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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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* Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. * Ordenado cronológicamente, traza la evolución del desarrollo artístico período a período. * Todos los géneros artísticos, desde la pintura y la escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igual que la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos los es a los pájaros. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes? En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en las trepidantes páginas de esta obra.
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¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de léxicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Bajo la ficción de un orden alfabético, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a lateoría de la cultura, sino que constituyen una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional.
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A la recerca de l'obra perduda
Les peripècies d'arqueòlegs intrèpids a la recerca de tresors són temes que la literatura i el cinema han explotat amb èxit com a ficció. Poques vegades, en canvi, els estudiosos de debò expliquen les seves vivències al voltant de recerques i troballes. Albert Velasco relata els millors episodis com a conservador d'un museu i investigador, una feina que no sempre es desenvolupa entre muntanyes de llibres, obres d'art polsoses i magatzems. A partir de diferents històries viscudes en primera persona, l'autor ens presenta un apassionant món de descobertes i experiències en esglésies recòndites, cases de subhasta o, fins i tot, a Instagram, que van des la troballa d'una ampolleta de vidre persa o d'una arqueta per guardar una sandàlia de la Mare de Déu a l'enfrontament amb la policia en un museu i la declaració en un judici, passant per la lectura del testament de la filla d'un rei o la descoberta d'una falsificació sorprenent.
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En este libro queremos mostrar las maniobras de un tipo de escritura fusiforme y quizá, inesperada. Formado por un conjunto de conversaciones entre docentes, investigadorxs y estudiantes, el resultado es un texto multiforme donde las experiencias singulares y subjetivas, y las propuestas desde lo individual y lo colectivo, se ponen al servicio de la discusión sobre metodologías torcidas en el ámbito de la investigación en estudios culturales y artes visuales desde perspectivas críticas (feministas y cuir/queer/kuir).El libro no pretende ser un vademécum metodológico (¡sería una contradicción!). Al contrario, se expone al debate y busca propiciar otras contra-fabulaciones que cuestionen los dogmas de la academia desde sus entresijos. Su estructura se compone de seis gestos que dan buena cuenta de la heterogeneidad de nuestras muecas. La introducción, presentada como desmarque teórico, transparenta las costuras que sostienen la propuesta. A esta la siguen una conversación tentacular con diez extremidades, un texto escrito a cuatro manos, una tentativa al fracaso atomizada en cinco vivencias, un boomerang que va y viene entre los saltos de sus jugadorxs, y una ficción especulativa a cinco voces.La lectura puede empezar por cualquier lado. También puede terminar en cualquier momento. Esperamos que este modo de exposición logre, como los cuerpos fusiformes, desarrollar su capacidad dinámica, y que nuestra resistencia atraviese, al menos, la pulpa de la celulosa.
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En 1911, Archer Milton Huntington, fundador de The Hispanic Society of America en Nueva York, encargó a Sorolla que pintara la denominada Visión de España, una decoración mural a gran escala. La serie completa instalada en la Hispanic Society en 1926, es uno de los espacios interiores más impresionantes de la ciudad de Nueva York. Las obras de Sorolla combinan con brillantez el vibrante naturalismo plenairista con la fuerte influencia del impresionismo, las referencias al arte antiguo y renacentista disfrazadas de vida cotidiana e incluso elementos más modernos y avanzados como unas líneas del horizonte extremadamente altas, unas pinceladas sumamente expresivas, y unos fondos casi por completo abstractos que impregnan las composiciones de energía visual. Toda esta obra de Sorolla queda plasmada en este magnífico desplegable de ocho metros de longitud, en el que las obras se muestran en el mismo orden en el que se pueden ver en la biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York.
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El miedo al futuro, la angustia ante el presente, lacultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a través de un pensamiento crítico salpicado de metáforas artísticas y paseos literarios.La metadel arte, escribía Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, lossíntomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble hélice en el ADN dela humanidad.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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La exposición celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine. Con este enfoque integrador, la muestra cuestiona la separación entre las distintas disciplinas y ofrece una exploración de los modos en que estas se relacionan visual y culturalmente. La exposición analiza asimismo las afinidades existentes entre la tecnología y el arte. Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica, esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época, y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras.
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“En el arte es feo lo que no tiene carácter, es decirlo que no revela ninguna verdad interior ni exterior. En el arte es feo lo que es falso, lo que es artificial, lo que pretende ser bonito o bello en lugar deser expresivo, lo que es trivial, lo que sonríe sin motivo, lo que se amanera sin razón, todo lo que carece de alma y de veracidad, todo lo que es sólo apariencia de belleza o de gracia, todo lo que miente.”
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Dibujar gente es un cuaderno creativo con retos, proyectos y ejercicios que, paso a paso, te guiarán a lo largo de 100 actividades para aprender a dibujar todo tipo de personas. Ya seas un principiante en el mundo del dibujo o un artista experimentado en busca de inspiración, este divertido y variado cuaderno te (re)confirmará sin duda tu amor incondicional por el arte del dibujo. Las sencillas y eficaces técnicas de Viktorija Semjonova, así como sus consejos y orientaciones, te permitirán avanzar y perfeccionar tus dibujos de modo que puedas abarcar todo el proceso, desde el boceto y el coloreado hasta el toque final que le dará tu sello personal.¿A quién va dirigido el libro Dibujar gente?Este libro está dirigido a un público amplio, tanto principiantes como artistas con experiencia. Se adapta a quienes desean mejorar sus habilidades en el dibujo de figuras humanas, ofreciendo una guía completa que abarca desde los fundamentos hasta técnicas más avanzadas. Independientemente del nivel de habilidad, el lector encontrará herramientas y ejercicios útiles para su desarrollo artístico.Temas que trata el libro Dibujar genteEl libro Dibujar gente se centra en el aprendizaje del dibujo de la figura humana a través de una metodología práctica y progresiva. Se incluyen los siguientes temas:Anatomía y forma: El libro proporciona una comprensión básica de la anatomía humana, esencial para representar con precisión las proporciones y la estructura del cuerpo. Se enseñan métodos para simplificar la forma humana y facilitar el proceso de dibujo.Luz y sombra: Se exploran las técnicas de aplicación de luz y sombra para dar volumen y realismo a los dibujos. Se enseñan métodos para observar y representar la interacción de la luz con las formas del cuerpo.Bocetos y perspectivas: Se incluyen ejercicios para practicar bocetos rápidos de figuras humanas en diferentes perspectivas, tanto de frente como de perfil. Se ofrecen técnicas para capturar la postura y el movimiento.Detalles y expresiones: Se abordan técnicas para dibujar detalles como el cabello, las arrugas y otras características faciales, así como para capturar las expresiones faciales y la personalidad del sujeto.Proceso completo del dibujo: El libro guía al lector a través de todo el proceso de dibujo, desde el boceto inicial hasta el coloreado y los toques finales, fomentando la exploración del estilo personal.100 actividades: Se presentan 100 retos, proyectos y ejercicios prácticos que permiten al lector aplicar los conceptos aprendidos y desarrollar sus habilidades de manera gradual.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Dibujar genteAún no hay opiniones o críticas sobre Dibujar gente.
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Giotto Rothko en 35 etapes
L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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El motivo de la desnudez humana suscita una multitud inagotable de cuestiones en muy distintos órdenes de la vida, y muy especialmente en el ámbito de la creación artística.En este estudio pionero, se abordan algunas formas características de este motivo en los mitos y en la literatura y se analiza su significado psicológico y el sentido de sus diversas expresiones.El enfoque más psicológico que histórico-literario permite ir más allá de la recopilación y comparación de testimonios míticos y literarios sobradamente conocidos, para llegar hasta el fondo de determinados puntos de la evolución en los usos literarios y en la interpretación social de la desnudez, señalando, por ejemplo, esos momentos en que se producen transiciones llamativas o saltos evidentes en la representación y significación del cuerpo desnudo.
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El presente libro reúne los textos más recientes sobre estética de los media, cultura visual y simbolismo artístico de uno de los autores que ayudó a lanzar y fundamentar los Estudios Visuales.
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* Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo CamiloGuevara, hijo del Che, nos * Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo Camilo Guevara, hijo del Che, nos invita a conocer los talleres de varios artistas que figuran entre los más importantes de Cuba. * Un análisis, a través de entrevistas exclusivas a 35 artistas de extraordinaria influencia, de su intimidad creativa, así como una libre discusión relativa a su formación y el lugar del arte en ese país caribeño. * Elarte cubano contemporáneo no había gozado jamás de tal pluralidad de actividades estéticas, así como de artistas y jóvenes talentos emergentes, de acontecimientos y de exposiciones como en la actualidad. Una descripción general del desarrollo cultural y artísticode Cuba desde 1900, en diversos medios, incluidos lapintura, el dibujo, la escultura, las instalaciones ylas artes visuales. Una generación de artistas plurales que se ha formado después de la Revolución, cuando el acceso a la cultura y a la educación se convirtió en una pluralidad absoluta. Su actividad de ha visto enriquecida fundamentalmente por la isla, tierra demestizaje y de cruce. Una invitación a conocer estaisla caribeña y dinámica, y su patrimonio artístico:una obra imprescindible para cualquier interesado enel arte y la cultura contemporáneos.
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Mucho más deprisa de lo que imaginamos, Picasso dominó su época con su genio polifacético y el revuelo que generó. A su muerte todos los periódicos hablaron a coro del «siglo de Picasso». Lejos tanto de la demonización actual como de la hagiografía de antaño, Stéphane Guégan arroja una luz contrastada sobre el hombre, su vida, sus compromisos políticos y su inmensa obra. Aunque es imposible decirlo todo, era importante identificar sus puntos fuertes y débiles, aislar una continuidad estética. Stéphane Guégan lo hace de manera brillante en este libro ilustrado con más de cien obras maestras y numerosos documentos, que se lee como una novela y puede admirarse como un suntuoso libro de arte.
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El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más rico desde el punto de vista material, social, artístico, onírico y simbólico. Admirado por griegos y romanos, el rojo era símbolo de poder, riqueza y majestuosidad en la Antigüedad. En la Edad Media adquirió una fuerte dimensión religiosa, evocando tanto la sangre de Cristo como las llamas del infierno. Pero era también, en el mundo profano, el color del amor, la gloria y la belleza, así como el del orgullo, la violencia y la lujuria. En el siglo XVI, la moral protestante entró en guerra contra el rojo, en el que veían un color indecente e inmoral, ligado a las vanidades del mundo y a la ''teatralidad papista''. A partir de entonces, en toda Europa, tanto en la cultura material como en la vida cotidiana, el rojo entró en declive. Este ocaso atraviesa toda la era moderna y contemporánea y se acentúa con el paso del tiempo, aunque adquiere nuevos simbolismos y significados, sobre todo a nivel ideológico. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de rojo para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.
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Una encuesta global de los artistas más innovadores de la actualidad que trabajan con textoLa inclusión de texto en obras de arte fue un avance creativo revolucionario del siglo XX, en el que los artistas subvirtieron las concepciones tradicionales de ''arte'' y ''escritura''. Las generaciones más jóvenes de artistas han seguido utilizando la legibilidad inherente de las palabras para comunicar ideas a los espectadores, a través de una amplia gama de medios, incluyendo pintura, escultura, instalación y video.Nominado por 66 destacados expertos mundiales (incluidos curadores, críticos, directores de museos y profesores), Vitamin Txt muestra a 103 artistas vivos, de 34 países, que sitúan el uso del texto en un lugar central de sus prácticas artísticas. Con más de 500 obras de arte ilustradas y una introducción sobre la historia de los artistas que utilizan textos desde la antigua caligrafía china hasta el arte digital contemporáneo, el enfoque del libro permite mostrar una variedad de medios diferentes, brindando una visión interdisciplinaria del mundo del arte hoy.Los asesores incluyen: Negar Azimi, Naomi Beckwith, Meriem Berrada, Isolde Brielmaier, Yeon Shim Chung, Tandazani Dhlakama, Yilmaz Dziewior, Touria El Glaoui, Ruth Erickson, Alison Gingeras, Krist Gruijthuijsen, Jennifer Higgie, Mami Kataoka, Sunjung Kim, Venus Lau, Helen Molesworth, Kimberly Moulton, Fumio Nanjo, Chika Okeke-Agulu, Adriano Pedrosa, Nada Raza, Dieter Roelstraete, Andrew Russeth, Nancy Spector, Sarah Thornton, Marianna Vecellio, Gilbert Vicario, Victor WangLos artistas destacados incluyen: Ghada Amer, Hellen Ascoli, Kamyar Bineshtarigh, Sophie Calle, Alejandro Cesarco, Heman Chong, Tony Cokes, Tracey Emin, Jeffrey Gibson, Shilpa Gupta, Jenny Holzer, Roni Horn, Ichihara Hiroko, Christine Sun Kim, Barbara Kruger, Glenn Ligon, Harland Miller, Shirin Neshat, Adam Pendleton, Shubigi Rao, Kameelah Janan Rasheed, Kay Rosen, Ed Ruscha, David Shrigley, Studio for Propositional Cinema, Hank Willis Thomas, Rirkrit Tiravanija, Nora Turato, Kaylene Whiskey, John Wood y Paul Harrison, Xu Bing, Young-Hae Chang Industrias Pesadas.
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A diferencia de otros animales, el ser humano posee algo único y diferenciador: la posibilidad de creararte. En nuestro intento por alejarnos del mundo animal, buscamos dominar nuestras pasiones y estas, inevitablemente, se transforman en vicios o pecados guiados por las prácticas morales, éticas y religiosas. Pero ¿cómo reflexiona y representa las pasiones el artemás actual? Es más, ¿qué es el arte contemporáneo? ¿Y el arte conceptual? ¿Cuáles son las nuevas técnicasartísticas? Para responder estas inocentes ya la vez tan complicadas preguntas, Óscar García García nos invita a un viaje a través de los siete pecados capitales de la mano de varios de los artistas másimportantes (e irreverentes) de nuestro tiempo.
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La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «externo» o «técnico» de la obra de arte, no es un supuesto insignificantedel estilo, sino que, por el contrario, expresa, en sus diversas configuraciones, su propia esencia. Para Panofsky, la Anti
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Desde que nuestros antepasados dibujaran los primerosbisontes sobre una piedra o hicieran sonar por primera vez una flauta de hueso, no hemos dejado de cuestionar qué es y para qué sirve realmente el arte. Milesde años después, la pregunta sigue en el air
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Quan canta la Sibil·la
El primer llibre global sobre aquesta interpretació musical que és Patrimoni Immaterial de la Humanitat des del 2010.
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Josep Aragay
Josep Aragay i Blanchar (Barcelona, 1889 - Breda, 1973) va ser dibuixant, pintor i ceramista, però també destacà com a teoritzador del Noucentisme amb la publicació d'articles, conferències, assaigs i crítiques d'art. Si bé no fou un autor prolífic en el món de les lletres, alguns dels seus textos com La pintura catalana contemporània, la seva herència i el seu llegat (1916) i, sobretot, El Nacionalisme de l'Art (1920) esdevindrien programàtics i sempre envoltats de polèmica. Aragay va publicar a Vell i Nou, La Revista, La Publicitat, La Veu de Catalunya o Mirador amb la voluntat d'infondre els valors ètics i estètics del classicisme a casa nostra. També es dedicà a combatre els artistes de la generació anterior -modernistes, romàntics i acadèmics- i els pintors d'avantguarda -futuristes i cubistes-, cosa que el posicionà com un dels autors més bel·ligerants del Noucentisme. Xavier Castanyer ha recuperat una trentena de textos 'de combat' publicats entre 1915 i 1934, que s'ha encarregat d'analitzar i de posar en context en el marc general de l'art català contemporani i del període del Noucentisme en particular. Els articles han estat reproduïts en una segona part del llibre amb l'objectiu de posar l'obra teòrica d'Aragay a l'abast del lector.
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Este libro propone un delicioso recorrido sobre numerosos temas relacionados con el arte: paisajes, edificios arquitectónicos, esculturas, pinturas, fotografías y diseños. Y aunque en estas páginas no se pretende demostrar nada, sí se ponen en cuestión recalcitrantes lugares comunes sobre el interminable debate entre (la mal llamada) abstracción y la figuración. Todas las obras de las que aquí se habla, sin complejos ni cortapisas, son obras muy amadas, y todas ellas son figurativas o son objetos útiles (o ambas cosas a la vez), pues, como señala Oscar Tusquets: En el arte no figurativo no consigo encontrar, por mucho que me esfuerce, el amor, el sexo, el pecado, la divinidad, la amistad, el paso del tiempo, la muerte, el humor, los recuerdos fugaces... en fin, todo lo que me apasiona y me ayuda a seguir viviendo». Insistiendo (que no repitiendo) en las ideas estéticas que el autor ha defendido siempre en sus libros, esta obra se combina con las imágenes y comentarios incluidos en la atractiva serie Art with Oscar que la fotógrafa Eva Blanch comparte en Instagram.
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La historia de Genji ilustrada. Un recorrido visual por la obra maestra de las letras japonesas. El Genji Monogatari, cima de las letras japonesa y obra maestra universal, nació alrededor del año mil en el refinado y sofisticado mundo de la corte imperial. Su autora concibió un colorido cosmos de relaciones humanas protagonizadas por apuestos príncipes y hermosas damas, que pueblan un escenario de elegantes palacios, suntuosos aposentos y delicados jardines, y definió los ideales morales y estéticos de la cultura japonesa. A finales del siglo xix, en un Japón que se modernizaba a marchas forzadas, Ogata Gekko buscó inspiración en el estilo clásico para su serie Cincuenta y cuatro capítulos del Genji. Estas exquisitas estampas publicadas entre 1892 y 1895 ilustran los episodios más célebres de la novela de Murasaki Shikibu y proclaman el indiscutible talento artístico de su autor. Ogata Gekko ilustra un pasado elegante y refinado que sigue latiendo en el corazón del Japón actual, y que ha definido la esencia de la estética japonesa de ayer y hoy.
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Alternando relatos de ficción con detallados episodios históricos, esta obra traza el curso que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La inteligencia artificial ha hecho de ellas auténticas máquinas videntes.
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Esta es la crónica de una mudanza. Del texto a la acción. De la página al cuerpo, de la palabra al espacio, de la frase al suceso, de la ficción a la vida escenificada. Este sugerente libro es un ejercicio de crítica de arte que es una obra de arte que se puede leer como una novela. Al recorrer sus páginas nos encontramos ante el campo expandido de una literatura sin palabras, habitado por las obras y semblanzas de personajes (¿escritores o artistas visuales?) como Vito Acconci, Ulises Carrión, Sophie Calle (fabulada por lanarración del escritor Paul Auster), Marcel Broodthaers y Öyvind Fahlström, a los que se suma la propia autora, Verónica Gerber Bicecci, que nos entrega un mapa y una genealogía con las que descubrir nuevas maneras de recorrer el lenguaje y sus orillas.
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¿Por qué causó rechazo el Juicio Final de Miguel Ángel? ¿Qué se esconde detrás de la pincelada atormentada de Munch? ¿Pudo incitar Goya a un suicidio pasivo a Torrigiano? ¿Hay arte en las esculturas de Koons, o en la genialidad de Duchamp?¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni?La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres —olvidadas durante siglos—, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.
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Esta obra fundamenta su principio en que no elaboramos artes y ciencias a través de la excelencia sino utilizando la basura pasada, los residuos que sin querernos dejaron otros. Un libro que plantea una muy original ontología y epistemología de nuestra contemporaneidad: en los residuos de nuestro presente se hallanlos genes culturales del futuro próximo
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? Pintar no es tan difícil como parece. Y, además, esdivertido. ? Este libro desmonta las anticuadas ideas de cómo trabajar con óleo, pintura acrílica y acuarela y le ayuda a conocer las ilimitadas posibilidades que ofrece la pintura. ? Una guía indispensable, del autor de Lea este libro si quiere hacer buenos dibujos, que ofrece consejos prácticos y claros mediantediagramas y actividades, junto a inspiradoras obrasde los más grandes pintores de todos los tiempos. Este libro se ocupa de los tres medios principales de la pintura: óleo, acuarela y acrílico, porque en realidad la pintura es pintura, da igual lo que utilice. Algunas técnicas son completamente diferentes según elmedio, pero muchas son parecidas: ningún medio es mejor que otro, solo depende de lo que quiera hacer. Pintar, más que un viaje, es una aventura. Adónde se dirija en esta aventura dependerá totalmente de usted.Se incluyen obras de los siguientes pintores: DavidHockney, Paul Cézanne, Maggi Hambling, J. M. W. Turner, Lucian Freud, Edward Hopper, John Constable, Caspar David Friedrich, Edgar Degas, Edward Lear, Claude Monet, Stanley Spencer, John Singer Sargent, Edvard Munch y Vincent van Gogh.
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Un encuentro entre conciencia e inspiración. Una integración entre la búsqueda y la creatividad. Una lectura imprescindible para quienes quieran convertir la vida en arte. ¿Qué hay en la esencia de ese impulso que nos lleva a escribir un relato, pintar un cuadro, componer una canción, o realizar cualquier acto creativo? ¿Es una fuerza solo artística o involucra otros aspectos del ser? Y lo más crucial: ¿Qué puede aportar el arte en este presente tan incierto? A partir de un sólido trabajo de investigación, Kreimer se zambulle en zonas de mucha afinidad entre conceptos como inspiración, conciencia, atención, significado o propósito. Su libro también explora las energías sutiles e inexpresables, y cómo el solo hecho de considerarlas facilita que obren por sí mismas y que nos convirtamos en sus instrumentos. La propuesta trasciende las fronteras con que habitualmente nos referimos a esos procesos y busca sus raíces en niveles más profundos, donde la mente individual se encuentra con la Conciencia Universal.
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Paula Barreiro ha estudiado la crítica de arte y el arte de vanguardia en los años 1940-1975-76 desde dos perspectivas fundamentales: analiza con minuciosidad y rigor eldesarrollo de la crítica de arte en España en el marco del contexto social y pol
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¿Por qué, poco después de la Revolución Francesa, unos jóvenes pintores deciden usar togas griegas y más tarde se retiran a un monasterio ruinoso? ¿Qué hace que unos artistas prusianos casi adolescentes se dejen crecer el cabello, lleven largas túnicas e intenten vivir como monjes medievales? ¿O que otros jóvenes creadores en Inglaterra funden una llamada ''Hermandad Prerrafaelita''? ¿Y que un grupo de amigas se unan como Hermanas en el Arte o ''Sisters in Art''? ¿Por qué William Morris quiere convertirse en una suerte de artesano y termina siendo un pionero del socialismo? ¿Cómo se unen en un proyecto artístico colectivo la espiritualidad, la amistad, el género, el deseo sexual y las ideas políticas? ¿De qué modos puede el arte cambiar la vida de los que lo practican, más allá de constituir una ocupación? ¿Es ese el sentido de los colectivos de creadores?Amigos, disfraces y comunas quiere responder estas preguntas, mediante el estudio del primer tipo de colectivismo artístico moderno, que sienta las bases para los colectivos artísticos de los siglos XX y XXI: son las llamadas hermandades de artistas, grupos cuya práctica ambiciona unir el proyecto vital y el creativo, ensayando otras formas de entender los afectos y la identidad como algo compartido. Trazando la historia de ''Méditateurs'', Nazarenos, Prerrafaelitas y miembros del movimiento ''Arts and Crafts'', este libro estudia las prácticas colectivistas de dichos grupos entendiéndolas como una forma de autoescenificación que da vida a visiones estéticas y sociales. De este modo, contribuye a una genealogía anterior a los siglos XX y XXI de la ''performance''.
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Una visión renovada y femenina del Mare Nostrum y sus mitos.El Mediterráneo puede concebirse como una antigua encrucijada de encuentros entre pueblos y culturas, como un depósito de historias, un lugar de descubrimientos, violencia y maravillas, donde las mujeres no están excluidas, sino presentes y con voz propia. Ya sean diosas o reinas, esclavas o prostitutas, la tradición nos ha dejado imágenes de heroínas que viajan por el mar y viven historias intensas, a menudo amorosas, mujeres deseadas por dioses y hombres, víctimas de secuestros y abusos. Nadando o montadas a lomos de animales, huyen por las aguas, perseguidas, violadas, pero también a veces protegidas y defendidas. Tienen un destino azaroso, como el de Io o Europa, progenitoras de ilustres descendientes. O se ven obligadas a subir a una embarcación (un barco, una lancha, un cofre) y se enfrentan a un destino cargado de riesgos e incógnitas.
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Puesto que las ciudades han de servir de hogar de residencia y de refugio debe atenderse (al fundarlas) a cuanta providencia conducente a la seguridad de la comunidad contra los ataques de los enemigos y facilitar el acceso de los objetos y comodidades de que el pueblo tiene menester. Para que una ciudad se halle al abrigo de sorpresas, debe haber un cerco de murallas que rodee el conjunto de las casas, y ocupar el emplazamiento un punto invulnerable de fá,cil defensa. En estas palabras del gran historiador Ibn Jaldū,n, que aquí tomamos prestadas, se hace hincapié en los aspectos defensivos, que tanto han preocupado a las sociedades humanas desde sus inicios. Sin embargo, las murallas, torres, atalayas y estructuras defensivas no solo nacen para satisfacer necesidades bélicas sino también por cuestiones socioeconómicas e incluso simbólicas, pudiendo servir igualmente para acotar jurídica y fiscalmente determinados espacios o demarcar y controlar un territorio concreto. En este volumen se recogen trece contribuciones que versan precisamente sobre todos estos asuntos desde diferentes perspectivas y a través de diversas metodologías. Las cronologí,as aquí abordadas van de la Prehistoria hasta el periodo contemporá,neo, con un especial protagonismo de la etapa medieval. Si bien, en casi todos los casos estudiados puede destacarse una marcada participació,n de los Estados o de organizaciones protoestatales, no puede olvidarse la participación de las comunidades rurales y/o de la ciudadaní,a. Están presentes temas vinculados a diferentes disciplinas —,Historia, Arqueologí,a, Historia del Arte, Arquitectura y Documentació,n escrita—,, pero no cabe duda de que la Arqueologí,a ha sido la dinamo que ha generado el discurso más novedoso y que, por consiguiente, ha conducido a los resultados científicos originales que aquí se exponen.
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Maneres de mirar
Està basat en una sèrie de televisió de la BBC sobre la qual els crítics del ''Sunday Times'' van comentar: «Aquesta sèrie és una revelació en més d'un sentit: es concentra en com mirem els quadres... gairebé segur que canviarà la manera com la gent mira la pintura». I ho va aconseguir, ja que el llibre que en va derivar s'ha convertit en una obra essencial de la comunicació visual i de la teoria de l'art. Segons Peter Fuller, en aquest conjunt de set assajos, on n'hi ha que combinen text i imatge i d'altres que només són visuals, «Berger té l'habilitat de fer un tall incisiu a la mistificació dels crítics d'art professionals... És un llibertador de les imatges i, un cop hem deixat que les imatges ens convencin directament, estem en una posició molt més bona per fer-ne una avaluació significativa». La influència del llibre és enorme. Ha atret l'atenció del gran públic cap a l'estudi d'àrees culturals que ara són un lloc comú de la pintura a l'oli: el llegat de la dona com a objecte pictòric, el despullat femení com a objecte de desig sexual, l'empremta de la pintura en la publicitat actual, la manipulació de la pintura en favor de la propietat privada i els diversos significats en què es transformen les diferents reproduccions que es fan d'una mateixa obra. John Berger (Londres, 1926) és un dels escriptors més influents dels darrers cinquanta anys. Assagista, novel·lista, guionista, dramaturg i crític, sempre ha desafiat els gèneres convencionals i les fronteres. És autor de més de trenta obres i va guanyar el premi Man Booker Prize amb la novel·la ''G''. Entre les seves novel·les, destaquen ''To the wedding'', ''Here is where we meet'' i la trilogia ''Into their labours''. Del mateix autor, Edicions de 1984 també ha publicat ''D'A a X'' i ''Amb l'esperança entre les dents''.
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