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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Llevábamos tiempo con la idea de incorporar el teatro a nuestra colección de libros ilustrados y nos parece que un excelente primer libro sería uno que reuniese los mejores carteles que el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer ha ido creando para el CDN en los últimos años, comentados por dramaturgos, actores, escenógrafos,etc.: Juan Echanove, Miguel del Arco, Andrés Lima, entre otros muchos.En estos maravillosos carteles, Isidro Ferrer mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, nos proporcionan una potente lectura de la obra. Texturas, tramas, madera,hierro, manchas de color, tipografías y máscaras son los materiales con los que ilustra las obras.
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Animado por el mismo espíritu que Stanislavski, Vajtángov, Michael Chejov, o Meierhold, su propia experiencia como actor y director lleva a Lecoq a reformularprincipios, investigar procesos y revelar nuevos aspectos de la relación dinámica del actor, el cuerpo y el espacio.
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Textos escritos por Hayao Miyazaki, el creador de películas tan inolvidables como El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro, o El viento se levanta, su última producción de 2013, unidos por su personalísima visión de la infancia y la naturaleza. Destacan una extensa entrevista de un bisoño Miyazaki junto al maestro Kurosawa, o el elogio fúnebre ante la muerte, en 2018, de su Íntimo amigo Takahata, creador de míticas series como Heidi o Marco.
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La Imaginación Artificial, rama de la Inteligencia Artificial en constante evolución, reúne de forma innovadora arte y tecnología, pensamiento e imagen. Con este nuevo medio, se nos presentan nuevas herramientas de expresión y razonamiento, pero sus repercusiones en muy diversos ámbitos multiplican los ángulos de reflexión e intensifican las problemáticas que articulan el debate sobre la IA. Este libro ofrece un análisis brillante, capaz de superar las habituales controversias entre tecnófilos y tecnófobos, así como los límites que impone la especialización, y facilita una comprensión genuina de la tecnología. Con la Imaginación Artificial, la humanidad traspasa una frontera, pero sin necesidad de dejar atrás todo el equipaje que había acarreado hasta llegar a ella.
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El libro es una introducción comprehensiva y accesible a la relación ambivalente entre cine y política. Inspirándose en la teoría crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), el autor argumenta que el cine es una herramienta clave tanto en la construcción de la autoridad política y la dominación como en las críticas delas injusticias en las sociedades contemporáneas. Desde esta perspectiva, Cine y política incluyeanálisis precisos de los clásicos del cine occidental(Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnès Varda, Jean-Luc Godard) adoptando una visión global, con ejemplos del cine africano, asiático o latinoamericano (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, GlauberRocha). El libro comienza cronológicamente desde losinicios del cine a fines del siglo XIX, y avanza a través de diferentes períodos históricos que llegan hasta nuestros días con el análisis de películas recientes como Joker (2019) y de series brillantes como El cuento de la criada y The Black Mirror
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El alcance monumental de la obra de Alfred Hitchcock no ha sido superado por ningún otro director cinematográfico. Tal cantidad de películas su YAS han alcanzado la categoría de clásicos, que incluso una pequeña lista de las mismas –Psicosis, la ventana indiscreta, los pájaros, vértigo, encadenados, Rebeca, con la muerte en los talones– nos traen un sin fin de re cuerdos. En este insuperable Tex - to, Donald spoto, una autoridad internacional mente reconocida sobre el director, describe y analiza al detalle las cincuenta y tres películas que constituyen la filmografía del gran maestro del cine. El autor sostuvo para la elaboración de este libro largas horas de conversación con el director, de ahí que el volumen pueda ser considerado una enciclopedia en la materia. “El arte de Alfred Hitchcock” es una obra de la que ningún amante del ci ne o fan del mago del suspense puede prescindir. “Un análisis extraordinaria mente razonado. Durante la lectura se aprecia que spoto está muy familiarizado tanto con las películas como con las fuentes secundarias. Demuestra con habilidad que Hitchcock no es solo un maestro del suspense, sino también un artista de primer nivel”.
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El que m'agradaria que la dansa fos
L'experiència del coreògraf, la complicitat del mestre, la proximitat de qui tradueix en paraules el que fa anys que exercita a la seva vida i en les seves creacions. Cesc Gelabert ens acosta aquí a la veritable essència d'un moviment habitat pel cor i la ment. Els seus espectacles han estat mostraris vius d'aquesta mateixa caixa d'eines, així que el llibre ajuda a entendre com i per què ens movem, però també com i per (a) què s'ha mogut l'artista, des de la «diversitat informada» que sempre ha defensat: conèixer-ho tot de tot arreu, però contribuint a la diversitat general des de la singularitat local. Vet aquí les notes a peu de pàgina d'una obra en marxa, el llibre testimonial de qui sempre ha ambicionat ser «el xaman que somia els somnis de la tribu».
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¡CONTIENE UNA ENTREVISTA EXCLUSIVA CON EL DIRECTOR DE LA PELÍCULA!Más allá del magnífico tesoro de Willyel Tuerto, Los Goonies es una película que habla sobre el sentimiento de la amistad y sobre lo que significa hacerse mayor. Muchos espectadores que la vieron,siendo niños, todavía la recuerdan como una parte fundamental de su infancia. Su espíritu ha seguido presente durante estos 35 años desde su estreno.Los Goonies nunca dicen muerto es una obra imprescindible paralos fans. En sus páginas descubriremos cómo se gestóeste clásico de los ochenta, información sobre quienes lo hicieron posible, las localizaciones, las leyendas de piratas de la costa de Oregón, y muchas sorpresas más. Un libro que nos hará regresar, una y otra vez, a los muelles de Goon.¡La aventura que hizo soñara una generación!
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Tercera edición ampliada de este auténtico clásico y obra de referencia entre los guionistas de todo el mundo. Miles de escritores de reconocido prestigio, cineastas, talleres de escritura y estudiantes de numerosos países han comprobado ya el potenc
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En los años del cambio del milenio aflora una tendencia cinematográfica de gran repercusión, sobre todoen el circuito internacional de festivales. Películas en las que abundan los largos movimientos de cámara, los paisajes desiertos y los personajes ensimismados, un ''cine de la ausencia'' cuyas raíces se puedenrastrear desde medio siglo antes en las imágenes de los campos de concentración, o más bien en la polémicafilosófica y estética en torno a la representación del exterminio que culminará en Shoah (1985). La influencia de la película de Claude Lanzmann en losdocumentales posteriores es indiscutible (Chantal Akerman, Rithy Panh, James Benning), pero tampoco son ajenas a este debate las ficciones que experimentaráncon formas similares (de Michelangelo Antonioni a Gusvan Sant, pasando por Marguerite Duras o Tsai Ming-liang). Este libro rastrea estas dos genealogías que confluirán en los mismos años en que se produce la eclosión del cine digital y la globalización de la cinefilia.
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Versión original. 302. Abril 2021. La danza.
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Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción /reproducción socio-ideológica y, por el otro, en laTeoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de lainterculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintose históricamente específicos, el estudio del cine esespecialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de lacomunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que seacapaz de desentrañar su dimensión política en cuantoelemento productivo (y no reproductivo, o mimético)del imaginario socio-sexual de nuestra época.
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Este libro incluye tres guiones inéditos: la adaptación cinematográfica que escribieron GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ y CARLOS FUENTES para El gallo de oro, el guióndefinitivo de El gallo de oro y el primer guión paraPedro Páramo. Las relaciones de Juan Rulfo con el cinefueron más extensas de lo que el público no especializado suele suponer y cubren diversos campos en esta ?por definición? multifacética actividad. Douglas J. Weatherford ha estudiado todos los ángulos de estavinculación entre Rulfo, su obra y la cinematografíaa lolargo de los años, revisando archivos públicos yprivados tanto en México como en los Estados Unidos,ademásde reunir documentos y testimonios desconocidos hasta hoy para ubicarlos en una gran obra de investigación que Editorial RM y la Fundación Juan Rulfo han editado y cuyo primer volumen presentan este 2021.Las páginas del libro incluyen la investigación y textos deDouglas J.Weatherford y ensayos de José Carlos González Boixo y Fernando Mino.
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En el 60 aniversario del film El apartamento, variosautores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, la yuxtaposición comedia/drama, la cultura empresarial,... Todoello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Antes de crear el legendario western ‘La diligencia’, John Ford había realizado unas noventa películas, después, otras treinta y cinco. Aunque abordó todos los géneros, la mayoría de sus películas son del Oeste, género con el que se identifica. Todos sus filmes demuestran que es el gran artífice de la leyenda del pasado pionero de Norteamérica: la historia del largo viaje del mormón que se dirige a Utah, en ‘Caravana de paz’, de la formación de un presidente, en ‘El joven Lincoln’, de ancianos que sueñan con sus días de gloria en el Sur Confederado, en ‘The Sun Shines Bright’, de amor, simples historias de confianza y lealtad, de tropas que se pierden en el horizonte mientras el cornetín llora la muerte de un camarada, en películas como ‘Fort Apache’ o ‘Misión de audaces’. Escojan su favorita entre ‘asión de los fuertes’, ‘La legión invencible’, ‘Centauros del desierto’ o ‘El hombre que mató a Liberty Valance’. El lector de este libro tiene entre sus manos un texto indispensable sobre la obra de uno de los directores esenciales del siglo XX. El retrato que ofrece este volumen muestra a un Ford poliédrico, tan dotado para la comedia como para el drama, para el fresco épico como para la filigrana en miniatura, a un poeta complejo y sublime que transmitía toneladas de emoción con el gesto y la narrativa aparentemente más simple, a un hombre lacónico que se presentó a sí mismo con un seco y conceptual: «Me llamo John Ford. Hago westerns».
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Generoa osatzen duten filmak natura eta kultura, indarkeria eta legea edo gizabanakoa eta komunitatea bezalako dikotomia unibertsalen inguruan artikulatuko lirateke. Hiltzat jotako adina aldiz berpiztua, liburuki hau joan den mendeko 60ko hamarkadatik gaur egunera arte Estatu Batuetan egindako westernaz arduratzen da. Urte haiek, 60ko hamarkada, Estatu Batuetako herriaren ''errugabetasunaren galeratzat'' jotzearekin batera, westernak ere (ilunabarrekoa, errebisionista edo deitu nahi zaion bezala) mutazio sakonak jasango ditu. Data horretatik aurrera, generoari atxikitako filmak gero eta ilunagoak eta konplexuagoak izango dira, eta zalantzan jarriko dituzte Mendebaldeko Konkistaren Mitoa eratzeko erabilitako tropo eta konbentzio nagusiak: cowboyaren epika maskulinoa, indarkeriaren funtzio zibilizatzailea, mugaren izaera egituratzailea, Bestearen estatusa, emakumea izan edo indiar basatia, beste askoren artean.
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El presente volumen, dividido en jornadas, como si fuera un viaje o una obra de nuestro teatro clásico, ofrece un recorrido preciso y actualizado por las artes escénicas españolas del siglo XVI, con sus peculiarísimos contextos de creación y producción, sus ricas encrucijadas entre tradiciones, sus búsquedas de nuevos públicos y sus apasionantes herencias, legados y proyecciones en la actualidad. Desde Bartolomé de Torres Naharro hasta Cervantes, pasando por el gran Lope de Rueda y, sobre todo, por el ingente y anónimo elenco que desde sus inicios sostiene las artes vivas, el lector accederá a una historia que pretende abordar el fenómeno escénico de este periodo en su magnífica complejidad, además de un estudio de su recepción reciente que permite comprender el modo en el que hoy lo interpretamos.
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Prepárate para disfrutar de un banquete épico, en un viaje cinematográfico compuesto de doce películas que cambiarán tu relación con la comida para siempre. Un libro para cinéfilos y para personas que desean cuidarse y vivir en plenitud, un texto personal y autobiográfico donde el autor nos comparte sus pasiones en la gran pantalla y todo su conocimiento nutricional. De forma original e innovadora, el autor relaciona cada filme con un tema vinculado a la alimentación consciente y saludable. Además, nos brinda pautas y consejos prácticos para aplicar en nuestra vida diaria y, como toque especial, incluye un menú «de película» inspirado en cada obra, ideal para disfrutar en buena compañía.
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ÑAQUE Editora vuelva a impulsar proyectos que intentan posicionarse en ese equilibrio, a veces difícil, aunque ya no debería serlo tanto, entre la pedagogía y las artes escénicas. Abrir EL TEATRO INCLUSIVO EN LA ESCUELA: UNA INNOVACIÓN PRÁCTICA, es abordar el reto de la enseñanza mediante ese Teatro Inclusivo. Es una invitación al desarrollo de propuestas inclusivas en Infantil, Primaria y Secundaria mediante el desarrollo de proyectos competenciales y atentos a las necesidades educativas específicas del alumnado con dificultades de aprendizaje (NEAE). El Teatro Educativo ya era importante en el pensamiento pedagógico contemporáneo, pero el Teatro Inclusivo se hace ya imprescindible. El libro ofrece una aproximación curricular desde la fundamentación de las competencias clave y específicas a los proyectos teatrales, tomando como ejemplos el juego simbólico y la elaboración de cortos en secundaria. Así, se van desbrozando las fases de la construcción de los proyectos (el reto, la exploración, la organización, el desarrollo y la muestra) como propuestas de aprendizaje, aportando diferentes actividades para cada una y algunas orientaciones de atención para el alumnado con NEAE. El Teatro en la Escuela debe dejar existir como una propuesta marginal, para considerarse ya una innovación práctica formal. Debe dejar de presentarse como una actividad frecuentemente extraescolar y asumir su momento de propuesta de calidad inclusiva y competencial. Este libro está dedicado a los miles de docentes que en todo el mundo ya vienen organizando Jornadas y Encuentros de Teatro Inclusivo. Algunos podrás verlos con tu móvil entre los enlaces QR que se ha considerado seleccionar. Hablar o pensar sobre el Teatro en la Escuela es difícil sin verlo, escucharlo o sentirlo, porque allí es donde se ve el resultado del crecimiento de nuestros jóvenes creadores.
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Los niños han estado presentes en el cine español desde el primer momento, pero nunca han recibido tanta atención, ni su tratamiento ha sido tan complejo, como en las películas de la década de 1970 y comienzos de la de 1980, época en la que el país experimentó un drástico cambio político y cultural al dejar atrás décadas de dictadura franquista represora. En ''Infancia y cine en la larga Transición española'', Sarah Thomas analiza al niño cinematográfico en esta compleja coyuntura histórica de un país que tiene a su espalda décadas de gobierno autoritario y ante sí un futuro incierto, examinando películas de distintos géneros y de cuatro directores clave de la Transición: Carlos Saura, Antonio Mercero, Víctor Erice y Jaime de Armiñán. La autora explora cómo se representa al niño como sujeto y como objeto, como yo y como otro, y cómo sistemáticamente lo encontramos en una posición intermedia entre categorías o polos binarios.
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En el 50 aniversario del film La matanza de Texas, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: Los hechos reales, la novela original. los actores y sus personajes, el rodaje... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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A lo largo de su dilatada carrera profesional como escritor ''es autor de múltiples guiones y libros'' y cineasta, José Luis Garci ha prologado numerosos volúmenes propios y de amigos, unidos por un mismo denomimador: su pasión por el cine. En ellos descubre, al mismo tiempo, una parte de su biografía: sus gustos, su pasión por confeccionar listas y por los clásicos, sus directores y escritores de cabecera. También sus orígenes como espectador de los programas dobles que proyectaban en las salas de sesión continua, sus viajes por medio mundo, su relación con cineastas tan prestigiosos como Robert Wise, o su correspondencia con Quetin Tarantino... En esta selección de prefacios están sus paisajes, sus músicas, películas y cuadros de referencia. Todo ello escrito con una confesada voluntad de estilo para no aburrir, lo que permite asegurar que en esta ocasión sea cierto que lo mejor de este libro son los prólogos.
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El humor puede ser muchas cosas, se puede definir de muchas maneras (es inteligencia, es comunicación, es alegría, etc...) pero, desde luego, siempre debe llevar implícito una cierta manera de sorprender al público. Pero ser un referen¬te de la comedia no es fácil. Y si no que se lo pregunten a gente como Dani Rovira, Eva Soriano, Berto Romero o David Broncano. ¿Por qué algunos cómicos funcionan genial y otros no tanto? ¿Por qué su show exactamente igual, palabra por palabra, puede triunfar un jueves en Valencia y fracasar un viernes en Madrid? ¿Cómo es posible que un súper profesional pueda quedarse en blanco en mitad de un show? Este libro tiene la vocación de convertirse en un referente a la hora de formar nuevos talentos, porque explica de manera clara y diáfana las bambalinas de la formación cómica tanto desde el punto de vista técnico como emocional.
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No son pocos los cineastas que se han interesado por el universo de la tiza y la pizarra, como tampoco hay docente que se precie que no haya utilizado las películas en su aula con fines didácticos. Directores y directoras se han acercado a las clases para hablar de sus recuerdos de infancia, de las dificultades de la integración, del acoso escolar, de la violencia en las aulas, de su importancia para el progreso de los pueblos, de las complejas relaciones entre padres e hijos, de la implantación de metodologías motivadoras frente al anquilosamiento de educadores aferrados a los dogmas, del profesorado que marca a sus pupilos para siempre, de un microcosmos que es, a su manera, representación de eso que hemos dado en llamar sociedad.Ya que las películas se han ocupado del hecho educativo en su más de un siglo de historia, es justo que la educación devuelva el favor y se preocupe de ellas más allá de su utilización en el aula como entretenimiento o como textos ilustrativos con los que acompañar las explicaciones. Es tan amplia la nómina de filmes que no hay materia para la que no exista un abanico de referentes. ¡Cuántas películas en las que se narran hechos de interés para la asignatura de Historia! ¡Cuántas sobre matemáticos! ¡Qué sinfín de películas basadas en textos literarios o protagonizadas por escritores o escritoras! ¡Qué de atletas y narraciones sobre el mundo del deporte! ¡Cuántos biopics sobre pintores, músicos y artistas en general! ¡Qué cantidad sobre investigaciones y avances científicos!Entre las películas incluidas en este libro hay títulos como ''El club de los poetas muertos'', ''Hoy empieza todo'' o ''Rebelión en las aulas'', clásicos representantes de las estrechas relaciones entre cine y escuela, junto con otros que tal vez resulten desconocidos. Fernando Molero Campos, docente y crítico de cine, demuestra que, acompañados del poder hipnótico de las imágenes en movimiento, habremos enriquecido nuestra tarea y contribuido a que nuestro alumnado ame un poco más todo lo relacionado con la educación y, de paso, también las películas como modo de expresión, saber y entretenimiento.
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En esta obra, Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi interpretación resulte creíble?, ¿cómo mantener la atención del espectador sobre lo que ocurre en escena y hacerle creer en la ficción de la obra?
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Desde una reflexión sobre la vanidad literaria a la historia de un alférez provisional en la Guerra Civil, desde la forma de andar de John Wayne a la religiosidad infantil en un colegio de jesuitas, desde la observación de las miserias del cuerpo al análisis de las mentiras en las memorias de Elia Kazan, junto a muchos otros caprichos de las obsesiones personales, Egocentrismos cede a la tentación de dar rienda suelta a filias y fobias de lector y cinéfilo, a las exploraciones por el evanescente pasado y al placer del monólogo distendido. Sin la menor pretensión de autoridad en ningún terreno, esta silva de varia lección, en forma de ensayos autobiográficos, aspira a restar algo de tedio y pesadumbre a la barbarie del tiempo. José María Conget (Zaragoza, 1948) es licenciado en Filosofía y Letras. Ha ejercido como profesor o gestor cultural en Glasgow, Lima, Londres, Nueva York, París y varios pueblos y ciudades de España. Actualmente vive en Sevilla. Sus últimas publicaciones han sido las colecciones de cuentos La ciudad desplazada (2010), La mujer que vigila los Vermeer (2013), Confesión general (2017), Juegos de niñas (2019) y La verdad sobre el amor (2023), y las novelas La bella cubana (2015), El mirlo burlón (2018) y Cenas de amigos (2022). Es autor de los siguientes ensayos, entre otros, de carácter autobiográfico: El olor de los tebeos (2004), Pont de l'Alma (2007) y Una cita con Borges (2000 y 2023, segunda edición ampliada). Fue premio de las Letras Aragonesas en 2007 por el conjunto de su obra.
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Manual que se desglosa en tres partes bien diferenciadas. Las dos primeras, firmadas por Tomás Motos, nos sitúan de manera precisa en la didáctica de la E. C. y en los componentes del movimiento expresivo. La tercera, de la que es coautor Leopoldo G. Aranda, es una sucesión de sesiones de trabajo estructuradas en función de su objetivo de trabajo.
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¿Hasta qué punto son originales los argumentos cinematográficos? Un siglo después de los Lumière, el cine demuestra ser el gran fabulador de nuestro tiempo, el arte que ha actualizado las narraciones fundamentales de la historia de la cultura. Esta o
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¿Qué es el guión? Ésta es una pregunta cuya respuesta parece sen- cifa: es un texto en forma de libro que sirve como documento inicial para la filmación de una película o para la grabación de un programa televisivo. Pero todo esto, que resulta suficiente para una apreciación de indole general, se complica cuando se encara la tarea concreta de escribirlo. En ese momento se advierte que esa apreciación global oculta un mundo complejo y dificil, con tropiezos, dificultades e interro- gantes que se ahondan a medida que se avanza en el trabajo. Estas dificultades han sido registradas por muchas escuelas de cine y televisión, y una y otra se oye decir a sus directivos, a sus pedago- gos y a sus alumnos que lo más dificil de enseñar-y aprender-es la realización de guiones. Un guión es la descripción, lo más detallada posible, de la obra que se va a realizar. Puede ser bueno, malo o regular, pero no es la obra en si misma. Este libro propone un análisis del guión cinematográfico y televisivo, así como pautas concretas para el aprendizaje de su técnica.
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Como para su maestro y amigo Jean Louis Schefer, autor de El hombre ordinario del cine, otro libro, como éste, inclasificable y apasionante, ambos más misteriosos que difíciles, más incisivos que nostálgicos, para Pierre Léon el cine no parece dirigirse a nuestro ser diurno, sino más bien a un segundo cuerpo que nos habita, que de común ignoramos, pero que emerge como imantado por algunas películas que nos conocen mejor que nosotros mismos y con las que mantenemos un diálogo apasionado. A partir de Stevenson, a este otro yo se le nombra en esta Historia natural del cine como «niño-poeta», un niño sin inocencia en el paraíso de un placer secreto alimentado desde la infancia. De cómo lo han tocado las películas, de cómo ha conversado con muchas de ellas a lo largo de los años, escribe aquí Pierre Léon, que airea los lugares comunes del cine y de su imposible historiografía para proponer otra cosa inefable a cambio, un sueño recordado y filtrado por su vida y memorias —entre Moscú y París—, su erudición estética —musical, pictórica, literaria— y su experiencia de cineasta de excepción. Sus recurrentes visitas a esa noche experimental del cine donde la película se presenta en fuga permanente, reiniciando incansablemente la propuesta de mundos tan desconocidos como el nuestro, dejan algunas de las mejores páginas que se hayan escrito sobre Ford, Walsh, Renoir, Eisenstein, Hitchcock, Ozu, Rohmer, Duras o Akerman.«Las películas nos reconocen y nos saludan desde lejos […] No saben a cuáles de estos espectadores volverán a ver un día, pero saben que habrá uno al menos. Y que habrá que darle entonces noticias de sí mismo. Él espera en el umbral de la película, muy cerca de ella, la nariz pegada a la ventana que separa la toma del plano, y que recubre enseguida con el vaho de todos los recuerdos que revolotean en la luz».PIERRE LÉON
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En 1963 una cabina de color azul cruzó por primera vez el Tiempo, el Espacio y entró de lleno en la pequeña pantalla para quedarse. Doctor Who es una serie que marcó un hito en la historia televisiva, llegando hasta donde nadie más se atrevía, cr
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Regreso al Futuro, Avatar, Indiana Jones, JurassicWorld, StarWars, Matrix, El Caballero Oscuro, Guerra Mundial Z o eluniversoMarvel son películas que se han convertido en grandes éxitos de taquillaque hacen las delicias de todos los aficionados al cine. Pero, más alláde que son entretenidas y te hacen pasar un buen rato, ocultan fallosestrepitosos e incoherencias que muchas veces se pasan por alto y quedejarían a cualquiera ojiplático.Con humor, ironía y muchas risas, Andoni Garrido, autor delconocidocanal de Youtube Agujeros de guion, zambulle allector en losfamosos agujeros de guion de las sagas más conocidas de los últimosaños, poniendo el acento sobre las contradicciones en la trama y suspersonajes, en las coincidencias escandalosas o en situacionesinverosímiles.¿Preparados para volver a ver vuestras pelis favoritas con otraperspectiva?
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Para Aumont y Marie, el análisis cinematográfico necesariamente nace de lo particular y adquiere sentidosolo si es capaz de superar los casos específicos y conducirse a una reflexión general. Tres grandes ejesle dan forma a esta investigación: el estudio de losrelatos, de las ficciones y de su destinatario, el estudio de las imágenes y de los sonidos, y la historiadel cine. A lo que se le suma un apartado que bosqueja un recorrido de las sucesivas concepciones y prácticas del análisis.El análisis cinematográfico se ha consagrado como un clásico ineludible de los estudiosde cine. Este género se convirtió en un componente esencial para la disciplina. Sus razones son evidentes:es el momento en que uno verdaderamente se enfrentacon el film.
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Hay tantas películas que han sido menospreciadas, tantas películas que no han podido alcanzar las páginasni de las revistas prestigiosas ni de las especializadas, tantas maravillas, en fin, que pasaron de largopor las pantallas y que ahora, cuando surgen, sin previo aviso, en nuestros televisores a horas intempestivas, nos dejan con una extraña sensación, entre alegre nostalgia y jubilosa melancolía.
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Cuando parecía difícil volver a asistir a un fenómeno televisivo como aquellos que han marcado la historia de HBO, irrumpe en nuestras pantallas El cuento de la criada, adaptación de la mítica novela de Margaret Atwood, una de las escritoras más aclamadas de la actualidad. Y lo cierto es que ésta es una ficción (o no tanto) televisiva que no podría aparecer en mejor (o peor) momento: la crisis de los refugiados, los inagotables casos de violencia contra las mujeres, las polémicas de los vientres de alquiler, el ingobernable Gobierno de Trump, la deriva ultraconservadora, e incluso abiertamente fascista, que se consolida en España y otros países de Europa y América... Hemos querido homenajear a esta clarividente serie reuniendo textos firmados por autores nacionales e internacionales que nos hablan de esta producción en relación con el totalitarismo gestacional, el uso de la propaganda, la ciencia ficción distópica, los sistemas de castas, la historia del puritanismo, el neofeudalismo globalizado, la persistencia de los regímenes penitenciarios clásicos, las referencias filosóficas de sus guiones, sus vínculos y distancias con la novela de Atwood y el resto de su obra, o su extraordinaria puesta en escena, tan rica en términos estéticos como conceptuales. Un recorrido por los temas fundamentales de la serie, aquellos que reflejan, como un espejo oscuro, el terrible trance político y social que atravesamos actualmente.
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