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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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En el estreno de su quinta entrega: un personaje cuyo carisma perdura.La saga de Indiana Jones alcanza su quinta entrega cinematográfica, confirmando tanto su enorme capacidad de entretener como la complejidad de un personaje cuya visión del mundo y de la vida nos remite directamente al ámbito del mito y a unos símbolos que nos proyectan más allá de la época en que transcurren sus aventuras.
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El tercer hombre (1949), de Carol Reed, es el mítico largometraje cuya génesis lleva la firma de Graham Greene, un proyecto que era, en sus inicios, un tratamiento de libreto cinematográfico, que después fue un guion completo y, finalmente, una novela. En una entrevista radiofónica, Greene consideró este trabajo como mero entretenimiento, “,una excitante historia de acción”,. El tiempo y las dimensiones del filme la han convertido en una de las mejores películas de todos los tiempos, un artefacto perfecto y una historia inolvidable de amor, traición y redención en el despiadado trasfondo de la posguerra europea en la ciudad de Viena. Para celebrar sus setenta y cinco años, los catorce autores y autoras reunidos en este volumen analizan desde su visión personal el misterio y la trascendencia de la que es, sin lugar a dudas, una de las cumbres, no solo de la historia del cine, sino de la creación artística universal.
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La imatge incessant
Què ens diuen, les imatges televisives? Quins discursos hi ha al darrere dels formats audiovisuals d'entreteniment? Un format audiovisual és un conjunt de regles capaces de generar una repetició narrativa. Però quins discursos hi ha darrere aquests formats? Com dialoguen amb altres llenguatges visuals? La imatge incessant planteja un recorregut a través de gèneres tan diversos com els concursos, els programes de vocació divulgativa, la telerealitat, els films i les sèries documentals, els talk shows o els continguts de les xarxes socials per tal d'entendre els debats i les friccions que caracteritzen les societats contemporànies.A partir d'aquesta anatomia dels formats audiovisuals s'exploren qüestions transcendentals com la comprensió del jo i de l'altre, les tensions comunitàries en situacions extremes, les desigualtats de gènere, les noves formes de treball en la cultura de la fama, el mite de la llibertat d'elecció o les paradoxes de la difusió cultural. En aquesta indagació es comprova que els formats viatgen d'un país a un altre, d'un mitjà a un altre, establint ponts per on circulen els imaginaris de la cultura popular. Contra la idea que els formats audiovisuals són volàtils i no val la pena tornar-los a mirar, aquest llibre proposa l'exercici contrari: pensar en la imatge incessant per saber què ens diu de nosaltres mateixos.A cavall entre la mirada analítica i la vocació divulgativa, Jordi Balló i Mercè Oliva presenten un escenari que barreja una alta consciència filosòfica amb tot de referències que provenen de la cultura pop més espontània i desimbolta, i afronten totes aquestes preguntes amb rigor ètic i una ferma precisió sociològica.
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¿Qué nos dicen las imágenes televisivas? ¿Qué discursos hay detrás de los diversos formatos audiovisuales? Un formato audiovisual es un conjunto de reglas capaces de generar una repetición narrativa. ¿Pero qué discursos hay detrás de estos formatos? ¿Cómo dialogan con otros lenguajes visuales? La imagen incesante plantea un recorrido a través de géneros tan diferentes como los concursos, los programas de vocación divulgativa, la telerrealidad, las películas y las series documentales, los talk shows o el contenido de las redes sociales para tratar de entender los debates y las fricciones que caracterizan las sociedades contemporáneas.A partir de esta anatomía de los formatos audiovisuales se exploran cuestiones trascendentales como la comprensión del yo y del otro, las tensiones comunitarias en situaciones extremas, las desigualdades de género, las nuevas formas de trabajo en la cultura de la fama, el mito de la libertad de elección o las paradojas de la difusión cultural. En esta indagación se comprueba que los formatos viajan de un país a otro, de un medio a otro, estableciendo puentes por donde circulan los imaginarios de la cultura popular. En contra de la idea de que los formatos audiovisuales son volátiles y no merece la pena volver a verlos, este libro propone el ejercicio contrario: pensar en la imagen incesante para saber qué nos dice de nosotros mismos.A caballo entre la mirada analítica y la vocación divulgativa, Jordi Balló y Mercè Oliva presentan un escenario que mezcla una alta consciencia filosófica con un sinfín de referencias que provienen de la cultura pop más espontánea y desenfadada, y afrontan todas estas preguntas con rigor ético y una firme precisión sociológica.
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Mucho más que un manual, una guía, una herramienta, este libro, que por fin ve la luz, es una historia de vida y pasión. Se cumple así la promesa hecha por los dos actores a todas aquellas personas que esperaban la continuación del Manual mínimo del actor, publicado en 1987. Estas páginas hablan de la vida y del teatro, de la Italia de posguerra y de los años setenta, atravesados por el terrorismo pero imbuidos de un idealismo fortísimo, motor de todas las comedias que Franca y Dario llevaron a escena en los teatros alternativos de Italia con enorme éxito, tras ser expulsados de los teatros convencionales, de la radio y la televisión. Cuántas historias, cuánto vivido, cuánto teatro. Y cuántas risas. Todo en una cabalgata fantástica en la que cada circunstancia es filtrada por la emoción del momento y el recuerdo se convierte en un compromiso renovado para seguir haciendo de la vida un teatro que dé fe del destino y de la historia de cada uno de nosotros.
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Corea del Sur: El gran boom del entretenimiento mundialCorea del Sur está dejando su huella en el mundo con una mirada al futuro que promete crear una fuerte conexión entre países y culturas. Su industria del entretenimiento y su cultura popular arrasan en todos los ámbitos y llegan hasta nosotros como un tsunami.Desde el k-pop a los k-dramas, hay un interés creciente por la cultura popular coreana. En todo el mundo, cientos de jóvenes ensayan coreografías en las plazas públicas basadas en su música, sus series de televisión copan las plataformas y sus libros de literatura y de webcómic cautivan a Occidente, que los compran y devoran apasionadamente.Este libro hace un repaso de esta particular cultura asiática y de la fascinación que crece por ella en todas partes.
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¿Existen otras realidades paralelas? ¿Otros lugares en los que suceden acontecimientos ligados de alguna manera a nuestra propia realidad? Las películas, las series de televisión, los cómics, la literatura y hasta los videojuegos no se cansan de explorar estas cuestiones tan ligadas a la cultura popular. De Salto al infinito –la serie que popularizó el concepto de multiverso– a la premiada y muy apreciada Stranger Things, del universo Ultimate –el cómic que reinventa todo un cosmos de más de sesenta años de historias– a The Magicians –la fantasía juvenil profunda y definitiva. Todo un abanico de historias para descubrir otros mundos y otros universos, lugares donde es posible jugar con nuestras mentes y cambiar destinos puestos al servicio del espectador.
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Cuando le preguntaron a Jean-Luc Godard por qué sus Histoire(s) du cinéma tenían cuatro capítulos divididos en dos partes en lugar de ocho, respondió: ``Porque cuatro paredes tiene una casa``. Los autores del diálogo que conforma Conversaciones sobre cine. Del hogar a la intemperie se preguntan por qué John Ford expulsó a su héroe desde la puerta que Griffith dejó abierta a su regreso, por qué Nicholas Ray afirmó que no se podía volver a casa y Abbas Kiarostami se afanó en buscar la del amigo, por qué Pedro Costa...
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El cinema de Pere Portabella és indissociable de l'art i de la política. Són disciplines que es conjuguen i retroalimenten des d'una actitud comuna: impugnar les normes, les socials però també les estètiques. Aquest és justament el títol d'un volum que reuneix desenes de textos escrits per l'autor durant seixanta anys, des dels seus inicis com a productor fins a l'actualitat. Inclouen articles en diaris i revistes, presentacions dels seus films, pròlegs de llibres i catàlegs d'exposicions, conferències, així com algunes de les seves intervencions com a senador o diputat durant les primeres legislatures de la democràcia. Igual que el cineasta s'ha preocupat per preservar la seva obra per garantir-ne la difusión pública, ara és l'hora dels seus escrits. En l'edició prologada i anotada per Esteve Riambau, els textos s'articulen en tres grans blocs: l'oposició al franquisme, els primers anys de la democràcia i el retorn al cinema a partir de Pont de Varsòvia, sense oblidar una especial atenció vers el paper de la cultura a Europa. Sense mai separar l'art i la política del cinema, sorgeixen sinergies i confrontacions que ofereixen un retrat molt fidedigne del pensament de Portabella, a la vegada sustentat sobre interaccions amb personatges tan il·lustres com Luis Buñuel, Josep Tarradellas, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Miró o Carles Santos.
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En el 30 aniversario del film Pulp Fiction, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el universo del director. el rodaje, los actores y sus personajes, la música, los antecedentes, las influencias... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Després de gairebé 40 anys de no parar d'escriure esquetxos, programes de televisió, sèries, tvmovies, pel·lícules i obres de teatre i de més de 25 anys de fer classes als estudis de comunicació àudiovisual de la Universitat Pompeu Fabra, Piti Español ha decidit publicar un llibre que expliqui tot el que ha après sobre l'escriptura de diàlegs per a cinema i televisió. Com escriure diàlegs que funcionin per a cinema i televisió és un llibre basat en la seva experiència, tant d'escriure escenes dialogades com d'analitzar-les a les seves classes. Un llibre que vol ser una mena de manual amb reflexions teòriques i consells pràctics, ple d'exemples trets del cinema, de la televisió i, fins i tot, d'anuncis comercials, que serveixi tant a estudiants que volen aprendre les bases de l'escriptura de diàlegs, com a professionals que potser hi descobriran recursos, exemples i trucs narratius que desconeixien. Albert Plans (guionista de Plats Bruts i Porca Misèria): El Piti és un guionista amb una de les carreres més brillants del nostre país. Que què és un bon diàleg? Llegiu aquest llibre! Joaquim Oristrell (guionista i director): És divertit, és útil, és generós. El millor llibre d'amor que he llegit últimament, d'amor a l'ofici d'escriure, per descomptat. Cesc Gay (guionista i director): Llegir-lo és adonar-te de tot el que encara pots aprendre per tal d'escriure millor. Una gran guia! Isabel Coixet (guionista i directora): Un llibre sensacional i absolutament imprescindible per a tots aquells que escriuen ficció, tant professionals com aspirants.
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Las memorias del añorado Carlos Saura, uno de los grandes del cine español. Premio Nacional de Cinematografía (1980), Goya de Honor (2022) y nominado a los Oscar y a los Globos de Oro.Tras el triste fallecimiento de Carlos Saura a principios de 2023, estas memorias cobran una nueva dimensión. El libro cubre su infancia durante la Guerra Civil, su papel vanguardista en la etapa de la Escuela de Cine, su relación con sus sucesivas mujeres (la segunda de las cuales, Geraldine Chaplin, lo introdujo en el particular universo de la familia Chaplin) y con algunas de las figuras más fascinantes de su generación, como Paco Rabal, Rafael Azcona, Juan Antonio Bardem o Antonio Gades.De imágenes también se vive es la última obra de uno de los mayores cineastas que ha dado este país. Una invitación a conocer el mito de Saura, que hasta el último momento se mantuvo activo y con muestras de una curiosidad insaciable. Una figura clave cuyas imágenes ya forman parte de la historia viva de nuestro cine.
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En el 60 aniversario del film Cleopatra, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El descomunal rodaje, los directores, las estrellas, la ruina de los estudios Fox... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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El cine hermético en Hollywood.Nada hay más contrario al entretenimiento, que muchos defienden hoy como fundamento del cine, que la labor de profundización en el trauma, en el espíritu y en el inconsciente que ofrece el lugar de las sombras.Este libro propone, en clave hermética y de forma sintética, toda una poética donde el cine aparece como hijo y continuador del gótico, de la hipnosis y de las vanguardias, como hermano del psicoanálisis y del ilusionismo, un espacio mágico donde los fantasmas y los sueños están, por lo tanto, inscritos en lo más profundo de su Ser.
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Este libro es fruto de la admiración y el amor por el cine y la figura de Andréi Tarkovski (1932-1986). Solo después emerge la parte profesional o académica. El grupo de autores que firman los capítulos del libro representan un grupo heterogéneo: algunos vivieron o trabajaron con Tarkovski, otros se dedicaron a su obra como críticos, académicos o cinéfilos. También hay aportaciones de dos jóvenes investigadores que añaden al análisis de la obra de Tarkovski una mirada pura y entusiasta, no por ello menos válida a la hora de invitarnos a indagar por el universo tarkovskiano.La idea es hacer un libro que integra el conjunto de estas diferentes miradas, transversales y complementarias sobre la obra de Tarkovski, siendo sus coordinadoras Tamara Djermanovic y Olena Velykodna, invitándonos a descubrir los enigmas de la vida y al obra de Tarkovski sin olvidarse de las referencias a la tradición rusa y a la cultura universal.
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Un original ensayo sobre la justicia y el acto de hacer justicia, sobre la verdad y el fraude, el mal y la restitución del daño y sobre la proporcionalidad del castigo.Un juicio tiene algo de puesta en escena. Incluso cabría decir que la disposición de la sala recuerda a un teatro, con un estrado a modo de escenario y un espacio con filas de asientos reservado para el público, que asistirá a un combate dialéctico entre dos relatos antagónicos.Tanto es así que la teatralidad de los juicios ha sido recuperada en numerosas ocasiones en el ámbito de la representación teatral y cinematográfica. Al tiempo que fiscales y abogados se entrenan reproduciendo casos pasados o ficticios.En este singular ensayo, con la sensibilidad intelectual que le caracteriza, José A. Sánchez indaga, desde diferentes ángulos, en la función política de la representación a partir de juicios históricos y de obras de diferentes cineastas y creadores escénicos, desde la antigua Atenas hasta la actualidad.Y nos propone una reflexión acerca de la vigencia de conceptos como «mal» y «verdad», así como la manera en que se va transformando la relación entre creadores y públicos en el contexto de la cultura del espectáculo efímero.
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Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.
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La feliz recuperación de la obra dispersa de Paulino Viota, inaugurada en 2017 con La herencia del cine, dejó pendientes muchos textos valiosos que desde principios de los noventa del pasado siglo marcaron la gradual transformación del director de la mítica Contactos (1970), el cineasta del «ansia intacta y la esperanza extinta», en uno de los mejores docentes y teóricos que ha tenido España en lo que a los estudios cinematográficos se refiere, como demuestran los esclarecedores acercamientos que aquí dedica a autores tan queridos como Erice, Sternberg, Buñuel, Debord y García Pelayo, sin olvidar otros consagrados a sus irrenunciables Ford, Godard y Fellini. A cargo de José Luis Pérez Trespalacios, vivo ejemplo de la sólida comunidad cinéfila que Viota, con su generoso activismo intelectual, ha contribuido a conformar en su Santander natal, la edición de La familia del cine rescata asimismo artículos fundamentales para nuestra ensayística, piezas maestras inigualadas como «Contar hasta cero (El Quousque tandem…,! y el cine)» (2011), una apasionante relectura de la historia del cine a la luz del pensamiento estético de Oteiza en la que actualizó y perfiló de manera definitiva las ideas sobre formalismo e informalismo que cuarenta años atrás habían inspirado su práctica fílmica y por entonces cimentaban su acercamiento teórico al cine, arte tanto de estructuras y concordancias como de gestos expresivos y encabalgamientos espaciotemporales. A estas características ontológicas destina Viota otro inolvidable escrito aquí recogido, «Las rimas del tiempo» (1990): carambolas de imágenes, vertiginoso recuento de correspondencias entre realidad y ficción a partir del reestreno de La Marsellesa de Renoir en 1967, película donde todos los tiempos parecen amalgamarse dentro de una actualidad atravesada por esquirlas de pasado (la Revolución soviética tal y como la recreara Eisenstein), presente (la Guerra Civil española contemporánea al rodaje) y futuro (las movilizaciones de Mayo de 68 y de la cultura hippie).
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En Dune: Parte dos, el visionario director Denis Villeneuve completa su adaptación de la revolucionaria novela de Frank Herbert y vuelve a transportar al público al planeta desierto de Arrakis, justo en el momento en el que Paul Atreides reclama su destino y lidera a los nativos fremen en una batalla culminante contra las fuerzas del mal. Este volumen visualmente cautivador, escrito por la productora Tanya Lapointe junto con Stefanie Broos, ofrece más información sobre el épico rodaje de la película. El arte y el alma de Dune: Parte dos incluye ilustraciones conceptuales increíbles, storyboards de escenas clave y fotografías sensacionales del rodaje, así como la historia detrás de las cámaras de un logro cinematográfico monumental.
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Cinema i política
Aquest llibre és una introducció àmplia i accessible a la relació ambivalent entre cinema i política. Inspirant-se en la teoria crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), l'autor argumenta que el cinema és una eina clau tant en la construcció de l'autoritat política, la dominació, com en les crítiques de les injustícies en les societats contemporànies. Des d'aquesta perspectiva, Cinema i política inclou anàlisis precises dels clàssics del cinema occidental (Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnes Varda, Jean-Luc Godard), i adopta una visió global amb exemples del cinema africà, asiàtic o llatinoamericà (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, Glauber Rocha). El llibre comença cronològicament des dels inicis del cinema fins a finals del segle XIX, i avança a través de diferents períodes històrics que arriben fins als nostres dies amb l'anàlisi de pel·lícules recents com Joker (2010) i de sèries brillants com The Handmaid's Tale i Black Mirror.
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En el 40 aniversario del film El precio del poder, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el rodaje, los actores y sus personajes, la versión previa, la música... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro..., ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo -y de sus imágenes- casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg? En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber, imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido -casi final- de una filmografía única. Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg.
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Esta edición completamente revisada y actualizada del clásico sobre composición cinematográfica brinda a los lectores las habilidades y los conocimientos técnicos necesarios para crear imágenes pulidas y elocuentes, utilizando un enfoque único que combina la comprensión analítica, técnica y estética de la esencia visual de cada plano. Esta edición se ha ampliado con más de cien estudios de casos a todo color para incluir nuevos tipos de tomas y se ha actualizado por completo para reflejar los avances de la tecnología y las prácticas cinematográficas, incluida la revolución DSLR, el advenimiento de las cámaras de cine compactas y sin espejo, las mejoras en el rendimiento del sensor CMOS, la introducción de la resolución de vídeo 4K y superiores, y la cinematografía con drones. La visión del cineasta. Las reglas de la composición cinematográfica y cómo romperlas es una lectura esencial para cualquier persona interesada en los medios y la narración cinematográficos, incluidos cineastas independientes, directores, productores, directores de fotografía, editores, así como estudiantes de cine, estética de los medios y estudios cinematográficos.
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En el 75 aniversario del film Los tres mosqueteros, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, los actores y sus personajes, el rodaje, las otras versiones... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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The greatest conversation in the history of Hollywood.From the archives of the American Film Institute comes a unique picture of what it was like to work in Hollywood from its beginnings to its present day. Hollywood: The Oral History, lets a reader 'listen in' on candid remarks from the biggest names in front of the camera - Bette Davis, Meryl Streep, Tom Hanks, Jane Fonda, Harold Lloyd - the biggest behind it - Frank Capra, Steven Spielberg, Alfred Hitchcock, Jordan Peele, as well as the musicians, writers, sound men, editors, make-up artists, and even script timers, messengers, and publicists who shaped what was heard and seen on screen.Legendary film scholar Jeanine Basinger and New York Times bestselling author Sam Wasson have undertaken the monumental task of weaving these thousands of hours of talk into a conversation that is lively, funny, insightful, historically accurate and authentically honest in its portrait of workaday Hollywood.
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La verdadera historia de los supervivientes de los Andes, protagonistas de La sociedad de la nieve, la nueva y aclamada película de J. A. Bayona. ¡Viven! El triunfo del espíritu humano relata esta escalofriante peripecia y la de los familiares de sus protagonistas, que nunca dejaron de buscarlos. En 1972, partió de Montevideo, con destino a Santiago de Chile, un avión Fairchild Hiller FH-227 de las fuerzas aéreas uruguayas en el que viajaba el equipo de rugby Old Christians y sus acompañantes. Sin embargo, les aguardaba un destino muy distinto del que habían proyectado. Las infernales condiciones climatológicas determinaron la catástrofe y el aparato se estrelló con los Andes. Solo dieciséis de los cuarenta y cinco pasajeros que viajaban en el avión sobrevivieron al accidente y a los casi tres meses de indescriptibles rigores que sufrieron a consecuencia del hambre, el frío y el dolor. Sin otras provisiones, se vieron obligados a enfrentarse al horror de alimentarse con la carne de sus compañeros muertos, en un acto desesperado por conservar la vida.
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Descubre los secretos detrás de la creación del vestuario para Juego de Tronos, la serie de HBO, en esta guía definitiva. Desde los prácticos tejidos en capas de Invernalia hasta las mejores galas que lucen sus personajes en Desembarco del Rey, los trajes de Juego de Tronos desempeñan un papel fundamental a la hora de trasladar a los espectadores a las tierras de Poniente y más allá. Este libro de lujo celebra el increíble arte involucrado en la creación de cada atuendo, con fotografías bellamente detalladas de los trajes y detalles detrás de las escenas. Revelando lo intrincado de su diseño y confección y la imaginación sin límites detrás de los trajes de la exitosa serie original de HBO, este libro es la guía definitiva de uno de los elementos más impresionantes del espectáculo. El vestuario es uno de los aspectos más llamativos y un rasgo identificativo de la serie, que ha sido galardonada con dos premios Emmy al mejor vestuario. Incluso algunas marcas de ropa, además de comercializar merchandising de Juego de Tronos, se han inspirado en su vestuario para crear sus colecciones.
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Billy Wilder, reportero reúne una selección de más de cincuenta artículos que Wilder (entonces conocido como ''Billie'') publicó durante aquellos años en revistas y periódicos. Desde el relato humorístico de sus experiencias como compañero de baile contratado en un elegante hotel de Berlín y sus artículos sobre el panorama cinematográfico internacional, hasta sus agudos perfiles de escritores, artistas y políticos, la selección nos ofrece nuevos conocimientos sobre la mente creativa de uno de los cineastas más valorados de la historia del cine. Estos escritos de Wilder, una mezcla embriagadora de ensayos culturales, entrevistas y reseñas, contienen el mismo ingenio e inteligencia que los guiones que escribió (14 nominaciones como guionista) para Hollywood, mientras que también arrojan luz sobre los rincones oscuros de Viena y Berlín de entreguerras, por el que aparecen Charles Chaplin. Cornelius Vanderbilt, Adolphe Menjou, Erich von Stroheim, el príncipe de Gales, y otras figuras universales. Uno de los libros del año (Tom Stoppard, Times Literary Suplement) Una revelación (Marc Weingarten, Washington Post) Una deliciosa compilación (Tobias Grey, Financial Times) Una animada antología (Jonathan Coe, Spectator) Este libro incluye los reportajes más significativos de los inicios de Wilder (Gavin Plumley, Literary Rewiew) Billy Wilder, reportero es una lectura maravillosa, se lee como si fuera un buen wiskhy de malta literario (David Marx, Book Reviews) Una antología que tanto puede interesar al público académico como al público en general (Nora Gortcheva. EuropeNow)
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Al final del primer episodio, el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald es capturado con la ayuda de Newt Scamander. Sin embargo, Grindelwald logra escapar y cumple con su amenaza de alistar nuevos seguidores, ocultándoles sus verdaderas intenciones: conseguir que los magos de sangre pura dominen a los muggles. En un esfuerzo por frustrar los planes de Grindelwald, Albus Dumbledore le pide ayuda a Newt, su ex alumno de Hogwarts, y éste acepta sin imaginar los peligros que le esperan. Así pues, cuando el amor y la lealtad son puestos a prueba, incluso entre amigos y familiares, el mundo mágico se muestra cada vez más dividido.
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Howard Hawks consideró siempre Scarface, the Shame of a Nation (1932) su mejor película. De acuerdo con el gran director estadounidense, Luis Alberto de Cuenca rinde homenaje al film por excelencia del cine de gángsters, obra maestra de todo un subgéner
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SEGUNDA EDICIÓN DE UNO DE LOS MEJORES LIBROS ESCRITOS SOBRE ANIMACIÓN! La imagen animada. Una historia imprescindible nos hará comprender de manera global la evolución de este apasionante arte, desde la invención del cine en 1895 hasta la consolida
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El cine asiático lleva décadas demostrando, a través de pequeñas piezas de enorme talento, que el Star System de Hollywood ha quedado caduco en pos de nuevas propuestas procedentes de oriente. Desde el thriller surcoreano hasta el cine chino de artes marciales pasando por el anime japonés, cientos de productos audiovisuales asiáticos han logrado hacerse un hueco entre el gran público. En esta primera antología de Break, algunas de las voces más relevantes de la crítica cultural nacional reflexionan sobre cómo han repercutido estas obras entre nuestras fronteras. Además, el compendio sirve tanto para hacer un repaso de la filmografía de figuras como Takeshi Kitano o Bong Joon-ho como para descubrir, a través de voces expertas en el campo, joyas escondidas que merecen ser recuperadas.
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Este es un viaje fascinante por algunos de los momentos más transitados de la historia del rock, los que van desde los inicios del rock progresivo y el advenimiento del glam y que concluyen con el nihilismo del grunge y el rock alternativo, sin olvidar la explosiónde color y sonido que supuso el punk. Toda una enciclopedia musical para conocer uno de los fenómenos culturales más importantes del siglo XX y una hermosa guía para adentrarse en un territorio que,no por conocido, no deja de fascinarnos. Y es que su autor, un formidable periodista y crítico musical, sabe encajar ala perfección el relato musical de una época con lasanécdotas e historias más curiosas que sucedieron a sus protagonistas.De ahí que la lectura de este libro-que complementa el anterior Crónica del rock. Desdesus orígenes a la psicodeliasea toda una experienciainspiradora y entretenida.
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El flamenco no fue un espectáculo, ni nació para serun espectáculo: era la forma de expresión de un pueblo más bien inarticulado, eran los poemas que decíana gritos de llanto unos analfabetos que no podían expresarse de otra manera, eran los lamentos de amor deun tosco primitivo que apenas sabe hablar pero que alrecibir la herida se expresa de ese modo. ¿Quién podría pensar que ese lamento íntimo, que ese llanto musical, que ese abrirse las carnes para enseñar el corazón, pudiera ser un día taquillero? , afirmaba EdgarNeville en su '' Flamenco y cante jondo '' (1963).Ignoramos si Neville incluía la pantalla en su reflexión, pero la relación entre el cine y el flamenco comienza desde las primeras películas del período mudo,y ha ido creciendo a partir del sonoro bajo múltiples perspectivas, desde las apariciones más o menos puntuales de artistas (cantaores, bailaores, tocaores, etc.) al relieve dramático de la propia música, tantoen películas de ficción como documentales. El presente volumen verifica el ingente trabajo de no pocos años previo a la fase de escritura, compuesto de visionados, audiciones, lecturas, consultas, entrevistas, viajes, búsquedas diversas, paciente confrontación de datos... Brota de una intensa pasión de los autores por el flamenco, por el cine..., y por el flamenco en el cine. Esta pasión ha creado y determinado el libro,cuya naturaleza aúna la obra de consulta con el ensayo, al abrigo de esta música de peculiar belleza y especial dignidad. Se incorporan además cientos de ilustraciones, por lo común inéditas y de gran diversidad (fotos y carteles de películas, retratos de músicosy cineastas, actuaciones y portadas, etc.).
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En poco más de dos décadas, Denis Villeneuve ha pasado de realizar pequeñas obras experimentales en su Canadá natal a comandar deslumbrantes superproducciones protagonizadas por grandes estrellas. Cualquiera diría que su carrera, como la de tantos otros directores, pasó de la inquietud artística al magnetismo del cine comercial, pero nada más lejos de la realidad. Villeneuve es una anomalía dentro de la industria, un hombre con la asombrosa habilidad de mantener un discurso inalterable en contextos y géneros totalmente diferentes. Desde el arriesgado blanco y negro de Polytechnique al apabullante despliegue visual de Dune, pasando por propuestas desafiantes como Incendies, Enemy, Sicario, La llegada o Blade Runner 2049, el cine de Villeneuve ha transitado siempre por el camino de la tragedia, la búsqueda de la identidad y la decadencia de un mundo presidido por la violencia. Una mirada desconcertante en la que, sin embargo, siempre hay lugar para la esperanza. Sus protagonistas atraviesan un letargo existencial hasta que la vida les golpea con crueldad, y entonces, en lugar de desfallecer, deciden que ha llegado el momento de vivir y de luchar. Villeneuve: La mirada salvaje recorre la obra de un cineasta de inalterable voluntad, un genio contemporáneo capaz de convertir cada nuevo proyecto en una experiencia única e irrepetible.
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