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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX se instalaron en Madrid más de medio centenar de estudios fotográficos. Aunque en sus inicios, acudir a estos gabinetes de fotografía no era asequible para todos los bolsillos, la demanda de este innovador formato fotográfico motivó la aparición de nuevos estudios, con una considerable reducción de sus precios, lo que permitió que pudieran retratarse hasta las clases más populares. Tal fue su impacto que ningún estrato social quedó al margen. Delante de los objetivos de estos fotógrafos posaron ciudadanos de a pie, intelectuales, políticos, artistas, aristócratas, incluso los monarcas Isabel II, Amadeo de Saboya o Alfonso XII y sus familias, y las principales figuras de la tauromaquia. La 'carte de visite' ha dejado un legado sin precedentes, que permite contemplar hoy a la sociedad del posromanticismo con tal fidelidad que se llega a percibir hasta sus emociones y sentimientos.
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Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Escotes subidos, piernas tapadas, vestidos por bañadores... Durante la dictadura del general Franco, el cine fue probablemente el arte más censurado. Se prohibían películas y se cortaban escenas, pero tan importante como controlar los propios films era hacerlo con la publicidad cinematográfica. Una industria de gran tradición en nuestro país que se vio afectada por el régimen y sobre la que la censura se cebó especialmente. Pero no solo era erotismo lo que los censores habrían de controlar. Grandes estrellas de Hollywood que abrazaron la causa republicana vieron como sus nombres desaparecían de los carteles de cine españoles mientras títulos que pudieran dar lugar a dobles intenciones no deseadas eran cambiados. La censura local, la conocida como ''la censura de la censura'', también jugó un papel importante. Despistes, incoherencias, meteduras de pata... todo esto y mucho más es lo que recoge el presente volumen. Centenares de carteles y fotografías componen un libro en el que podemos ver siempre la imagen previa a la censura y la resultante de la misma. Todo un disfrute para los amantes del cine, para los curiosos, para los coleccionistas de rarezas y para todo aquel que quiera conocer un pedacito, visualmente fascinante, de la historia de España.
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Un reino maravilloso, es fruto de tres años de trabajo (2022-2024) por la provincia y la ciudad de Cuenca, en un intento de reconstruir un territorio imaginario a partir de la riqueza y variedad de esta provincia.En definitiva, se trata de un viaje fotográfico, sentimental y demorado, a uno de esos reinos maravillosos que siempre están ahí al lado, esperándonos, tal como un día nos enseñó el escritor portugués Miguel Torga, refiriéndose a su Tras-os-Montes natal (con el que Cuenca guarda no pocos paralelismos): «Voy a hablarles de un Reino Maravilloso. Aunque muchas personas digan que no, siempre hubo y habrá reinos maravillosos en este mundo. Lo que es preciso, para verlos, es que los ojos no pierdan la virginidad original ante la realidad y que el corazón no dude.»
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Vida de perros es un objeto encantador que presenta la selección más grande jamás publicada de imágenes del legendario fotógrafo de Magnum Elliott Erwitt de los amados perros.El sueño de cualquier amante de los perros, contiene 500 fotografías: de caniches en exposiciones caninas, de golden retrievers recogiendo palos en el parque, de terriers de las Tierras Altas saltando en el aire de alegría y cientos de otras imágenes de perros caminando, siendo cargados o disfrutando de la vida, todas impresas a sangre completa en un llamativo duotono.Considerado como uno de los más grandes creadores de imágenes de su generación, Elliott Erwitt se describió a sí mismo como “un fotógrafo profesional de profesión y un fotógrafo aficionado por vocación”. Como artista y documentalista, su cámara lo llevó por todo el mundo y su trabajo abarca muchas tradiciones, temas y enfoques de la fotografía.También se incluye en esta joya de libro un ensayo cautivador del escritor británico P. G. Wodehouse, un admirador del trabajo de Erwitt y un entusiasta dueño de perros.
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Si los críticos se equivocaron tanto con la música disco en los 70, ¿quién nos dice que hoy no se equivocan con Britney Spears? ¿Por qué el pop tiene que ser un placer inconfesable? ¿Por qué no dejarse llevar simplemente por el propio placer? A menos que te entusiasmen los himnos del supremacismo blanco, no tiene por qué avergonzarte de tus gustos. Tarareamos canciones que decimos detestar. Solo nos emocionamos cantando cuando nadie nos ve. Lloramos con baladas de las que nos hemos burlado antes. Mentimos sobre lo que nos gusta para que nos acepten. Y decimos que los demás tienen muy mal gusto. Considerado uno de los mejores ensayos estéticos sobre el gusto musical de la década, Música de mierda investiga el mal gusto y la sensiblería musical a partir de una contradicción: ¿por qué la persona que más discos vende es de la que más gente se ríe? Carl Wilson quiso hacer una investigación sobre el éxito de Céline Dion pero se descubrió escribiendo un ensayo maravilloso sobre el amor (a la música), el esnobismo como coraza y la capacidad de emoción en tiempos de cinismo. «Un ensayo profundo, provocador, que te obliga a preguntarte quién diablos eres realmente.» NICK HORNBY «Leyéndolo sentí que me acercaba un poco más al gran misterio de la música.» ALEX ROSS, autor de «El ruido eterno»
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Grans fracasos
«Si aquest fos un país normal, en Carles Closa, també conegut com a Txarly Brown, tindria el reconeixement que es mereix a la seva obra i trajectòria, tant professional com melòmana. Implicat en mil fronts, sempre amb la seva passió característica, va ser clau en l’esclat de la música jamaicana al nostre país. Sense ell, tot hauria estat diferent. En l’obra que ens ocupa, en Txarly, després de molts anys de súpliques i peticions, ens ofereix un repàs a uns anys que alguns vam viure de manera accelerada. Aquells concerts, aquelles bandes, aquella música van ser la nostra banda sonora vital, el ritme que ens va robar el cor i amb què molts vam créixer i encara escoltem. Darrere de tot això sempre hi havia el bo d’en Txarly, ja fos donant forma a pòsters diversos, organitzant concerts, confeccionant fanzins o punxant música a sales i locals de tota mena. Dissenyador gràfic, discjòquei, promotor, il·lustrador, aprenent arriscat de músic i segurament alguna altra faceta que m’estic deixant al tinter. En resum, un artista del Renaixement en el segle equivocat. En aquest llibre ens ofereix un repàs minuciós i cronològic a la seva obra creativa, centrada en l’escena musical jamaicana al nostre país. I tot això amenitzat amb la seva habitual sorna sense filtres, com ja es veu en el títol. Es tracta, doncs, d’un recorregut imprescindible per a tot aquell amant dels ritmes sincopats provinents de l’illa caribenya que es preï, però també per a qui vulgui conèixer els secrets de l’evolució del disseny gràfic i les fonts tipogràfiques aplicades a l’àmbit musical. Aquest és un relat de passió, entusiasme i generositat, perquè així viu la seva professió i afició per la música l’autor. Aprofiteu que en Txarly s’ha decidit a escriure, cosa poc habitual en ell, i delecteu-vos amb aquesta història singular i irrepetible que ens explica a través de la seva prolífica i admirable obra artística.»—Carles Viñas
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Descubre los secretos del rodaje de La princesa prometida Cary Elwes, el actor que da vida a Westley en la adaptación a la gran pantalla de esta clásica historia, nos trae el maravilloso relato de las peripecias durante el rodaje de la película basada en la novela de William Goldman. La princesa prometida lleva generaciones maravillando a jóvenes y mayores por igual gracias a su combinación perfecta de fantasía, humor e inteligencia. En este delicioso libro, Elwes recoge las anécdotas y divertidas desventuras protagonizadas por algunos de los miembros de su reparto, como Robin Wright, Mandy Patinkin, André el Gigante, Billy Crystal o Wallace Shawn, y comparte con el lector cómo vivieron todos los participantes la inolvidable experiencia de dar vida al mejor libro del mundo. Acompañado por un prólogo de Rob Reiner, director de la película, Como desees hará las delicias de todos aquellos que disfrutaron y disfrutarán con este clásico del cine.
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Retrats en jazz
Un atles sentimental del jazz de Haruki Murakami.Un atles sentimental del jazz. De la seva col·lecció de discs (rigorosament en vinil), Murakami ha triat els músics inoblidables, les cançons més precioses, les actuacions històriques, i ens els explica com un amic amb qui comparteix una copa en un club de jazz. Retrats en jazz regala al lector un Murakami inèdit però reconeixible. Reconeixible perquè la música jazz és un ingredient fonamental de les seves novel·les. Inèdit perquè mai com en aquest llibre es té la impressió d'escoltar la seva veu més autèntica. Cinquanta-cinc textos, acompanyats cadascun per un retrat de Makoto Wada, que componen una història afectiva i personal del jazz. Cada text esdevé a les mans de Murakami un petit relat, un fragment de memòria, un moment íntim que ens restitueix tota la força de la seva escriptura.¿A quién va dirigido el libro Retrats en jazz?Retrats en jazz, de Haruki Murakami, no es una novela al uso, sino una colección de ensayos y reflexiones personales del autor. Por lo tanto, se dirige a un público lector que aprecia la prosa reflexiva y la exploración de temas existenciales a través de una lente personal y, a menudo, sutil. Aquellos que disfrutan de la obra literaria de Murakami, con su estilo característico, encontrarán en este libro un complemento fascinante a sus novelas. También es ideal para lectores interesados en la cultura japonesa, el jazz, y la exploración de la memoria y la identidad. No es una lectura ligera, requiere de una cierta predisposición a la introspección y a la apreciación de un estilo de escritura que se caracteriza por su lirismo y su capacidad para evocar imágenes y emociones.Temas que trata el libroRetrats en jazz explora una variedad de temas interconectados a través de la experiencia personal de Murakami. Estos temas se entrelazan y se enriquecen mutuamente, creando una obra compleja y rica en matices.El Jazz como metáfora de la vida: Murakami utiliza el jazz, su pasión declarada, como una metáfora de la vida misma. La improvisación, la complejidad armónica y la capacidad de expresar emociones profundas a través de la música se convierten en analogías para la experiencia humana. No se trata de una simple descripción del género musical, sino de una exploración de sus resonancias en la vida del autor y en la condición humana.La memoria y la nostalgia: La memoria juega un papel fundamental en los ensayos. Murakami reflexiona sobre recuerdos personales, evocando imágenes y sensaciones del pasado que influyen en su presente. Esta exploración de la memoria no es lineal ni cronológica, sino que se asemeja a la improvisación del jazz, saltando entre diferentes momentos y perspectivas.La identidad y la búsqueda del significado: A través de sus reflexiones, Murakami explora la construcción de la identidad personal y la búsqueda de significado en la vida. No ofrece respuestas fáciles, sino que presenta preguntas y reflexiones que invitan al lector a participar en su propia búsqueda de sentido.La cultura japonesa y la influencia occidental: La obra refleja la experiencia de Murakami como un escritor japonés influenciado por la cultura occidental, particularmente la música y la literatura estadounidenses. Esta tensión entre dos culturas diferentes se manifiesta en sus reflexiones y en su estilo de escritura.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro"Una colección de ensayos fascinante que revela la mente de uno de los escritores más importantes de nuestro tiempo.""Murakami escribe con una honestidad y una sensibilidad que te conmueven profundamente. Sus reflexiones sobre el jazz son tan profundas como sus reflexiones sobre la vida.""Un libro que te invita a la reflexión y a la introspección. No es una lectura fácil, pero sí una lectura profundamente gratificante.""Una obra que demuestra la versatilidad de Murakami como escritor, capaz de explorar temas profundos con una prosa elegante y accesible.""Si eres fan de Murakami, este libro es una lectura obligada. Si no lo eres, este libro podría ser el que te convierta en uno."
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En el presente texto, publicado en 1810 en el Berliner Abendblätter, Kleist narra su encuentro con un célebre artista que confiesa ver en el teatro de marionetas una forma de arte superior incluso a la danza humana. Los ingrávidos títeres de los espectáculos populares se convierten así no sólo en símbolo de la gracia, sino también de otro estadio de la existencia libre del peso de la conciencia que lastra al ser humano. El presente volumen incluye además otros textos breves relacionados con el teatro, la pintura, el pensamiento y la música en los que Kleist pone de manifiesto la fragilidad del espíritu ante las fuerzas inconscientes que subyacen a la voluntad humana. Asimismo, Víctor Molina ofrece una enriquecedora lectura de «Sobre el teatro de marionetas», texto de culto para varias generaciones de artistas escénicos, poetas y pensadores.
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La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.
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Entre la divulgación musical y la irreverencia, el pianista Miguel Baselga desvela la (casi) siempre oculta cara B de la música clásica en este libro en el que tienen cabida batallas de chelos, armonías, panettones y la suegra de Marilyn Monroe. Para acercarse a un mundo tan cerrado y eminente como el de la música clásica, a veces no solo basta con llamar a la puerta: hay que tirarla abajo y desmitificar a sus venerados y peculiares habitantes. Miguel Baselga, el concertista de piano con el espíritu más rock and roll de la escena nacional (e internacional), se enfrenta como nadie a los clichés y paradojas que siempre han rodeado la música clásica. Y lo hace con humor, con su particular estilo irreverente y apasionado, con rigor y, sobre todo, con mucha erudición. ¿Qué le pasaba a Puccini con los panettones? ¿Cómo se construye una armonía? ¿Por quién hay que apostar en una pelea de chelos? ¿Cuál es la diferencia entre la intensidad de un sonido y su frecuencia? ¿Qué tiene que ver la suegra de Marilyn Monroe con el director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler? ¿Los estudiantes del conservatorio escuchan reggaetón? Lo que no me contaron en el conservatorio es un ensayo que surge de la sección homónima que Miguel Baselga presenta cada semana en ''Las Mañanas'' de RNE, en el que se entremezclan la divulgación musical y con las inconfesables confidencias de un pianista.
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Los textos que aquí se reúnen e intervienen (se recortan, encabalgan y montan, se ponen en perspectiva como ocurre con la materia fílmica) son los de un cinéfilo madrileño a principios del siglo XXI, una coyuntura de importantes transformaciones en la creación, distribución y exhibición del cine que, sin embargo, convive con los irrenunciables de esa actividad apasionada: ir a ver películas y discutirlas con los amigos, sentir la necesidad de escribir en un arrebato sobre aquello que no nos podemos quitar de la cabeza, canalizar, en definitiva, un entusiasmo que se quiere contagioso desde el momento en que el cine se asume en diálogo íntimo con el resto de las artes y en estrecha relación con la vida. Que ese cinéfilo sea Jonás Trueba le otorga a estas prosas elocuentes y cercanas, ajenas a la profesión crítica o teórica, un suplemento de interés, como si los generosos retazos de su escritura pudieran leerse también como una suerte de novela de formación en la que el futuro autor de La virgen de agosto o Volveréis compusiera y proyectara un inconsciente autorretrato creativo, al traducir en palabras su inclinación fervorosa por cineastas como François Truffaut, Éric Rohmer, Abbas Kiarostami, Woody Allen o el «viejo tocayo» Jonas Mekas. Maestros en los que el joven espectador no sólo aprende a admirar modelos estéticos y éticos, sino también encuentra la invitación a proponer mundos y a querer habitarlos, a filmar la vida y aprender a vivirla. «No tengo miedo de olvidar. Para Azcona lo que se olvidaba no era importante, aunque no sé si es cierto del todo. Por eso, aunque apunto menos que antes, sigo apuntando. Yasujiro Ozu solo apuntaba el número de botellas de sake que tomaba cada día. He leído en algún sitio que Churchill decía que el éxito consiste en ir de error en error sin perder el entusiasmo. Deseo no perder el entusiasmo. Deseo que el deseo siga trabajando, como el viento, que sigue soplando donde quiere».
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A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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Jeff Zimmerman: Glass Light Space, que cubre el período más creativo de la producción de este destacado artista del vidrio, documenta cómo ha superado los límites de la fabricación de vidrio durante más de tres décadas. Formado en técnicas clásicas del vidrio, Zimmerman crea instalaciones y objetos escultóricos que interactúan activamente con la experiencia del color, la luz y el entorno natural.Publicado en colaboración con la reconocida galería R & Company de Nueva York, este libro demuestra la singular capacidad de Zimmerman para aprovechar las propiedades únicas del vidrio para enfatizar la experiencia estética y emocional de los objetos funcionales, inspirando a una generación de coleccionistas, artistas del vidrio y diseñadores de iluminación.Incluye una conversación entre Zimmerman y Brett Littman
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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En los espectáculos encontraban cobijo hombres y mujeres diferentes, homosexuales con o sin pluma... Las historias de estos refugiados recuerdan esa disidencia y son un canto de libertad.Los cancioneros, tonadilleros o estilistas de la copla son unas figuras imprescindibles para comprender la historia de la cultura LGTBIAQ+ en España. Desde Miguel de Molina y Antonio Amaya hasta El Titi, Luis Lucena o Pedrito Rico, estos artistas lucieron sus plumas por los escenarios de medio mundo agrietando con su arte las realidades más encorsetadas.Color Julay nace del pódcast homónimo que el artista-investigador Anto Rodríguez realiza desde 2022 y amplia una parte concreta de la memoria recogida en ¡Eres tan travesti! Breve historia del transformismo en España. Con una mezcla de investigación y fábula, Color Julay recupera aquellas voces que alegraron las vidas de los espectadores y desafiaron, con su forma de ser, a la España de blanco y negro del NO-DO.
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A los doce años Montgomery Clift inició una brillante carrera en los escenarios de Broadway. A los treinta se convirtió en uno de los actores más admirados de Hollywood. Era un hombre solitario, orgulloso, sensible y distante. Adorado por millones de personas, respetado por sus compañeros fue no obstante un enigma para todo el mundo. Era famoso por sus ataques de ira, por sus extravagancias. Su ambigüedad sexual que le torturó a lo largo de su vida, su inex¬plicable angustia y un afán autodestructivo que le empujaba a consumir grandes cantidades de píldoras, drogas y alcohol dieron de él una imagen de personaje atormentado y difícil. Patri¬cia Bosworth, tras llevar a cabo una minuciosa investigación y reunir multitud de testimonios de familiares, amigos y conocidos de «Monty» -como le solían llamar ha realizado una de las más completas y apasionantes biografías de uno de los grandes mitos de Hollywood.
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Por que a túa tataravoa estaría contenta co Día das Letras de 2025? Que son as ''recolleitas'' que fascinaron a C. Tangana? Por que os Séculos Escuros tamén foron Séculos Radiantes? Que ten a cultura tradicional galega para abrir tanto os ollos de quen a descobre?
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Si en el primer volumen de la trilogía de los dones de Mario Satz accedíamos a los secretos y pormenores del arte de los jardineros, cuyas vidas y aventuras nos mostraba ''El jardinero de Chahar Bagh'', en el segundo, ''Los maestros músicos y la flauta encantada'', seguimos con creciente interés las historias de una flauta encantada en la India, la construcción de una pirámide en Egipto con sus obreros consolados por arpistas, accedemos al Israel bíblico para oír la salmodia de los levitas en las escalinatas que conducían al templo o vemos, en el Japón del siglo XVI, la relación entre la música y los juegos del incienso. Explorados los usos y costumbres de las flores, árboles y huertos, el autor nos conduce en este libro a las vidas y obras de todos aquellos que en el tañido de una cuerda, la percusión de un tambor o el sonido de un instrumento de viento, exponen su ambición más alta: cantar la vida y, de ser posible, superar, por la música, las tristezas de la muerte. El poeta persa Hafiz cuenta que, habiendo hecho el Creador una criatura semejante a sí mismo en barro, intentó insuflarle el alma, pero como ésta se movía de aquí para allá, era inquieta, oscilante y ubicua, y se resistía a entrar en el cuerpo humano, el Hacedor mandó a llamar a los ángeles músicas para que tocaran la mejor de sus melodías y, al oírla, fascinada, el alma entró en éxtasis. Sin embargo, al constatar que su percepción acústica no era lo bastante fina como para captar aquella belleza sonora, el alma se introdujo entonces en el hombre de barro para servirse de él como concha acústica. Fue a partir de ese instante que, música mediante, cuerpo y alma enlazaron su destino del modo más armónico posible. De entre todas las artes, la música es la que está más cerca del límite de lo que puede expresarse. Penetra en lo invisible y nos conduce, con sus ritmos y melodías, a lo más hondo, a la vez que lo más inasible de nosotros mismos.
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La veterana consultora de guiones Linda Seger examina grandes guiones contemporáneos y clásicos, y explica con ellos el audaz viaje que supone llevar el guion a la pantalla. Esta edición, totalmente revisada y actualizada, incluye entrevistas con más de 80 artistas de prestigio en su ámbito (escritores, productores, directores, actores, editores, compositores y diseñadores de producción). Sus discusiones sobre el arte y el oficio de la realización cinematográfica, y cómo y por qué toman sus decisiones, proporcionan a estudiantes, profesionales del cine y escritores de guiones la guía definitiva para crear el mejor “plan” posible para una película, y para comprender las decisiones artísticas y técnicas de todos los involucrados en el proceso.
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Nacido en Milán en 1931, Alessandro Mendini creó una obra vívida, excéntrica y transgresora que se ubica en un universo estético propio. Estuvo en el corazón del movimiento de diseño radical de Italia en las décadas de 1960 y 1970 y, más tarde, del posmodernismo, defendiendo un enfoque sensible e intelectual del diseño, editó la revista Domus a principios de los años 1980, y colaboró con marcas que van desde Alessi, Swarovski y Hermès hasta Supreme. Junto con sus contemporáneos Ettore Sottsass y Gaetano Pesce, Mendini ayudó a redefinir el concepto de diseño y arquitectura italianos.Presenta una gran cantidad de documentos e imágenes inéditos. Escrito por el crítico Stefano Casciani, quien trabajó con Mendini durante muchos años, el libro ofrece un relato personal único ilustrado por fotografías, material efímero y muchos de los bocetos idiosincrásicos y divertidos de Mendini.Presentado en un paquete dinámico inspirado en la estética distintiva de Mendini, el libro es un objeto de diseño por derecho propio, con una cubierta de tela rosa que presenta una de las portadas de revistas icónicas de Mendini en el frente, un boceto de su famosa silla Proost en la parte posterior y abridores de capítulos laminados troquelados con bordes ondulados.
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Poco después de su primera aparición en 1887, Sherlock Holmes no tardó en trascender las páginas impresas y colonizar otros medios de comunicación y entretenimiento. Tras un primer volumen dedicado en exclusiva al universo literario del detective, le llega el turno ahora a una obra que detalla las apariciones de Holmes en el teatro, el cine, la radio, la televisión y el cómic desde las obras teatrales del propio Conan Doyle a las apócrifas escritas en todo el mundo, España incluida los actores y películas más destacados, en el cine y la televisión las diferentes series televisivas basadas en Holmes y su universo y su llegada al mundo del cómic, desde las primeras tiras diarias hasta las modernas novelas gráficas basadas en sus casos. Este volumen incluye, además, sendos apéndices dedicados a Holmes en los juegos de mesa y videojuegos, así como a su presencia en otros objetos de coleccionista.
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Audrey Hepburn se deslizaba por la pantalla con la frescura y agilidad de una gacela. Tenía gracia, encanto, sofisticación e indudable personalidad. No parecía de carne y hueso. Tal vez fuera por su cara angelical, de mirada dulce, profunda y sugerente. O por su cuello de cisne, prólogo de una estilizada silueta. O quizá por sus gestos finos y delicados. Lo cierto es que Audrey fue, sobre todo al principio de su carrera, una adorable princesa de cuento de hadas, siempre elegante y distinguida, rodeada de exquisitos perfumes, de lujosos decorados, de vestidos suntuosos. En una época dominada por las actrices de formas voluptuosas, Miss Hepburn lanzó la moda del pelo corto, la extrema delgadez, los pantalones piratas y los zapatos de tacón. Su éxito fue espectacular. Todas las chicas querían vestirse y peinarse como ella.Todas querían vivir el cuento de hadas de Sabrina. Con sus ojos enormes e hipnóticos, una sonrisa que surgía de improviso, unas maneras conmovedoramente inseguras y una voz gutural altamente peculiar, Audrey conquistó a todos. Conquistó a William Wyler, a Billy Wilder, a Stanley Donen, a Fred Zinnemann, a Blake Edwards, a George Cukor..., pero sobre todo, conquistó a los espectadores.Audrey Hepburn deslumbró al mundo con su estilo, su mirada melancólica y una elegancia natural que la convirtió en un icono universal. Pero más allá de la imagen perfecta de Desayuno con diamantes, había una mujer compleja, marcada por la guerra, la fragilidad y un compromiso inquebrantable con causas humanitarias. En este libro, Juan Tejero recorre con maestría cada etapa de su vida: sus inicios como bailarina, el fulgurante salto al estrellato con Vacaciones en Roma, sus colaboraciones con directores legendarios, su discreta vida personal, sus grandes amores y su labor con UNICEF. Con una prosa fluida y envolvente, y apoyado en una investigación minuciosa, el autor ofrece un retrato definitivo de Audrey Hepburn, iluminando no solo a la estrella, sino también a la mujer que se escondía tras el mito.
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En el centenario del film La quimera del oro, de Charles Chaplin, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su concepción, preproducción y rodaje, los actores y sus personajes, la música, las diferentes versiones ... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor.Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto.Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos.Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio.La estructurada mente de Antonio Soler muestra con esta obra una nueva aportación para el conocimiento de la historia de la música en el monasterio de El Escorial, obra que tiene su más exacta presentación con la música de los cantorales escurialenses y su estilo de interpretación.
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Un festival que nace en Madrid y que ha crecido hasta convertirse en un hito mundial (El País)''Después de todo'' es el lema de la nueva edición del festival que, desde 1998, se ha convertido en uno de los grandes acontecimientos de la fotografía del mundo. En sus 28 años de historia casi 20 millones de personas han visitado el festival y, y ha programado 2.000 exposiciones protagonizadas por más de 4.000 autores.Además de en Madrid, PhotoESPAÑA está presente en otras ciudades como Alcalá De Henares, Barcelona, Santander, Segovia, Valencia y Zaragoza, donde gracias al festival, la fotografía forma parte de la vida de sus habitantes.
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Paisatges de pedra
Esta guía reúne veinte curiosidades geológicas, como puentes naturales, miradores, cuevas, paredes erosionadas, ermitas incrustadas en abrigos rocosos, barrancos, enormes rocas en equilibrio, prodigiosas montañas de sal, restos de conos volcánicos... La piedra, cuando está desnuda, es bella y ofrece un festival de colores y texturas.
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¿Cuáles son los patrones climáticos, los mitos e historias, los ritmos, los colores y las formas, los habitantes humanos y no humanos que conforman el Noroeste Ibérico en su realidad y ficción? Queriendo conocer los rituales y formas expresivas de personas, animales, plantas, elementos y minerales, fuimos en busca de las raíces, terminaciones y tentáculos del Noroeste Ibérico, tratando de encontrar, conocer y permanecer en los lugares donde pudieran residir. Al hacerlo, consideramos el pasado, pero sobre todo afrontamos el presente-futuro de estos espacios concretos e imaginados entre mares, bosques y asentamientos. Norte Silvestre Agreste es una exposición que recorre caminos y líneas de intensidad, fuerzas centrífugas que nos llevan más allá de Oporto, hacia esos supuestos márgenes donde estallan los intercambios para descubrir y compartir referencias, historias, palabras y conexiones con estos lugares con un largo pasado y un futuro aún más largo.Textos de Federico García Lorca, Miguel Torga, Filipa Ramos y Juan Luis Toboso, Chus Martínez, Ángel Calvo Ulloa, Ánxela do Canto, Belén Senín, Carlos Lixó, Lorena Conde, Cem Raios T’Abram, Luz Pichel, ¡Von Calhau!, Daniel Moreira e Rita Castro Neves, São Martinho de Dume.Con el trabajo de Alejandra Pombo Su, Cem Raios T’abram, Daniel Moreira y Rita Castro Neves, Diego Vites, Judith Adataberna, Lara y Noa Castro Lema, Lois Patiño, Mariana Barrote, Mariana Caló y Francisco Queimadela, Maruja Mallo, Óliver Laxe, Salvador Cidrás, Vicente Blanco, Von Calhau!.
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Entre las muchas y muy diversas influencias de otros maestros que confluyen en la obra de Picasso, la del Greco es quizás la más temprana y decisiva, ya que se inició a finales del siglo XIX, cuando el malagueño, casi adolescente, residía en Madrid. Estudiante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sabemos que Picasso pasó más tiempo en el Museo del Prado copiando a los grandes maestros que en la propia Academia. «¡Greco, Velázquez, inspirarme!» o «Yo, el Greco» se puede leer en dibujos de aquellos años de formación. Recuperado del olvido por los jóvenes vanguardistas de aquella época, el Greco, con su audaz desafío al canon de la tradición clásica, aportó las claves a Picasso para romper definitivamente con el arte del pasado y con los pilares de la representación tradicional.El Greco acompañó a Picasso durante toda su trayectoria, pero su influencia fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, del cubismo analítico. En esta primera fase del cubismo, el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen.Picasso crea una ilusión de relieve y profundidad que se basa en el sombreado y en la que destaca la bidimensionalidad del lienzo, al mismo tiempo, recuerda al Greco en el aplanamiento de la perspectiva y el formato vertical, incluso en la pincelada, que evoca los «crueles borrones» –en palabras de Francisco Pacheco– del cretense
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Joan Andreu Puig Farran (Cat)
El catàleg “Les contradiccions de la modernitat convulsa” de Fundació MAPFRE és una obra essencial que presenta la primera exposició dedicada al fotògraf Joan Andreu Puig Farran, abastant el seu treball entre 1929 i 1939. Aquest catàleg ofereix una visió detallada d'esdeveniments històrics significatius com la crisi econòmica de 1929, la proclamació de la Segona República en 1931, i la Guerra Civil Espanyola en 1936. A través de seccions que exploren la transformació urbana de Barcelona, la col·laboració de Puig Farran amb Antoni Campañà, i les seves experiències durant la guerra i l'exili, el catàleg destaca fotografies inèdites que capturen la vida quotidiana, l'activitat política i els horrors de la guerra. Amb una recerca exhaustiva i un disseny acurat, aquesta obra no sols és educativa, sinó també una peça de col·lecció per als qui desitgen explorar la història a través del lent d'un fotògraf destacat.
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Caprichos Ediciones Akal
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La gente ama u odia este libro, o nunca ha oído hablar de él. Bansky es lo más parecido al Che Guevara que nos ofrece el siglo xxi. Excepto, por lo que sabemos, que nunca cursó medicina, participó de la Revolución Cubana, ni viajó al Congo ni a Bolivia. El lector encontrará en este libro, amorosamente reunida, la única y mejor colección de fotografías del arte callejero de Banksy que jamás se haya editado. Para gran pena de todas las escuelas de arte, es probable que se recuerde a Banksy como el mejor artista británico post-milenio-depresión. Su capacidad para llamar la atención, enviar un mensaje, a menudo con una frase contundente o de sentido ambiguo, le hubiera significado un puesto altísimo en una agencia publicitaria, la pérdida para Madison Avenue es nuestra ganancia. Cuando Banksy comenzó a pintar, el panorama político era desolador. Hoy es diez veces peor. Así que aunque la entrañable y agresiva obra política de Banksy se hace cada vez más importante, nos pareció relevante presentar su arte en el contexto de la época a la que correspondía, considerando los temas de los que se ocupaba. Si el lector nunca ha escuchado hablar de Banksy, este libro es todo lo que necesita para meterse en una discusión de bar acerca del hombre y de su leyenda.
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12 joieres, 1965-1990
Aquest és el primer llibre editat a Catalunya on s'ofereix un recull del treball de 12 primeres dones joieres que van treballar a Catalunya, des de 1960 fins al 1990.Aquest llibre no pretén mostrar una histoòria exhaustiva dels inicis de la joieria contempo- rània a Catalunya, sinó fer palès que, en les transformacions profundes experimentades pel món de la joieria a casa nostra durant la segona meitat del segle XX, hi varen prendre part decisiva una sèrie de dones, les primeres que es van obrir pas en un ofici fins aleshores vetat a elles.
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Este libro transforma la percepción del lector sobre jardines, maleza y espacios silvestres, mostrando cómo la vida florece incluso en los lugares más inhóspitos. Mabey escribe con una sensibilidad única, convirtiendo cada página en una experiencia sensorial. Sus descripciones transportan al lector a prados, jardines abandonados y paisajes que cobran vida con su pluma.
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