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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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En la poesía de Laura Parada encontramos un universo poético de formas verbales que aspiran a la brevedad, que exploran la plasticidad y la composición del poema a partir del instante y del encuentro con cada uno de estos mismos. En el libro se recoge una voz íntima, arrojada a la aventura de la imaginación poética, en la búsqueda de un lenguaje que se corresponda con la propia experiencia. Sus poemas son una constante invitación a abrazar y a celebrar los encuentros, las voces, las presencias, que son a su vez los dones de la vida. En estas Astillas de luz, que emergen de sus ritmos, imágenes y formas, se aprecia la detención de la mirada en los elementos del paisaje, con una preferencia por los horizontes fríos y estáticos del exterior, en oposición a la temperatura corporal, que por momentos brilla con erotismo notable y romanticismo velado. Desde el punto de vista de la atmósfera global construida, en la voz se anuncia, también, el dibujo de su paisaje, ceñido fuertemente a lo instantáneo, a un apunte directo de la revelación…algo queda expuesto en su luz, algo emerge de la opacidad, luego de una indagación del interior soñado, sobre los vestigios del exterior real.DAVID MARÍN-HINCAPIÉ
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Entre los precedentes inmediatos de Garcilaso y el fulgor un tanto crepuscular de sor Juana se desarrolla la poesía más considerada en términos de canon en la tradición hispánica, la «lírica áurea». La antología pretende dar cuenta de ella en una perspectiva tan renovada como permite el diálogo entre la tradición crítica y las líneas de estudio recientes, de la cultura del impreso al feminismo, de los estudios culturales al nuevo historicismo, de la composición del libro de poesía a la de la imagen autorial. La estructura del estudio conjuga algunas claves del desarrollo de la poesía a lo largo de dos siglos y su articulación en una cronología interna del género, complementando la organización de los textos por autores. Para estos se ha optado por una cierta amplitud, para presentar un panorama suficientemente representativo y útil para la contextualización de los grandes hitos. Las composiciones se acompañan de una presentación sintética y el mínimo de notas para la comprensión literal del texto. En conjunto, se ofrecen una selección de poemas válidos para una lectura moderna y los elementos para una apreciación filológica de su historia y su significación literaria.
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Problemas en el paraíso recoge momentos de la vida cotidiana. Con una voz honesta y sin artificios, estos poemas retratan el amor que se desgasta, la rutina que asfixia y los silencios que dicen más que las palabras. Hay nostalgia, pero también ironía, hay desencanto, pero también una mirada hacia lo perdido. Cada verso es una puerta entreabierta a lo que se esconde detrás de las apariencias: el desliz que rompe la armonía, el detalle que cambia una historia, la certeza de que la perfección no existe.
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El cuestionamiento al hambre de poder como herencia latinoamericana, el duelo de saberse siempre extranjero y el azote del amor son los engranajes que recrean el movimiento en este poemario. Desde las sombras y escombros de un país bajo dictadura, el autor se abre en un manifiesto como grito en las profundidades, despojado de toda esperanza ante la maquinaria de vida que absorbe y regurgita, sin embargo, insiste.«La poesía de Jorge Campos encuentra sus raíces en la dimensión de los sentidos. Y estas raíces se nutren de un lirismo profundo, insólito y audaz. De allí que construya enunciados que describen el mundo que contempla, y lo hace de manera salvaje y certera, desnuda y procaz». Enrique Solinas
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Un poemario narrativo con personajes inolvidables y con ecos de jarcha y de quejido. Rincones de ambigua geometría puede leerse como una pieza teatral agonizante, como el guión de una película escrito en una noche de insomnio, como los últimos versos del último poema de un cancionero hackeado. Su escenario es el escenario mismo en el que terminaron las esperanzas del siglo xx: nada más y nada menos que un centro comercial en decadencia y destinado a convertirse en una ruina. Hubo un tiempo en que sus escaleras mecánicas, sus franquicias internacionales y sus espacios de ocio representaron el gran escaparate del mundo: la ilusión fantasma de una felicidad hecha de consumo y de progreso.Hoy, en los mismos pasillos donde antes podíamos soñar -aunque no llegáramos nunca a vivir con certeza ese sueño- se extiende un paisaje anónimo, vacío incluso de nostalgia. Todo lo que queda de entonces está contenido en estos poemas. Por aquí desfilan dos vigilantes de seguridad que, en sus cambios de turno (y de uniforme), descifran el juego insoportable de las máscaras que se ponen cada día, una mujer de la limpieza con «las manos como lijas» que canta jarchas de amor, un comisario de arte que pronuncia palabras incomprensibles, e incluso una maestra de excursión con sus alumnos, que entonan la eterna letanía del comercio.
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El primer poemario de Víctor Prieto Lorenzo indaga en las preocupaciones de la sociedad anestesiada de hoy: las inseguridades, las dudas, las preguntas que quedan sin resolver. El agua se presenta como una metáfora esquiva de una sociedad líquida en los afectos, las relaciones y los compromisos, donde las redes sociales representan la cascada que nos arrastra hacia el abismo. Pero hay en estas páginas una esperanza: una esencia que permanece y que resiste los embates del cambio bajo el nivel de los embalses y que aflora en los momentos de crisis, en la sequía.
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El Quartet Aristòtil ha anotat els marges del tractat sobre l’ànima que el Filòsof va deixar escrites molt abans de Crist perquè puguin reposar en forma de cançoner popular, amb portada de l’Oriol Arumí, a les tavernes de molt després de Crist, on el mateix Quartet Aristòtil l’interpreta per garrotins i n’alça una dansa entre els homes, les dones i el món. El ball sis sentits, la rumba de l’esperit… una tarantel·la, en fi, per embriagar l’ànima de lúcida follia.21 pirates són poemes nàufrags que han acabant confluint en un mateix port. Un port apàtrida que no apareix en els mapes, sense bandera, moneda ni llei. Tan sols una vella taverna fantasma on la música d’un quartet de filòsofs i poetes agermana els llops de mar a través d’un ball tarantular que els fa oblidar el desterro mentre comparteixen els preuats botins robats: les Mans i les Joies de la Montse Gort que hi trobareu reproduïts.
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FOTOGRAFIES DE JAUME BALANYÀ FONTDEVILA Els versos i les imatges d'aquest llibre, compost a partir d'un poble que podria ser qualsevol poble però no ho és, transporten al passat proper, essencial en el poeta, i a uns altres més antics, sentits com a propis. Estan constituïts per la presència d'un món que només existeix perquè es recorda, per la lentitud i la simplicitat de l'existència en uns altres dies, per la força d'uns topònims molt precisos, pel mite i la realitat de la guerra, de la retirada, dels camps de concentració, dels morts. És un univers que es recupera en unes fotografies, en uns objectes que perduren i semblen fora de context i sobretot a través de la memòria, passat viu en un present que substitueix unes formes de vida a una gran velocitat. La reflexió sobre l'absència i la perduració resulta inevitable: Tot comença amb el desig i acaba consumit pel temps.
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La poesia de la Cèlia, que insisteixo a definir com a lliure, és també desvetlladora i desveladora: desvetlladora, perquè ens desvetlla, ens desperta de l'estat letàrgic de no voler endinsar-nos gaire en tot allò de la vida que ens ve gran (la mort, l'angoixa, l'absència, l'oblit, la ràbia...), i desveladora, perquè aparta el vel que no ens permetia veure l'amor, la mort, el desig, el dol i l'absència des d'altres llocs, des d'altres miradors. Cadascun dels poemes d'aquesta antologia formen un ventall de prismes diferents que ens il·luminen, en el sentit epifànic del terme, perquè ens revelen aspectes de l'experiència humana als quals no havíem pogut accedir abans. Sònia Moll
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Aversions, per què? Són les pors vitals, que ens avisen de perills, que són beneficioses per a la nostra supervivència, punxes de roser que no acaben de sortir amagades sota capes de pell, que burxen i fan un mal suportable la majoria de dies. Hem creat uns meridians imaginaris des d'on ens agafem fort per fer alguns salts mortals i sentir l'enyor de la infantesa, per refugiar-nos en els espais eròtics... I segons com, l'aversió és una excusa per parlar d'una fília, de la mateixa manera que un verí té el seu propi antiverí, del qual no es pot deslligar. No sabem mai com ens llevarem. Fem això, passejar les nostres aversions i fal·leres pels carrers de cada dia, protegint cada gota de sang, escrutant la bellesa que ens arriba des de diferents direccions, com l'espigadella. I som aquí, amb una N majúscula de conductor novell a l'esquena, penjada com una llufa, i amb una entrada a la mà per assistir a la nostra pròpia tragèdia. Al capdavall, som com aquests tossuts que tornen sempre a la posició inicial, com aquestes boies de colors estridents, surant tot el dia sota el sol a pocs metres de la costa, salvavides estacats amb corda, per tornar dels somnis i del joc amorós, per agafar fort un pa sota el braç en el joc de caducitats del firmament. Perquè només un petit tall en l'afaitat del matí que faci brollar una petita gota ens activa, plens de soroll interior, per a la nova alerta, per a un nou dia d'aversions.
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Además de haber publicado cuentos, novelas, poemas y ensayos, Gilbert Keith Chesterton también escribió teatro. Lo hizo a instancias de su buen amigo George Bernard Shaw, quien, después de insistirle mucho, logró convencerlo de que tenía algo que aportar al teatro inglés. En este volumen de Teatro completo se reúnen las únicas cuatro obras teatrales que Chesterton escribió: Magia (1913), El juicio del Dr. Johnson (1927), La sorpresa (1932), y el sainete navideño El pavo y el pavor (1930). En todas ellas se desarrollan de formas inesperadas algunas de las características fundamentales de su obra, como son su estilo paradójico, su antitradicionalismo acérrimo, su liberalismo radical y su capacidad de asombro. Sin duda, ningún género mejor que el del teatro para encarnar el espíritu de un autor que creía que tanto más contradictorias son las cosas cuanto más nos acercamos a la verdad. «Necesario, divertido, estimulante, a ratos perturbador y a ratos una pura majadería, este libro no solo completa el rompecabezas literario que representa G. K. Chesterton, sino que abruma con chispazos e ideas que atañen a la más inmediata actualidad política y religiosa. Increíble incluso para ser Chesterton». Jordi Gracia
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Després de La lenta digestió de les crisàlides, el seu primer llibre, Lluís Lucero Comas ja tenia clar que el següent es diria Tàmiris i els jacints. No era un simple caprici: entre els poemes no inclosos en la primera selecció sÆhi intuïa un fil temàtic
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Gabriela Mistral escribe Caperucita roja inspirada en los célebres Cuentos de antaño de Charles Perrault, escritos en el siglo XVII. El cuento está escrito en verso y la autora respeta la versión original, sin dulcificar ni cambiar el final. El poema ''Caperucita roja'' aparase por primera vez en su libro Ternura, publicado en 1924. Ahora es Diego Pun Ediciones quien lo rescata para España con ilustraciones de Paloma Valdibia, que acerca el cuento popular a la estética contemporánea, a la vez que da a conocer una real primicia y un auténtico goce literario.
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Les hores ferides parla de com sobreviure a les absències de les persones estimades i de saber anar-se'n i afrontar el propi final de vida. El volum, que inclou tres parts, destaca per la seva combinació de prosa poètica i poemes en sentit estricte, subratllant la diversitat i l'equilibri en l'ús de diferents formes poètiques per part de l'autor. A més, cal destacar la capacitat de l'autor per construir el poema a partir d'imatges colpidores i il·luminadores que potencien el simbolisme de cadascuna de les peces. Un llibre on hi ha una interrogació constant sobre quin és el sentit del dolor que ens deixen les morts properes i sobre què n'hem d'aprendre de les hores difícils on els desordres de la vida ens atrapen per recordar-nos la nostra condició finita.
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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La llum igual explora, a través de tres apartats, les llums que taquen els nostres dies: les de la ciutat, les dels indrets que estan als marges de les urbs i finalment la llum implacable de la plana. A través de totes les llums hi ha en aquests poemes un intent de fuga, una consciència cada cop més evident de buscar l'exili urbà i de trobar la veritat enmig del sol descomunal dels pobles de la plana. En aquesta fugida no hi ha idil·li, només una gradual pèrdua del jo a favor d'una llum que tot ho omple. Aquest cant d'exili és agredolç: assolir la nuesa de la realitat no en desfà els nusos, només els torna més aparents.
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La obra posee una elocuencia instintiva donde predominan el humor, la turbiedad, la belleza, la violencia y el caos que desemboca en una colección de poemas agresivos, desenfadados, irónicos, místicos, llenos de humor e hipercríticos, pero anclados en la tierra y que viajan entre nubes. Con una lírica desbordante multitemática sustentada en la militancia de la libertad, que colinda con la tecnología y la cultura pop globalizada, y una postura original y auténtica que se desmarca de cualquier estética, el autor logra crear un diálogo directo con el lector y conformar un catálogo del exterminio y la evolución de las especies con el paso de la humanidad, compartiendo el mismo paisaje en este tramo de la supervivencia social.
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El propósito del Mimo corporal dramático es el de ahondar en el drama dentro del cuerpo. El Mimo corporal dramático debe aplicar al movimiento físico esos principios y determinaciones de la vida que están en el corazón y en el alma del drama: sosiego, incertidumbre, compromiso, entereza, asombro y dolor.El Mimo corporal dramático, como aseguraba Decroux: Quiere representar lo invisible, emociones, tendencias, dudas y pensamientos. Hacer visible lo invisible.El arte creado por Étienne Decroux se diferencia totalmente de la pantomima tradicional.Impulsó más un arte del movimiento que un arte del silencio, siempre partiendo del trabajo de actrices y actores.En Palabras sobre Mimo, Étienne Decroux con una escritura directa y clarificadora va exponiendo las maneras y la técnica del Mimo corporal dramático más medular.
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En la obra de Carlos Zavala hay un extraño equilibrio entre la voz de la mexicanidad y el susurro confidencial de la poesía de la experiencia. Ese equilibrio es un puente colgante, un cordón umbilical amenazado desde todos los frentes: de una parte, los nacionalismos, de otra, el multiculturalismo. Estos poemas que han sido merecedores del Premio Hispanoamericano de Poesía “Francisco Ruiz Udiel” reivindican la lengua como un espacio de absoluta libertad en la que no existen fronteras de ninguna clase. Son por tanto herederos de las mejores fuentes de nuestra lengua, una extraña dicha que saciará la sed de los mejores lectores.FERNANDO VALVERDE
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Viatjar per tot arreu, sovint sola, recórrer milers de quilòmetres en tren, en furgoneta o ferri, assumir riscos, parlar amb la gent i escriure-ho per compartir-ho. Compartir la seva experiència és el que ha fet en aquest llibre la Natàlia Boronat, que va viure més de quinze anys en el país més gran del món, on va treballar com a professora universitària de català, periodista freelance i guia turística.Muntanya russa és la crònica d’un llarg viatge vital i emocional amb tombs diversos que la van col·locar cap per avall més d’un cop. Les narracions que conté són tessel·les que ens ofereixen una panoràmica de l’immens i complex mosaic de pobles, llengües, religions i cultures que conviuen a Rússia, no sempre exemptes de conflicte.Llegint els articles de Boronat aprendrem geografia, folklore, sociolingüística, geopolítica, gastronomia, literatura, cultura, i en voldrem saber més. Entendrem una mica les arrels profundes d’algunes guerres, i també, i sobretot, coneixerem la part humana d’aquest país per què l’autora té el do d’acostar-se a la gent, de plantejar preguntes, de fer-los parlar, de saber-los escoltar, de no jutjar-los i de forjar amistats en els quatre punts cardinals de Rússia. Això és el que fa aquest llibre tan viu i interessant com necessari.
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Un libro poético que te atrapa en su profundidad.El artista Fito Conesa ha creado una ilustración en forma de partitura recreando una melodía compleja que refleja el ritmo y el sentido de los versos de Garcerá.Te hablaré, Egwyddor, de las plagas. A ti no te llamarán corrosión hedor ácido, van a relegarte al espacio enmohecido detrás de las bañeras. Si pueden, harán de ti una deidad del lodo dirán de quienes te soñamos que somos del lodo. Las plagas no dormitan en invierno pero temen al frío. Las plagas adoran el verano. Si no se muestran frente a ti en su fuerza es porque son erradicadas.¿Cuál fue nuestro fruto?
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Dedicado a su mujer Matilde Urrutia, este libro contiene algunos de los versos más genuinos y bellos de la poesía universal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad -escribe Neruda-, hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, más aún, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Cuando el Imperio Romano dominaba la tierra, en la época de César Augusto también la poesía escrita en latín alcanzó cimas fabulosas. En un plazo brevísimo de tiempo coincidieron Catulo, Horacio, Tibulo, Propercio, Sulpicia, Ovidio y Marcial. Poetas del amor y de los banquetes, de la ciudad y de los paisajes campestres donde retirarse, del culto religioso y las brujerías y los filtros de amor. Poetas de enorme personalidad y técnica prodigiosa que dejan su huella en cada poema y que a la distancia de siglos nos hablan como si fuesen nuestros contemporáneos de los celos, la euforia, el enamoramiento, la necesidad de descanso y la furia. Por primera vez en español reunimos los mejores poemas líricos del periodo, presentado el original y una traducción en verso castellano. Poemas de extensión muy variada (de los tres versos a los cien) donde se explora la intimidad y la vida comunitaria de poetas con gran personalidad que asisten a un momento decisivo de la historia: la expansión del imperio romano. Con un hilo conductor: el enamoramiento, la seducción a plena luz del día, los cálidos ocios del amor, y los juegos de la noche. Un libro donde el lector verá despertar esa conciencia lírica e introspectiva que será ya para siempre la de todos los occidentales.
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El haiku, tal como lo entiende la tradición japonesa, es una forma de adoración de «lo sagrado», que se manifiesta incesantemente, y nos provoca ese asombro cuya naturaleza mística se desentraña en estas páginas. Mediante el cultivo del arte poético del haiku iniciamos una vía de contemplación en la Naturaleza y hacia la Naturaleza. No se trata de mirar intensamente ningún objeto, sino de «estar». El mundo es una realidad efervescente que nos ofrece la posibilidad de vibrar con ella, de ser parte del cambio, de la transformación del Todo, de la vida que nos circunda y late en nosotros. Y es esencial comprender que esta contemplación no es la contemplación de un «yo» huérfano y abandonado. Si hay algo que nos enseña el haiku es que no estamos desamparados en este mundo, porque también nosotros somos parte del misterio.
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Roberto Elvira Mathez nació en Tarragona, España, en 1989, y encontró su hogar en Argentina. Se licenció en Letras en Buenos Aires, donde también trabajó como docente y fue voluntario en barrios populares. Tras el suicidio de un amigo, decidió emigrar. Participó en la construcción de escuelas en Filipinas antes de establecerse en Suecia, donde estudió en la Universidad de Estocolmo. Posteriormente, obtuvo un doctorado en Estudios Culturales Latinoamericanos, Ibéricos y Latinos en la City University of New York, ciudad en la que residió durante varios años. Ha publicado tres libros de cuentos: Tras el reflejo (2010), Tú y yo y las primeras lluvias (2015) y Habitar las ruinas (2023). Además, tradujo poesía del inglés y el noruego al español. ¿Cómo se extingue una lengua? Una lengua no desaparece cuando se queman los diccionarios y los manuales, sino cuando muere el último de sus hablantes. La lengua es vitalidad, es movimiento. Cada año quedan extintas lenguas en su mayoría pertenecientes a pueblos indígenas arraigados en regiones apartadas, fuera del alcance de los dueños de las tierras, pero vulnerables a los cambios climáticos. Lenguas extintas busca preservar, aunque solo sea en verso, la poesía de algunas de aquellas lenguas, mientras busca dar luz a la preservación de vocabularios y comunidades cada vez más expuestas a la violencia del mundo.
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¿Ser agradecidas o dejarlo pasar como si nunca hubiéramos vivido? ¿Invertir el genérico y decir amigas, o reconocer que desde la infancia fueron más las amigas las que como flores aparecieron en mi vida?, ¿pueden las madres ser amigas de sus hijas?, ¿llegaremos a reconocer que de nada sirve cuantificar los hechos ni los sueños, ni dudar de qué fue más real? A todas y a todos por igual el mismo agradecimiento por haber sido su amistad el sol y no el hielo, una tierra fértil y acogedora y no la roca ni el desaliento, por delicadeza, por haber logrado que nos detuviéramos un instante y el sentimiento surgiera como la flor que nos admira un instante y nunca olvidamos.
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Quin color té l'aire i l'aigua i l'alenada del vent en una tarda de pluja? Poemes per llegir, mirar i amarar-se en una tarda de pluja. O per deixar-se mullar en un dia de sol.
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Neuma és un viatge poètic a través del llenguatge i la respiració, on la paraula esdevé alè i silenci, expansió i contenció. Dividit en seccions que evoquen el ritme de la respiració (Exhalació, Buit, Inhalació, Plenitud), el poemari desplega una escriptura que s'enfila des del silenci fins a la revelació, des de la matèria fins a la llum.
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Ya desde el título del tercer libro de poemas, Borrar el silencio , Ana Delgado nos ofrece una audaz declaración de intenciones queentronca con su, ya manifestada con anterioridad, necesidad de alcanzar ese conocimiento de sí misma, escurridizo y sólo ac
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Este libro recoge la más completa antología de su poesía desde sus inicios como poeta a la actualidad, desde el peculiar punto de vista de Francisco Javier Irazoki.
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En Caminemos juntos Felipe Hugueño desempeña la doble función de poeta y conductor de orquesta— de una sinfónica compuesta de elementos aledaños a su formación sentimental. Entre instrumentos de viento y percusión se desploman las olas sobre aquellas rocas universales: el dolor inexorable de la piedra negra sobre una piedra blanca, pero también la esperanza de las piedras del cielo. Los versos de Hugueño se revientan como olas y se deshacen como espuma, a veces de forma violenta e inesperada, a veces con tanta belleza que nos recuerdan al famoso cuadro de Katsushika Hokusai. El mar poético de Hugueño es una metáfora de todos los mares que llevamos por dentro, incluso del mar primigenio que nos remonta de forma inconsciente a la memoria de vidas anteriores.
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Ya no soy el conejito que se comía las uñas es el primer libro de poesía de Ollin García Pliego (México, 1991). En sus páginas, el autor trata temas de valor universal tales como la infancia, el crecimiento, el trauma y la enfermedad haciendo uso de un lenguaje íntimo y cotidiano. En diálogo con poetas y escritoras como Emily Dickinson, Sylvia Plath, Alejandra Pizarnik, Yolanda Pantin, Marta Sanz y Roberto Bolaño, el autor nos transporta a geografías diversas como Estados Unidos, México y Francia, países en donde reflexiona sobre sus propias experiencias clínicas, familiares, literarias y amorosas. De esta forma, Ya no soy el conejito que se comía las uñas ofrece una visión del mundo en donde se aprende del dolor ocasionado por la pérdida de seres amados y en la cual se superan enfermedades vividas por el autor (y millones de personas) como el COVID-19. Así pues, la sensibilidad del poeta indaga en lo más profundo de la experiencia humana, es decir, en esas situaciones de enfermedad y dolor desde donde logra escapar de las garras de la muerte. De esta manera, los versos de Ollin García Pliego le ofrecen al lector una mirada resiliente del mundo en donde es posible volver a comenzar.
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Ledo Ivo (Maceió, 1924-Sevilla, 2012) es una de las figuras esenciales de la literatura brasileña del siglo XX. Cabeza visible, junto a João Cabral de Melo Neto, de la conocida como generación poética del 45, es autor también de novelas fundamentales como Nido de serpientes (1973) o La muerte de Brasil (1984), además de corrosivos y hondos ensayos y un tomo de memorias, Confesiones de un poeta (1979), que es la guía de una obra compleja, capaz de entender Brasil de un modo caleidoscópico y sagaz, atento a las desigualdades y a los anhelos de sus habitantes. Ivo es uno de los poetas extranjeros más editados y leídos en España. Sin embargo, esta es la primera antología que resume su obra desde su primer libro, Las imaginaciones (1944), hasta los tres últimos, editados de forma póstuma antes en España que en Brasil. Lêdo Ivo quiso, como Fernando Pessoa, decirlo todo de todas las maneras: en su obra hay oda y elegía, réquiem y sátira. Todos sus tonos están representados en esta selección que demuestra que es imposible escribir la historia de la poesía universal del siglo xx sin contar con su obra profunda y extensa como el océano medio recordado, medio soñado de sus poemas.
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Caldrà la pluja transita per la sendera del sentir cap al pensar i, en conseqüència, s'atansa a la pròpia essència del jo, a través de l'amor, del desamor, del desempar, del desig i també des de les reflexions de la pròpia mort. «De començament a fi el llibre de poemes Caldrà la pluja es troba travessat per la força simbòlica i metafòrica de la revivificació de la pluja, invocada, esperada secretament des de l'aridesa d'una reflexió sobre la desesperança escrita des de la serenitat i no pas en la desesperació». «L'espera de la pluja és també l'exigència de la revolta. Hi ha, en aquesta espera, alguna cosa iniciàtica i fins i tot programàtica, d'aquí potser el recurs sovintejat a l'al·legoria en obres com Delta i Com fileres de formigues.» (del pròleg d'Albert Gavaldà)
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Contempla tu vida como si fuese la sala de un museo: galerías blancas, vitrinas y muros repletos de piezas y cuadros. Cada objeto cuenta una historia, cada pieza es un recuerdo.Sin embargo los recuerdos son mutables, compartidos, implantados y propensos a ficciones, explican lo que hemos vivido y, en su laberinto, dejan entrever lo que somos.Hormiguero presenta una serie de poemas personales a manera de museo de memorias, miedos y ansiedades que conforman al autor. En formato de verso libre y prescindiendo de signos ortográficos para asemejar el flujo verbal de la mente al momento de recordar, el libro está compuesto por 25 poemas individuales interrumpidos por dos series de listados: “hormiguero” y “monadología”.Este poemario, anclado en lo personal, deja entrever instantes relacionales donde lo vivido y lo recordado puede describir momentos de cualquier persona: sensaciones en bruto.
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Aquest és, sense cap mena de dubte, un poemari de maduresa. Josep Civit hi convoca el temps per mirar de recuperar les fites significatives de tota una vida. I com a bon poeta s'entreté a mirar d'esclarir on són els límits entre el que diem i el que volem dir, entre el que expressem també com a límit d'allò que el món oculta. No debades, els referents literaris seran també convocats al poema. Com tota mirada en el retrovisor, en aquests versos la vida mostra, en retrospectiva, els contrast entre l'ahir i l'ara. Una vida que no fa concessions, però que tampoc tira la tovallola.
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