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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Recorta, pliega y haz volar tu propia flota. Encontrarás todo lo que necesitas para construir 60 minijets y echarlos a volar con toda la potencia de tus pulmones. Son 5 diseños dinámicos: Dragonfly, Strawhawk, Viper, Spitfire y X-88.
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Las magas de Nalsara lo han intentado todo para proteger a Cham, pero los addraks demuestran ser más fuertes. Raptan al chico y lo encierran en la Fortaleza Negra. Allí, Cham encuentra a su madre, desaparecida desde hace mucho tiempo. Los dos tienen una sola idea: escapar de la torre en la que están encerrados. Pero solo Nyne puede ayudarlos. La misión parece peligrosa...
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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Excepcional pintora suizo-italiana de finales del siglo XVIII, destacada representante del clasicismo.Angelica Kauffmann, nacida en Suiza, crecida en el norte de Italia, por unos años residente en Londres y romana de adopción en sus años de madurez, fue una pintora muy celebrada en vida, retratista de las familias reales europeas y de la alta sociedad británica e italiana, fue también, con sus cuadros históricos, mitológicos o religiosos, figura destacada de la propuesta clasicista que, en la segunda mitad del siglo XVIII, vino a rescatar a la Pintura de los estertores del manierismo.
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Número 59 de la revista científica editada por el Museo Nacional del Prado, una publicación imprescindible para conocer las últimas investigaciones llevadas a cabo sobre las colecciones del museo y áreas de la historia del arte relacionadas con ellas.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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Una pintora de éxitoPintora de poderoso talento, Marie Laurencin (París 1883-1956) expondrá en el Salón de los Independientes de 1907, frecuentará los círculos fauvistas de Matisse y los cubistas de Picasso, y será la compañera y musa de Guillaume Apollinaire. Acabada la Primera Guerra mundial, dará con su característico estilo personal -elegante, etéreo, delicado y atemporal- que le abrirá las puertas del éxito, convirtiéndose en la retratista de la alta sociedad parisina, además de en ilustradora afamada y referente de la moda de su país.
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¿Cuándo y dónde empieza el arte? ¿Cómo era el arte de la Prehistoria? ¿Cuáles son las características del arte Clásico? El término Románico, ¿tiene algo que ver con Roma?¿Cómo son las portadas de las catedrales góticas?¿Qué es el Renacimiento? ¿Cómo trans
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Retomando algunas de las temáticas abordadas en el clásico estudio ''Arte e ilusión'', Gombrich defiendeen este ensayo, centrado en la teoría y práctica de la interpretación, la necesidad de controlar los poderes asociativos de la mente atemperándolos con evidencias contextuales. Evidenciando la dimensión constructiva, y no pasiva, del proceso perceptivo, el autor nos invita a realizar un valioso ejercicio de reflexiónsobre ''el arte de ver''. El texto está dividido endos capítulos, en los cuales el historiador británicoda cuenta de su extraordinaria erudición aportando multitud de ejemplos y referencias.
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''¿Por qué las personas destruyen las imágenes? ¿Quémotiva estos actosindividuales y colectivos de violencia contra algo que -al fin y al cabo- es una mera representación en madera, piedra, lienzo o papel? ¿Cómo podemos pensar la iconoclasia en el mundo contemporáneo?'' Estas son algunas de las preguntas que DavidFreedberg viene haciéndose desde que, a finales de ladécada de 1960, comenzase a investigar sobre la iconoclasia, un tema ignorado hasta el momento y al que los historiadores del arte rara vez tenían en consideración. Sin embargo, como Freedberg demostró en multitud de escritos, la iconoclasia, el gesto de atentar contras las imágenes, en el fondo no hace sino mostrarel enorme poder que éstas tienen.
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Esta publicación presenta la obra de Mari Chordà (Amposta, 1942), creadora multidisciplinar que utiliza la imagen, el lenguaje yla acción social, elementos inherentes a su vida, como material fundamental para su obra. La artista, la poeta y la act
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Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente.Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».
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Siguiendo la lógica del edit musical, si este libro fuese un disco, sería un álbum de remezclas de temas propios: cuatro versiones de una misma vivencia del baile expandida en el tiempo. La autora propone un ejercicio atrevido alentado por el acontecimiento físico (individual y colectivo) de la pista. Bailar es una experiencia que se resiste a las palabras -Sonia Fernández Pan es muy consciente-, porque apela directamente a una memoria material del cuerpo que solo se activa al bailar de nuevo. Edit le permite establecer una analogía entre baile y escritura utilizando estrategias comunes: la autoedición constante y el préstamo de situaciones y referentes. El resultado es una secuencia que se acerca -a la vez que se aleja- de teorías musicales previas, persiguiendo en la escritura lo ''asequible, epidérmico y sensorial'' de la música. Cada uno de estos textos, surgidos de un proceso de reescritura, participa -entre el anonimato de la pista, la autoría de la voz y la mirada del dj- de un gesto común que reensambla historias a través de los cuerpos que bailan.
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Art (in)útil
Art (in)útil reflexiona al voltant de la idea d'artista emergent i institució cultural com a ens legitimador. El contingut d'aquest marc només és la punta de l'iceberg sobre la mediatització cultural entre art, artista i institució, però serveix per entendre com s'inicia l'artista en un circuit i quins mecanismes es fan servir per absorbir-lo. Així és com s'allunya l'art de ser una eina política crítica de pensament, i es converteix en producció i, per tant, en un producte més del context postfordista. A partir del canvi de paradigma sobre la idea d'exposició amb l'objectiu de donar visibilitat a obres -una visibilitat necessària perquè arribin a ser art-, Daniel Gasol es pregunta si l'artista s'adapta a la producció institucional que s'entén com a art. L'autor també valora si, per contra, és l'exposició institucional la que dota el treball d'una importància hipotètica, amb la conseqüència indirecta de generar legítimament creacions confrontants de semblança formal i conceptual. Gasol explora l'existència de diversos tipus de creació o contextos que projecten què ha de ser art, així com sobre què considerem art emergent o obra expositiva. També qüestiona les institucions adients per exhibir produccions artístiques, i com el sistema del capital i laboral afecta la creació i l'exposició d'art. -------------------------------------------- És útil, l'art? Què ens porta a decidir què consumim? ¿Relacionem inconscientment que una obra artística és millor per tenir un volum d'audiència elevat i per aparèixer als mitjans de comunicació? Són els artistes realment lliures a l'hora de crear o estan sotmesos a certs paràmetres i s'hi adapten?
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En la impresión que provoca la vieja Florencia predomina una felicidad persistente, una sensación de cordura, de algo humano y sensato, la sensación de un lugar propicio a la vida.ö
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En nuestro remoto pasado fílmico no faltaron quienes se entregaron a la técnica stop-motion y se enfrentaron al arduo rodaje fotograma a fotograma pese a la escasez de recursos y la ausencia de reconocimiento. Para este estudio no se han escatimado esfuerzos: se han visionado cortometrajes en filmotecas, recurrido al archivo de RTVE, contactado con profesionales y familiares, buceado en bibliotecas y hemerotecas, etc. Esta encomiable labor de investigación, en verdad de arqueología fílmica, quiebra años de olvido historiográfico para sacar a la luz un pasado oculto y sorprendente, que arranca en el cine mudo, sigue en la Segunda República, se prolonga durante el franquismo y los albores de la televisión pública, hasta el advenimiento de la democracia.
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El pincel de Hiroshige captó como ningún otro el encanto del paisaje japonés, en el que con frecuencia se asoma el monte Fuji, la cumbre más elevada del archipiélago nipón. Este volcán, cercano a la capital Edo (actual Tokio), era visible desde numerosas poblaciones y desde las principales carreteras del país. Por esta razón, tanto en sus vistas de Edo como en sus paisajes por las provincias, Hiroshige dibujó innumerables veces la inconfundible silueta del monte Fuji.Este libro presenta las estampas más destacadas de la producción de Hiroshige que tienen al monte Fuji como protagonista y, también, de manera integra, las dos series que el artista publicó bajo el título Vistas del monte Fuji en 1852 y 1858. En conjunto, este libro es una magnífica manera de adentrarse en el universo artístico de Hiroshige y conocer sus grandes obras maestras, que se elevan a la altura del monte Fuji.
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Está a punto de embarcarse en un viaje creativo por el mundo del arte, desde el antiguo Egipto y la Italia renacentista hasta la India mogol y la Australia aborigen, pasando por Leonardo y Lichtenstein, Miguel Ángel y Miró. A lo largo del camino podrá adm
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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El tao, los jardines zen, la pintura a la tinta, lacaligrafía, los haikus o La gran ola de Hokusai se encuentran en el origen de los movimientos vanguardistas del siglo xx, de la arquitectura moderna, de las performance de artistas tan icónicas como Marina Abramovic o Yoko Ono o del arte urbano de Banksy. Encorsetados por academicismo decimonónico, los artistas occidentales necesitaban un nuevo lenguaje para expresar el imaginario contemporáneo y lo encontraron en la fusión de las vanguardias artísticas con la filosofía, la estética y las tradiciones centenarias de Asia Oriental, que insuflaron una nueva vida a la creatividadartística de Occidente. Pilar Cabañas y Matilde Ariasrastrean estas interacciones creativas y nos ofrecenuna investigación multidisciplinar y detallada sobrela decisiva influencia que el taoísmo, el budismo zen y el ukiyo-e han ejercido en las representaciones artísticas de Occidente.
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Este número doble de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' reúne los trabajos relativos al extenso programa de intervención en el patio de los Leones. Este proceso, necesario por el delicado estado de conservación en que se encontraba, se inició en 2002 con la restauración del león número 4, tras una profunda investigación histórico-documental del espacio y la aplicación de una metodología científica, que permite garantizar su preservación.La nueva entrega de la revista parte de una exposición del proceso de intervención, a la que complementan un estudio de la evolución de la imagen de la fuente de los Leones, y de su iconografía e iconología, que tiene en la documentación gráfica histórica y en las fuentes escritas un fiel testigo de la transformación de su fisonomía.
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Mur al descobert
Fa més d’un segle, les pintures romàniques de l’absis de l’església de Santa Maria de Mur (Pallars Jussà) van ser arrencades i venudes als Estats Units, d’on no han tornat mai més. Aquest esdeveniment va suposar un punt d’inflexió en la preservació i la protecció de l’art a Catalunya, ja que, per evitar més casos com el de Mur, el Govern de l’època va ordenar arrencar la resta de pintures murals romàniques del Pirineu i d’altres zones del territori i les va dipositar a l’actual Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). ''Mur al descobert'' narra els fets de la redescoberta de les pintures i la seva arrencada i venda posterior. Tot de la mà de deu dels seus protagonistes: quatre excursionistes científics, un d’ells l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner, el president de la Mancomunitat, Enric Prat de la Riba, el col·leccionista Lluís Plandiura i Pou, Josep Farràs i Serradell, el mossèn que va vendre les pintures, els Steffanoni, els italians que van fer l’arrencament, Arthur Fairbanks, el llavors director del Museu de Boston, i Joaquim Folch i Torres, que va endegar la campanya de salvament.
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L'ombra de la Dora
La relació de Dora Maar i Pablo Picasso va ser una història tortuosa. Picasso va immortalitzar la Dora en les seves pintures. De fet, la va caricaturitzar, ja que, en comptes de ser reconeguda com a artista -una de les fotògrafes més importants del surrealisme-, va esdevenir per a molta gent la musa dissortada, la dona que plora. Aquest llibre és un homenatge il·lustrat i una bella reivindicació d'una fotògrafa meravellosa.
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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L'artista en el laboratori
Art i ciència, que per a molta gent poden semblar dues activitats ben separades, han tingut i tenen molts punts en comú. Al llarg de la història, artistes i científics s'han proporcionat mútuament eines¬ de treball, nous materials o motius d'inspiració. En aquesta obra, s'expliquen de manera amena i assequible temes com el descobriment de nous pigments gràcies a l'evolució de la química o les tècniques modernes que permeten conèixer molts detalls sobre obres pictòriques, estudiar estils i detectar fraus o datacions equivocades. A més a més, s'explora la visió del món que es desprèn de diverses obres a partir de la influència mútua entre l'art, d'una banda, i l'astronomia, la biologia, les matemàtiques o la física, de l'altra. L'artista en el laboratori, finalista del Premi Europeu de Divulgació Científica Estudi General 2006, posa en relació personatges com Newton, Boyle, Van Eyck, Turner, Chevreul, Seurat, Galileu, Einstein, Dalí, Gaudí, Leonardo, Mandelbrot, Vermeer, Leeuwenhoek, Duchamp, Pollock i molts altres.
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Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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Para cultivar la comprensión del planeta y de nuestros semejantes, además de viajar, tenemos el recurso de la gran literatura. Hay un mundo que conocer y en el que perderse, y si nos dejamos guiar por la curiosidad, esta puede llevarnos a un viaje interior que nos cambie a mejor. El mundo es cada vez más pequeño: todos estamos más conectados y podemos explorar el planeta de formas que a nuestros antepasados ni se les habría pasado por la mente. Y, sin embargo, pueden verse divisiones por doquier. Cunde la desconfianza y las falsedades se propagan. Viajar puede ayudarnos a contrarrestar estas tendencias, al igual que lo puede hacer leer sobre las experiencias de otras personas en otras tierras y épocas.
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Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shodo «camino de la escritura», un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía. De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.
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L'art de musicar la fusta
L'artista Sergi Mas s'acosta en aquest volum a l'art de musicar la fusta o, dit d'una altra manera, a l'art popular de decorar objectes quotidians mitjançant la tècnica de gravar i tallar principalment figures geomètriques a la seva superfície. Un tema sobre el qual s'ha escrit ben poc i que, malgrat ser una forma d'expressió artística popular, no ha gaudit de l'interès dels estudiosos. I, tanmateix, les musicadures -d'origen remot, però universals i compartides per moltes cultures- són part de l'art del poble, sobretot del d'aquelles persones més en contacte amb la natura. Tot i que han arribat a l'actualitat, la producció industrial en sèrie les ha fet pràcticament desaparèixer. D'aquí ve l'interès de l'autor per fer un estudi el més ampli possible sobre les musicadures a Andorra, al Pirineu i al món europeu a través de la documentació i les làmines que ha recopilat durant anys. Amb més de dues-centes il·lustracions del mateix artista, Mas recull els principals tipus de musicadura i fa una aproximació a la seva presència en objectes quotidians com salers, escudelles, esclops, formatgeres o collars d'ovella, entre d'altres. El volum el clou un petit manual sobre talla per a tot aquell que vulgui iniciar-se en les musicadures. Un llibre sobre art popular que és, també per si sol, una obra d'art.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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Confesión de ignorancia o de carencia de palabras, elno sé qué goza de una larga tradición, que abarca desde el mundo latino hasta la Europa moderna, y atraviesa la mística y la retórica, la psicología y la filosofía, la producción poética y la prosa. Como expresión de una vivencia en los límites de lo decible, elno sé qué (je ne sais quoi francés o non so che italiano) ha dado pie a brillantes reflexiones, diálogos ytratados. De manera especial, entre los siglos XVIIy XVIII, con las aportaciones de Bouhours, Leibniz, Feijoo, Marivaux o Montesquieu, el no sé qué concitaráa su alrededor los conceptos más importantes con losque irá configurándose la estética moderna de la quesomos herederos. Sentimiento, gusto, gracia, simpatía, soltura, sorpresa, delicadeza,encanto, arte o naturaleza, son nociones que recorren esas zonas de la experiencia estética que no siempre sabemos explicar.
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Yo deseo la felicidad de todo el mundo, escribió Joaquín Sorolla. ¿Qué hizo para conseguirlo? ¿Se puede aprender a ser feliz a través del arte? ¿Por qué disfrutamos al contemplarlo? Articulado a través de diez lecciones de felicidad, que ofrecen otros tantos puntos de vista transversales sobre la vida y la obra de Sorolla, este libro se interroga sobre el verdadero alcance de su éxito y el placentero bienestar que refleja su pintura. Los críticos contemporáneos coincidieron en afirmar que la alegría de vivir rebosaba en sus cuadros, interpretados como si fueran visiones naturales creadas sin esfuerzo. Sabemos, sin embargo, que en la vida no siempre es fiesta, así que tanta felicidad ha de esconder alguna suerte de ficción. Quizá uno de sus mayores logros haya sido convencernos de su autenticidad. El relato se ha concebido como una reflexión distendida y delicadamente irónica sobre los tópicos que han envuelto de felicidad a Sorolla, hasta negar cualquier sombra. La luz levanta el ánimo. No hay recurso más eficiente que iluminarlo todo para olvidarse de que no hay nada oculto de lo que preocuparse. Sorolla es recordado como un triunfador que pintaba gentes felices en lugares maravillosos. El arte es una extraordinaria ilusión. No pretendamos que también sea real. En la vida no se puede tener todo.
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¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberíamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relación que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona cómo conciliar nuestra indignación y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va más allá: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es también madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran éxito de crítica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una época en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razón de serlo, pero plantea también importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepción misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos más oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es más, ¿qué ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo víctima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.
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Inteligencia, sensibilidad y claridad expositiva en un libro exquisito. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.
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Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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