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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Recorrer las páginas de este libro es iniciar un viaje a muchos mundos. Transitar por ellos es otro modo de acercarse a la obra de Cortázar. Cinéfilo apasionado, sus gustos fueron cambiando con los años y al final las influencias fueron recíprocas: el cine basado en Cortázar se alimentaba de una literatura que se nutría del cine. Quien quiera explorarlo encontrará en este libro la llave oportuna. Diego Sabanés.A mí el cine me ha influido mucho. No creo que se note demasiado en lo que escribo, pero es una cosa subterránea. Hay todo un sistema de imágenes en el cine que yo no sería capaz de explicar, pero cuya presencia siento en mí de forma subliminal. Julio Cortázar.
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He aquí un libro que alumbra con luz viva, quirúrgica, porciones inmensas de geología cinematográfica. Esto se debe a que Garci alude alguna forma de ver cine que era una forma de ser, una forma de creer y de salvarse. Muchas películas memorables las recuerda Garci no como películas, sino como acontecimientos íntimos de su vida. Es el hombre de cine total... Maravilloso
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La danza es el arte del cuerpo en movimiento. La memoria que se activa al bailar contiene imaginarios y corporalidades resultantes de sus propias historias. El estudio de los contextos y el análisis de los lenguajes, códigos, gestualidades y símbolos ayudan a entender críticamente cómo se construyen las identidades a través del tiempo como resultado del encuentro de lo colectivo y lo diverso. Este libro propone un recorrido introductorio a la historia de la danza occidental entre la Antigüedad y la Edad Contemporánea a través de sus claves y contribuciones principales. En él se reúnen las líneas que han definido los relatos históricos aunando piezas destacadas, fuentes primarias y bibliografía principal. A ello se suman referencias a la transculturalidad, el descentramiento y el intercambio internacional que interpelan a otras escrituras de las historias danzadas con las que expandir el conocimiento de/sobre/desde el cuerpo danzante.
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DESCUBRE EL DESLUMBRANTE IMAGINARIO GRÁFICO DE UNO DE LOS DIRECTORES DE CINE MÁS INCONFUNDIBLES DE NUESTRO TIEMPO Conocemos a Álex de la Iglesia por sus obras como director de cine, por sus logros como productor, por la proyección internacional de sus cintas, por dejar huella como cineasta y por sus personalísimas incursiones en el cine de género. Títulos como Acciónmutante, El día de la Bestia, Balada triste de trompeta, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi o 30 monedas forman partede una extensa filmografía que lo ha consagrado como uno de los directores más influyentes de nuestro cine. Este libro, a través de ilustraciones y ensayos, se centra en la faceta gráfica de Álex: sus cómics, bocetos, apuntes de ideas,storyboards, planificaciones de rodajes, diseños para juegos de rol, flyers y dibujos, entre otras formas de expresión, quenos muestran sobre el papel cómo se gestan y nacen las ideas que este visionario director convierte luego en películas inolvidables
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Un grupo de autores homenajean la película de José Luis Garci Sesión continua, considerándola como referente de todos aquellos que aman el cine. El libro cuenta con textos de los propios artífices del film, otros de análisis y homenaje, así como una entrevista y prólogo del propio Garci.
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DESCUBRE LOS SECRETOS DEL RODAJE DE UNO DE LOS GRANDES CLÁSICOS DE STEVEN SPIELBERG E. T. el extraterrestre, una de las películas recordadas con más cariño de la historia del cine, es, además, la más personal e icónica del director Steven Spielberg. Este libro profundiza en los archivos de producción para presentarte, de la manera más completa y apasionante, la creación de la obra maestra de Spielberg y el impacto que todavía tiene en varias generaciones de admiradores. Incluye entrevistas exclusivas con una parte clave del equipo, como Spielberg, la productora Kathleen Kennedy y las estrellas Robert MacNaughton, Dee Wallace y Peter Coyote. E. T. el extraterrestre: la historia visual definitiva revive la historia de una extraordinaria producción que trascendió los límites de lo que era posible en el cine. Cargado de imágenes poco conocidas, el libro incluye fotografías promocionales, arte conceptual, storyboards y contenido del universo de E. T. al completo, como los artículos de publicidad comercial de la película, la novela y su secuela, y la atracción de Universal Studios. E. T. el extraterrestre: la historia visual definitiva constituye el homenaje perfecto para una película que definió la magia del cine, y es un libro imprescindible para cualquier entusiasta de este apreciado clásico spielbergiano.
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«Hay que hacer camino ignorando todo lo que sabemos, para tener -al menos- la oportunidad de conocernos un poco más. El cuerpo no es sólo un medio ni un instrumento: es el objetivo.» Ante la incertidumbre y el miedo a lo desconocido, Andrés Corchero propone la modestia: aceptar que no sabemos hacia dónde debemos ir y confiar. Así aparece la intuición y nos indica el camino para seguir adelante. Este bailarín, coreógrafo y docente, que ha dejado una impronta imborrable en la cultura coreográfica de nuestro país, tuvo que marcharse a Japón para encontrar a sus maestros, Min Tanaka y Kazuo Ohno, con quienes aprendió a bailar arraigado en el cielo tanto como en la tierra y se hizo consciente de la constante mutabilidad del paisaje y de la vida incluso más allá de la muerte.
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Tras los libros de Paulino Viota sobre Ford y Godard, aparecidos en esta misma colección, ha llegado el momento de homenajear al autor y hombre de cine en su faceta de profesor, un docente carismático, divertido, profundo, que penetra junto a sus alumnos en la historia del cine como en un refugio cotidiano desde el que contemplar el mundo y afilar la imaginación. Se transcriben aquí (salvando, en la medida de lo posible, la singularidad de la palabra y la teatralidad de los gestos de aquel contexto privilegiado) las cinco clases de un curso de 2012 sobre la teoría del cine de Eisenstein impartido en la Filmoteca de Santander, en las que asistimos a la paulatina clarificación del complejo pensamiento de uno de los mayores cineastas que han existido, a su vez principal teórico del montaje -desde sus posibilidades rítmicas, plásticas y orgánicas, a sus capacidades relacionales, afectivas e intelectuales-. Pero El genio de Eisenstein es mucho más que el trazo de un curso o la memoria compartida de la enseñanza de un experto, ya que Viota, para paliar la ausencia de las proyecciones de fragmentos fílmicos que interrumpían el flujo de las explicaciones, ha completado un exigente apartado de análisis y descripciones (que diseccionan los momentos álgidos de la obra del director de El acorazado Potemkin o las secuencias de otras películas traídas a colación, como el inolvidable «camino hasta el beso» de Recuerda de Hitchcock), lo que supone su mayor aportación hasta la fecha a la obra del venerado artista soviético. Libro bifronte, inaudito y a contracorriente, El genio de Eisenstein trae noticias de cuando los cineastas y las películas pensaban, también del tiempo en que los cinéfilos intentaban comprender, con paciencia y dedicación, cómo y por qué lo hacían.
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L'Esbart Dansaire de Rubí va néixer l'any 1923 com una secció del Centre Parroquial de la ciutat. La renovació viscuda per l'entitat a partir del 1952, quan prengué el mític Esbart Verdaguer com a model, i la direcció ininterrompuda d'Albert Sans durant trenta-cinc anys van situar-lo al capdamunt dels esbarts de Catalunya, tant per la seva tècnica i sentit escènic com per la tasca d'investigació i creació de noves coreografies, sempre fidels als materials tradicionals. Sota la direcció d'Eduard Ventura i, actualment, de Jordi Rubio, director del grup des de l'any 2005, l'esbart ha maldat per fer-se una posició en la cartellera cultural del país.
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A lo largo de su carrera, Boal ha tenido que enfrentarse a la opresión en todas sus formas, lo que ha impulsado su creencia de que el teatro es el medio para crear un futuro y un presente mejores, y su dedicación plena a la investigación y desarrollo de diversos métodos que han inspirado y nutrido las prácticas de docentes, teatristas y psicoterapeutas de todo el mundo. El arcoiris del deseo es una lectura fascinante y completamente accesible tanto para quienes ya estén familiarizados con el trabajo de Boal, como para quienes quieran adentrarse en las técnicas del Teatro del Oprimido, y para todo profesional de la salud que desee sumar herramientas indispensables para su desarrollo y el acompañamiento terapéutico. Estas técnicas pretenden ayudar a analizar los colores de nuestros deseos y voluntades, para armonizarlos de manera diferente, con otras proporciones, con otras formas y en otros lienzos más acordes con nuestra felicidad.
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«Cal fer camí ignorant tot el que sabem, per tenir -com a mínim- l'oportunitat de coneixe'ns una mica més. El cos no és només un mitjà ni un instrument: és l'objectiu.» Davant la incertesa i la por d'allò desconegut, Andrés Corchero proposa la modèstia: acceptar que no sabem cap a on hem d'anar i confiar. Així és com apareix la intuïció i ens indica el camí per continuar. Aquest ballarí, coreògraf i docent, que ha deixat una empremta inesborrable en la cultura coreogràfica del nostre país, va haver de marxar al Japó per trobar els seus mestres, Min Tanaka i Kazuo Ohno, amb qui va aprendre a ballar arrelat al cel tant com a la terra i es va fer conscient de la mutabilitat constant del paisatge i de la vida fins i tot més enllà de la mort.
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El aire viaja desde los pulmones hasta la piel, sale del cuerpo transformado en movimiento. Cada cuerpo singular indaga en una partitura de movimiento, teniendo su lugar en la coreografía, forma parte de un coro de voces propias. La danza de Marina Mascarell sugiere percepciones, evoca pensamientos, estimula sensaciones. Cuestiona los patrones tallados y grabados en el cuerpo. Libera las palabras y su significado. Este libro es un despliegue de retratos múltiples, escritos por personas que han compartido con ella el sudor y el placer en la sala de ensayo, además de un autorretrato en forma de cuaderno de creación. Un collage sobre el universo creativo de Marina Mascarell: sobre cómo y por qué corporeiza el pensamiento.
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En el 60 aniversario del film Matar un ruiseñor, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, el reparto, el director, la banda sonora, la parte jurídica... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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En 2013, Sanchidrián revolucionó las redes sociales con su página de Facebook Sinopsis de cine. Hoy, su particular estilo y su personalísimo sentido del humor se han convertido no solo en virales en las redes sociales, sino que ya forman parte de la propia vida diaria. Esta nueva edición de Minotauro presenta 120 sinopsis de las películas más famosas de la historia del cine.
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La deliciosa suma de dos pasiones: el cine y los mapas¿Qué sucede cuando se une la pasión por las películas con la pasión por la cartografía? El resultado es este libro, premiado en The Frankfurter Buchmesse Film Awards donde se han creado ilustraciones convertidas en maquetas a escala de grandes obras cinematográficas. Espectadores y fans ya han recorrido antes cada centímetro de estos viajes en la pantalla, atravesando bosques y selvas y sobrevolando planetas y estaciones espaciales. Y ahora, a través de estos mapas, pueden revisitar sus películas favoritas desde una nueva perspectiva y de una forma original y desconocida. Además, cada mapa viene salpicado de algunos de los mensajes subliminales de las películas, como el cubo de Troy (Los Goonies) o la bala de heno que bloquea la carretera (Wet Hot American Summer). Todo esto acompañado de explicaciones para comprender mejor por qué nos encantan estas películas y por qué tienen tanta repercusión.
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Les reflexions sobre el món del teatre, la poesia i la traducció d'una de les veus més reconegudes de la cultura catalana.Aquest volum comprèn diferents textos de Feliu Formosa (reconegut poeta, traductor, dramaturg, assagista, actor i director escènic català) escrits entre el 1969 i el 2001, que giren al voltant dels tres grans camps en els quals ha basat la seva tasca intel·lectual i professional: el teatre, la poesia i la traducció. Hi podem trobar pròlegs, presentacions de llibres, ponències per a simposis i jornades diverses, comentaris per a espectacles teatrals, etc. I també s'hi inclouen textos sobre dos temes als quals l'autor ha dedicat molts anys de la seva carrera: la literatura alemanya i Bertolt Brecht, de qui Formosa ha traduït molta obra i ha coordinat la publicació del seu teatre complet. La seva llarga experiència en el camp de la traducció, la seva tasca poètica que se'n deriva i la seva relació directa amb la pràctica escènica poden conferir un gran interès a aquests textos assagístics sobre la llarguíssima experiència d'aquest autor català dins el món de la cultura catalana, que va ser premiada amb la concessió del Premi d'Honor de les Lletres Catalanes l'any 2005. L'autor treballa en un segon volum que comprendrà textos del 2001 fins a l'actualitat.
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Historia del cine negro que apuesta por la línea más pura y genuina del género: la inspirada en la mejor literatura negra del pasado, Chandler, Hammett, Cain, Irish , o del presente, Dennis Lehane, Michael Connelly, etc. Es decir, la que favorece la dimensión crítica y poética que fundamentó el género en su mejor época.Y es que existe una creciente tendencia a englobar bajo la denominación noir todo el cine policíaco, desde el murder mistery tipo Agatha Christie a las cintas de gangsters o los thrillers de pura acción. Lo cual, para el autor del libro, es desnaturalizar en cierta medida las constantes de origen literario que hicieron grande a este género de tan peculiar y bella especificidad.La presente obra intenta rastrear lo más genuino cine negro (norteamericano, pero también europeo) mediante un recorrido en el tiempo que abarca, desde esas piezas maestras de mediados del siglo pasado que son El halcón maltés, Laura, Perdición o Sed de mal, hasta las no muy abundantes pero también espléndidas cintas que sigue por suerte produciendo el siglo XXI como pueden ser Puro vicio (Thomas Anderson) o Perdida (David Fincher).
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A principis de setembre de 2018, l'excèntric equip d'Andergraun Films, liderat pel director Albert Serra i la productora i actriu Montse Triola, arriba a l'Alentejo, al sud de Portugal, per rodar la que serà la pel·lícula més provocadora i procaç del cineasta de Banyoles: Liberté , que acabarà guanyant el prestigiós premi especial del jurat al Festival de Cannes de 2019, dins la secció Un Certain Regard. Entre els actors destaquen dues velles glòries del cinema europeu: Helmut Berger ?adonis del cinema de Visconti? i Ingrid Caven ?musa de Fassbinder. La pel·lícula es rodarà de nit, en ple bosc, on s'escenificaran les sàdiques trobades sexuals d'un grup de llibertins del segle XVIII. Per documentar aquesta aventura, Albert Serra va convidar el poeta Gabriel Ventura a escriure una crònica del rodatge. La nit portuguesa s'endinsa en la peculiar manera de treballar ?oberta a l'imprevist i l'atzar? d'un dels directors més originals del cinema contemporani.
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Este libro reúne consejos y advertencias para los actores y actrices que piensan orientar su carrera haciael teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas «audiciones». Estapráctica recurrente e ineludible es siempre u
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APRENDE LOS SECRETOS QUE SE ESCONDEN TRAS LA CREACIÓN DEL ÉPICO VIDEOJUEGO DEL MUNDO MÁGICO: HOGWARTS LEGACY. El arte y la creación de Hogwarts Legacy es un viaje por la creación del videojuego de rol inmersivo de mundo abierto ambientado en el mundo que nos presentaron los libros y las películas de Harry Potter. Ve más allá del juego a través de entrevistas exclusivas al equipo de desarrollo, bocetos asombrosos, renders e ilustraciones mientras te sumerges en la creación de esta aproximación única a este mundo tan querido por muchos. ARTE CONCEPTUAL ORIGINAL: Incluye muchas piezas de hermoso arte conceptual inéditas que se usaron para construir convincentes escenarios del mundo mágico como Hogwarts, Hogsmeade, Gringotts y muchos otros. ENTREVISTAS EN EXCLUSIVA: Lee los comentarios del equipo de desarrollo sobre el proceso de creación de este excitante nuevo capítulo en la historia del Mundo Mágico. PERSONAJES, LUGARES Y MAGIA: Estudia a fondo los cautivadores personajes, detallados entornos y el asombroso sistema para la magia con el que se ha dado vida a Hogwarts Legacy. MIRA DETRÁS DEL JUEGO: Descubre un montón de divertidas anécdotas y datos sobre el proceso de creación del videojuego, desde la creación de escenarios al diseño de la jugabilidad. Sé testigo del trabajo y talento que requiere una experiencia de juego tan inmersiva. EL COMPLEMENTO PERFECTO PARA EL VIDEOJUEGO: Este hermoso volumen es ideal para los gamers coleccionistas y para los fans del Mundo Mágico.
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En 2019, la plataforma de streaming Disney+ se estrenaba llevando como punta de lanza la primera serie live action de Star Wars de la historia: The Mandalorian. Esta se convertiría rápidamente en todo un éxito para la compañía, que atestiguaba cómo las aventuras de Din Djarin y Grogu no solo colmaban las expectativas de los fans más exigentes, sino que trascendían a la cultura popular, gracias al carisma de dos personajes que contra todo pronóstico alcanzaban el estatus de icono, solo deparado a los grandes clásicos de la franquicia como podrían ser Yoda, R2-D2 y C-3PO, la Princesa Leia o el mismísimo Darth Vader. El éxito de The Mandalorian ha llevado a Lucasfilm a diseñar todo un universo a su alrededor, el mandoverso, el cual, nutrido por una serie de spin-offs, enriquece aún más la trama del Mandaloriano y su adorable hijo adoptivo. Con el anuncio del salto de la serie a la gran pantalla, la historia de estos ya míticos personajes no ha hecho más que comenzar. This Is the Way: La creación de The Mandalorian y su universo es un recorrido por el proceso creativo que se esconde tras uno de los productos de Star Wars más exitosos en los casi 50 años que cumple la saga. En sus páginas el lector se adentrará en el corazón de la apasionante historia que llevó a la elaboración de la serie, al diseño de sus personajes, al desarrollo de la tecnología aplicada para su rodaje, así como al del resto de aspectos técnicos. El análisis de su historia y el impacto que todo ello ha tenido en un público que ha catapultado al pequeño Grogu al estrellato será sin duda parte del camino... This is the way.
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Rompiendo con la temática naíf, las líneas curvas y el acercamiento al realismo, un grupo de insurrectos artistas de los Walt Disney Studios, decidieron crear su propia empresa de animación: United Productions of América, más conocida como la UPA. Su apuesta por un estilo de dibujo cercano al de la prensa, de diseños simplificados, líneas rectas, colores que desbordaban el contorno de los personajes y fondos decididamente bidimensionales, una animación rompedora, estilizada, que se desprende de la fluidez del movimiento real y entra en sintonía con la música jazz, y unas historias que conectan con las familias de clase media de las grandes ciudades del mundo occidental, donde existen los atropellos, los juicios amañados, los problemas financieros o los desencuentros del amor, convirtió a la UPA en el estudio más influyente en la industria de la animación internacional en la década de los años cincuenta, estableciendo las bases de un estilo que, aún hoy, es seguido por un buen número de animadores en todo el globo. Adrián Encinas (Animandoi lo impsible, Yabba Dabba Doo! La animación ilimitada de Hanna-Barbera ) vuelve a sumergirnos de una forma amena, pero a la vez profunda en el maravilloso mundo de la animación. El libro cuenta con un prólogo de José Luis Ágreda.
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Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral.CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra.VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International.
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Una película histórica permite aproximarse al acontecimiento, a los personajes y a los problemas de la época narrada, pero también supone una importante fuente de información acerca de la visión que tuvieron sobre ese hecho histórico las autoridades del país productor. A su vez, su éxito o fracaso en la taquilla dice mucho acerca de la sintonía entre la opinión pública y la oficial. En esta nueva edición revisada y actualizada, José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona, demuestra cómo a través de «El Gatopardo», «Lo que el viento se llevó», «¡Viva Zapata!», «Octubre», «Bienvenido Míster Marshall» o «Muerte de un ciclista» podemos saber más de la Unificación italiana, la Guerra de Secesión, la Revolución mexicana o la rusa, y la España rural o urbana del franquismo. Articuladas en veinticinco capítulos que abarcan desde la Revolución francesa hasta la Guerra de Vietnam -o lo que es lo mismo, desde «La Marsellesa» hasta «Apocalypse Now»- y acompañadas de los correspondientes fotogramas, cronologías y breves estudios sobre el contexto de la época, las «100 películas sobre Historia Contemporánea» aquí recogidas constituyen un magnífico ejemplo de las inmensas posibilidades de la utilización del cine como medio de enseñanza de la historia.
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Este libro contiene una pequeña pero sentida muestra de la escena española, una mínima cata de ese paisaje del que participan el teatro, el cine y la televisión. Se trata de textos ditirámbicos, laudatorios, sobre algunos de los personajes que alumbran los platós y los escenarios españoles, un breve recopilatorio, a modo de perfiles subjetivos, en los que el autor trata de significar algún matiz diferencial en el trabajo de cada uno de los profesionales que integran este volumen. Son breves textos con los que se aspira a desvelar la excelencia de la escena española: aquellas singularidades, que son muchas, de quienes destacan (sean actores, directores, guionistas u otros profesionales de este grandísimo universo) en cada una de sus disciplinas, hasta el punto de cautivarnos, de seducirnos, contribuyendo así --casi siempre con escaso reconocimiento de su esfuerzo y de su talento-- a la magia, a la emoción, a la fascinación de la escena.
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Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono. El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.). Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la «Guía del Cine».
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Tenemos en nuestras manos El teatro joven de 13 a 16 años, un completo recurso que concluye una trilogía pedagógica teatral, justificada y experimentada con un enfoque totalmente educativo y humanista. Como continuación de los dos textos anteriores: El juego dramático de 5 a 9 años y La dramática creativa de 9 a 13 años, escritos conjuntamente con la profesora Rosario Navarro y publicados en esta misma colección, Alfredo Mantovani completa su «sistema de teatro evolutivo por etapas» y corona su larga trayectoria como profesor de teatro con un libro lleno de sugerencias, estructuras y elementos probados para llevar a cabo prácticas artísticas con jóvenes. Entre sus numerosas aportaciones, merecen destacarse los pasos para conseguir una creación colectiva o la adaptación y puesta en escena de una obra teatral, como son una recreación del clásico Fuenteovejuna y una obra inédita titulada Adolescentes. De este modo, el autor cierra un trabajo innovador, fruto de su afán por delimitar un campo específico que necesitaba un marco referencial teórico, con la novedad de considerar a los adolescentes «buscadores de su identidad», que necesitan ser tratados como «comunicadores» más que como actores o actrices.Sin duda, una obra útil para docentes, profesores de teatro, animadores o monitores, que podrán multiplicar con eficacia las actividades dramáticas en institutos, colegios, escuelas de teatro, clubs de tiempo libre, asociaciones juveniles, centros culturales y allí donde exista un grupo de jóvenes con ganas de expresarse.
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El productor accidental relata las peripecias de un productor novel que se enfrenta a las dificultades de financiar, organizar y distribuir una película. Utilizando como hilo conductor su propia experiencia como productor de La plaga, una película dirigida por Neus Ballús que fue estrenada en la Berlinale y cosechó un amplio reconocimiento internacional, el autor se adentra en los pormenores de un oficio bastante desconocido por el gran público, al tiempo que él mismo va aprendiéndolo sobre la marcha. Con un estilo ágil, fluido y lleno de humor, Pau Subirós compone una narración trepidante que nos lleva desde las primeras reuniones de guión hasta el estreno de la película en los cines y su circulación por los festivales de medio mundo, una sucesión de acontecimientos inesperados y variopintos que el autor aprovecha para examinar con agudeza los engranajes, los porqués y los agujeros negros de la creación cinematográfica. Según el propio Pau Subirós afirma, El productor accidental es el libro que le hubiera gustado leer antes de emprender la aventura de producir una película. Un libro imprescindible para todo buen lector, para todo cinéfilo y, en especial, para los jóvenes inquietos que intentan adentrarse en los complicados vericuetos cinematográficos de nuestros días.
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Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causade su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCIÓNDEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y elcanto, la acentuación y la expresividad, el ritmo enel movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc.da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y directorde escena.
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El dietari d’El foraster recorre el paisatge més humàde Catalunya. Amb humor i tendresa, la particular visió d’en Quim Masferrer, el foraster, ens redescobreix tots els racons i les persones més entranyables decada poble visitat durant el programa. Una aventura gratificant, farcida de sorpreses, descobertes i persones anònimes que han omplert la part del darrere de la pick-up taronja de records inesborrables. Un dietari personal que també inclou imatges inèdites, fitxesinformatives, reflexions de l’autor, secrets del rodatge i del making of i que ens convida a conèixer la nostra geografia més emocional. Dotze pobles d'onze comarques diferents. Més de 4.000 quilòmetres de distància i més de 250 persones entrevistades. Més de 14 hores de monòlegs i més de 360 hores de material de rodatge. Dotze pobles tan petits que sumats fan un totalde 7.619 habitants, menys que la població de Ripollo la Bisbal d’Empordà. ''Visca la bona gent''.
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En el más puro estilo norteamericano, Escribir cine es un libro riguroso, escrito por profesores cualificados y expertos, y a la vez claro, práctico y muy entretenido. Contiene lecciones sobre los elementos fundamentales del oficio de guionista y profundiza en temas tan cruciales como la descripción, la voz, el tono y el tema, realiza también un análisis a fondo de cinco guiones brillantes, La jungla de cristal, Thelma y Louise, Tootsie, Entre copas y Cadena perpetua, y proporciona estrategias para vender el guión y entrar en el mundo del cine. Además, en cada capítulo se proponen ejercicios que paso a paso llevan al alumno desde la idea inicial al texto completo de un guión pulido y realizable.
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Go Rogue!Libro ilustrado repleto de espectaculares imágenes de los trabajos de arte (decorados, borradores conceptuales, storyboards...), es un recopilatorio visual para los fans de Star Wars y los futuros cineastas. El Arte de Star Wars: Rogue One es la expresión definitiva de cómo este spin off ha sido concebido. Nueva oportunidad de introducirse en el departamento de arte de Lucasfilm, encargado de crear mundos fantásticos, personajes inolvidables y criaturas inimaginables. Desde el inicial fichaje de artistas y diseñadores de producción en la sede central de Lucas pasando por los ajetreados Pinewood Studios hasta la fase de post-production en Industrial Light & Magic. SW The Art of Rogue One
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La década de 1990 es conocida como «la década del cerebro» por los grandes descubrimientos neurocientíficos, que reflejaban la importancia que ha tenido y tiene esta disciplina en todos los ámbitos: desde la salud, hasta la economía, pasando por el márke
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Este libro examina, desde una perspectiva genealógica atenta a la hibridación entre tecnologías, medios, usos y prácticas, la prolongada historia de la pantalla, desde sus orígenes con la pantalla cinematográfica hasta esa pantalla diminuta, ubicua y glo
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Desde hace décadas los guionistas han examinado la estructura de sus guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. La obsesión por destripar estructuras y actos, rastrear motivos y significados o mirar solo en el mundo audiovisual, ha logrado que la escritura de guión se haya convertido en un proceso aburrido, fatigoso y previsible, más propio de analistas y críticos que de creadores. Daniel Tubau, de acuerdo con los aires de renovación propiciados por los creadores o showrunners de las nuevas series de televisión, propone airear el cuarto mal ventilado de la escritura de guión y dejar que entre el aire fresco del gran arte narrativo. Frente a los trucos fáciles, las estructuras férreas y las fórmulas al uso, con una mezcla equilibrada de humor, ingenio y rigor, Tubau recuerda la riqueza de recursos que tiene a su disposición cualquier guionista. El espectador es el protagonista es a la vez un manual y un antimanual. Su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guión, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Un libro perspicaz en el diagnóstico, innovador en el aspecto teórico y muy estimulante en lo práctico que hará recuperar el placer de escribir no solo al guionista profesional sino a cualquier narrador inteligente. Daniel Tubau es también autor de Las paradojas del guionista y El guión del siglo 21, ambos publicados por Alba Editorial entre otros muchos libros de ensayo y ficción.
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Este libro trata sobre algunas modalidades de teatro aplicado. Un teatro para otros fines —no solo para los puramente estéticos—, que dirige su foco a ayudar a los individuos o colectivos con carencias en alguna dimensión personal o social, vivida como insatisfacción, exclusión, marginación u opresión. Aquí es donde el teatro interviene en el escenario de la vida, propiciando la percepción de la realidad, el aprendizaje y el cambio. Concebimos el teatro como una red neuronal social con una gran potencialidad de transformación —gracias a su plasticidad para modificar las cosas— y como un instrumento de reflexión, cooperación y empatía: un cerebro social en movimiento. De entre las diversas modalidades de teatro aplicado, este libro se centra en el teatro del oprimido, el teatro playback y la dramaterapia. Y trata de diseñar un marco teórico, exponer experiencias y proporcionar estrategias para la práctica profesional de profesores, educadores sociales, actores y psicoterapeutas, y, en general, para todas aquellas personas interesadas en el teatro no convencional.
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