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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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La presència del Prado
Des de la seva creació la Biblioteca Museu Víctor Balaguer ha comptat amb un dipòsit important de quadres procedents del Museu del Prado. Inaugurada el 1884 a Vilanova i la Geltrú, en pocs anys comptava ja amb una cinquantena d'obres que complementaven les col·leccions pròpies. Al llarg d'aquests 136 anys la presència de peces del Prado ha estat constant i amb obres realment destacades, com _L'Anunciació_ d'El Greco o el _Dos de maig_ de Sorolla, al costat de pintures de Murillo, Ribera, Juan Bautista Maíno o Goya. El llibre mostra les peces que actualment estan en dipòsit a la Biblioteca Museu, producte d'aquesta llarga i fecunda col·laboració amb el Museu del Prado, i que el 2019 van formar part d'una exposició amb gran èxit de públic. També hi ha una edició en castellà a Lectio Ediciones.
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El presente libro ofrece una perspectiva realmente nueva a la hora de abordar el análisis de la producción artística de los últimos cien años, ya que, al margen de cuestiones estilísticas, estudia el trabajo de algunos de los creadores más relevantes del pasado siglo (Tatlin, Picasso o Beuys lo son, sin lugar a dudas) en el que se encarnan ideas de revolución y transformación humana y social: esto es, la creación artística como algo más que un mero espectáculo de índole estética. De la Revolución rusa al reciente mundo globalizado, pasando por la Guerra Fría, en los distintos capítulos Jonathan Harris explora la idea de que el linaje globalista-utópico en el ámbito del arte sigue dividido entre su anhelo de libertad y una identificación cada vez más profunda con lo espectacular como artículo mercantil y de consumo, una encrucijada fundamental para entender no sólo la evolución y el significado de la vanguardia artística sino la situación actual de una creación sometida a (y desnortada por) los designios del dios Mercado. Estamos, pues, ante una crítica innovadora y bastante esclarecedora del arte contemporáneo y de sus instituciones.
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Si hay un género musical que levanta pasiones, ese es sin duda la ópera. Poca gente que haya asistido a una representación en vivo puede sustraerse a la intensa emoción que se experimenta. Y, sin embargo, en gran parte sigue siendo una gran desconocida. El presente libro pretende hacer accesible a todo tipo de lectores aspectos que faciliten una comprensión más profunda y que permitan una aproximación a algunas de sus claves.Conforme a un hilo cronológico, se aborda la evolución de una dramaturgia específicamente musical que la ópera fue capaz de concebir, elaborar y replantear desde sus comienzos y en el curso de cuatro siglos. No se centra únicamente en el argumento o el libreto, ni tampoco en una serie de arias brillantes, sino en el punto de encuentro en el cual confluyen el teatro y la música con el fin de generar un teatro cantado por los personajes y comentado desde la orquesta, un drama (o una comedia) musical. Cada capítulo ofrece, junto a una selección de óperas comentadas con más detalle, una presentación de los rasgos generales del género o escuela en su contexto histórico y cultural, así como un comentario sobre los compositores y tendencias más relevantes.Como apunta José Luis Téllez en el prólogo escrito para la presente edición, hay que celebrar que un libro como éste, que se ha convertido en un pequeño clásico desde su publicación, sea resultado de un proyecto gestado y llevado a cabo desde España, motivo más que justificado para que ocupe un lugar especial en esta colección conmemorativa.
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La guía oficial del Festival de Fotografía y Artes Visuales PHotoESPAÑA 2023PHotoEspaña es un festival internacional de fotografía que se celebra cada año en Madrid durante los meses de verano. Este festival comenzó su andadura en 1998 y ha ido creciendo y consolidándose hasta convertirse en una cita de referencia para el mundo de las artes visuales.
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Ibai Llanos: «Un libro fascinante. Es como vivir los orígenes del freestyle en primera persona. Bruno, eres el mejor». Mientras el fenómeno del freestyle (o rap improvisado) se expandía a una velocidad trepidante por todos los parques del país, Bruno Pol Feliu García (más conocido como Kapo 013) era un chico raro, regordete y cargado de inseguridades que pronto encontró en el universo raperil de las batallas callejeras un primer espacio de confort en el que sentirse parte de un movimiento. Hoy ese movimiento es una potente industria, la pasión de millones de hispanohablantes en todo el mundo que, más allá de las guerras dialécticas que se libran sobre el escenario, ha logrado erigirse como un arte cargado de amor. Un amor que a ojos de Bruno —,que, a sus 30 años, puede considerarse uno de los testigos y narradores más excepcionales de la escena—, poco tiene que ver con el afecto o el contacto físico, sino con compartir tiempo y lugar en explosiones de apasionada energía junto con otras personas. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, el freestyle va de eso, de servir como vehículo del amor, por mucho que también fabrique miedo, este lleve al odio y, por ende, al dolor. Porque, si algo queda claro después de leer este emotivo testimonio sobre la revolución del rap de estilo libre, es que amor y dolor riman siempre. «Lo contrario del miedo no es la valentía, es el amor. Y de eso voy sobrado, en parte, gracias al freestyle y a todo lo que me ha dado», Kapo 013.
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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“El vestíbulo de un hotel. El reencuentro de dos viejos amigos. Un abrazo y dos besos separados por un cariñoso e irónico «tranquilo, no hace falta que te levantes». Todo normal. Alegría, risas y un desayuno por delante en el que el té, el café y las tostadas estorbarán seguramente a las palabras. Tan cotidiano como intrascendente, Carlos, uno de los amigos, recela del interés que puede tener explicarme la escena. Tal vez debiera darle la razón, de no ser porque su amigo, el bromista, el del irónico «no hace falta que te levantes» es Sting y porque él, Carlos, va en silla de ruedas desde que nació”. Así da comienzo Good Times, un libro de memorias, concebido y redactado mano a mano con Julián García Hernández, que recorre la trayectoria profesional de Carlos Carreras-Moysi, uno de los promotores de conciertos más importantes surgidos en España durante la década de los ochenta del pasado siglo. Desde su responsabilidad en la promotora GIGS como director de contratación, Carlos consiguió que muchas giras de grandes bandas internacionales pasaran por España en una época en la que el país apenas empezaba a familiarizarse con los grandes conciertos de rock en estadios. Queda aquí relatada su experiencia junto a músicos como Mike Oldfield, Peter Gabriel, Elton John, Eric Burdon o Robert Palmer, y grupos como Dire Straits, The Police, Roxy Music, The Smiths, AC/DC o Iron Maiden, entre muchos otros.
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Catifes de flors
La tradició popular de fer catifes de flors per engalanar els carrers per Corpus ve de lluny. Aquest llibre fa un repàs de la història d'aquesta tradició, de l'evolució de la tècnica de fer catifes i de les associacions que apleguen els catifaires, i posa èmfasi en els valors d'aquest treball artístic, artesanal i col·lectiu. Alhora, presenta la Federació Catalana d'Entitats Catifaires i la candidatura a la UNESCO d'aquest art efímer amb arrels profundes a Catalunya, que ha aconseguit créixer en valors, en creativitat, en qualitat i en espectacularitat. Quan va començar aquesta festa? Per què està relacionada amb el Corpus? Se celebra a tot Catalunya? I en altres països? Per què vol ser Patrimoni Cultural Immaterial de la UNESCO? Il·lustrat amb fotografies curioses, boniques i evocadores, el llibre dona resposta a aquestes preguntes i mostra la bellesa de les creacions florals, així com la dedicació, la creativitat i l'entusiasme dels catifaires catalans.
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El director de orquesta Pablo Heras-Casado aborda el mundo de la música clásica, pocas veces comprendido, pero fundamental en elser humano. Y lo hace de manera natural, sin corsés ni prejuicios, porque no hace falta tener conocimientos musicales para
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GELO. Dels bars musicals de Tarragona als extraterrestres del Montsià (1980-2020)
CATÀLEG DE L'EXPOSICIÓ retrospectiva dedicada a l'artista Gelo, al Museu de Valls, durant els mesos de juliol a setembre de 2020. GELO és el nom artístic de JOAN JESÚS ENRÍQUEZ (1956), un artista que va destacar en els ambients artístics tarragonins a les dècades dels vuitanta i noranta. Desaparegut del mapa artístic des de finals dels anys noranta, el Museu de Valls fa una retrospectiva de la seva obra, en la qual incorpora les obres dels últims anys. L'obra de Gelo, una de les més singulars i potents de l'escena artística tarragonina, treballa la pintura en gran format (amb pintura acrílica, fosforescent i fluorescent), el gravat i les instal·lacions. Ha exposat a Catalunya, Espanya, França i Itàlia. El text del catàleg és obra de la crítica d'art i periodista ASSUMPTA ROSÉS (Reus, 1949).
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Una cuidada recopilación de las canciones más populares y famosas de España y Latinoamérica, con las letras y los acordes para guitarra y piano. Este cancionero incluye algunas de las más conocidas y recordadas canciones de hoy y de siempre con los acordes para piano y guitarra. No es fácil realizar una antología como esta, ya que el acervo musical en español no solo es rico en calidad sino también en cantidad.
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Paco Loco es nuestro productor musical más emblemático. Es nuestro Phil Spector. Grammy nominated, columnista ocasional, víctima de un síndrome de Audiógenes incurable, Paco Loco nos abre las puertas de su estudio y nos invita a descubrir los secretos de su sabiduría chiflada y de sus míticas grabaciones.Conoceremos a Muni, pero también a Hiss & Hum, huiremos de coches que explotan, entenderemos lo de los ruidos que no se oyen, pero sí que se escuchan, aprenderemos cómo se puede ser un yonqui de lo retro y afirmar que el futuro es el pasado y que hay que volver al cassette y que lo peor es la rutina (Turner) y que los Pactos Locos (Donald, Lucas) es un gran nombre de grupo y que… Hay que leer este libro que cuenta con la participación de algunos de los nombres más significativos del panorama musical: Muni Camón, Nacho Vegas, Fran Nixon, Joaquín Pascual, John Agnello, Paco Neuman, Steve Wynn, Mikel Erentxun, David Carabén, Juan Santaner, Pedro Vigil, Miguel Fuentes, Pablo Errea, Josh Rouse, Gary Louris…
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El crítico cinematográfico y director de SensaCine, presenta su primer libro, un recorrido filmico para comprender por qué el cine y la vida siempre van de la mano. Naces, creces, te reproduces y... ves cine.A lo largo de la vida, las personas disfrutamos, de media, de más de cinco mil películas. Nos emocionamos con historias y personajes que hacen un clic en nuestro interior que no sabemos explicar. ¿Y si alguien pudiera ayudarnos a entender por qué el cine se ha vuelto imprescindible para el ser humano?En Una película para cada año de tu vida, el periodista y crítico de SensaCine Alejandro G. Calvo se convierte en nuestro guía particular y nos recomienda qué películas ver según el momento vital en el que nos encontramos. Con un estilo que combina erudición y relato personal, Calvo explora el hilo que conecta a Steven Spielberg con nuestros sueños, a David Lynch con nuestras pesadillas y a Jean-Luc Godard con nuestro gran amor, y nos demuestra que siempre hay una historia en pantalla dispuesta a ofrecernos una lección de vida.El crítico cinematográfico y director de SensaCine, presenta su primer libro, un recorrido filmico para comprender por qué el cine y la vida siempre van de la mano. Naces, creces, te reproduces y... ves cine.
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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Este libro propone un delicioso recorrido sobre numerosos temas relacionados con el arte: paisajes, edificios arquitectónicos, esculturas, pinturas, fotografías y diseños. Y aunque en estas páginas no se pretende demostrar nada, sí se ponen en cuestión recalcitrantes lugares comunes sobre el interminable debate entre (la mal llamada) abstracción y la figuración. Todas las obras de las que aquí se habla, sin complejos ni cortapisas, son obras muy amadas, y todas ellas son figurativas o son objetos útiles (o ambas cosas a la vez), pues, como señala Oscar Tusquets: En el arte no figurativo no consigo encontrar, por mucho que me esfuerce, el amor, el sexo, el pecado, la divinidad, la amistad, el paso del tiempo, la muerte, el humor, los recuerdos fugaces... en fin, todo lo que me apasiona y me ayuda a seguir viviendo». Insistiendo (que no repitiendo) en las ideas estéticas que el autor ha defendido siempre en sus libros, esta obra se combina con las imágenes y comentarios incluidos en la atractiva serie Art with Oscar que la fotógrafa Eva Blanch comparte en Instagram.
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Da capo
Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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Relato escrito por J. M. Coetzee en el marco del programa de residencias para escritores Escribir el Prado, organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. Su estancia en el museo tuvo lugar entre finales de junio y mediados de julio de 2023. J. M. Coetzee nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 1940. Además de ser uno de los novelistas más ilustres del mundo, es lingüista, crítico literario y traductor. En 2003 se le concedió el Premio Nobel de Literatura y la Academia Sueca alabó entonces la “brillantez analítica” de su quehacer literario y una “honestidad intelectual nada propensa a hacer concesiones”. Su obra ha sido distinguida asimismo en dos ocasiones con el prestigioso premio Booker. En la actualidad reside en Adelaida (Australia), a cuya universidad está vinculado, y también ha sido profesor invitado en las universidades de Harvard, Johns Hopkins y Stanford. En España ha sido galardonado con los premios Reino de Redonda (2001), creado por Javier Marías, y Llibreter (2003), y su última novela, El polaco, está ambientada en este país. En El vigilante de sala, que escribió como residente inaugural del programa Escribir el Prado, aparece su célebre alter ego, Elizabeth Costello.
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Generoa osatzen duten filmak natura eta kultura, indarkeria eta legea edo gizabanakoa eta komunitatea bezalako dikotomia unibertsalen inguruan artikulatuko lirateke. Hiltzat jotako adina aldiz berpiztua, liburuki hau joan den mendeko 60ko hamarkadatik gaur egunera arte Estatu Batuetan egindako westernaz arduratzen da. Urte haiek, 60ko hamarkada, Estatu Batuetako herriaren ''errugabetasunaren galeratzat'' jotzearekin batera, westernak ere (ilunabarrekoa, errebisionista edo deitu nahi zaion bezala) mutazio sakonak jasango ditu. Data horretatik aurrera, generoari atxikitako filmak gero eta ilunagoak eta konplexuagoak izango dira, eta zalantzan jarriko dituzte Mendebaldeko Konkistaren Mitoa eratzeko erabilitako tropo eta konbentzio nagusiak: cowboyaren epika maskulinoa, indarkeriaren funtzio zibilizatzailea, mugaren izaera egituratzailea, Bestearen estatusa, emakumea izan edo indiar basatia, beste askoren artean.
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Tarragona, l'antiga Tarraco, va ser la primera ciutat romana fora d'Itàlia i residència de l'emperador August, qui la va convertir en capital d'Hispania. Més tard, l'emperador Adrià li va dedicar aquestes paraules: «Tarraco, la ciutat on la primavera és eterna». El rastre de la civilització clàssica és perceptible en les seves muralles, torres, fòrums, circ i amfiteatre, declarats Patrimoni Mundial per la UNESCO. Però avui, per sobre de tot, Tarragona és el seu patrimoni humà: la cultura, la festa, la gastronomia…, tan digne de reconeixement com el de les pedres.
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Los grandes artistas musicales como nunca antes los habías visto.De música, por supuesto -de sus inicios, sus referencias y maestros, sus trabajos-, pero también de otros asuntos más personales -sus miedos y anhelos- y universales -el amor, las drogas, la política, la religión, la muerte- es de lo que el autor de este libro, reconocido periodista cultural y autor de varias biografías de grandes figuras de la canción española, ha conversado a lo largo de tres décadas con los 40 músicos que protagonizan este libro. Los cantautores -Serrat, Sabina, Aute...-, los roqueros -Extremoduro, Calamaro, Bunbury, Loquillo, Miguel Ríos...-, las figuras del pop y el pop/rock -Antonio Vega, Pau Donés, Dani Martín, Bosé, Luz Casal, Christina Rosenvinge, Amaral, Estopa, Alaska...-, los flamencos -Paco de Lucía, Diego el Cigala, José Mercé, Tomatito...- y algunos otros artistas de difícil clasificación -Raphael, María Jiménez, Kiko Veneno...- ofrecen en estas páginas su visión del arte y de la vida, y componen un relato que ayuda a entender mejor cómo ha ido evolucionando la música en la España de los últimos treinta años. Como declararon los Sex Pistols: «Si aceptas las formas convencionales te conviertes en uno de tantos». Todos los nombres que le dan forma a este volumen huyeron precisamente de eso, de ser uno más, uno de tantos, y crearon mundos propios de gran riqueza artística que han crecido con nosotros y nos han hecho más grata la existencia.
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GANADOR DEL BAILLIE GIFFORD PRIZE AL MEJOR LIBRO DE NO FICCIÓNMEJOR LIBRO DEL AÑO SEGÚN The Spectator, The Times, The Telegraph y The Sunday TimesLa duquesa de Windsor los adoraba. Noël Coward los despreciaba. J. R. R. Tolkien los desairó. Los Rolling Stones los copiaron. Bob Dylan los introdujo a las drogas. Leonard Bernstein los admiraba. Muhammad Ali los llamó ''mariquitas''. John Updike los comparó con el sol saliendo en una mañana de Pascua. Los primeros ministros británicos los adularon. Vladimir Putin dijo que escucharlos cuando era joven en la Unión Soviética fue ''un soplo de libertad''. Bruce Springsteen afirmó: ''Nunca quise conocer a los Beatles. Yo quería ser los Beatles''... Nadie ha permanecido ajeno a su música. Como observó la reina Isabel II en sus bodas de oro: ''Pensemos en lo que nos habríamos perdido si jamás los hubiéramos escuchado''.''1, 2, 3, 4: Los Beatles marcando el tiempo'' traza la fusión fortuita de los cuatro elementos clave que componían el grupo: el fuego (John Lennon), el agua (Paul McCartney), el aire (George Harrison) y la tierra (Ringo Starr). También cuenta las historias extrañas y a menudo desafortunadas de las personas que orbitaron alrededor de los Fab Four, como Fred Lennon, Yoko Ono, el Maharishi, la tía Mimi, Helen Shapiro, el estrafalario embaucador ''Magic'' Alex, Phil Spector, el dentista psicodélico John Riley o el oficial de Policía Norman Pilcher —su fallida némesis—, entre muchísimos otros.Craig Brown compone un asombroso, hilarante e inteligentísimo crisol caleidoscópico, mezcla de historia, etimología, diarios, autobiografía, cartas de admiradoras, ensayos, vidas paralelas, fiestas legendarias, listas de todo tipo, entrevistas, anuncios, subastas e historias increíbles —todo ello aderezado con unos pies de página inolvidables— para dejar constancia de la enorme influencia que los Beatles tuvieron no solo sobre su tiempo, sino también sobre todos los que vinieron después.
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Invernaderos, puertos logísticos, granjas, vacas y robots para entender las dinámicas espaciales y laborales tras los muros de los espacios de trabajo automatizadosUna rápida compañera presenta, por primera vez en castellano, los escritos de Víctor Muñoz Sanz en torno a los nuevos espacios creados alrededor de y posibilitados por las tecnologías de la automatización. Es un viaje que nos traslada a fábricas de calzado de finales del siglo XIX, a innovadores puertos logísticos e invernaderos en los que no encontramos rastro de trabajadores humanos y a terrenos fangosos donde vacas frisonas fruto de la selección genética conviven con robots de la más alta tecnología.Lejos de ser complaciente, este ensayo, entre la observación más aguda y la especulación más sugestiva, no se deja cegar por el brillo de las tecnologías más recientes ni fascinar por productos espaciales nunca vistos. Su trabajo nos ayuda a entender los avances espaciales que día tras día transforman toda clase de entornos de trabajo tras los muros opacos del oscurantismo empresarial y, a la vez, la forma en que la tecnología, la ciencia y la arquitectura moldean, días tras día, cuerpos humanos y no humanos.
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Con una metodología activa, el contenido de este libro transita por los grandes momentos de la historia del espectáculo y propone actividades centradas en la expresión corporal y verbal, en la teatralización y la coreografía, en la reflexión y la val
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La incorporación de Ringo a los Beatles no fue una mera cuestión de suerte, sino la consecuencia de ser el mejor batería de Liverpool en aquellos tiempos, cuando tocaba junto a Rory Storm & The Hurricanes, donde se fue curtiendo como instrumentista. Igual
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Cristina de Middel ofrece imágenes que incitan a la reflexión. Su ensayo fotográfico ''Journey to the Center'' investiga fenómenos relacionados con la ruta migratoria a través de México, tiene una atmósfera y un simbolismo inspirados en la famosa novela de Julio Verne ''Viaje al centro de la Tierra''.Con un lenguaje que combina la fotografía documental con imágenes elaboradas y material de archivo, la narración adquiere múltiples capas.La ruta migratoria a través de Centroamérica se retrata como un viaje heroico y audaz. México, escenario de esta aventura, se presenta como el país fascinante y extremo que es.Cuenta con una exposición en Rencontres d'Arles 2024 y la imagen del cartel oficial de Arles 2024: https://www.rencontres-arles.com/en/expositions/view/1528/cristina-de-middelCristina de Middel lleva años viajando con migrantes en el tren que ellos llaman ''la bestia'', entrevistando a sicarios, hablando durante horas con ''coyotes'' (contrabandistas clandestinos) y policías. Combinando sus propias fotografías con objetos encontrados en el desierto e imágenes de archivo, crea una narración de múltiples capas.El punto de partida es Tapachula, la frontera sur de México con Guatemala, y el viaje termina en Felicity, una pequeña ciudad de California que es oficialmente el ''Centro del Mundo''. Este épico viaje está salpicado por los relatos de tres emigrantes que cuentan su terrible periplo con los comentarios del artista. Un epílogo del periodista mexicano Pedro Anza ilustra los problemas y las consecuencias humanas de la obsesión de Estados Unidos por cerrar sus fronteras.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este segundo tomo pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de nuevas películas que complementan a las del primer tomo. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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Barcelona melòmana
Amb l'arribada de l'arxiduc Carles d'Àustria a Barcelona l'any 1705, en plena guerra de Successió, va arribar també la música clàssica a la ciutat. Des d'aleshores Barcelona ha viscut una llarga història d'amor amb la música i sobretot amb els principals compositors: de Bach a Stravinsky, passant per Mozart, Beethoven, Verdi o, naturalment, Wagner. Cesc Avilés s'ha capbussat en la recepció dels compositors a la ciutat -amor, rebuig, passió- i la seva repercussió: com Pau Casals rescata les suites de Bach, com sorgeixen el Teatre Líric, el Palau de la Música o el Liceu, com Lluís Millet i Amadeu Vives impulsen la creació de l'Orfeó Català, etc. I, amb una gran amenitat, l'autor recrea les anècdotes que provoquen les visites d'Strauss, Liszt o Stravinsky, o l'èpica cursa per aconseguir que Barcelona fos la primera ciutat on es representés Parsifal, un 31 de desembre de 1913. LES MILLORS HISTÒRIES I CURIOSITATS SOBRE BARCELONA, LA MÚSICA CLÀSSICA I ELS GRANS COMPOSITORS UNIVERSALS. _''Editat amb la col·laboració del Departament de Cultura de la Generalitat''_
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Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el siglo XX vistos a través de las películas que nos han marcado. Una celebración del cine y la cultura popular española.El trasfondo de un país de la complejidad de España ha sido objeto de apasionados debates que arreciaron durante el zarandeado siglo XX, cuando se lo consideró un «enigma histórico», un «laberinto» o algo «invertebrado». Pero bajo tantos quiebros identitarios aún podían reconocerse continuidades tan llamativas como la vitalidad de su cultura popular, incluso tras la llegada del cine, que la rearticuló de abajo arriba, asistido por la industrialización del ocio y el consumo de masas. A la altura de los años sesenta del pasado siglo, las mutaciones eran de tal calibre que lo popular se había convertido en pop, estableciendo un nuevo pacto que la llegada de la democracia tradujo dos décadas después en productos tan inclasificables como las películas de Almodóvar. Un realizador que tras su audaz vanguardismo terminaría mostrando un hondo enraizamiento en tradiciones de tanto recorrido como el sainete, ya actualizado en la filmografía de Berlanga. No son los únicos ejemplos de ese sustrato autóctono atendidos por este libro. En sus páginas se narran muchos otros, trazando una crónica dramática o desenfadada, siempre fascinante de sus aspectos más insólitos o significativos. Se exploran así nuevas perspectivas sobre el cine, la intrahistoria española y su vida cotidiana, revelando sorprendentes atavismos agazapados en nuestro irreductible imaginario colectivo.
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A lo largo de cinco décadas, Jonathan Becker ha producido un conjunto de trabajos fotográficos evocadores que documentan la vida de la alta sociedad del siglo XX.Protegido del legendario fotógrafo Brassaï y colaborador de Vanity Fair desde hace mucho tiempo, el trabajo de Becker proporciona un vínculo entre la fotografía artística y la noción del fotógrafo como observador social.Esta impresionante colección, que reúne trabajos personales y por encargo, presenta más de 200 imágenes de toda la carrera de Becker y traza sus viajes por Nueva York, París, Londres y Buenos Aires desde la década de 1970 hasta la de 2010. Los retratos de los artistas Ed Ruscha y Cindy Sherman, los escritores Arthur Miller y Eudora Welty, los músicos David Bowie y Mick Jagger y otros revelan el ojo excepcional y las astutas observaciones sociológicas de Becker.La monografía incluye un texto introductorio del editor del libro, Mark Holborn, junto con un texto narrativo de Becker sobre su vida, viajes y encuentros con algunas de las figuras más conocidas del siglo XX.Incluye retratos de: Peter Beard, Su Alteza Real el Rey Carlos III, Fran Lebowitz, Robert Mapplethorpe, Arthur Miller, Jackie O., Gwyneth Paltrow, Cindy Sherman, André Leon Talley, François Truffaut, Gloria Vanderbilt, Gore Vidal, Diana Vreeland , Andy Warhol y muchos más.
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Arquitectura, promptografía, imágenes y formas de percepción, un ensayo sobre su evolución y la irrupción de la IA en este territorio.Este ensayo aborda los primeros intercambios entre la arquitectura y la promptografía, o las imágenes generadas por medio de la inteligencia artificial. En el marco de esta tecnología, la arquitectura se abre a nuevas formas de percepción que entrelazan la escritura con la visualización, la memoria con las bases de datos globales o la creatividad con el descontrol. Estas y otras cuestiones constituyen los puntos cardinales de un texto en el que Lluis Juan Liñán se adentra en las propuestas creativas que se adivinan con la aplicación de la IA a la imaginación arquitectónica.
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Masterworks from the 80s & 90s
Llibre sobre joiería contemporánia. 35 joies d'una col·lecció privadaLa joieria contemporània està cada cop més ben representada a les col·leccions de museus d’art i disseny d’arreu del món. Tot i que aquestes institucions digitalitzen parcialment les seves col·leccions per fer-les accessibles a escala mundial, no sempre és tan evident que es puguin trobar joies contemporànies a les seves exposicions públiques permanents. Per aquest motiu, l’exposició d’obres mestres dels anys 80 als 90 a la Hannah Gallery ofereix una oportunitat valuosa per conèixer d’una manera inusualment propera l’època més emblemàtica de la joieria europea contemporània. L’exposició aplega 35 obres de una col·lecció privada.
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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Pese a la importancia capital de Federico García Lorca en la construcción de la historia del flamenco, hasta la fecha no se habían reunido en un volumen todos los escritos y textos que dedicó al tema. La presente edición recoge, además de las tres conferencias donde más en profundidad va generando sus ideas, diversas intervenciones, poemas, cartas y fragmentos de entrevista en las que el flamenco aparece como objeto explícito de estudio, lo que permite hacerse una idea más exacta de la génesis de términos como ''cante jondo'', ''sonidos negros'' o ''duende'', de sus posicionamientos en torno a la cuestión del patriotismo y lo popular, o de la concepción que manejaba del gitano y del paralelismo entre este y el negro americano.
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El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad.¿Qué revela y qué oculta el perímetro de un objeto? ¿Cuál es la exactitud con la que rodean y miden las herramientas tecnológicas que median nuestra mirada? El giro fotogramétrico investiga las posibilidades e implicaciones materiales y económicas de la fotogrametría de corto alcance en la actualidad. Nace de una intuición artística y desde la urgencia contemporánea de explorar el gesto de capturar, de congelar. En resumidas cuentas, de fotogrametrizar nuestro contexto. A través de textos ensayísticos y tres conversaciones, el libro aborda los usos de esta técnica en campos tan diferentes como la silvicultura, la medicina moderna o la digitalización de patrimonio o de obras de arte. Sus páginas interrogan sus posibilidades y limitaciones en relación a cuestiones como la propiedad, el colonialismo, las estructuras de conocimiento, los extractivismos, la creación de archivos, el biopoder, la conservación, la soberanía, la restitución, la reparación o la vida y la muerte.
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