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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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El hamburgués Johann Mattheson (1681-1739), además de teórico musical, estuvo activo como cantante, organista, compositor, maestro de música, diplomático al servicio de la embajada inglesa en Hamburgo, traductor, biógrafo, autor teatral e introductor en Alemania de la crítica musical basada en modelos periodísticos franceses e ingleses. Entre su vastísima producción literaria, Der vollkommene Capellmeister (1739) es, sin duda, el texto más prolijo, conocido e influyente. No solo eso: por la amplitud de su espectro temático y, en particular, por la precisión con que en él se desarrollan aspectos de retórica musical, este tratado, cuyo título traducimos como El Perfecto Maestro de Capilla, está considerado como uno de los tratados sobre música más relevantes de todos los tiempos. En esta obra de madurez, Mattheson, autor inusitadamente prolífico, hombre de vasta cultura y apasionado polemista, no restringe su voz a la enunciación puramente teórica (valiosa en sí misma), sino que retoma querellas iniciadas varias décadas atrás y somete a rigurosa crítica las músicas, acciones y opiniones de sus contemporáneos. Por otra parte, El Perfecto Maestro de Capilla posee cualidades literarias que lo singularizan: su lenguaje está menos determinado por la búsqueda de una expresión clara y concisa que por el ingenio, la brillantez argumentativa y aun el humor, prendas intelectuales que su autor exhibe con gusto, como efectos visibles de una erudición que eleva a cualidad necesaria en un buen capellmeister. Esta edición aspira también a hacer perceptibles estas virtudes para el lector hispanohablante y a ser, de ese modo, puerta de entrada de la inabarcable producción matthesoniana en nuestro ámbito lingüístico, en el que todavía se encuentra inédita. El primero de los dos volúmenes contiene un estudio sobre el tratado, donde se examinan cuestiones relativas a la biografía del autor, a su producción en los ámbitos musical y literario, al proceso de gestación de la obra y a sus temas más importantes. El segundo volumen contiene la traducción crítica del tratado propiamente dicho, su paginación sigue fielmente la de la edición alemana de 1739, a fin de que su manejo resulte más fácil y sea posible, eventualmente, cotejar ambos textos en paralelo.
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Vicent Torrent
Vicent Torrent és una figura clau en la història de la música actual del nostre país. Amb el grup de la seua vida, Al Tall, va escriure cançons que són autèntics himnes populars i que formen part de la nostra història. Però el seu treball incansable ens ha deixat un llegat encara més valuós: va canviar per sempre la nostra manera d’entendre la cançó popular del País Valencià, va restaurar el vincle perdut entre el present i la memòria antiga de les velles generacions, ens va reconnectar amb la Mediterrània com a marc cultural de referència i va dotar d’autoestima i relat propi els moviments populars d’arreu del territori. Perquè la seua biografia és la de milers de joves que van créixer en la desmemòria i que a les acaballes del franquisme van protagonitzar una apassionant revolució personal i col·lectiva cap a la descoberta de la pròpia identitat. Una generació que va haver de reconstruir la casa en ruïnes de la nostra cultura.Durant més de cinc dècades, Vicent Torrent ha treballat sense treva per reconstruir-la malgrat els atacs de l’extrema dreta i els intents de censura i invisibilització, amb projectes com la Fonoteca de Materials, en què va recórrer el territori enregistrant de viva veu la gent de la terra, o amb l’articulació del concepte de sobirania musical contra l’homogeneïtzació i colonització cultural, encoratjant des de la pràctica la creació musical entorn del concepte de la riproposta i la cançó popular. Aquesta sembra ha fructificat en una extraordinària escena musical valenciana que el té com a mestre. També, en un gran reconeixement institucional, acadèmic i, sobretot, popular.En aquesta biografia, Josep Vicent Frechina ens acosta a la profunditat de la seua figura i obra. Un llegat imprescindible per a entendre qui som i d’on venim. I per a seguir combatent els discursos monoculturals, censors i repressors que ens continuen amenaçant.
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El cancionero de Paul Simon, obra que, por vez primera, se publica en lengua castellana, constituye un hito en la historia de la música popular estadounidense, y presenta, en edición bilingüe, las letras del afamado cantautor desde su primer álbum en 1964. A lo largo de su laureada carrera, Paul Simon ha sido distinguido con numerosos honores y recibido otros tantos premios, entre los cuales destacamos sus doce premios Grammy, tres de los cuales (''Bridge Over Troubled Water'', ''Still Crazy After All These Years'' y ''Graceland'') fueron, a su vez, álbumes del año. En 2003 recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award por toda la composición de la música y las letras del dúo Simon and Garfunkel. Ingresó en el Hall of Fame de los compositores y en el del Rock n' Roll, como miembro de Simon and Garfunkel, y también por su carrera en solitario. Su canción ''Mrs. Robinson'', de la película El graduado, figura entre las diez primeras de las 100 canciones más importantes de los primeros 100 años de historia del American Film Institute. Fue galardonado también con el Kennedy Center Honors en 2003 y nombrado una de las ''100 personas que dan forma a nuestro mundo'' por la revista Time en 2006.
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La guitarra es el instrumento en el corazón de la música popular. Desde Delta blues en acústica hasta rock &, roll eléctrico, y todo lo que vino después, la guitarra ha demostrado ser el conducto más versátil y emotivo para la expresión y experimentación musical. A lo largo de más de 300 años, los maestros guitarreros se han esforzado continuamente por alcanzar nuevos picos escultóricos y sonoros, pero la inmediatez y la intimidad de la guitarra perduran, por muy alto que se suban los controles de volumen de los amplificadores. Con 100 de los mejores y más innovadores modelos de guitarra desde el siglo XVII hasta la actualidad junto con los músicos que cambiaron la cara de la música popular, Guitar incluye historias fascinantes detrás de modelos icónicos de una mezcla ecléctica de marcas, incluidas Alden, D'Angelico , Fender, Gibson, Gretsch, Ibanez, Kay, Martin, Millimetric Instruments, Mosrite, Greg Smallman y Stauffer. El libro también incluye una gran cantidad de información fascinante y menos conocida sobre artistas como los Beatles, Woody Guthrie, Jimi Hendrix, Robert Johnson, Pat Metheny, Joni Mitchell, St Vincent, Sister Rosetta Tharpe, y Neil Young. Una delicia tanto para los entusiastas del diseño como para los aficionados a la música, el último libro de Guilfoyle traza el desarrollo de este pilar de la música popular y los carismáticos artistas que han utilizado la guitarra para transformar nuestras vidas.
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Cors i orfeons a la Conca de Barberà (ca. 1860-1978)
La música ha estat i és un element bàsic per bastir cultures i societats, i les diferents entitats corals són un reflex del context social i polític de cada etapa històrica. Arran de dues publicacions anteriors, en què l'autora va investigar sobre les agrupacions instrumentals a la Conca de Barberà, va aparèixer molta informació sobre cors, orfeons i societats corals: la música no és només a les orquestres. Aquest llibre és el fruit de la recerca sobre aquesta temàtica. L'objectiu principal és descriure, analitzar i interpretar les agrupacions corals des de les primeres notícies documentades, de mitjans del segle xix, amb la corresponent contextualització. La documentació, les fotografies i el record de moltes persones han permès bastir aquest text.
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Un acercamiento al sentido de la vida a través de la músicaLa música es capaz de dar respuesta a las cuestiones que más nos importan y más nos afectan: las que tienen que ver con el amor, la muerte y la trascendencia. Por eso constituye una auténtica vía de conocimiento. La música despliega su enorme poder transformador, penetrando suavemente en el ámbito más íntimo del ser humano y convocándonos a un encuentro que, si nos sentimos interpelados, posee la capacidad de cambiarnos y volvernos mejores personas. Con un registro cercano y profundo, este ensayo sitúa a la música -la gran música- en diálogo con una realidad cultural más amplia, y nos muestra cómo el contacto con la belleza puede ser una verdadera solución a muchos de los problemas que aquejan al mundo, haciéndonos conscientes de la importancia que realmente tiene en nuestras vidas.
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Este libro es una indagación libre sobre el POP y lo contemporáneo, una brújula para recorrer la América Imaginada en tiempos crepusculares y un compendio (relativo) de todo lo que siempre quiso saber sobre el kitsch y lo camp pero nunca se atrevió a preguntar a Sontag o Kundera. Una reflexión sobre el canto como tecnología primera y última y la ampliación de la realidad a través del arte. Un viaje iniciático que reverbera en las orillas múltiples del mito. Y una crepitante carta de amor a Lana Del Rey.
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Publicado originalmente en 1981, En la cresta de la nueva ola, primer libro firmado por un joven Ramón de España, devino con rapidez obra de culto. A través de piezas independientes, el autor analizaba la situación del pop y del negocio musical en un momento decisivo: entre la década de los años setenta y la de los ochenta. Lo hizo, además, con ironía y un saludable buen humor, quizá porque era, a la vez, su despedida del periodismo musical tras permanecer en primera línea como uno de los nombres esenciales que contribuyeron a su renovación en un periodo apasionante, de constantes cambios, tanto sociales como sonoros. Este libro pasa revista al ecosistema que conformaba el «maravilloso mundo del rock» (promocioneros, organizadores de conciertos, músicos, periodistas, público), analiza el origen y la posible evolución de la New Wave (y nuestra incipiente Nueva Ola, posteriormente denominada La Movida), se detiene en fenómenos tan singulares como el regreso de algunas bandas de los años sesenta o el de las fans, retrata con una agudísima e ingeniosa precisión a algunos de sus músicos favoritos de aquel tiempo, como Bryan Ferry, Jaume Sisa, John Foxx o La Banda Trapera del Río, e incluso se da el capricho de avanzar su futuro como novelista con un relato de ficción. En una época en la que los ensayos musicales en castellano escaseaban, En la cresta de la nueva ola resultó tan impactante como iniciático. Ahora, más de cuatro décadas después de su edición primera, se revela como una obra fundamental para comprender de dónde venimos y dónde estamos. Un texto esencial de la bibliografía musical española.
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* Durante casi treinta años, Caetano Veloso y Carlos Galilea se han ido encontrando en Río de Janeiro, Salvador de Bahía, París, Londres, Madrid o Barcelona para conversar sin tapujos y con una gran complicidad sobre la canción, el cine, la política, el periodismo, el sexo, la vejez... * Las 19 conversaciones se recogen en este libro en el que, además, hay textos sobre aspectos destacados de su biografía, una selección de letras de canciones, la discografía completa y un índice de todas sus canciones. * ''Imposible que alguien tenga un conjunto de entrevistas dadas por mí que produzcan una visión tan completa y articulada de mi vida mental como el que ha reunido Carlos Galilea''. [Caetano Veloso, prólogo] Caetano Veloso, uno de los mayores cantantes compositores de nuestro tiempo, es a la lengua portuguesa lo que un Leonard Cohen al inglés, un Brel al francés o un Serrat al español. Desde que publicó su primer disco, hace ya más de medio siglo, se ha ido convirtiendo en referencia indiscutible de la música popular en el mundo y en vehículo privilegiado de la cultura de Brasil. Figura siempre compleja, caleidoscópica, y a menudo desconcertante, a la que han dedicado artículos elogiosos The New York Times, Le Monde, El País, La Repubblica, Clarín o The New Yorker.
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Marwán reúne en este libro-disco un disco doble, por su 20 aniversario en la música, y un análisis detallado de cada una de las canciones, contando secretos e historias.Se cumplen 20 años desde los inicios de Marwán en el circuito de salas de España y el artista madrileño de origen palestino se ha encerrado a regrabar muchas de sus canciones más emblemáticas, reinterpretándolas con un sonido más moderno y redondeándolas con un libro de 100 páginas donde desvela, a modo confesional, todos los eventos y secretos que rodearon la composición de cada una de las 22 canciones, sacando a la luz confidencias que harán las delicias de los amantes de la música y de las buenas letras. En la parte musical, casi todas las canciones están grabadas con duetos estelares entre los que se encuentran Rozalén, Mikel Izal, Jorge Drexler, Coti, Migue Poveda, Nach, Kevin Johansen, Andrés Suárez, Pedro Guerra, Funambulista y otros artistas.
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Seguir un camino es reconocer los pasos de quienes lo recorrieron antes, entregarse a la suerte de su estrella. Ramón Andrés transita las sendas de otro tiempo tras el rastro de Josquin Desprez, el primer maestro de la escuela francoflamenca, como si él mismo fuera habitante de aquellos días lejanos. Y es que, a pesar de la fama que cosechó en vida, la estela de Desprez, el príncipe de la polifonía, discurre en la penumbra, convirtiéndolo en una figura tan enigmática como inasible. Desde el inicio de su formación musical en San Quintín, en Francia, como niño de coro, hasta la colegiata de Condésurl’,Escaut, donde acabó sus días como preboste, pasando por las cortes de Milán, Roma, Florencia y Ferrara, adonde el compositor se trasladó en busca de una mayor estabilidad económica, este recorrido nos permitirá descubrir la sociedad renacentista y conocer a muchos otros de los personajes que contribuyeron a modelar esa época irrepetible, como Leonardo da Vinci, Lucrecia Borgia, Pietro Bembo, Gaffurio y Pinturicchio. Una obra tan original como audaz, que nos acerca a un pasado extraordinario que busca ecos en el presente.
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Los 100 mejores discos del soul es, en cierto modo, el bosquejo del canon discográfico del género a través de cien obras definitivas (más una, especial y gloriosa) que Luis Lapuente (el Doctor Soul) cataloga y analiza. Un centenar de piezas discográficas imprescindibles, que atrapan la esencia del soul y desentrañan su historia, sus secretos, su taumaturgia y su embrujo, sus orígenes, sus mimbres, sus capillas sixtinas y sus tesoros ocultos. Con Los 100 mejores discos del soul, el autor cierra la trilogía que arrancó con una visión panorámica del género (El muelle de la bahía) y siguió con el retrato de los ciento un artistas esenciales de su historia (La tierra de las mil danzas), dos libros que alcanzaron grandes ventas. Un libro esencial para ampliar la visión del soul o, simplemente, para iniciarse en él con todas las garantías, y saber qué hay que escuchar.
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Este libro se ocupa de la música escrita por los compositores rusos más significativos del área rusa desde los últimos años del zarismo hasta la compuesta después de la caída de la Unión Soviética, haciendo especial hincapié en los maestros que, de una manera u otra, desde dentro y desde fuera, trabajaron durante los años de la dictadura de Stalin. Un repaso desde Glinka a Chaikovski, desde Rimski-Kórsakov a Músorgski, desde Rajmáninov a Stravinski, Prokófiev, Shostakóvich y sus herederos. Defiende la tesis de que los que trabajaron en los años de acero fueron el resultado de un poliédrico proceso que arranca con un coloreado y potente movimiento nacionalista hasta alcanzar una vanguardia que solo a veces es capaz de expresarse con autonomía, debido a la permanente mediatización de su asfixiante dependencia política. Indirectamente, pues, habla de las relaciones entre el espíritu de lo ruso y su inagotable y magnífica inventiva. El autor pone su empeño en clarificar ese escenario, tratando de separar la paja, que es mucha, de un trigo que pudo crecer gracias al enorme talento de unos cuantos compositores que desarrollan su arte inmersos en la inmensa mediocridad oficialista. E igualmente expone los datos necesarios para encontrar explicaciones a la posterior deriva que conduce a la sequía musical producida en la Federación Rusa desde el momento mismo de la caída del imperio soviético. El punto sin retorno de esta funesta evolución es un estado actual de la sociopolítica en el que es difícil detenerse, pero que queda encarnado en una cruenta y letal mezcla entre (in) cultura, violencia, irracionalidad religiosa e impenitente imperialismo. Como ya sucediera en sus libros anteriores para Almuzara, en este vuelve a hacer un repaso exhaustivo de los contenidos, bajo una perspectiva dominada por la sencillez y un esforzado intento de descender hasta el alma de la música. Un alma que, en este caso, tiene que ser arrancada a los pentagramas bajo el signo de la autodestrucción, ese rasgo tan grandioso, y a la vez doloroso, de la gran creación rusa. «Pedro González Mira domina en sus libros el arte, casi imposible, de escribir sobre música, porque sabe expresarse con claridad, sin enredarse en zarandajas técnicas ni perderse en vaguedades o jergas indescifrables. Comparte sus ideas muy personales, que son muchas, y sabe ponerlas al alcance de todos». Luis Gago, crítico musical de El País.
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En esta obra, que se ha convertido ya en un clásico moderno de la literatura musical, la agente de conciertos Sonia Simmenauer relata el día a día con sus cuartetos, formaciones tan famosas como el Cuarteto Alban Berg o el Cuarteto Guarnieri. Para algunos, el cuarteto de cuerda es la agrupación instrumental capaz de expresar la forma musical más pura, para otros, una estructura abstracta que se contempla con reverencia. Simmenauer nos ofrece un punto de vista distinto y privilegiado sobre esta realidad excepcional: nos muestra a cuatro personas que hacen música, que viven, trabajan, viajan y actúan juntas, que se pelean y se aman. Un campo de batalla ideal para las neurosis y los problemas de pareja, además de para la interpretación musical más exigente. El lector encontrará unas páginas repletas de anécdotas, mucha música y las opiniones de algunos de los intérpretes más prestigiosos de la actualidad. En definitiva, una descripción tan conmovedora como amena de lo que significa vivir en cuarteto. Es muss sein! Un texto que revela todo cuanto ocurre entre bastidores, lo que se ‘,cuece', literalmente, entre algunos intérpretes famosos. Un libro apasionado, implacable, casi violento, Die Zeit
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La ópera 'no es una reliquia del pasado', es un mundo vivo en el que se reflejan los cambios culturales y sociales. Así lo demuestra Tomás Marco en esta ambiciosa cartografía mundial del género que recorre el último siglo y cuarto, aproximadamente, de su historia. De Puccini, Strauss y Janác?ek hasta Pedro Halffter, Michel van der Aa, Toshio Hosokawa o Rachel Peters, pasando por Schönberg, Britten o Stockhausen, a lo largo de estas páginas asistimos, fascinados, a la disolución de su forma decimonónica hasta sus mutaciones más experimentales. No se había escrito antes una obra de esta envergadura sobre la ópera de nuestros días. 'Durante el siglo XX, todo, sometido a una presión tremenda, saltó por los aires. Fue una lucha sin cuartel. Había que encontrar nuevos caminos que permitieran la supervivencia del género. Se siguieron viejas fórmulas, se crearon otras nuevas, algunos creyeron que la ópera estaba muerta, que ya no servía, y se negaron a componer obras líricas, otros -la mayoría- aceptaron el reto y consiguieron en algunos casos resultados formidables. Fue un siglo de enfrentamiento entre tradición y modernidad, un siglo de incertidumbre, descubrimientos, fragor y pérdidas', explica Xavier Güell en el prólogo. Con esta detallada crónica de la ópera moderna y contemporánea que permite comprender las entretelas de esas metamorfosis, tanto el versado en la materia como el aficionado curioso realizará un viaje de descubrimientos que no le dejará indiferente.
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No vamos a descubrir ahora que Jerez de la Frontera es un manantial del que han salido cantes y cantaores que hoy son parte esencial de la historia de este arte, ya universal, que nos define. Fueron muchos, como muchos fueron los que nacieron y se criaron en otros espacios singulares de nuestra geografía, donde se hacinaban gitanos, moriscos, andaluces de la periferia maldecidos por el hambre y la miseria…, como Triana, los barrios gaditanos y su bahía, el Perchel malagueño con la Trinidad, o los barrios del Sacromonte y el Albaycín granadinos. Y son ellos, todos ellos, en una fusión de razas y de culturas, los que dan nacimiento a unas músicas que son grandes de por sí.Tal vez por esto, decidimos un día hace ya muchos años iniciar una serie de entrevistas con unos hombres y mujeres del mundo del flamenco que habían sido fundamentales en su tiempo, pero que, por las circunstancias políticas, económicas o sociales, la afición los había ido dejando aparcados en el rincón del olvido, sin otra cobertura que la caridad o la beneficencia municipal en su caso. Queríamos ser una especie de grito que, en boca de estos artistas, reclamaran el estatus que la sociedad y los estados debían a estos hacedores de arte, ya orillados de los habituales circuitos. MANUEL HERRERA RODAS
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Este magnífico libro de Manuel López Poy –uno de los mejores periodistas musicales de nuestro país– hace un retrato preciso y detallado del Rey del Rock que complementa con maestría la sensacional película Elvis del laureado Baz Luhrmann. Entre las numerosas biografías dedicadas a la figura de Elvis Presley, esta destaca especialmente por su capacidad para trasladarnos a los orígenes del genio de Tupelo, construyendo un libro que circula en paralelo entre la sucesión cronológica de una apasionante vida –con numerosos datos, anécdotas y frases del protagonista– y el retrato de un género musical en el que se dan cita el blues, el country y el rock. El resultado es sabido por todos: la mayor revolución en el mundo de la música y un icono cultural de primer orden. La leyenda maldita de la primera guitarra de Elvis. Sun Records, la puerta del futuro. La leyenda negra de un cantante blanco. La historia del hotel de los corazones rotos. El cuarteto del millón de dólares. La soledad de la reina de Graceland. Una digna despedida para un rey.
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Vuelven Los Chikos del Maíz con su cuarto álbum de estudio, un disco/libro de más de 90 páginas donde, en torno a la idea y concepto de FUTURO y cuidando el apartado gráfico, se dan cita los pensadores más críticos y las escritoras más relevantes de su generación: César Rendueles, Miquel Ramos, Layla Martínez o Arantxa Tirado, conforman un elenco de auténtico lujo que nos recuerda el mundo que está por venir. La educación, la cultura, el cambio climático, los derechos LGTBI o la amenaza fascista, son diseccionados a lo largo de las páginas con precisión y rigor. El futuro es nuestro. En el apartado musical, Yes Future' es el disco más arriesgado de los valencianos: surfean los tracks a ritmo de electrónica, beats ochenteros o funk destinado a reventar las pistas de baile de tu centro social preferido. Además de los ritmos acelerados, se han rodeado de un equipo de instrumentistas de primera calidad y se suceden las guitarras, los teclados Hammond y las trompetas y trombones, dando forma al que quizá sea su álbum más 'pop' y hedonista. Pese a ello, siempre hay hueco para algún himno político que remueva las conciencias y coloque la igualdad y los derechos en el centro de su discurso, porque como nos recordaron recientemente: ¿quién querría ser Coldplay pudiendo ser Fugazi? El álbum está formado por 11 tracks en donde se mira al futuro con cierto optimismo, se apuesta por soluciones colectivas frente al individualismo rampante y las voces femeninas tienen un protagonismo mucho mayor que en trabajos anteriores. En definitiva, el álbum que abre una etapa nueva que se inició tras llenar el Wizink center en enero de 2022.
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Una aproximación histórica a la música experimental valenciana en el contexto internacional y otros escritos sobre música y política.Tiempo de reverberación es un libro ecléctico y multidisciplinar, escaso en la bibliografía existente y fuertemente estructurado y teórico. El autor transita y escribe la historia de la música experimental y contemporánea en València, enmarcada en el contexto internacional y en un período que abarca desde la década de 1970 hasta nuestros días.Los 17 textos recopilados por josep lluís galiana, y que aparecen cronológicamente en la obra, animan al lector a «leerlos como si de un breve relato —todavía en construcción— se tratase sobre hechos, circunstancias y vicisitudes artísticas y musicales ocurridas en el territorio valenciano en una época muy reciente, así como una enumeración de experiencias de quien escribe estas páginas, explica el autor, que ha tenido la fortuna de vivir en primera persona».
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Este es un libro sobre música pop. Todo aquel que no sea fan de ésta entra aquí por su cuenta y riesgo Este libro va de: discos, miedo, 1995, Mose Allison, vida-entre-tíos, música-para-tíos, skinheads, Rachmaninov, Kiko Amat, la familia y los amigos de Kiko Amat, Robert Forster, hurra por el blues de todos, 1993, mod revival, The Chords, masculinidad, debilidad, pena, The Dictators, subcultura, Top Secret, Una Gran Noción, Alison Statton, Weekend, Radio80 Serie Oro, Catalunya Música, 1930's dance band music, Dennis Potter, De La Soul + Teenage Fanclub, gangsta rap, el cringe, la música triste de Jimmy Webb, el deep soul y la curación por la canción, Bill Withers como modelo a seguir, el Rarities de los Who, la música de mil chaquetas de tweed, Billy Childish, sombreros, defender el atasco y el anacronismo y la tradición y la experiencia, ''I don't like cynicism'', una de las Mejores 20 Fiestas de mi Vida, Kwik Safe, Cricklewood, robar en Virgin Records, David Papiol, britpop, Blur, ''Wonderwall'', Mega City Four, Hurrah!, ser fan en contra de Morrissey, la nostàlgia que hay que explicar, a la mierda el canon, The Fleshtones y 10 canciones odioses.
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Tras el éxito de su libro La música invisible, Stefano Russomanno comparte con el lector algunos de sus más significativos recuerdos musicales y reflexiona sobre aquellos músicos y músicas que han marcado su vida como melómano. Por estas páginas desfilan figuras como el violinista David Oistrakh, los directores Herbert von Karajan, Carlos Kleiber, Claudio Abbado y Riccardo Muti, o los pianistas Maurizio Pollini e Ivo Pogorelich. Por otro lado, las óperas de Giuseppe Verdi se entremezclan con los valses de Johann Strauss hijo, los Responsorios de Carlo Gesualdo y las envolventes composiciones japonesas para la flauta shakuhachi.
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El presente libro constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo xx. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
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El objetivo de este libro es recopilar y arreglar buenas piezas musicales, creando nuevas partituras para piano que sean claras de leer y mantengan su sonoridad original. Estas partituras son adaptaciones de las originales, con un nivel medio de dificultad pianística, muy asequibles para un estudiante o pianista de cualquier edad. La última intención de este trabajo es la de animarse a sentarse al piano y que disfrute de la música cualquier persona aficionada a este instrumento. Cada partitura incluye acordes cifrados y códigos QR que enlazan con la interpretación de la partitura en vídeo por parte del autor.
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Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots
Coneixem la música de Carles Santos, el pianista transgressor, l'artista integral. I ara, amb Ens morirem sense haver-los escabetxat a tots, podem llegir els textos que va escriure en ple procés de creació dels seus espectacles musicals. Així, recuperem amb les seves pròpies paraules la memòria d'Asdrúbila, La pantera imperial, Ricardo i Elena, L'adéu de Lucrècia Borja o La meua filla sóc jo. Són pàgines que s'inscriuen en la tradició de les escriptures fragmentàries, que esborren les fronteres genèriques, amb les quals Santos ens convida a sentir i a mirar amb una força poètica i subversiva. Com a «53 maneres de matar un capellà». Ens introduïm en la cuina de Carles Santos per valorar la meticulositat amb què preparava els seus muntatges escènics, i accedim a les invencions i els pensaments d'un artista indispensable. «És evident que quan una professió, en aquest cas la musical, és viscuda amb tota la intensitat possible, condiciona absolutament l'existència del ateix individu-músic». -Carles Santos
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Jim Sullivan escribió un disco sobre extraterrestres y desapareció en el desierto de Nuevo México sin dejar rastro, Ernie K-Doe se coronó Emperador del Universo y los parroquianos de su bar lo veneraban y las hermanas Wiggin vivieron encerradas durante una década obligadas por su padre a grabar el peor disco de la historia. Sus vidas fueron perras y en sus historias hay dolor, pero de algún modo extraño también hay redención.Vidas Perras, el primer libro del periodista Alfonso Cardenal, director de Sofá Sonoro, es una colección de cuentos musicales alrededor de artistas marginales y olvidados: vagabundos, trotamundos y mentirosos. Personajes terribles que, sin embargo, transmiten una absurda ternura. En estas páginas hay pioneros de los derechos LGTBI, abuelas que grabaron discos a los noventa años mientras hacían ganchillo y asesinos patosos.Todos tienen dos cosas en común: fueron habitantes de un submundo musical cada vez más lejano y fueron personajes reales. Aunque parezca imposible y surrealista las historias que se cuentan en este libro son reales porque la realidad siempre es la mejor ficción.
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Doce episodios memorables de la música del siglo XX en los que sus protagonistas encontraron auténticos momentos de plenitudLos momentos fulgurantes pueden anidar en cualquier parte, a cualquier hora y bajo cualquier circunstancia. Cuando se manifiestan, la alegría y el placer emergen de manera imprevista, y la realidad, por muy oscura que sea, resplandece durante un instante.La música, en sus polifacéticas formas, también es capaz de desencadenar episodios memorables y actuar como catalizador de sentimientos profundos. Puede elevar nuestro estado de ánimo, proporcionarnos una vía para expresar y procesar las emociones, hacer que fortalezcamos nuestras relaciones de pertenencia con el mundo que nos rodea y, entre otras muchas cosas, ofrecer experiencias que nos permitan establecer una conexión genuina con nuestro propio ser.Wanda Landowska vive uno de esos momentos fulgurantes interpretando a Scarlatti al clave, en medio de un estruendo de cañonazos antiaéreos. Erik Satie protagoniza otro trabajando en la composición de su nueva obra en un café cerca del cementerio de Montparnasse, mientras alterna cantidades industriales de cerveza con tragos de aguardiente. Albert Einstein, en su casa, cada una de las veces que come lentejas con salchichas o interpreta al violín música de su adorado Mozart. Marian Anderson, poniendo el cuerpo y la voz en cada una de sus actuaciones para transformar lo que Martin Luther King Jr. llama el último bastión del elitismo: la música clásica. Winnareta de Polignac, charlando sobre los Cuartetos de cuerda de Beethoven con Virginia Woolf en el salón que la escritora tiene en Londres, en el distrito de Bloomsbury. Imogen Holst, al darse cuenta de que, a través de la música, los habitantes de un pequeño pueblo del suroeste de Inglaterra dan rienda suelta a la necesidad innata de conectarse y expresarse emocionalmente con los demás. Glenn Gould, haciendo todo lo contrario, aislándose del mundo con su piano y su silla enclenque en una sala repleta de micrófonos. Y es que el pianista aseguraba: «mi idea de felicidad es pasar doscientos cincuenta días al año en un estudio de grabación».
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En este completo y penetrante análisis de la música de la época barroca, el autor asume el papel de historiador social, antropólogo cultural, musicólogo y narrador, para, con su descripción de las fuerzas culturales, sociales y políticas del momento, ofrecer a los lectores un contexto que resulta esencial para valorar en su justa medida los logros e innovaciones musicales que tuvieron lugar en el espacio de tiempo comprendido entre 1580 y 1750.Del Sacro Imperio a los territorios de la América hispana, de la ópera al oratorio, de la cantata a la sonata, de la teoría a las prácticas improvisatorias, en sus páginas se analizan los principales géneros, formas y estilos que marcaron la evolución musical durante más de dos siglos, de la mano de sus principales protagonistas: Purcell, Corelli, Vivaldi, Lully, Rameau, Händel hasta llegar a la inmensa figura de Johann Sebastian Bach, con la que se cierra este intenso y dinámico periodo de la historia de la cultura occidental.El texto se completa con el análisis en profundidad de ochenta ejemplos musicales, a lo que se suma una amplia bibliografía al final de cada capítulo.
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Esta impactante e innovadora colección de portadas de jazz presenta los diseños que definieron un sonido. El libro reproduce portadas de discos de la década de 1940 hasta principios de la de 1990, cada una acompañada de información general básica. Estas obras artísticas para álbumes, que incluyen fotografías e ilustraciones, representan la unión de la música y el diseño, y conforman una extraordinaria historia del jazz.
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Según a quién preguntes, la historia del punk comenzóen Inglaterra con los Sex Pistols o en NY con los Ramones, pero ¿y si, como rezaba la camiseta de Gordonde Sonic Youth, ''las chicas inventaron el punk, no Inglaterra''? La historia oficial, como suele ser habitual, ha silenciado a las mujeres. Vivien Goldman escribe por primera vez una historia del punk en clave femenina.
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Greil Marcus ha escrito la biografía de una canción. Grabada el 16 de junio de 1965, Like a Rolling Stone se incorporó inmediatamente a la iconografía de su época, y con tanta fuerza que varias décadas después sigue evadiendo los zarpazos del tiempo. Los músicos reunidos en el estudio deambularon por una veintena de pruebas baldías persiguiendo algo inasible que solo atraparon durante la cuarta toma del segundo día. Habían dado inopinadamente en el clavo, y ahí quedó una versión que nadie ha mejorado, ni siquiera el proteico Dylan con sus veleidosas interpretaciones.El itinerario de Dylan como cantante folk y la prelatura que le habían asignado como «voz de su generación» llegaban entonces a un callejón sin aparente salida: el nuevo paisaje que los Beatles y otros grupos habían diseñado representaba para él un desafío y un llamamiento. Marcus evoca en estas páginas la atmósfera cordial y ferozmente competitiva en que se movían los astros de la música hacia 1965 (año, conviene recordarlo, sacudido también por conmociones como «Help!» o «Satisfaction»). Dylan vibraba en ese medio, absorbía todas las influencias, reaccionaba a todos los estímulos y supo destilar la energía, la rabia y la ansiedad que lo embargaban en una composición de seis minutos que cincuenta y siete años después permanece como un hito imborrable en la memoria (no solo musical) del hombre contemporáneo. Aquí se narra la aventura de esa canción.
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Uno de los artistas americanos más innovador e influyente de todos los tiempos. Desde sus tempranas raíces folk hasta convertirse en un fenómeno internacional. Ganador de 11 Grammies, un Golden Globe y un Academy Award, la revista Rolling Stone clasificó su canción Like a Rolling Stones en el número 1 de su lista The 500 Greatest Songs of All Time.
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Las memorias del cantante de AC/DC, que, tras un periplo vital alucinante y accidentado, sustituyó al trágicamente desaparecido Bon Scott al frente de uno de los grupos clave del rock duro para firmar ''Back in Black'': un hito del rock y el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Brian Johnson nació en 1947 en Dunston, en la región de Newcastle, al nordeste de Inglaterra. Su padre fue militar y combatió en el norte de África durante la Segunda Guerra Mundial y su madre creció en el seno de una opulenta familia italiana. De muy joven, Brian se quedó prendado del rock cuando vio a Little Richard en televisión tocar «Tutti Frutti». Dotado de un potente chorro de voz, pronto empezó a destacar entre el coro de los boy scouts y no tardó en montar los primeros grupos de versiones. Mientras trabaja como delineante en una gran empresa de turbinas de vapor y pasa una temporada como paracaidista del Ejército, se pone al frente de Geordie, con los que consigue colocar un single en el Top 10, salir en el Top of the Pops y hacer giras por Europa y Australia... Sin embargo, la suerte del grupo se estancó y, tras una serie de álbumes fallidos, Brian Johnson se encontró en la ruina, separado, con dos hijas pequeñas y una amenaza de embargo. Pese a todo, superada la treintena y cuando parecía que el sueño del rock se esfumaba, fue convocado para un casting de AC/DC, que tras la trágica muerte de su cantante, Bon Scott, estaban en un impasse. Brian sorprendió a los hermanos Young con su potencia vocal y pericia con las letras, y lo enrolaron para grabar el que sería a la postre el mayor éxito del grupo: ''Back in Black'', grabado en las Bahamas y que incluye himnos como ''Hells Bells'' o ''You Shook Me All Night Long'', y que acabaría siendo el segundo disco más vendido de todos los tiempos. Narrado con humor y con una sensibilidad poco común entre la fraternidad del rock, ''Las vidas de Brian'' es un excepcional y emocionante testimonio de una de las grandes voces del rock.
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Robby Krieger rescata del olvido sus experiencias con The Doors durante los años más salvajes del rock. A través de capítulos breves, llenos de humor y de revelaciones, el legendario guitarrista nos conduce al origen de la banda y sus momentos más asombrosos: la casa de empeños donde compró su primera guitarra, la celda a la que fue arrojado de adolescente tras una redada de drogas, la sala de estar donde tuvieron lugar los primeros ensayos de The Doors, las discusiones con camellos de Jim Morrison, los bares vacíos y las fiestas en los patios traseros donde dieron sus primeros conciertos, los estudios donde se grabaron sus temas, las muchas salas de conciertos que estallaron en disturbios históricos...Pocas bandas están tan envueltas en la turbia bruma de la mitología del rock como The Doors, y separar la realidad de la ficción ha sido hasta la fecha una tarea virtualmente imposible. Pero ahora, después de cincuenta años de silencio, Krieger decide aportar un poco de luz. Todo lo que rememora el autor en estas fascinantes memorias, sobre Jim Morrison y sobre aquella época del nacimiento del rock, nos recuerda que la verdad puede ser aún más fascinante que las leyendas.
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En sus poco más de cincuenta años de vida, Frank Zappa vivió en primera fila el nacimiento del rock & roll, el underground californiano que dio lugar al movimiento hippie, la liberación sexual y los movimientos juveniles revolucionarios de los sesenta, la llegada del rock, la música disco y el punk, el conservadurismo de la Era Reagan y la caída del comunismo en la Europa del Este. Mientras tanto, publicó más de sesenta discos que alternaban grandes obras sinfónicas con las canciones más escatológicas o combinaban el comentario político con la música electrónica. Defensor acérrimo de la libertad de expresión y enemigo de los límites, nada escapaba a su sátira y ningún estilo musical le era ajeno. Frank Zappa se consideraba a sí mismo ante todo un compositor y consideraba todo su trabajo -sonoro, visual y textual- como una gran obra en la que estuvo trabajando toda su vida. Justo lo que el mundo necesitaba: Otra biografía de Frank Zappa.
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Roger Alier, autor de la Guía universal de la ópera, obra de referencia entre los melómanos, nos ofrece una visión histórica del género lírico, desde Claudio Monteverdi, considerado el primer operista verdadero, hasta el postverismo y las últimas tendencias. Ilustrada con valiosos documentos gráficos, esta Historia de la ópera presenta de una manera estructurada y llena de brillantes comentarios el proceso por el que el género operístico se ha ido desarrollando desde sus remotos orígenes, en torno a 1600, hasta las complejas pero apasionantes propuestas de los primeros años del siglo XXI. Así, el interés de esta obra excepcional es doble, ya que no sólo expone la evolución del género lírico, los autores, los cantantes, los teatros, etc., sino que analiza las últimas tendencias que, sin duda, han de cambiar de manera radical muchos de los planteamientos que hasta ahora habían sido consustanciales a la ópera.
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Salva Rey, también conocido como Mister Furia, es unentusiasta del ukelele. ''Ukelelala'' es un ameno, divertido y accesible manual para aprender el abecé del«uke» y para familiarizarse con las nociones básicasde melodía, armonía y ritmo, así como para conocer la peculiar historia de este instrumento. Este libro es una magnífica y entretenida manera de compartir lamúsica en el entorno familiar.
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