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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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La figura y la obra de Alfonsina Storni han sido víctimas a menudo de mixtificaciones y malentendidos que se han ido alargando a lo largo de los años. Su tiempo nunca supo entender del todo a la mujer que fue Alfonsina Storni, del mismo modo que la crítica tampoco acertó nunca a situar su poesía en el contexto adecuado ni a comprender su potencial capacidad renovadora de la poesía americana, más allá del convencional uso de la métrica y la rima. Lo importante es que Alfonsina Storni ensanchó ampliamente los límites de lo que puede contarse o no puede contarse en un poema, ya que parece que nunca dejó de contar lo que realmente quería contar o cantar en un poema. Pocos poetas han sido, en ese sentido, tan salvajemente libres, tan afirmativos, tan dueños de sus temores, alegrías y obsesiones como lo fue Alfonsina Storni. Esta antología, prologada por Mª Ángeles Robles, poeta y estudiosa gaditana, pudiera ser que proponga unas nuevas líneas de lectura de la poesía de Alfonsina a los lectores del siglo XXI. A.L.
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Sobrecogedor testimonio poético de las víctimas del Holocausto a través de 64 poemas de otros tantos autores desaparecidos y que elgermanista Michel Moll ha rescatado del olvido para dar testimonio de la barbarie humana, pero también de su entera. Estos
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Contes de fades de l'Índia
A Europa, pràcticament s' ha extingit la creença en fades, ogres i monstres, però a l' Índia encara floreix amb el vigor de l' animisme. La majoria dels contes d' aquest volum s' han conegut a Occident d' una forma o altra tenen un
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Natura elemental
Poesia Bromera
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Este volumen recoge la mejor poesía social y política de uno de los poetas más relevantes de la poesía española contemporánea: Manuel Ruiz-Amezcua. En esta antología, el autor retrata con la singularidad de su voz el sufrimiento humano, la memoria de los marginados y la lucha incansable por la dignidad. Desde el dolor íntimo por la pérdida de la madre hasta el clamor colectivo por las víctimas de la historia —de Auschwitz a Gaza—, cada poema es un grito de resistencia y una búsqueda de verdad en un mundo marcado por la mentira y la traición. Con una voz que oscila entre la ternura y la rabia, entre la elegía y la denuncia, ''El rostro de los vencidos'' dialoga con grandes como Lorca, Machado y Hernández, mientras confronta las heridas de la España profunda y los horrores universales. Esta obra canta a los derrotados y los redime, invitando al lector a mirar de frente la oscuridad y a encontrar en la poesía un refugio para la esperanza. Perfecta para amantes de la poesía comprometida, este libro es un testimonio poderoso de la capacidad de las palabras para desafiar el silencio y transformar el dolor en un canto que conmueve y transforma. UNA POESÍA SINGULAR, PLURAL Y UNIVERSAL La obra poética de Manuel Ruiz Amezcua se lee, se estudia y se aprecia año tras año como más singular, más plural y más universal. Singularidad en el sentido de originalidad creativa y rigurosa personalidad ética, ''humanamente humana'', pluralidad como diversidad de inspiración, escritura e interpretación, universalidad como comunicación y como conocimiento del mundo en sus múltiples facetas y desde sus muchas periferias. Una poesía fuera de las modas pasajeras del día y de las modalidades comunes, poesía que es ''magia, sorpresa, fascinación''. Universalidad también entendida como expansión cuantitativa y difusión internacional. CRISTIAN DE PAEPE, Universidad de Lovaina. UNA TRAYECTORIA AMPLIA Y VALIOSA En calidad de catedrática de Literatura Española en la universidad La Sapienza de Roma, y estudiosa y traductora de poesía española contemporánea, me complace realzar la amplitud y relevancia de la trayectoria literaria de Manuel Ruiz Amezcua. Su voz poética tiene una fuerza y una singularidad que la configuran como una de las más destacadas del panorama español contemporáneo. Manuel Ruiz Amezcua ha sabido guardar la memoria literaria de los grandes maestros del siglo XX, interiorizando su lección y cultivando una lengua poética renovada y viva, donde la tradición formal y antigua se combina con el uso del verso libre, típico de la época contemporánea. ISABELLA TOMASSETTI, Universitá degli Studi di Roma ''La Sapienza''.
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Solo el tiempo envejece las cosas. Las maltrata o las bendice. Se mide en la experiencia del cuerpo, el espacio o el devenir de la naturaleza en relación con el mundo, con los otros o con una misma. La edad es una convención que no debería tener número, es algo incierto, únicamente dictado por las maneras de vivir y la sanción natural que dibuja el deterioro y el conocimiento.Los poemas de Cierta edad son ajenos a ese transcurso del calendario que deja las cosas atascadas en el pasado y, aunque son hijos de su tiempo, tienen la virtud de poder ser leídos en el futuro y seguir siendo cómplices.
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Una silla amarilla espera sola en medio de la maleza. Como se descubre dentro de estos poemas, en el estar, en el sola, se encuentran nuevos caminos y nuevos nombres. Se encuentran nuevos lugares a los cuales pertenecer sin traicionar a quien el corazón te dice que eres. Con un lenguaje cementado en el respiro y en las pausas naturales a las que llega nuestro aliento, Silla amarilla pretende desaar nuestras perspectivas en cuanto a la soledad, en cuanto a la rareza, en cuanto al sentirnos la única criatura de nuestra forma y piel. Algunos momentos serán tristes, algunos momentos estrecharán los brazos hacia los mundos conocidos y ya cómodos. Sin embargo, con estos poemas, una voz nos pide esperar solamente un poco. Cada poema nos alienta a sentarnos en lo diferente por solo unos segundos. Cada voz nos enseña a reconocer lo incómodo como amigo, lo raro como victoria. Un conjunto de emociones espera dentro de estas páginas. Con un poquito abrir de corazón, y ojos, tal vez una de estas voces te hará reconocer los tropiezos de la vida como tus mejores pasos, como tus siguientes aventuras.
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Contempla tu vida como si fuese la sala de un museo: galerías blancas, vitrinas y muros repletos de piezas y cuadros. Cada objeto cuenta una historia, cada pieza es un recuerdo.Sin embargo los recuerdos son mutables, compartidos, implantados y propensos a ficciones, explican lo que hemos vivido y, en su laberinto, dejan entrever lo que somos.Hormiguero presenta una serie de poemas personales a manera de museo de memorias, miedos y ansiedades que conforman al autor. En formato de verso libre y prescindiendo de signos ortográficos para asemejar el flujo verbal de la mente al momento de recordar, el libro está compuesto por 25 poemas individuales interrumpidos por dos series de listados: “hormiguero” y “monadología”.Este poemario, anclado en lo personal, deja entrever instantes relacionales donde lo vivido y lo recordado puede describir momentos de cualquier persona: sensaciones en bruto.
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El vent farà dissabte
El vent farà dissabte celebra la feminitat, i desafia i explora els orígens de la Màtria a través de la figura de Lilith: mite, primera dona, primera Mare. Aquests poemes, com conjurs, invoquen la presència de la deessa i la seva veu es rebel·la incendiària i reconfortant, cantant i bategant a cor obert amb els versos de 28 veus més, creant una harmonia poètica explosiva.La simbologia, el llenguatge poètic, la imatge, la metàfora i els recursos plàstics hi són molt presents fet que afegeix contundència al contingut però amb una plasmació formal d’enorme bellesa. Aquest és un dels molts aspectes remarcats pel jurat, format per Carla Fajardo, Laia Noguera i Queralt Morros.Sigui a través dels versos o de les referències, a El vent farà dissabte s’hi reconeixen de manera transversal una reivindicació de la naturalitat, de l’autenticitat. Afegeix una reflexió molt necessària sobre el bé i el mal, allò acceptable i allò inacceptable, la pròpia veritat i l’estigma social, la necessitat de pertinença. La pressió sobre allò que s’espera de nosaltres i com ens pot portar dolorosament a representar durant tota la nostra vida un personatge que no som.
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El nuevo libro de uno de los mejores poetas españolesVenir desde tan lejos supone un nuevo punto de inflexión en la larga y prestigiosa trayectoria de Eloy Sánchez Rosillo. Si en la primera etapa del autor predominaba el canto elegíaco y en la segunda el enfoque se inclinaba claramente hacia la celebración, en este nuevo libro se impone la meditación serena de las cosas del mundo desde la altura de la edad. No se trata ni mucho menos de un libro desengañado o sombrío. Al contrario, es una obra de aceptación, de cumplimiento y de gratitud, con un evidente trasfondo moral. Y en todos los poemas del conjunto está muy presente el amor por la vida que desde sus inicios ha movido al autor a escribir sus obras. No estamos frente a un libro más de Sánchez Rosillo, sino ante uno de sus logros más altos, quintaesencia de una honda y dilatada experiencia poética.
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Una de las obras de referencia de la poesía popular y obra cumbre de Pablo Neruda. Uno de los poemarios más leídos, publicados y traducidos en el mundo.Publicado por primera vez en 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada es quizá el libro de Neruda que obtuvo una mayor popularidad y a la vez significó la plena consolidación del prestigio literario de su autor en el área hispánica. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Intocables en su definitiva rotundidad de pieza maestra, estos Veinte poemas de amor y una canción desesperada constituyen sin duda una de las mayores cimas de la poesía amorosa en lengua castellana. «Veinte poemas de amor y una canción desesperada es la historia de un encuentro y un fracaso amoroso, historia narrada desde un pasado, en el que se evoca el mundo como una frustración en la que el amor pudo ser salvación.» De la Introducción de José Carlos Rovira «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad -escribe Neruda-, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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La obra del poeta chileno constituye una de las principales aventuras expresivas de la lírica en lengua castellana. Una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Esta antología reúne la mejor poesía de Pablo Neruda. Sus primeros libros, como Veinte poemas de amor y una canción desesperada, supusieron una renovación de la poesía después de las experiencias modernistas. Pero la primera manifestación de verdadera madurez es Residencia en la tierra, libro que ejercerá gran influencia en los poetas jóvenes del momento. En España, adonde llegó en 1934 como representante diplomático de su país, entabló estrecha relación con los poetas que formaban lo que después se denominaría Generación del 27. Cuando estalla la guerra civil se siente fuertemente conmovido y un primer fruto poético de esa impresión será España en el corazón. En 1950 le es concedido el Premio Lenin de la Paz y aparece su libro Canto general, obra épica de gran aliento en la que reconstruye la historia de América desde la conquista. El reconocimiento de su obra culminará en 1971 con la concesión del Premio Nobel. El autor de la selección y del prólogo de esta antología es Rafael Alberti, otro gran hombre de nuestras letras que estuvo unido al poeta chileno por una gran amistad. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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El desprendimiento. Antología poética 1972-2020 recoge, por primera vez en España, una amplia muestra de la obra del poeta mexicano David Huerta, Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances en 2019, en una selección realizada por el autor en colaboración con el poeta y crítico español Jordi Doce. Un viaje por casi medio siglo de trabajo creativo que nos acerca una escritura eléctrica, llena de vitalidad, capaz de dialogar fascinada con las múltiples apariencias del mundo y asimilar con avidez desprejuiciada las diversas tradiciones de la modernidad. El resultado es una poesía enérgica y casi febril que encara los desafíos expresivos del presente -marcado, en su México natal, por la desigualdad y la violencia, la enormidad de su paisaje urbano y la riqueza de su mundo natural- sin dejar de aprender de las lecciones artísticas y literarias del pasado.
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En mis sueños siempre tienes veinte años es una selección de poemas escritos por Kirmen Uribe durante los años 1999 y 2024 que incluye el libreto inédito de la ópera Saturraran, estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao en 2024, con música de Juan Carlos Pérez. Son composiciones diversas y de formas múltiples tales como el poema narrativo, el tanka japonés, la glosa o la canción, y que tratan temas como nuestra relación con la naturaleza, la diferencia, la fragilidad del amor y la amistad, la pérdida, la destrucción de las guerras, o las adicciones. Kirmen Uribe ha escrito cuatro novelas y dos poemarios. Sus libros están traducidos a más de veinte idiomas. Premio Nacional de Narrativa, Premio de la Crítica y Premio Eusko Ikaskuntza, sus poemas han aparecido en The New Yorker y The Paris Review, entre otros. En 2018 recibió la prestigiosa beca Cullman de escritura de la Biblioteca Pública de Nueva York, ciudad en la que reside y donde es profesor en el MFA de escritura creativa en español de la Universidad de Nueva York (NYU). «La poesía de Kirmen Uribe se ha hecho universal e íntima. Por eso nos habla del mundo, de los libros leídos, de las canciones escuchadas y de las pequeñas cosas de la vida». Luis García Montero
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El cuestionamiento al hambre de poder como herencia latinoamericana, el duelo de saberse siempre extranjero y el azote del amor son los engranajes que recrean el movimiento en este poemario. Desde las sombras y escombros de un país bajo dictadura, el autor se abre en un manifiesto como grito en las profundidades, despojado de toda esperanza ante la maquinaria de vida que absorbe y regurgita, sin embargo, insiste.«La poesía de Jorge Campos encuentra sus raíces en la dimensión de los sentidos. Y estas raíces se nutren de un lirismo profundo, insólito y audaz. De allí que construya enunciados que describen el mundo que contempla, y lo hace de manera salvaje y certera, desnuda y procaz». Enrique Solinas
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Un poemario narrativo con personajes inolvidables y con ecos de jarcha y de quejido. Rincones de ambigua geometría puede leerse como una pieza teatral agonizante, como el guión de una película escrito en una noche de insomnio, como los últimos versos del último poema de un cancionero hackeado. Su escenario es el escenario mismo en el que terminaron las esperanzas del siglo xx: nada más y nada menos que un centro comercial en decadencia y destinado a convertirse en una ruina. Hubo un tiempo en que sus escaleras mecánicas, sus franquicias internacionales y sus espacios de ocio representaron el gran escaparate del mundo: la ilusión fantasma de una felicidad hecha de consumo y de progreso.Hoy, en los mismos pasillos donde antes podíamos soñar -aunque no llegáramos nunca a vivir con certeza ese sueño- se extiende un paisaje anónimo, vacío incluso de nostalgia. Todo lo que queda de entonces está contenido en estos poemas. Por aquí desfilan dos vigilantes de seguridad que, en sus cambios de turno (y de uniforme), descifran el juego insoportable de las máscaras que se ponen cada día, una mujer de la limpieza con «las manos como lijas» que canta jarchas de amor, un comisario de arte que pronuncia palabras incomprensibles, e incluso una maestra de excursión con sus alumnos, que entonan la eterna letanía del comercio.
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Faràs crèixer el vent del nort
El sol s’agenolla a la brasa del cel.Després del foc vindrà la creui les cendres que alleten la mar.Que grisa l’aigua de la tarda, que fort el silenci.Que gràvida la claror quan deixa d’existir, quanta calma amainada.Ara respiren els baladres de la nit, sents la metzina de la fosca?Dorm, que t’abraci el balanceig de la posidònia morta.És l’última sal.
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Tal vez la lluvia, o tal vez el tiempo deslave la soledad en la mirada de quien hereda la ausencia de su padre. En estos poemas, el yo poético se enfrenta a la muerte, al hastío, a los pecados de Dios, pues como menciona Loera, el diablo no hubiera sido capaz de tanta maldad. Con aura sombría, de estas letras emerge el dolor y el miedo que sacuden al lector para ofrecerle una experiencia poética que abre heridas y abre los ojos, pero la poesía contenida mitiga el dolor, lo vuelve caricia, nos regala el goce de su paso. Estos versos dejarán en el lector, un fuego que no termina, tal vez lo extinga el tiempo, o tal vez la lluvia... América Trejo
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Cinc poetes corsos
250 anys després que França arrabassés la independència de Còrsega, un grapat de poetes fidels a la seva llengua han estat capaços, en una mena de Renaixença (Riacquistu), d’incorporar la poesia corsa a la modernitat. Entre aquests: Ghjacumu Fusina, que es va consolidar aviat com la figura indiscutible de la lírica, la llengua i la universitat, amb poemes musicats molt populars, Pasquale Ottavi, poeta, narrador, pedagog i lingüista, Francescu Micheli Durazzo, professor, poeta i traductor dedicat a la projecció de la literatura corsa més enllà de les seves fronteres, Patrizia Gattaceca, cantant de renom, actriu i pedagoga, i Stefanu Cesari, atent a tot el que s’escriu arreu i en el que la poesia corsa s’afirma amb tota la violència de la modernitat. Cap d’ells, però, ha renunciat a donar substància a una percepció singular del món ni ha seguit les estèrils errades dels menyspreadors del lirisme. Mediterranis, llatins, illencs, canten amb una malenconia elegíaca i amb una energia combativa un món en ruïnes, pobles deserts, cares inoblidables, l’amor i la mort com una fe, així i tot, en el ressorgiment de la vida.
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El poemario propone una lectura de indicios, a base que avanzamos en los poemas entendemos que ha habido un accidente y leemos a la hija que mira a la madre y que mira el frío, el silencio, lo injusto de quedarse con quien no está, pero está y no deja continuar. La vida intentando hacerse paso desde el daño. El poema en murmullo, sin ruidos ni artificios dejando que el blanco señale, que el silencio lo haga. Un poemario que trabaja sobre temas como el duelo, la pérdida del padre, el dolor que nos señala como distintos y nos aparta.
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…Y esto es lo que encontramos si caminamos despacio por los poemas de Veintiún signos en la frente, del poeta George Reyes (Ecuador / México), un impactante descubrimiento de quehacer demiurgo del autor, no un libro de poesía al uso, convencional, sino un volumen lleno de frases y sentencias que se estimulan la conciencia del lector. Un “fraseo de muerte calado en tu frente”. Una sorpresa en un mundo lleno de hipérboles en el que el único dilema es leer o no leer los poemas que ahora tiene en su mano.
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Es un poemario desgarrador, crudo y, a veces, irónico, que explora el viaje emocional de una persona a través de las etapas del amor, la pérdida y la auto-redención. Desde las calles de Miami hasta los callejones de Melbourne, la narrativa poética recorre geografías físicas y emocionales, mostrando cómo las relaciones moldean y, a veces, desmoronan nuestra identidad. Este libro es una confesión y un juicio, donde la autora se enfrenta a sus propios errores y encuentra su identidad entre los restos de lo destruido. La voz poética en Lugares a donde no puedo volver es directa, utilizando metáforas poderosas e imágenes claras que permiten al lector visualizar los lugares a través de las palabras. El lenguaje accesible transmite sentimientos profundos, convirtiendo cada poema en una confesión y un fragmento de una historia mayor.
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Admirado por Jorge Luis Borges y por la «joven literatura» española del decenio de 1920 (Pedro Salinas, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, José Bergamín), que veían en él a una suerte de hermano mayor, y con el cual participan en varios proyectos, Alonso Quesada (1886-1925) es uno de los autores más representativos de una fase decisiva de la poesía hispana, aquella que, con raíces en el modernismo, desemboca en pleno nudo de la vanguardia. La temprana desaparición del poeta, antes de cumplir los 39 años, no impidió que nos legara una escritura cuya singularidad y originalidad empiezan a ser valoradas hoy —ya con suficiente perspectiva temporal— en su verdadera dimensión. Una voz única. Aun perteneciendo como pocos al tiempo histórico y cultural que le tocó vivir, Alonso Quesada nos sigue hablando hoy como nuestro estricto contemporáneo.Andrés Sánchez Robayna
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Texto dramático que puede leerse como prosa o prosa que puede llevarse al teatro, Diálogo se estrenó en el Burgtheater de Viena en 2022. Imaginemos a dos actores, como Bruno Ganz y Otto Sanders, a quienes está dedicado el libro, ambos ángeles en la célebre película El Cielo sobre Berlín, dos hombres ya mayores, amigos, cómplices, dialogando sobre la fuerza y la actualidad del teatro, sobre el hecho de envejecer, sobre los recuerdos y las vivencias que dejan una huella indeleble en la memoria...Texto rítmico, en la línea del último Handke, que rehúye las lecturas cómodas y uniformes, larga conversación, construida con una riqueza textual prodigiosa, que se abre paso mediante imágenes reveladoras, relatos del pasado y referencias a la propia obra, a la cultura popular y a la alta cultura. Y también, entre juegos de palabras y evocaciones evanescentes, hay espacio en Diálogo para la reflexión histórica y política, a propósito del relato espurio con que trató de nublarse la adhesión al Tercer Reich de los abuelos.
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Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores va recorriendo la vida de su protagonista, desde su juventud hasta la madurez, a la espera del cumplimiento de un amor que nunca llega a materializarse. A lo largo de sus actos, García Lorca despliega un lenguaje y una sensibilidad tan íntimos como bien perfilados, en los que todo parece colmarse de una poesía discreta que, sin embargo, está dotada de una arrolladora fuerza de expresión.
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Junto con Garcilaso de la Vega y Juan Boscán, podría decirse que Diego Hurtado de Mendoza compuso el trío de autores que inauguró la nómina de los grandes poetas de los Siglos de Oro. Esta nueva edición actualizada ofrece su poesía completa, si bien cuidando de limitar la selección a aquellas obras que, sin duda alguna, pertenecen al poeta granadino, a quien en el pasado se ha atribuido un buen número de composiciones de autoría incierta o muy difícil de probar. Además, se ha optado por acompañar los textos de un aparato crítico completo, así como por conferirles una nueva ordenación por géneros (sonetos, octavas, etc.) con la intención de facilitar el acceso a la obra de Mendoza a sus nuevos lectores.
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Bertania, Berta -o- Berta
La mort prematura d’una artista plàstica, la Berta, fa que el poeta, Jorge Rodriguez Hidalgo, en una mena d’enreveixinament ens proposi una lectura diferent de l’ànima quan l’art i la vida es dissocien.Una dona i una artista: Berta i Berta semblen defugir la unitat, però només ens ho sembla a nosaltres si no ens endinsem en el seu ésser i en la seva obra. Un alè i un traç per desvetllar-ne: BERTA o BERTA o BERTA. Una disjunció aparent que no volem resoldre, per bé que es dissol en la líquida emoció que el riu de la vida de la Berta i el de l’art que va conrear (com una altra confluència de Nil Blanc i Nil Blau) ens emporten: Berta de dues lleres i una sola riba. Una Berta fluvial, sanguínia i pictòrica, que esdevé un cant de Bertania. Heus aquí, entre paraules i imatges, els seus dons.
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La presente antología viene a cubrir un descuido habitual en el estudio y la difusión de nuestras letras del Siglo de Oro: el de la poesía crítica escrita en la clandestinidad. Con este espíritu, se seleccionan más de un centenar de textos que abarcan temporalmente los reinados de Felipe III, Felipe IV y Carlos II, y que dan una muy interesante muestra tanto del talento para la sátira de sus autores como de las preocupaciones políticas y morales de una época convulsa y marcada por las tensiones entre facciones nobiliarias. Un despliegue de aviesas intenciones y destructivo ingenio que quizás el paso del tiempo haya hecho más clandestino de lo que en su día fue.
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Introducció a la Ilíada. Homer, entre la història i la llegenda
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Nueva antología de la poesía y la prosa de Alfonsina Storni, una de las grandes escritoras del modernismo hispanoamericano, a cargo de Luna Miguel Estructurada sobre los ejes del amor, la filosofía y la muerte, esta nueva antología de las obras de Alfonsina Storni pone de relieve la gran variedad tonal e intelectual de una de las figuras más importantes de la poesía hispanoamericana de primera mitad del siglo XX. Sus poemas más famosos encuentran su contrapunto en textos en prosa poco conocidos, y del conjunto surge la potencia de una voz que incluye tanto la protesta como la celebración de la naturaleza o la reivindicación de la igualdad. Con una introducción escrita desde una perspectiva actual, esta antología rinde homenaje a la obra de Storni y aspira a acercar a nuevos públicos.La crítica ha dicho:«La supervivencia de la obra de Alfonsina está más allá del marco de la poesía de las mujeres escritoras, crece cada vez que se la traduce o se la reescribe al leerla».Delfina Muschietti
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