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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue siendo el paradigma del genio renacentista. La presente obra es un compacto catálogo razonado de todas las obras maestras pictóricas del artista, y constituye el acompañante ideal de la edición Leonardo da Vinci. Obra gráfica. Este libro, realizado a partir de nuestra edición XXL, nos acerca al Leonardo hombre y a su época a través de 10 capítulos, reúne sus pinturas y dibujos más conocidos, sus cartas, contratos, anotaciones de diario y escritos. En sus páginas podrá admirar con todo lujo de detalles los más grandes tesoros de los mejores museos del mundo, ya sea del Louvre, del Prado o de la National Gallery, de Londres. Desde la Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño hasta la famosa Mona Lisa, así como obras de Leonardo perdidas en el tiempo, pero no menos sorprendentes en su precisión y fuerza.
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La mirada captiva
Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.
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El petit llibre de la història de l'art a Catalunya
Un recorregut essencial per l’art català.Si et fas un embolic entre el Renaixement i la Renaixença o entre el Modernisme i l’Impressionisme, aquest petit llibre, molt pràctic i accessible, et portarà de la mà a través de les diferents corrents i èpoques artístiques de la història. Entén d’una vegada les diferències bàsiques entre el Romànic i el Gòtic, i gaudeix de les millors obres artístiques de la història de Catalunya alhora que aprens a situar-les en el seu context històric i etapa artística. Descobreix com l’evolució de la història de l’art a Catalunya ha esculpit la nostra sensibilitat com a societat i la forma en què avui entenem les expressions artístiques.
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El carácter universal del jazz latino se manifiesta en la diversificación de sus repertorios. La importancia de este género de la música popular se aprecia por la influencia del Caribe y de Latinoamérica en todos los ámbitos de la cultura. Delannoy hace un registro de los músicos y las corrientes esenciales que han dado vida a esta expresión musical, además de hacer una invitación a profundizar en el estudio de los ritmos afrolatinos.
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños quejugábamos con ellos. Este segundo volumen continúa mostrando los muñecos más maravillosos de nuestra niñez. Podréis contem
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Charles Darwin es conocido principalmente por su trabajo sobre la evolución de los animales, pero gran parte de su contribución a las ciencias naturales se centra en el reino vegetal. Descubre cómo se desarrollaron conceptos clave que han sido esenciales para el avance científico actual en la anatomía y funciones de las plantas. ¿Cómo se lleva a cabo la polinización? ¿Por qué trepan las vides? ¿Cuáles son los procesos digestivos que tienen que llevar a cabo las especies carnívoras? «Darwin y la botánica» recopila fragmentos de seis obras diferentes a menudo pasadas por alto, dedicadas completamente a estos seres vivos, y empareja cada extracto con ilustraciones de la biblioteca de la Fundación Oak Spring Garden, creando un bello volumen diferente a todo lo visto hasta ahora. James T. Costa, experto en historia de la ciencia y botánico evolutivo, aporta su experiencia a cada entrada, situando las palabras del célebre británico en el contexto del conocimiento y la investigación de la época. Mientras que la ilustradora Bobbi Angell acompaña cada capítulo de hermosas imágenes que reflejan la delicadeza y complejidad de los especímenes sobre los que el naturalista nos habla. El resultado es una nueva forma de visualizar el trabajo de uno de los mayores eruditos de todos los tiempos y una mayor comprensión de cómo sus hallazgos han moldeado nuestro mundo. «Una apasionada y equilibrada celebración de la obsesión por la investigación que sostuvo Darwin durante toda su vida… Costa logra su objetivo de exponer la visión del científico y la importancia que aún tienen sus métodos a día de hoy», Nature
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Varios autores / Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso / 2020 / 428 p. / cartoné
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Representar el ropaje para perfeccionar la técnica del dibujo. Este libro, estudio del dibujo del ropaje, potencia su aprendizaje técnico y manual, y sobre todo mejora las capacidades de observación y de síntesis que se derivan de tal estudio. Guía para el aprendizaje de la técnica del dibujo del ropaje: • Anatomía de los pliegues • Iluminación • Perspectiva • Formas fundamentales de los pliegues • Desnudo y vestido
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A guide to the art, artists, and culture of graffiti from the 1970s to today, as told by the taggers themselves.This major co-publication with the Museum of Graffiti chronicles the worldwide graffiti movement from its birth in the 1970s, through the street and train painting of the 1980s, to its emergence as an artistic genre admired in museums and sold at auction. With hundreds of never-before-seen photographs of graffiti art from the 1970s to today, many of which have been provided exclusively for this volume by the artists themselves, the book gives an insider’s view through multiple interviews with celebrated graffiti artists, including Roger Smith of Sane Smith, Hotboy Hert, DESA, Shirt King Phade, RIME, MadC, Saber, AURA, and others.Told through essays, hundreds of images, and interviews with the artists – both the underground outlaws and the writers who went mainstream – The Wide World of Graffiti will become the standard-bearer of the art form’s history and life today, a unique contribution from the first and only museum dedicated to graffiti as an art form.
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Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempo.El arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial.
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Siempre nos quedará Beirut recorre audiovisualmente los episodios violentos sufridos en el Líbano desde 1975 y demuestra cómo las películas, conformando en suconjunto una filmografía completa y diversa, son unaherramienta que sirve para preservar la memoria íntima, colectiva y nacional de un país. A lo largo de suscapítulos, somos testigos del modo en que la sociedad civil libanesa, y en concreto sus cineastas, responden al horror de la guerra. Así, a pesar de las diferencias religiosas o de clase social entre éstos, su obra, en conjunto, crea una memoria histórica regionalque refleja y reflexiona en torno a cómo la sociedadcivil no sólo se resiste a la violencia, sino que construye y reconstruye lo que ésta destruye.Lejos delsilencio o la propaganda, el cine libanés es la manifestación que cuestiona y hace público lo que ocurre en el interior de las casas, dejando constancia de lahistoria no narrada por los noticiarios, de la cotidianidad golpeada por las decisiones políticas de un sistema mundial que no tiene en cuenta la vida de las personas y sus anhelos más sencillos y, por ello, másprofundos.Este libro se perfila como una obra fundamental para quienes quieran adentrarse en la historia contemporánea de Oriente Medio y del cine mundial.
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Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.El color es como el aire que respiramos. Está en todas partes: desde la naturaleza hasta los edificios, desde la pintura hasta los carteles publicitarios, desde la moda hasta el lenguaje de las flores, desde la cromatografía hasta la heráldica...Pero, ¿sabías que el significado de los colores difiere según las culturas e incluso las épocas? ¿O que las catedrales eran originalmente multicolores? ¿Hay nombres de colores que no pueden traducirse a algunos idiomas? ¿Quién descubrió el espectro electromagnético de la luz? ¿El negro es un color?Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.
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La mujer ha desempeñado un papel esencial en la historia de la humanidad. En la Biblia, el libro más influyente en la civilización occidental que ha guiado a miles de millones de personas, también tiene un puesto principal. Si se exceptúa la deidad, el personaje humano más importante que aparece es femenino. Muchas mujeres destacan por sus aportaciones al conjunto de los seres humanos (Eva o María), otras han sido decisivas en la historia del pueblo de Israel, o protagonistas del Antiguo Testamento (Débora, Ester o Judit). Esta obra te ayudará a identificar a las principales protagonistas y sus distintas variantes iconográficas. Podrás reconocerlas y saber cuáles han sido las causas y las implicaciones de sus representaciones.
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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High Line, la famosa línea ferroviaria elevada convertida en vía verde de la ciudad de Nueva York, recibe millones de visitantes anualmente y brinda un espacio único para encontrarse con el arte y el espectáculo. Elevated examina las ofertas ricas y multifacéticas de su programa de arte público, High Line Art, presentando obras y proyectos de la última década de artistas clave de todo el mundo.El libro presenta una variedad de proyectos de talla mundial de artistas como Simone Leigh, Paola Pivi, Sam Durant, Jordan Casteel, Cecilia Vicuña, Sheila Hicks, El Anatsui, Phyllida Barlow, Faith Ringgold, Barbara Kruger, Zoe Leonard y muchos otros. Documenta la evolución creativa y la vibrante programación cultural de High Line Art, que ofrece un lienzo a escala de ciudad para que artistas e intérpretes interactúen.A través de s fotografías y conversaciones únicas con los artistas participantes, así como ensayos de críticos clave como Julia Bryan-Wilson y Aruna D'Souza, este libro examina las docenas de instalaciones al aire libre, vallas publicitarias, murales, proyectos de video y participaciones y eventos.
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De los pioneros de la tinta, a las jóvenes promesas,de los puristas legendarios a los innovadores que handefinido un estilo propio… Descubre a los tatuadoresque están revolucionando el mundo del tattoo japonésde procedencia hispana y déjate sorprender por sus múltiples estilos: preciosistas y limpios unos, macarras y potentes otros, pero siempre movidos por el respeto a la centenaria tradición del irezumi y un talento innegable. Agustín Cavalieri • Al Romero • Andrés Cruces • Bushi • Chris Treviño • David Baibar • DiegoAzaldegui • Diego Martín • Freddy Ampuero • Gabriel Toz • Gonzalo Goicoechea • Hernán Chevalié • Hugo HAB• Jano Navarrete • Kabra • Leo Denegri • Moroko Gon •Nil Marqués • Omar Morales • Pablo Barada • Paco Excel • Pera Vidal • Rafa Jurado • Santu Horisada • S. Nezumi
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Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) artistaren lana (performanceak, ekintzak, bideoak, instalazioak, testu-piezak) disidentzia estetikoaren forma bat da, eta zalantzan jartzen ditu hizkuntzaren normatibitatea eta definitzen gaituzten zeinuen ekoizpena. Obra ausarta eta urratzailea da, eta estatuko eta nazioarteko erakusketa askotan izan da ikusgai, besteak beste, 2020ko Shangaiko Bienalean eta 2019ko Veneziako Bienaleko Espainiako Pabiloian.Itziar Okarizi amestea interesatzen zaio, ekintza partekatua eta saihestezina, fisikoa delako, arnasa hartzea eta pixa egitea bezala [bere ekintzarik gogoratuenetako bat Mear en espacios públicos o privados da, non zutik egiten zuen pixa, gizonek egin ohi duten moduan, zirkuitulabur bat sortuz ezarritako ohituran]. Denok amesten dugu eta, gainera, denok ikusten dugu geure burua berak deskribatzen dituen eszenetan, ametsak ere eraikuntza kulturala eta soziala direlako.Ametsak idazten hasi zen, performanceetan erabiltzeko. Amets egiten duenean —eta gutxitan amets egiten du, dioenez—, irudi horien oroitzapena idazten du esnatzen denean, eta hor aurkitzen du lanerako gaia. «Ametsak transkribatzea sistema bat izan zen —eta oraindik hala da— hitz propioak sortzeko». Hitz horiek lan-tresnak dira, azken urteetako performanceen oinarrian dagoen materiala, ahotsean, elementuen kenketan eta errepikapenean egituratuta. Hitz propioak eta gorputz bat entzuleen aurrean.Ametsak liburuak 2013az geroztik egin dituen performanceetako testu guztiak biltzen ditu (generikoki Diario de sueños izenekoak), eta haratago doa: artistaren koaderno hitzez adierazi gabea, bere amets irakurri gabeak, entzun gabeak, bere azken ametsak eta, ezinbestez, bere azken amesgaiztoak. Elkarrekin, ustekabeko indar poetikoa duen liburua osatzen dute, New York eta Bilbo artean dabilen Itziar Okarizen unibertsoaren sarrera: erreferentziak, familia, lagunak, inguru artistikoa, bizitza, mina, hiriak, lanak, koloreak, iskanbila, hutsuneak.Amets hauek izan litezke egunerokoak, poemak, gutunak, marrazkiak, partiturak. Ametsak besterik ez dira. Idazketan agertzen den materiala. Hazten ari den idazketa.
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Esta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrEsta edición recopila algunas de las entrevistas realizadas por Djuna Barnes, para renombradas revistas como Vanity Fair y McCalls, durante el convulso periodo transcurrido entre 1914 y 1931. En ellas la prestigiosa autora de El bosque de la noche despliega su estilo inimitable y su característica mirada, irónica e ingeniosa, para acercarnos a personajes de la talla de Coco Chanel, David W. Griffith, Yvette Guilbert, James Joyce, Kiki de Montparnasse, Alfred Stieglitz y Franz Harris, entre otros.
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Recorta, pliega y haz volar tu propia flota. Encontrarás todo lo que necesitas para construir 60 minijets y echarlos a volar con toda la potencia de tus pulmones. Son 5 diseños dinámicos: Dragonfly, Strawhawk, Viper, Spitfire y X-88.
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Cambiar el mundo, cambiar la vida'' era el mensaje utópico que el arte moderno transmitía abierta o veladamente, un mensaje que a comienzos del siglo XXI puede parecer a muchos obsoleto pero que formulado en los términos de Walter Benjamin adquiere una actualidad insospechada.A partir de ahora el lector en español dispone del texto mas completo de este ensayo de Benjamin, pues esta nueva edición recoge los principales pasajes de las diferentes versiones que resultan excedentes o divergentes respecto de la versión básica.
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El primer cambio en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Llegué a sentir que los colores de la naturaleza no podían ser reproducidos enla tela. Instintivamente comprendí que la pintura debía encontrar una nueva manera de
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Breu història de l'art als Països Catalans
Un viatge per l'evolució de la pintura, l'escultura i les altres arts plàstiques a les terres de llengua catalana. Partint de l'art antic, el pes principal del llibre recau en l'art romànic, el gòtic, el renaixentista, el barroc, el neoclàssic, el modernista i les diverses tendències del segle XX. Si bé el Renaixement i el Neoclàssic tingueren aquí una presència essencialment importada, els altres estils -compartits amb la resta d'Europa- hi fructificaren amb personalitat pròpia. En època medieval, era molt freqüent la presència d'artistes dels diferents regnes de la confederació catalano-aragonesa fora del territori originari, pràctica que continuarà però amb menys intensitat. En canvi, la influència de l'art català a l'estranger, bé que també existí abans, no es fa patent amb contundència fins l'edat contemporània. Un fenomen abassegador com la colonització cultural castellana, a nivell lingüístic, és, però, molt menys intens a nivell plàstic.
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Desde majestuosos y ancianos robles hasta frondosos bosques de abetos, Árboles en el arte reúne una magnífica selección de obras que representan la belleza de los árboles y paisajes arbóreos.Los álamos de Monet, los cipreses de Van Gogh o el espléndido pino que daba sombra a Georgia O’Keeffe en Nuevo México son solo algunas de las maravillas recogidas en esta compilación que, acompañada de textos explicativos sobre los artistas y sus creaciones, hará las delicias de los amantes del arte y la naturaleza.
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Se focaliza el discurso histórico-artístico en la representación visual de mujeres, cuyos comportamientos han sido codificados comomodelos de moral cristiana, desde unamirada androcéntrica.
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Mary Beard y John Henderson nos descubren en este libro el mundo antiguo de Grecia y Roma como nunca lo habíamos imaginado, con sus esculturas pintadas de brillantes colores y sus edificios totalmente decorados con frescos y mosaicos.Su análisis, revelador y emocionante, recorre las delicadas pinturas de las villas pompeyanas, aventura cómo debieron ser las estatuas en todo su esplendor cromático, revela cuál era el sentido de la desnudez femenina en el mundo clásico y nos sorprende con la utilidad que tuvieron los monumentos. Así, nos demuestra cómo las innovaciones artísticas de la Antigüedad se han convertido hoy en las convenciones de nuestra cultura.Nuevo prólogo a esta edición de Mary Beard.
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¿Qué es el arte? ¿Por qué objetos con siglos de antigüedad siguen fascinándonos en la actualidad? ¿Qué misión poseen las instituciones de los museos, dedicadas a su conservación y difusión?El arte es un medio de conexión cultural con nuestro legado. A través de las obras artísticas, las civilizaciones precedentes se expresaron a sí mismas y nos transmitieron un mensaje, mensaje que actualmente se lee en clave de cohesión social, promoción de valores universales y construcción de una cultura para la paz.El arte se convierte, así, en una herramienta didáctica fundamental para lograr una educación integral y por competencias del alumnado. Por ello, este libro presenta al lector un análisis de las instituciones encargadas actualmente de la conservación y difusión de dichas piezas, los museos, así como de las posibilidades didácticas que estos poseen para hacer legible el mensaje de la obra de arte.El lector descubrirá en esta obra los entresijos del mundo del arte y sus diversos agentes, y encontrará una propuesta de reformulación del mundo del arte a partir de diversas teorías, que, más que dar respuestas cerradas, abrirán un marco de posibilidades para la reflexión sobre el arte en la actualidad.
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Las imágenes construyen formas de vida: nuestras formas de vida. Sin que seamos conscientes de ello, en el origen de muchos de nuestros estados de ánimo, expectativas y renuncias se encuentran los mensajes que estas nos transmiten. Las imágenes son, por lo tanto, dispositivos de poder, herramientas que generan mecanismos de autoridad, fundamentalmente en nosotras mismas. Haciéndonos cargo de este poder, hemos partido del concepto de soberanía alimentaria para llevarlo hacia el consumo de imágenes: si la soberanía alimentaria consiste en el derecho a decidir cómo nos alimentamos, la soberanía visual consiste en el derecho a decidir nuestro propio sistema de consumo de productos visuales. A partir de los conceptos de consciencia, autogestión y autocuidado visual, así como lo que hemos denominado «semiótica interseccional», atendiendo de manera explícita a los ejes de género, raza y clase, este libro constituye una guía para aprender a autogestionar las imágenes que consumimos, en definitiva, para que seamos nosotras las que decidamos sobre las imágenes y que no sean ellas las que decidan por nosotras.
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En Palma de Mallorca, en la imaginaria 'playa' que rodea el homérico Mediterráneo, Joan Miró instalará en 1956 su taller definitivo. Desde ahí trabajará para devolver a su arte la fuerza de la voz coral, capaz de someter, con la memoria de la historia y el gesto del oficio, la materia a las formas del espíritu.
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Se suele decir que el ideal de libro de Benjamin era un texto compuesto enteramente de citas, en que el autor fuese solo el compaginador, en el sentido cinematográfico del término, estrictamente una cuestión de montaje en la cual la autoría pareciera borrarse. El trabajo de Benjamin es expurgado por motivos ideológicos, atribuibles a la oportunidad, por Horkheimer, pero también por Adorno en la primera versión publicada en alemán y en este caso lo es por divergencias en la consideración de ciertos fenómenos del arte popular. Los textos se complementan con todas las variantes, las notas, apuntes bibliográficos e incluso los pasajes desechados por el autor.Es el único libro que reúne las cuatro versiones de este texto tan leído y tan estudiadio.
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A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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Edificio religioso sin par, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1993, la construcción del Monasterio de Guadalupe se desarrolló a lo largo de los siglos XIII al XVIII y constituye toda una eclosión de estilos artísticos. En este libro coral, escrita con un lenguaje llano y cercano, coordinado por Ángel Fuentes Ortiz, uno de los máximos conocedores del Monasterio, diferentes historiadores nos adentran en el universo propio que supone cada una de sus fases, espacios, maestros y obras de arte. Sin lugar a dudas, el libro que tienes en tus manos es la mayor actualización hasta la fecha de los estudios en torno al Monasterio de Guadalupe. Todo un esfuerzo por acercar al lector su belleza sin dejar de lado la profundización y el rigor de su estudio.
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Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.
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Los textos reunidos en este libro representan secciones a través de una carrera de especulación, investigación y experimentación cuya ferocidad y asunción de riesgos no tiene parangón en la historia de la arquitectura de los últimos 50 años. Sin duda, los textos seleccionados para este volumen tienen un único foco que encaja muy bien con el de la carrera que, de algún modo, sintetizan: la dificultad y la necesidad de colocar el pensamiento arquitectónico en una plataforma formalista defendible. Este ha sido, en suma, el Santo Grial de la obra y de los textos de Peter Eisenman. Las antologías retroactivas de textos tienen la habilidad especial de colocar un volumen de trabajo en una perspectiva específica para proporcionar ángulos de percepción no disponibles en el período en el que fue creada, ya solo por esto, estas antologías no tienen precio.
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