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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Paul Durand-Ruel (París, 1831-1922) es el marchante de arte que, ayudando a su padre, difundió las obras de los pintores de 1830 (Delacroix, Courbet, Daumier...) y de la Escuela de Barbizon (Corot, Millet, Diaz...), que, solo y asumiendo grandes riesgos, apostó por los Impresionistas (Monet, Pissaro, Manet, Sisley...) y que, junto con sus hijos, internacionalizó la difusión de la pintura francesa.
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«…,los logros del arte moderno tienen que entenderse como logros filosóficos de una cierta clase, aun cuando las obras de arte visual no sean ni tesis discursivas ni tengan relevancia filosófica por “,contener”, o “,implicar”, afirmaciones filosóficas. Mis principales ejemplos en este libro, Manet y Cézanne, son figuras consideradas a menudo respectivamente el abuelo y el padre de la modernidad en pintura. Hay en juego algo de importancia filosófica en los logros pictóricos incluso si no son –,precisamente porque no son–, filosofía en sí mismos. Es decir, la idea no es que estas obras de arte sean obras de filosofía, o filosofía incompleta, sino que encarnan una forma distinta de inteligibilidad estética, o una manera estética de hacer inteligible y atrayente una variedad de asuntos de la más profunda importancia para la filosofía.» Según Pippin, la pintura sería, como el cine, «filosofía por otros medios», una forma de conocimiento y autoconocimiento sensible afectivo. Desde este punto de vista se analiza, contra la idea de que el arte es algo del pasado, la pintura a partir de Manet y Cézanne como un modo adecuado y específico de representación de los problemas de la sociedad moderna desde el propio medio pictórico.
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El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje. Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma. La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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En este '' Pequeño diccionario visual '' el lectorencontrará de forma sencilla, accesible y manejableun conjunto de términos relacionados con el arte y las disciplinas básicas que lo componen: arquitectura,pintura, escultura. Junto a las principales disciplinas mencionadas aparecen otras como la alfarería, la cerámica, la heráldica, la glíptica, la orfebrería, laebanistería, la eboraria o el grabado. Las voces aparecen traducidas al inglés, francés, alemán e italiano. Este libro nos ayudará a comprender mejor el arte, las técnicas artísticas en sus distintas manifestaciones y servirá como punto de partida para posteriores estudios y profundizar en los distintos significados de los vocablos que aquí aparecen.
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Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos nirecetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder '' saborear ''una obra de arte en ausencia de su comprensión. Esdecir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechaspara príncipes ( '' La Fiesta de Venus '' , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( '' La Rendición de Breda '' , de Velázquez), y también para el público '' people '' (las serigrafías de Warhol), otrasincluso para el propio artista (los autorretratos deRembrandt). La capacidad de interpelación de la obrade arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de '' La Fiesta de Venus ''de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tansensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.
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Hay un momento en que los ojos se abren de pronto alarte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación deno avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos lasobras de arte y a buscar sus vínculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporáneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empecé aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y también en la realidad. Mucho más tarde, ya adulto, descubrí a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han idoescribiendo de manera intermitente a lo largo de casiveinte años. Al verlos juntos ahora, observo que elazar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la derivade mis intereses personales y mis aficiones, quizás con la ética y la estética que están implícitas en eltrabajo de cada escritor.
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Les artistes ont cru avec de beaux modèles ou de beaux motifs arriver au poétique. Nous croyons l’atteindre plutôt avec de beaux éléments, car ceux de l’esprit sont certainement les plus beaux.Juan Gris (1887‐1927), en portant le cubisme à sa synthèse, a su élever son esthétique au niveau des grands moments de l’histoire de la peinture.
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Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza, aunque desconozcamos el nombre del autor, la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, creael marco para una montaña mítica, el monte Fuji. Esta imagen, La gran ola de Kanagawa, la creó en torno a1830 un septuagenario: para entonces llevaba más demedio siglo experimentando técnicas y estilos y habíaproducido treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados. Katsushika Hokusai nació en 1760 y vivió en el Periodo Edo, el tiempo de los shogunes. La época, quizás la más asombrosa en la historia de Japón,comenzó en 1603 y se extendió hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. El clan dominante ?la poderosa familia Tokugawa? decretó el cierre del archipiélago al exterior y condujo al país a un hermetismo sin parangón. Este aislamiento propició el desarrollo de costumbres distintas a las del resto del mundo. De esa época proceden algunas de las creaciones culturales más originales de Japón, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Y también, algunas de las tradiciones más célebres ?y estereotipadas y mal contadas? como elmundo de las geishas. ¿Qué papel tenía la mujer en ese mundo? ¿Qué supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Cuándo perdieron los samuráis sus privilegios? En este libro nos introducimos de lleno en el Japón del Periodo Edo. Un fascinante viaje a una época remota para conocer al artista que firmaba como Hokusai, y lo que hay de cierto y de mito en las costumbres y protagonistas de un tiempo y una cultura irrepetibles.
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Crφtica visual del saber solitario reivindica tanto la estΘtica como el saber de un cuerpo cada vez mßs da±ado por las l≤gicas del capital, y lo hace a travΘsde tres momentos definidos como TESIS, CRISIS y CAOSMOSIS. Comienza con la fantasφa del sujeto autosuficiente, masculino y soberano que se considera capaz de conocer y organizar un mundo del que se mantiene aislado. Le siguen las sublevaciones de 1968, donde saltanpor los aires las formas tradicionales de representaci≤n, y las revoluciones de 2011, que proponen el valor positivo de la interdependencia, la creaci≤n colectiva y el activismo social. Desde ahφ se revisan losprotocolos acadΘmicos de los mundos del arte. La intenci≤n marcadamente polφtica de este ensayo nos invitaa decidir quΘ salvar y quΘ condenar del mundo que haorientado nuestros conocimientos.
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En una acepción un tanto indeterminada, casi siemprecoincide con lo angustiante en general. Sin embargo,podemos suponer que el uso del término específico –losiniestro– sirve para denotar un núcleo particular de lo angustiante: un sentido esencial y propio que permite discernir, en lo angustioso, algo que además essiniestro. E. T. A. Hoffmann es, en la literatura, el maestro sin par de lo siniestro, cuyas características nos ayudará a identificar gracias a su cuento delarenero: ''Ese hombre malo que viene a ver a los niños cuando no quieren dormir, les arroja puñados de arena a los ojos, haciéndolos saltar ensangrentados desus órbitas
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Tresors de Catalunya
Daniel Romaní (Barcelona, 1966) és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català, entre les quals destaca Monuments de Catalunya (2017, publicat per Viena Edicions). Col·labora regularment al diari Ara.
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Bajo el título de Scripta Selecta, el Instituto Mollquiere iniciar con este primer volumen dedicado a Rubens una serie de tres libros con el objetivo de recopilar la producción más significativa de Matías Díaz Padrón. Con ello, se pretende facilitar el ac
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Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece unviaje por treinta y cinco obras de todos lostiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos?, que nos descubre un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción. «El arte es una celebración. Un cuadro no seacaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota ynosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estaspáginas: romper el marco y expandir el lienzo hastadonde sea posible».
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Si nos tomamos en serio el papel de la fotografía enla cultura contemporánea como estructura básica de lamayor parte de las imágenes que vemos, descubriremosque su calado no ha dejado de aumentar desde la providencial aparición histórica del daguerrotipo
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El marco geográfico de la actual provincia de Cádiz, primitivo territorio del Reino de Sevilla, fue testigo histórico de la convivencia entre dos sistemas sociales y económicos: el agrícola y nobiliario, que se miraba al espejo hispalense, y el comercial y burgués, que se abría a los dos grandes mares. Ambas realidades generaron entre sí amplias relaciones culturales y artísticas, aportando a la zona recíprocas transferencias de forma y estilo, y también de artistas que trabajaron a caballo entre las dos realidades, o cuya obra sirvió de cruzada referencia estética. En este contexto artístico, la ciudad quedaría constituida en el verdadero marco de recepción y valoración de la cultura material. De todo ello se ocupan los nueve autores de este libro que, con prólogo de Alfredo J. Morales, aporta, mediante enfoques metodológicos renovados, una visión inédita del arte de Cádiz y su entorno en la Edad Moderna.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Alta cultura descafeinada indaga desde una perspectiva crítica en la despolitización del arte en las últimas décadas. Ofrece una crítica directa a esos procesos destinados a recuperar y reinsertar prácticas en otro tiempo disidentes.
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Esta é a historia dunha escola que se propuxera ser o xerme dun novo mundo, dun xeito diferente de entender e aplicar a arte as nosas vidas. Pero, sobre todo, é a crónica das mulleres da Bauhaus, fundamentais para alentar o ímpeto revolucionario co que naceu e a intensidade duns ideais que eran rompedores para a época.
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Una publicación imprescindible para entender las claves del coleccionismo de arte.Dani Levinas reúne, en este libro, treinta y cuatro entrevistas a las grandes figuras del coleccionismo contemporáneo, heterogéneas personalidades que hablan de sus motivaciones para coleccionar y de sus maneras de compartir generosamente con el público su pasión por el arte. Levinas es, a su vez, un gran coleccionista que, en este contexto, se nos presenta como un coleccionista de coleccionistas. En sus palabras, lo que distingue a estos hombres y mujeres es su forma de ver el mundo.
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Una obra crucial y revolucionaria para comprender, desde nuevas perspectivas, la corporalidad, el género y la sexualidad en la Edad Media.Mientras que el estudio de la corporalidad en época contemporánea goza de gran predicamento, la mirada hacia los cuerpos del pasado parece quedar en una extraña nebulosa que nadie sabe cómo encarar. Frente a ello, la prestigiosa medievalista Caroline Walker Bynum se propone el ambicioso objetivo de sentar las bases de su análisis sobre el cuerpo en la Edad Media. Sin embargo, al igual que ocurre en nuestro mundo presente, no existía un único concepto de cuerpo medieval, sino que más bien opera una cacofonía de discursos que, lejos de distanciarnos de su estudio, lo hace aún más atractivo. El reto reside, por tanto, en huir de los relatos dominantes e incorporar todas aquellas voces que hasta el momento habían quedado silenciadas. Sólo así, interrogándolas desde las problemáticas de nuestro presente, lograremos ahondar en uno de los aspectos más esquivos del pasado y comprender, finalmente, por qué tanto alboroto por el cuerpo.
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Surge entonces un movimiento artístico vinculado conlas sociedades secretas. Joséphin Péladan, fundadorde la Orden de la Rosa Cruz del Temple y del Grial, auspiciará la celebración de una serie de exposicionesanuales de jóvenes artistas afines a su credo esotérico a las que llamó los “Salones de la Rosa+Cruzö.
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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Sorolla tiene un don extraordinario para la pintura, un dominio de la misma que va mucho más allá del virtuosismo para, con ánimo sereno y radiante, adentrarse en un arte capaz de plasmar lo voluptuoso de los sentidos, el fulgor de la luz, la alegría de la vida.verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.orillas de un pantano, los absorbe como una esponja. Allí se rinden al lodo, a las flores de jazmín, a la música, a la extrañeza del idioma y al insoportable verano, pero, sobre todo, se dan de bruces con la descarnada realidad del comercio de seres humanos, un mercado que nunca se detiene. Descubrirán que Nueva Orleans es una colmena de identidades heterogéneas donde se venden mujeres apresadas por las calles y donde el capitalismo muestra su pulsión primitiva, la más esperpéntica.cenas cotidianas en las que ante todo importa lo que no se dice, Miguel Dueñas va trazando un relato, delicado y turbador a la vez, sobre los secretos familiares y sobre el quiebre de esa aparente normalidad que nos protege del caos.«Una trama bien trazada, con una prosa persuasiva y cuidada que nos envuelve+.Mara Malibrán, Mujer Hoy. retrato de la humanidad en una época de violencia, exuberancia y miedo.Quizá se trate de que nos enfrentamos a todo con demasiada prisa: estos poemas ensayan otros ritmos.o por rituales sangrientos, pistolas, dinamita y cuchillos. En general, no es tanto como parece y, al mismo tiempo, hay mucho más de lo que vemos. Porque en España, este país nuestro tan «tenebroso+ y goyesco, abundaron las asociaciones conspirativas sin rostro conocido, desde la legendaria Garduña, el Angel Exterminador, la malagueña Secta del Perrito o la Sociedad del Anillo, hasta una sociedad secreta deà bailarines. O la misteriosa Estrella Solitaria granadina, de la que reproducimos un espectacular reportaje, que incluye fotografías en las que se ve al asustado periodista junto a individuos sectarios y encapuchados. Junto a un periódico desplegable gigante dedicado a Taxil en España y su sociedad secreta Palladium, se incluye un Diccionario Secreto con términos, expresiones y nombres clave sobre ocultismo, teosofía, filosofía hermética y anarquismo, y un gran póster a todo color obra de Pablo Gallo, todo ello para cartografiar a nuestra España más tenebrosa.
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Las galerías de arte son elementales para comprender la contemporaneidad y el desarrollo de sus tendencias plásticas más innovadoras. Son las precursoras de lo que, más adelante, aparecerá legitimado en museos e instituciones y son creadoras de contenido cultural. Sin embargo, la mayoría de los textos que reflexionan sobre ellas lo hacen desde el punto de vista del mercado del arte. ¿Qué es una galería de arte? ¿Cómo funcionan? ¿Por qué son importantes? ¿Cómo son los espacios galerísticos? ¿Cuál ha sido su evolución histórica? ¿En qué momento se encuentran? ¿Cuál será su futuro? El presente libro aborda estas preguntas recorriendo la historia de las galerías de arte, desde cuestiones conceptuales y prácticas hasta reflexiones sobre las expectativas y retos de futuro, pasando por definir el momento y los condicionantes en los que surgieron y su apasionante evolución.
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El fenómeno de las relaciones entre las vanguardias políticas y artísticas marca la ideología y el arte del siglo XX. Prolonga la esperanza abierta por las Luces, con la divinización social del artista, que teorizan los románticos, y la misión que se asigna al intelectual cuando se enfrenta al siglo, y pretende afianzar la soberanía nacional, sabiendo que aplica a nuevas formas de vida palabras antiguas o le toca vivir con un público sin arte y un arte sin público. Los intelectuales y los artistas españoles intentan superar modelos e imaginar otra existencia, compartiendo la hipótesis revolucionaria o mediante una rebelión literaria metafórica, que se acoge a las técnicas pictóricas y enfoca la perspectiva de una obra total y autónoma. La aventura de las vanguardias acaba nutriendo aquella dialéctica que conduce, según la fórmula de Walter Benjamin, el fascismo a la estetización de la política y el comunismo a la politización del arte. Pero la voluntad de aventura, con la apertura a los vientos de fuera o el recurso a un lenguaje nuevo, y el paso de la modernidad a la contemporaneidad, no se sustraen siempre a los peligros de la tiranía del presente. Este libro, que aúna el enfoque de las historias ideológica y cultural, está dedicado a las contradicciones o divergencias que suscita la reivindicación de una vanguardia que no puede pensar sus límites y se expone, como la vida, a una perpetua transformación. Una nueva historia ideológica y cultural de la España contemporánea en su contexto europeo a través de la complejidad de las relaciones entre las vanguardias artísticas y políticas. Paul Aubert es catedrático emérito de Literatura y Civilización Españolas de la Universidad de Aix-Marsella. Fue director de estudios de la Casa de Velázquez. Diplomado de Ciencias Políticas, Doctor de Estudios Ibéricos, Doctor de Estado en Letras y HDR en Historia. Coordinó los programas de investigación «Crisis española y fin de siglo en el Mediterráneo» (Casa de Velázquez), «Las élites en la ciudad. Cultura política, Transferencias culturales, imaginarios nacionales en la Europa meridional, siglos XVIII-XX» (CNRS-UMR Telemme 7303). Entre sus últimos libros destacan: La frustration de l'intellectuel libéral. Espagne. 1898-1939 (2010), Nidos de espías. España, Francia y la Primera Guerra Mundial. 1914-1919 (con E. González Calleja, 2014), «Gotas de sangre jacobina». Antonio Machado y la política (Renacimiento, 2020), La civilización de lo impreso. La prensa, el periodismo y la edición en España (1906-1936) (2021), La España que pudo ser (1885-1931) (2021), El diario «El Sol» en su época (1917-1939) (2022) y España en el Mediterráneo (1860-1986) (2023).
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Per què la guerra?
Des de fa dotze mil anys, la guerra ha donat forma a la majoria dels aspectes de la vida social i continua tenint una gran força modeladora en els comportaments humans. La guerra és omnipresent en el món actual i no és aliena a l'economia imperant. Mai no ha estat tan visible com ara i, alhora, tan difícil de discernir-ne l'essencialitat i les causes. La guerra deteriora la democràcia i la justícia i envileix la memòria, és la norma enmig de la desregulació creixent que és inherent al món de la globalització contemporània. Entre d'altres, nodreix estructures culturals anacròniques com el patriarcat i obre escenaris de devastació, com les crisis humanitàries. La guerra provoca seqüeles profundes -traumàtiques- en tots els àmbits i, alhora, és un «lloc» que desperta fascinació. La regeix l'ambivalència i no hi ha cap camí fàcil per deixar-la enrere. Davant d'aquesta situació, la pregunta vigent és: per què la guerra? La present publicació recull les reflexions d'un grup d'autores i autors a l'entorn de les guerres i les ferides que provoquen a persones, espais i paisatges. Al mateix temps mostra les obres d'art contemporani exposades a l'exposició «Per què la guerra?», celebrada a El Born CCM entre el 15 de març i el 29 de setembre de 2024, que interroguen el fenomen polièdric de la guerra i, des d'experiències estètiques diverses, plantegen l'obertura d'espais de claredat i pensament que qüestionen la persistència de les violències bèl·liques.
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Ojos y capital es un ensayo de textura piel y tft queoscila entre las 4 y las 15 pulgadas, habla sobre elpresente y la cultura-red y amenaza con la materialidad de “,lamer los ojos”,. Este libro,que transita por la conformaci≤n identitaria a travΘsde la visualidad y la economφa, se pregunta por c≤molos ojos operan hoy como nueva moneda. Para ello, pretende identificar desarrollos contradictorios de latransformaci≤n capitalista de un mundo conectado, excedentario en lo visual y trucado en la preeminencia de lo econ≤mico frente a clßsicas y nuevas formas de polφtica y Θtica. Quiere hacerlo atravesando conceptoscomo sombra, mirada, desaparici≤n, (auto)representaci≤n, derroche, reciprocidad, lazo moral, capitalismoo feminizaci≤n, interpelado por las vigentes formas de creaci≤n de valor y nueva colectividad en las redes.
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Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la década de 1910) en Europa, donde se rodeó de otros creadores y abrazó el movimiento Cubista, regresó a México y comenzó a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordó temas sociales y políticos relacionados con la clase trabajadora, ganándose un estatus profético entre los campesinos de su país. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provocó controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra más notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan.Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Además de los estos, se incluye una gran selección de pinturas, fotografías de época, documentos y dibujos de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusión ha sido posible gracias a la más intensa investigación realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografía ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio más completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.
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Acostumbramos a hablar del mundo de la ficción como si a un texto o una imagen le correspondiera uno y solo un mundo, como si una novela representara todos los estados de cosas y los hechos de ese mundo. Sin embargo, los estados de cosas descritos y los hechos narrados en una novela no dibujan un mundo en su totalidad, ni siquiera son todos los que necesitamos para entenderla. El mundo desborda el texto de la obra y a la propia la obra, que sería ilegible sin ese mundo sobre el que tiene sentido. El lector hace inferencias, establece hipótesis, llega a conclusiones y adopta actitudes -más o menos deliberadamente- haciendo uso de supuestos y creencias que no son explícitas, sino que tienen que ver con ese mundo de trasfondo. Los personajes adultos han tenido una infancia, las emociones que motivan sus actos tienen una historia, cuando la acción deja de centrarse en ellos, siguen existiendo, los acontecimientos siguen teniendo consecuencias, las geografías de los lugares preexisten o en todo caso se suponen el escenario permanente de las historias, etc.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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Inspirado en el libro del Génesis, cuenta el mito originario de Urizen, encarnación de la sabiduría convencional y de la ley, creador de un mundo de alienacióny opresión en el que, tras sucesivas caídas, acabaránaciendo la forma humana y con ella la promesa de laemancipación y la revolución.El libro tendrá ocho ediciones distintas entre 1794 y 1818, todas ellas iluminadas a mano por el propio Blake, con ese lenguaje visual plano que anticipa la libertad expresiva del arte contemporáneo.
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* Bienvenido al mundo de los mitos, un reino fantástico repleto de criaturas mágicas y míticas de todo elplaneta. * Conozca a Baku, un espíritu japonés que se alimenta de sueños y pesadillas, y al tempestuoso Fénix de la mitología griega, que renace a partir de sus cenizas. Observe con atención y podrá captar un destello del escurridizo unicornio, que tiene poderes curativos y atrae la buena suerte. * Todo ello se halla a la espera ¡de que le añada color y le dé vida!¿Listo para empezar? Incluye algunas técnicas paracolorear divertidas que puede probar, como imitar unarcoíris, jugar con luces y sombras, utilizar la textura, añadir profundidad o destacar los detalles clave.
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La Historia del arte ha sido un éxito de ventas mundial que en este 2023 cumple 70 años desde su primera publicación. Es la introducción al arte mejor y más popular jamás escrita, publicada en todo el mundo en más de 30 idiomas. Atraídos por la sencillez y claridad de su escritura, lectores de todas las edades y procedencias han encontrado en el profesor Gombrich a un verdadero maestro, que combina conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por la materia.Actualizado con una nueva portada impresionante y un prefacio escrito especialmente por la nieta del profesor Gombrich, Leonie, este formato de bolsillo permite que la obra clásica de Gombrich continúe su progreso triunfal para otra generación y siga siendo el título de primera elección para todos los recién llegados al arte y su historia.La posición de Sir Ernst Gombrich en el mundo del arte y su popularidad entre los expertos y un gran número de lectores en general no tienen rival. Nacido en Viena, llegó a Londres en 1936 para trabajar en el Instituto Warburg, donde se convirtió en director desde 1959 hasta su jubilación en 1976. Ganó numerosos honores, incluido el título de caballero, la Orden del Mérito y el Goethe, Hegel y Premios Erasmo.
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Este número de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' presenta un conjunto de estudios sobre la labor restauradora emprendida por el Patronato de la Alhambra y Generalife, en colaboración con otras instituciones, y las tareas de gestión necesarias para la correcta administración del Conjunto Monumental. A estos trabajos hay que sumar distintas investigaciones históricas que abordan el periodo hispano-musulmán desde diferentes perspectivas.
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A Salvador Dalí le divertía comparar al Greco con un caracol. Tusquets se divierte en este libro comparando cosas que no viene a cuento comparar: obras de arte, calendarios, museos, lupanares, la Ley Seca, el libre albedrío, correcciones visuales, el globo terráqueo, escaleras históricas, clientes legendarios, toreros atemorizados, luces y colores misteriosos, alimentos en conserva, arte abstracto, vagones tolerantes, duchas inteligentes, deportes desafortunados, jardines imperecederos... Este es un libro escrito por un arquitecto (¿o por un diseñador? ¿O por un pintor y escritor dominguero?), pero no es un libro para arquitectos, sino para lectores que gusten de seguir un razonamiento original sobre temas manidos, cargados de lugares comunes y de visiones políticamente correctas. Por trascendente que sea el asunto, el autor no engola la voz, prefiere la ironía y el humor para exponer evidencias que, aunque son de sentido común, parecen insólitas y extravagantes.En resumen, un libro desbordante de talento, escrito desde una postura de radical independencia, y de lectura (y relectura) tan obligada como gozosa.
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