. Un hombre que buscaba en los libros y en el sentimiento y un poeta, un genuino poeta, que se sitúa en muchos poemas en la vanguardia lírica de su tiempo. Alguien dijo que un hombre no debe ser juzgado por todo lo que ha hecho, sino por lo mejor que ha hecho. Y así, no hay duda, Jaime Ferrán, noble y buen poeta, está salvado. Un alto poeta del 50. (Del prólogo de Luis Antonio de Villena)
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Así sin tilde, un reflejo de los Estados Unidos. Un viaje por la historia de las ideas y contradicciones propias del país, desde los magnicidios hasta la esclavitud.America es el libro más arriesgado de Fernando Valverde, reconocido por la crítica como el mayor poeta de su generación en lengua española. Es un viaje por la historia de las ideas y las contradicciones propias de Estados Unidos, un país que ha intentado colonizar una gran parte del mundo sin antes haber sido capaz de dar respuesta a las preguntas esenciales de su propia cultura.Valverde indaga en las ruinas de la civilización para ver cómo el río Mississippi expía los pecados de los lobos solitarios y acoge las almas de todos los que han perdido su vida defendiendo la libertad de su nación. En su recorrido por las distintas regiones, retrata los lugares y sus víctimas, los territorios y sus héroes y batallas, paisajes de un país que no solemos visitar: heridas, cicatrices, desiertos, esclavos, guerras, un mundo que se vuelve más poético conforme los ojos del poeta revisitan el espacio que el ciudadano ya no ve.En este sutil trayecto que abarca grandes nombres, el autor se detiene a analizar los mass shootings, en poemas que evocan los magnicidios del siglo pasado, y el hiriente tema de la esclavitud, trazando así una dolorosa huella en la historia de la poesía norteamericana.
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El cielo sin caminos ahonda en los temas recurrentes de su autor: una mirada atenta a la naturaleza, el amor a la música y la poesía o la renovada indagación sobre la propia identidad y el paso del tiempo. Celebración y elegía, realidad y deseo, fruto y pérdida se entremezclan en él, como se suceden los elementos en uno de esos días de primavera en que hace de todo. Solo así pueden alentar los versos si se quieren no ya reflejo de una vida, sino de la vida: vida en sí.
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La poesía de Estellés resume la áspera realidad de los primeros años de la posguerra, pero también los cambios económicos y sociales posteriores, haciéndose eco de las angustias y esperanzas de la colectividad. Por sus versos desfilan los sufrimientos de los derrotados, el hambre, el sexo, el miedo, la humillación constante -vivencias casi físicas directamente asumidas como símbolo de un tiempo y de una sociedad-. La obra total de Estellés se nos aparece como la creación de un mundo complejo y torturado, poblado de seres extraños y absurdos, personajes reales y fantasmagóricos, hechos y figuras aparentemente inverosímiles que llegan a sobresaltarnos con su terrible cotidianeidad.
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J. W. Goethe (1749-1832) es, no hace falta decirlo, una de las cumbres mayores de la cultura europea. Pero el hombre que fue tantas cosas diversas -político, crítico de arte, botánico, geólogo, filósofo (el menos metafísico, desde luego, de los filósofos), darwinista antes de Darwin... y todos los etcéteras con que se quiera alargar esta lista-, que tantas cosas averiguó e indagó en su curiosidad insaciable, fue ante todo, y sobre todo, un poeta. En este libro encontrará el lector una selección de sus poemas fundamentales, enlazados por esos dos hilos que fueron también los hilos que guiaron la vida y la obra de Goethe: el amor y el conocimiento, quizás las dos caras de una misma moneda. Las versiones que aquí se ofrecen pretenden desmomificar al clásico, revivirlo, con sonido español, para que el lector pueda disfrutar de los poemas como tales poemas. Enrique Baltanás (Sevilla, 1952) ha sido profesor de literatura española en la Universidad de Sevilla. Ha publicado ensayo (Las columnas de Hércules, 1999, La materia de Andalucía, 2003), narrativa (Viaje al Guadaíra, 1998, A punto de dejarlo, 2000), poesía (El círculo del tiempo, 1995, Las señales del fuego, 1997, Papel de música, 1998, El argumento inacabado, 2005, Trece elegías y ninguna muerte, 2010, Las propiedades del aire, 2015, así como Antología completa, 2021), y es autor de una celebrada traducción de Vincenzo Cardarelli, El tiempo tras nosotros (2001). Sobre los Machado ha publicado las Obras completas de Antono Machado y Álvarez, el estudio Los Machado. Una familia, dos siglos de cultura española (2006), y Antonio Machado, poeta de todas las Españas (2023), entre otros.
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Como señala en su introducción el poeta y traductor José Ángel Cilleruelo, en una historia universal de la poesía del paisaje la obra del poeta portugués Carlos de Oliveira merecería un capítulo en solitario. En primer lugar, por la claridad de su poética. En segundo término, porque esta conciencia de lo real arraiga en el poeta desde la experiencia de una infancia rural. Y aún cabría aducir otro motivo, la dimensión omnímoda de lo natural en sus versos, que no desprecia nada que exista desde las profundidades minerales de la tierra hasta las más recónditas estrellas del cosmos.
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Ningún poeta contemporáneo ha sido interpretado y traducido de manera tan detallada y extensa como Paul Celan, sin duda uno de los poetas más importantes del siglo XX. «Fuga de la muerte» –tal vez el poema la que la crítica ha dedicado más atención de todos los escritos tras la Segunda Guerra Mundial— es, si no el texto cumbre, uno de los textos cumbres de la lírica alemana. Los alrededor de ochocientos poemas que publicó Paul Celan condensan su pensamiento y su vida, marcada por las grandes tragedias de este siglo. Asimismo integran un buen manojo de tradiciones literarias y de datos, no sólo personales, sino también teológicos, filosóficos, científicos e históricos. La fuerza creadora de su lenguaje es una invitación permanente y siempre renovada a descubrir un nuevo mundo poético. Esta traducción, siguiendo la edición alemana de Beda Allemann y Stefan Reichert, vierte por primera vez al castellano y a una lengua extranjera toda la obra de Paul Celan, su poesía así como su prosa.
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