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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos! Compra libros de cine y artes escénicas online. En esta sección disponemos de una gran selección de libros de cine y artes escénicas en distintos formatos (tapa dura y tapa blanda) y en múltiples idiomas (castellano, catalán, francés e inglés). Encontrarás las mejores lecturas sobre cine, teatro, circo, series y películas de distintos géneros, conocidos directores cinematográficos, actores y actrices, personajes de ciencia ficción, entre muchos otros temas.
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Este libro incluye tres guiones inéditos: la adaptación cinematográfica que escribieron GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ y CARLOS FUENTES para El gallo de oro, el guióndefinitivo de El gallo de oro y el primer guión paraPedro Páramo. Las relaciones de Juan Rulfo con el cinefueron más extensas de lo que el público no especializado suele suponer y cubren diversos campos en esta ?por definición? multifacética actividad. Douglas J. Weatherford ha estudiado todos los ángulos de estavinculación entre Rulfo, su obra y la cinematografíaa lolargo de los años, revisando archivos públicos yprivados tanto en México como en los Estados Unidos,ademásde reunir documentos y testimonios desconocidos hasta hoy para ubicarlos en una gran obra de investigación que Editorial RM y la Fundación Juan Rulfo han editado y cuyo primer volumen presentan este 2021.Las páginas del libro incluyen la investigación y textos deDouglas J.Weatherford y ensayos de José Carlos González Boixo y Fernando Mino.
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¿Por qué clasificamos algunas imágenes como arte? Entorno a estas preguntas fundamentales, el reconocidoteórico del cine, Jacques Aumont, reúne con la lucidez que lo caracteriza el conjunto de teorías y saberes vigentes sobre el tema de la imagen y los medios decomunicación y expresión. Aumont, bajo la óptica dediferentes disciplinas, aborda la imagen en sus distintos aspectos: como fenómeno de percepción, como objeto de una mirada por parte de un sujeto espectador, establece su relación con el espectador a través de unmedio o dispositivo, analiza su poder como herramienta, describe sus cambios a través del tiempo y enumera las características propias que la diferencian de otros lenguajes.
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¡NUEVA Y MEJORADA EDICIÓN DEL LIBRO DE REFERENCIA!Másde treinta años han pasado desde el estreno de Los Goonies y Regreso al futuro. Dos títulos que han inspirado a toda una generación de espectadores. Este libro abarca los años dorados de la productora Amblin Entertainment de Steven Spielberg, repasando películas como E.T. El extraterrestre, Poltergeist, El secreto de la pirámide y Gremlins, entre otras muchas.Un recorrido por una forma de entender y amar el cine, que nos hizo soñar con bicicletas voladoras y tesoros escondidos. Generación Goonies, la edición definitiva, aporta un mayor número de páginas y una nueva maquetación que hará las delicias de todos los seguidores de las décadas de los 80 y 90.
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* Si alguna vez le ha fascinado una película, un director o una buena fotografía, este libro es el indicado. Descubra los géneros y los movimientos cinematográficos más destacados. * Las películas constituyen una guía accesible e inspiradora sobre la historia del cine, que se completa con unos fascinantes análisis sobre las grandes obras maestras, ilustradas con las fotografías más representativas. * Una obra de referencia para todos los amantes del cine que les permitirá conocer el significado de las más conocidas producciones. Este volumen consta de una concisa presentación histórica que permite ubicar el cine en el contexto de los cambios sociales y culturales de cada etapa de su desarrollo. Organizado cronológicamente, el libro traza la evolución del cine, desde los más tempranos espectáculos de los farolillos mágicos, pasando por la era dorada de las salas cinematográficas, los autocines, los espectáculos al aire libre y los complejos multisalas. Profusamente ilustrado y con un texto claro y documentado, abarca cada uno de los géneros cinematográficos, desde los primeros filmes mudos, el cine de propaganda, los noticiarios, los lujosos musicales, las grandes producciones de Hollywood y Bollywood, las películas de culto, los éxitos de películas de bajo presupuesto o las comedias clásicas. Asimismo, el libro muestra una valoración de las ideas y trabajos de guionistas, directores y autores clave.
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En el 80 aniversario del film El gran dictador, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los actores, los paralelismos históricos, las influencias... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Entre 1996 y 2011 se suceden dos gobiernos de distinto signo y la sociedad española vive transformacionesrelevantes con la deslegitimación del terrorismo, laconvulsiones yihadistas y las reacciones belicistas,las emergencias humanitarias, la crisis económica, elfin de ETA y los nuevos sujetos políticos del movimiento 15-M en el inicio del segundo decenio del XXI. En el cine español surge una nueva generación de cineastas y el acceso de mujeres a trabajos de guion y dirección, es la principal emergencia de una cinematografía situada ante varias encrucijadas: la revolución digital, la diversificación de géneros y formatos, lasinnovaciones en la exhibición y los públicos más plurales, de un cine cada vez más transnacional y de identidad global. La aportación principal de este libroson los análisis de 131 películas que revelan la diversidad de géneros, estilos, figuras de ficción, personalidades, diálogos con la realidad, compromiso social o político, etc. del cine en estos años marcados por esas transformaciones. Se complementa este corpus con capítulos dedicados a trazar un panorama de la historia, política y sociedad de la España, a cartografiar las nuevas tendencias, evolución de autores, estilos y géneros, representaciones de conflictos contemporáneos y discurso político de nuestro cine, a dar cuenta del cine hecho por la generación de mujeres más numerosa de toda su historia, y a reflexionar sobre lapercepción social y la recepción pública de las películas. AUTOR José Luis Sánchez Noriega. Profesor de Teoría e Historia del Cine de la Universidad Complutense de Madrid y conferenciante en el centro de estudios para norteamericanos IES-Madrid. Ha sido coordinador del Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM-UAM-Museo Reina Sofía) y responsablecon la profesora Virginia Guarinos del proyecto de investigación I+D+i «Desplazamientos, emergencias y nuevos sujetos sociales en el cine español (1996-2011)»en el que se enmarca este libro. Entre sus publicaciones destacan Icíar Bollaín (Cátedra, en prensa), Universo Almodóvar. Estética de la pasión en un cineastaposmoderno (Alianza, 2017), Diccionario temático delcine (Cátedra, 2004), Obras maestras del cine negro(Mensajero, 2003, 2.ª ed.), De la literatura al cine(Paidós, 2000), Filmando el cambio social (Laertes, 2014), Trayectorias, ciclos y miradas del cine español(1982-1998) (Laertes, 2017) e Imaginarios y figurasen el cine de la postransición (Laertes, 2019).
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Un libro que reúne dos grandes pasiones: el cine y lahistoria, desde el punto de vista de quien conoce, ama y respeta ambos campos, sin olvidar en ningún momento que el cine, no es la realidad, y de que se tratade un arte. En un emocionante y ameno recorrido pordiversos acontecimientos históricos el lector que sesumerja en estas páginas podrá ver cómo se desvelan muchas ideas falsas, que se tienen por verdaderas gracias al cine. El autor le enseñará la manera en que combatía una falange macedónica o una legión del imperio romano, las posibilidades de realizar una efi ciente carga de caballería, la forma en que se enfrentabana muerte los campeones de la Edad del Bronce, lo hábiles que eran los legionarios romanos con un gladiushispaniensis en sus manos, o lo chapuceros que eran los ejércitos masivos que formaban los persas, a faltade un liderazgo competente y tropas de calidad. Siempre apoyado en conocidas películas que le hicieron emocionarse en su butaca.
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Las series han protagonizado el que quizá sea el fenómeno cultural más importante del siglo xxi. No sólo por su calidad narrativa, sino también por su capacidad para involucrar emocionalmente a grandes audiencias globales. The Sopranos, The Wire, Lost, Mad Men, Breaking Bad, Game of Thrones, Stranger Things, Black Mirror o Euphoria son, además, obras fundamentales para entender la sociedad, la geopolítica o las industrias creativas de nuestra época. Son sólo diez de las cerca de doscientas series que analiza el crítico cultural Jorge Carrión en este libro. Al ensayo publicado por primera vez en 2011, que se convirtió enseguida en un título de referencia sobre la tercera edad de oro de la televisión, le ha añadido cien nuevas páginas en esta edición actualizada, ampliada y definitiva, que se puede leer como una lectura de conjunto de la ficción televisiva y como una guía para orientarse en ese fascinante universo.
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Esta obra, escrita por historiadores de gran prestigio, cubre el vacío existente en nuestro país de un libro global sobre el cine español, es decir, una visión orgánica de conjunto diseñada y escrita con unidad metodológica. El presente volumen, resultado de una investigación interdisciplinar, no sólo va dirigido a un público especializado, ya que su análisis de un amplio periodo de la historia de nuestro país lo convierte en una interesante y amena lectura para el público general. El texto, que abarca desde los orígenes del cine hasta nuestros días, va acompañado de una cronología sociohistórica y de una exhaustiva bibliografía.
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Actualizado por el autor para la edición española, el presente atlas ofrece un panorama completo, detallado (con más de 10.000 referencias) y profusamente ilustrado (más de 250 tablas en color) de toda la historia del cine, desde sus comienzos a finales del siglo XIX hasta los inicios del presente. Tras un examen general de la situación de los diez últimos decenios, que recoge los principales descubrimientos tecnológicos, las escuelas (expresionismo, nueva ola, cine experimental...), corrientes y tendencias que han acompasado su evolución, cada cinematografía nacional se desarrolla siguiendo un discurso cronológico que tiene en cuenta el contexto, sociopolítico, económico y cultural. Un índice temático de las tablas ofrece útiles indicaciones y la posibilidad de leer la obra sólo a partir de la imagen. Por último, una bibliografía, un índice onomástico y uno de títulos complementan este Atlas que se dirige tanto a un neófito como a un cinéfilo experimentado.
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Pensado para que el guionista lo tenga siempre a mano, El estándar de Hollywood proporciona mucho más que el mejor software de guiones: instrucciones claras y cientos de ejemplos para resolver todo interrogante sobre el formato: - cuándo es apropiado un nuevo encabezamiento de plano y cuándo no, - cómo dar formato a los encabezamientos de plano, diálogos, indicaciones de dirección y transiciones, - cómo controlar el ritmo con el formato, - cómo hacer que una página de guion resulte visualmente atractiva para el lector, - qué poner en mayúsculas y por qué, - cómo entrar y salir de una toma PDV, - cómo manejar los mensajes de texto y las reuniones Zoom, - cómo los guionistas más innovadores de Hollywood están ampliando los límites del formato, - cómo el formato para animación difiere de los formatos de acción real... En pocas palabras, Riley sabe más que nadie en Hollywood sobre el formato de guiones y lo comparte todo en esta guía indispensable.
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Entrades clownesques
Poc es pensava Tristan Rémy que, quan va crear aquest compendi d'entrades de pallasso, números històrics que tothom ha vist alguna vegada, també crearia sense voler un autèntic llibre de culte. Amb el pas dels anys, Entrades clownesques s'ha convertit en un tresor per als professionals del clown, però també en un divertidíssim llibre de pràctica teatral, pràcticament un manual pedagògic, per als seguidors i amants de l'ofici més bonic del món: el de pallassa i pallasso.
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En 2019, la plataforma de streaming Disney+ se estrenaba llevando como punta de lanza la primera serie live action de Star Wars de la historia: The Mandalorian. Esta se convertiría rápidamente en todo un éxito para la compañía, que atestiguaba cómo las aventuras de Din Djarin y Grogu no solo colmaban las expectativas de los fans más exigentes, sino que trascendían a la cultura popular, gracias al carisma de dos personajes que contra todo pronóstico alcanzaban el estatus de icono, solo deparado a los grandes clásicos de la franquicia como podrían ser Yoda, R2-D2 y C-3PO, la Princesa Leia o el mismísimo Darth Vader. El éxito de The Mandalorian ha llevado a Lucasfilm a diseñar todo un universo a su alrededor, el mandoverso, el cual, nutrido por una serie de spin-offs, enriquece aún más la trama del Mandaloriano y su adorable hijo adoptivo. Con el anuncio del salto de la serie a la gran pantalla, la historia de estos ya míticos personajes no ha hecho más que comenzar. This Is the Way: La creación de The Mandalorian y su universo es un recorrido por el proceso creativo que se esconde tras uno de los productos de Star Wars más exitosos en los casi 50 años que cumple la saga. En sus páginas el lector se adentrará en el corazón de la apasionante historia que llevó a la elaboración de la serie, al diseño de sus personajes, al desarrollo de la tecnología aplicada para su rodaje, así como al del resto de aspectos técnicos. El análisis de su historia y el impacto que todo ello ha tenido en un público que ha catapultado al pequeño Grogu al estrellato será sin duda parte del camino... This is the way.
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Edición ampliada con intervenciones de Sara Mesa, Mariana Enriquez, Carla Simón, Pilar Pedraza, Christina Rosenvinge, Elisa Victoria y muchas más. «Un libro lúcido y valiente sobre cómo el cine de terror ayuda a pensar el duelo, la soledad, la violencia sexual, la locura y ese pavor que te sigue, de noche, en la calle oscura.» MARIANA ENRIQUEZ «Una visión del horror que duele por su honestidad y emociona por su belleza, que desenmascara aquello que esconde la oscuridad de un cine: que el alma de las películas de terror es inmensa, libre y, sobre todo, femenina.» J.A. BAYONA Tengo miedo a caminar sola de noche por la calle. Miedo a no ser aceptada. Miedo a obsesionarme con el amor romántico. Miedo a desactivar los roles tradicionales en mis relaciones sentimentales y familiares. Miedo a desear. Miedo a mi propio cuerpo y al ajeno. Miedo a engordar y envejecer. Miedo a fracasar como madre, y a la presión social por la maternidad. Miedo a la pérdida. Miedo, en general, a no estar a la altura. Tengo mucho miedo. Todo el rato. Pero el cine de terror me ha ayudado desde que era niña: a la vez que alimentaba mis temores y generaba muchos nuevos, me ha brindado un lugar en el que cobijarme, en el que aprender. Ahora que tengo más herramientas para combatirlo soy capaz de enfrentarme a él. De ganar al miedo.
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Las imágenes generadas por el poder utilizan determinados motivos visuales bajo los cuales se oculta una suma de protocolos interesados que les proporciona su auténtico sentido. Ante esta constatación, los cuarenta capítulos y las dos adendas que conforman El poder en escena responden a la necesidad de ejercer de rastreadores de estos iconos de la esfera pública para descifrar así la naturaleza de estas imágenes que parecen rutinarias y espontáneas, y ante las cuales no solemos interrogarnos. Solo con hacerlo y detenernos en cada motivo para nombrarlo, ya se da un paso decisivo para reconocer su sesgo ideológico. Esos motivos visuales se generan desde el campo de la política, quizá los más notorios por su voluntad propagandística desde la economía, siempre basados en la ocultación de su poder real del poder judicial, otro ámbito donde la opacidad es norma de los cuerpos policiales, que construyen motivos de aparente objetividad o de algunos rituales sociales que se repiten de manera insistente y enigmática. El hecho de ahondar en los orígenes iconográficos de cada motivo -en el cine, la pintura, la fotografía o la arquitectura y sus posteriores ramificaciones- nos permite cuestionar las formas visuales que los distintos ámbitos de poder utilizan para autorrepresentarse. Y al mismo tiempo sirve para preguntarnos por la génesis y evolución de estas formas, dar testimonio de su falsa transparencia y devolver así una mirada crítica e irónica ante el poder que las genera.
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Los documentales más interesantes y de visionado imprescindible que demuestran que la verdad es muy a menudo mucho más fascinante que la ficción.Cine documental es una recopilación fascinante de documentales de orígenes diversos que durante los últimos años han asombrado al público, y donde, además de ahondar en su contenido, se detalla cómo se rodaron, se argumenta por qué hay que verlos y se sugiere incluso qué ver a continuación. Los relatos van desde la oscarizada descripción de la clase trabajadora estadounidense de Harlan County, USA, de Barbara Kopple hasta la impresionante obra de James Marsh Man on Wire, o historias de resiliencia como Touching the Void, de Kevin Macdonald, o de injusticia sangrante como Enmienda XIII, de Ava DuVernay.Hay piezas que ganaron un Óscar pero también joyas desconocidas, pero todas ellas tienen en común que harán que una vez las hayas visto sientas la necesidad de decir a todo el mundo: «¡TIENES QUE VERLO!».
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En 1982, Conan, el icónico antihéroe literario de Robert E. Howard, se abrió paso a espadazo limpio desde la página impresa hasta la gran pantalla tras un accidentado periplo de décadas. Con su potente combinación de épicas panorámicas y sangrientas batallas, Conan el Bárbaro entusiasmó a los espectadores de todo el mundo e hizo despegar la carrera cinematográfica de Arnold Schwarzenegger. Cuarenta años después de su estreno, este clásico de culto es objeto de celebración en Conan el Bárbaro: La historia oficial de la película, un lujoso volumen en el que se relata la historia completa de cómo se hizo el filme. Entrevistas nuevas con el reparto y el equipo artístico y técnico, ade- más de numerosas fotografías del rodaje, detrás de las cámaras y en los escenarios naturales, así como una cobertura visual completa de los ambiciosos sets construidos y todo el arte conceptual creado por el equipo de producción nos proporcionan una mirada privilegiada y fascinante del desarrollo de uno de los largometrajes fantásticos más venerados de los años 80.
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DESCUBRE LOS LUGARES DEL MUNDO MÁGICO EN IMPRESIONANTES ESCENAS EN 3DRevisita el mundo mágico de Harry Potter mediante cuatro intrincados dioramas con múltiples capas que capturan localizaciones inolvidables de las películas. Desde Hogwarts y Hogsmeade hasta el Callejón Diagon y el Ministerio de Magia, todas las escenas están recortadas con láser para obtener la mayor precisión y un magnifico nivel de detalle. Cada una de ellas va acompañada de información esencial sobre los lugares mágicos, además de divertidos datos sobre la creación de las películas. Diseñado para fascinar tanto a los fans veteranos de Harry Potter como a los niños, este libro es un tesoro para toda la familia.Harry Potter brotó de la imaginación de J.K. Rowling para rebelarse contra el mundo que, aparentemente, le venía impuesto. Su inmersión en una dimensión mágica emancipada de la realidad cotidiana se convirtió en el eje de sus emocionantes aventuras. Pero trasladar ese mundo fantástico a la gran pantalla entrañaba grandes dificultades. Este álbum nos desvela los secretos de esa traslación. El principal responsable de ese traslado fue el del diseñador de producción Stuart Craig, que se impuso el reto de presentar primero el mundo convencional de los «muggles» para, acto seguido, dotarlo de magia añadiendo elementos sorprendentes que permiten percibir el paisaje al mismo tiempo como normal y extraordinario. Lugares mágicos es un libro de escenas de papel que captura el encanto de los escenarios del ciclo cinematográfico de Harry Potter revelando detalles ocultos sobre los paisajes mágicos y revelando cómo cobraron vida en la gran pantalla.
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Hollywood produjo en 1940 un buen puñado de grandes películas. Con muchos de los mejores directores de laHistoria en activo, y gran parte del Star System en pleno apogeo, la cosecha fue realmente prodigiosa. Este libro recoge los grandes estrenos de aquel año unopor uno acompañado de un gran despliegue gráfico.
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Hay pocos artistas tan provocadores como Bruce LaBruce, el incendiario autor queer punk que es admirado y censurado a lo largo de todo el planeta. Su empeño por unir la alta y la baja cultura (por ejemplo: el cine independiente y el porno la alta costura y el gore) parece la ejecución de su propia definición de glamour: la elegante unión de dos estilos o ideologías aparentemente contradictorios. Paralela a su cine y su fotografía, LaBruce ha desarrollado durante décadas una profusa labor de escritor en numerosos medios, publicando textos ácidos, inteligentes y descarnados que oscilan entre el relato, el ensayo y la reseña. Presentados por primera vez en español, este volumen recoge una selección de esos textos, donde la mirada del autor nos ofrece un retrato de la cultura underground de finales de los 90s y principios de los 00s, llevándonos de Julia Roberts a Dereck Jarman pasando por Debbie Reynolds, River Phoenix y Gus Van Sant, al tiempo que relata vivencias en lugares como Nueva York, Berlín, Toronto, Milán o Tel Aviv. Scott Thompson dijo de él una vez: «Puede que yo suela pasarme levemente de la raya, pero Bruce la cruza de un salto, la lame, la rompe y la quema».
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EL MEJOR LIBRO DE MAZINGER PUBLICADO NUNCA! Descubretodos los secretos de Mazinger Z en esta exhaustiva obra que desvela las incógnitas de la serie de animación! Sumérgete en la historia de Mazinger Z, conoce atodos los personajes y explora cada rincón del Instituto de Investigaciones Fotónicas. Además, esta guía,te permitirá identificar a todas las Bestias Mecánicas, aprenderás los misterios que se esconden tras losdiseños originales y serás testigo de la evolución gráfica que ha tenido Mazinger Z a lo largo de 45 añosde historia. Imprescindible para cualquier fan de Mazinger Z!
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LAS CLAVES DE LA CREACIÓN DE LA EXITOSA SERIE DE NETFLIXSumérgete en el desarrollo y la producción de la serie de Netflix The Umbrella Academy, con una recopilación de cientos de imágenes detrás de las cámaras de la primera temporada.- Una mirada exclusiva tras las cámaras de la producción de Netflix que adapta The Umbrella Academy- Explora el proceso de la página a la pantalla de la exitosa serie de Gerard Way y Gabriel Bá para Dark Horse Comics- Incluye arte exclusivo del equipo encargado de la producción de la serieTanto si eres un seguidor fiel de los cómics como un recién llegad ogracias a la serie de Netflix, ¡no te querrás perder este fantástico libro!
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Llevábamos tiempo con la idea de incorporar el teatro a nuestra colección de libros ilustrados y nos parece que un excelente primer libro sería uno que reuniese los mejores carteles que el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer ha ido creando para el CDN en los últimos años, comentados por dramaturgos, actores, escenógrafos,etc.: Juan Echanove, Miguel del Arco, Andrés Lima, entre otros muchos.En estos maravillosos carteles, Isidro Ferrer mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, nos proporcionan una potente lectura de la obra. Texturas, tramas, madera,hierro, manchas de color, tipografías y máscaras son los materiales con los que ilustra las obras.
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Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un ''joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta''. No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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La colección IMPRENTA DINÁMICA, puesta en circulación por ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y DAMA (Derechos de Autor y Medios Audiovisuales), ofrece con este volúmen diez valiosas entrevistas con otros tantos de los más importantes guionistas españoles de series de televisión.Diez creadores que hablan con lucidez sobe las especificidades del lenguaje teleserial, indagan sobre la contaminación entre medios y formatos, se interrogan sobre la revitalización de determinados géneros y examinan la reubicación del guionista en el interior de los procesos creativos, la implantación de la figura del showrunner y la evolución del oficio en las últimas décadas. Son cinco hombres y cinco mujeres frente a uno de los mayores expertos en ficción serial televisiva que tenemos en España. El resultado es un diálogo incisivo y fructífero, que recoge voces y concepciones tan plurales y dispares como didácticas y elocuentes. Sus páginas arrojan luz sobre algunos de los debates más apasionantes que recorren hoy, en todo el mundo, el universo creativo de las series de televisión. Y lo hacen desde la perspectiva y la experiencia de la creación española, que tiene mucho que decir en el ágora televisivo internacional del momento presente.
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Quería salir de Málaga, pisar suelo negro de otros teatros a los que no llego caminando a casa y entonces escribí sobre mí. Una para ser honesta tiene que hablar de una. Y eso hice hablo del barrio donde nací que ya no existe, de las marcas, los motes, la conciencia social, los acentos, los toldos de los bloques, el sector servicio, los idiomas. Escribo todo lo que tenía en mi cabeza en 2019, tanto que me quedo hueca, paralizá, nave de polígono vacía por dentro. Este texto es risa y pensamiento. Es una merdellona contemporánea diciendo verdades como camperos especiales. Si te apetece teatro escrito ahora, una andaluza con poca vergüenza, monólogos fresquitos pero que pinchan y un viaje en autobús, este libro es lo que estás buscando. PREMIO EL OJO CRÍTICO 2022 A LA MEJOR OBRA DE TEATRO PREMIO MAX 2022 A LA MEJOR OBRA REVELACIÓN PREMIO ATENEO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN
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En el período 1963-1975 la sociedad española vivirá una tímida apertura aunque seguirá deseando integrarse en la pujante Europa comunitaria y democrática, hecho que no llegará hasta finales de 1985. El cine impulsado con la fórmula de la coproducción fue un fiel espejo de estos vientos de cambio -apenas una brisa- de la raquítica industria cinematográfica española: otra mirada al exterior que hará tornar el blanco y negro en tímidos colores. Son los años del mítico 600, de las turistas en bikini, del auge del electrodoméstico y de las chicas yeyé. Es la época de esplendor del cine de género en España: western mediterráneo, fantaterror, thrillers aderezados con espías internacionales, cine bélico, comedias con aires pop, cine de barrio, de programa doble, construido con otros países vecinos buscando un mercado más global con un sello más europeo. Once especialistas procedentes de diferentes campos, con una marcada presencia del sello Film-Història asociado a autores como José María Caparrós, Rafael de España o Magí Crusells se acercan en este primer volumen a esas películas hechas en ocasiones con medios precarios, pero con una ilusión y amor al cine a prueba de bombas. Junto a un cine de corte más intelectual encontramos uno más popular, que inundó las plateas de los cines españoles, más tarde fue carne de videoclub y ha acabado teniendo una buena legión de seguidores. Esta obra nace con la intención de contextualizar esas películas y reivindicar a una serie de directores, técnicos, actores y más de 1500 títulos que forman parte de la Historia de nuestro cine y que merecen algo más que el menosprecio o el olvido.
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Després de gairebé 40 anys de no parar d'escriure esquetxos, programes de televisió, sèries, tvmovies, pel·lícules i obres de teatre i de més de 25 anys de fer classes als estudis de comunicació àudiovisual de la Universitat Pompeu Fabra, Piti Español ha decidit publicar un llibre que expliqui tot el que ha après sobre l'escriptura de diàlegs per a cinema i televisió. Com escriure diàlegs que funcionin per a cinema i televisió és un llibre basat en la seva experiència, tant d'escriure escenes dialogades com d'analitzar-les a les seves classes. Un llibre que vol ser una mena de manual amb reflexions teòriques i consells pràctics, ple d'exemples trets del cinema, de la televisió i, fins i tot, d'anuncis comercials, que serveixi tant a estudiants que volen aprendre les bases de l'escriptura de diàlegs, com a professionals que potser hi descobriran recursos, exemples i trucs narratius que desconeixien. Albert Plans (guionista de Plats Bruts i Porca Misèria): El Piti és un guionista amb una de les carreres més brillants del nostre país. Que què és un bon diàleg? Llegiu aquest llibre! Joaquim Oristrell (guionista i director): És divertit, és útil, és generós. El millor llibre d'amor que he llegit últimament, d'amor a l'ofici d'escriure, per descomptat. Cesc Gay (guionista i director): Llegir-lo és adonar-te de tot el que encara pots aprendre per tal d'escriure millor. Una gran guia! Isabel Coixet (guionista i directora): Un llibre sensacional i absolutament imprescindible per a tots aquells que escriuen ficció, tant professionals com aspirants.
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Hollywood es glamour: alfombras rojas, grandes marquesinas, entregas de premios, estudios cinematográficos tan grandes como ciudades, estrellas que se convierten en leyendas, y un universo de películas eternas. Pero también es el escenario de historias trágicas, truculentas, de ritos y maldiciones, de crímenes sanguinarios y suicidios inesperados. Desde Rodolfo Valentino hasta los Power Rangers y Glee, pasando por James Dean, Sharon Tate, Marilyn Monroe, Bruce y Brandon Lee, la maldición de los Superman, las muertes dudosas de Poltergeist o las difíciles vidas de los protagonistas de Blanco y negro, este libro explora algunos de los personajes y hechos que forman parte del lado más tétrico de''la Meca del cine'', un lugar en el que la ficción más horrible parece cosa de niños en comparación con la cruda realidad.
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La preparación del director es una disección fascinante y estimulante del reto que supone la dirección teatral. Anne Bogart se expresa con un enorme conocimiento del coraje que requiere crear Arte en mayúsculas, ahondando en cada una de las siete áreas que identificó, en un primer momento, como impedimentos pero, a su vez, como herramientas potenciales de la creación artística. Por esa razón, hace una análisis del valor de la violencia, la memoria, el terror, el erotismo, los estereotipos, la vergüenza y la resistencia a la hora de emprender la tarea artística. La autora ofrece una visión única de los vericuetos del proceso de la dirección teatral, aunque no sólo, ya que éstos son también aplicables a otros ámbitos artísticos. Lo cierto es que La preparación del director se aproxima al arte del teatro con una claridad poco habitual, ofreciendo un profunda comprensión del hecho creativo e inspiración.
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En 1937 Daniel Fuchs llega a Hollywood para trabajar en la adaptación de uno de sus relatos cortos. Su contrato de trece semanas seconvierte en residencia permanente y marca el comienzo de su gran historia de amor con el cine. Esta obra reúne, por p
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Siempre que hay mediación tecnológica solo existe, en términos de relato audiovisual, la parte de realidad que puede ser captada con los medios disponibles. La técnica determina también qué entendemos porrealidad y qué realidad puede ser documentada y mostrada.La realidad es muda o bien habla demasiado, pero no sobre lo verdaderamente relevante. Hay que sacarle las palabras a la fuerza. No nos referimos solo a plantear las preguntas adecuadas a las personas adecuadas, que normalmente no tienen el más mínimo interés en desvelar información sensible. A la realidad se le hace hablar también mediante la edicióny la narración, por no referirnos a la propia lógicade un dispositivo tecnológico culturalmente condicionado. A este ensamblaje de fragmentos lo denominaba Abraham Moles «creatividad». Por eso el escocés John Grierson, uno de los primeros y más influyentes documentalistas de la historia del cine, definía el documental como el tratamiento creativo de la realidad.
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Peter Brook, una de las figuras más relevantes e innovadoras del teatro occidental, pasa revista en este volumen a cuarenta años de su trabajo en el teatro, la ópera y el cine, desde sus primeros montajes en los años cuarenta hasta su memorable versión del Mahabharata. Entre sus muchos éxitos están las producciones de diversas obras de Shakespeare, como El Rey Lear o Sueño de una noche de verano, sus experiencias con el «teatro de la crueldad», que culminaron con Marat / Sade y sus películas en especial El señor de las moscas. En 1970, Brook abandonó la Royal Shakespeare Company para fundar una compañía en París y profundizar en la investigación teatral. Esta iniciativa tuvo como resultado diversas experiencias en Oriente Medio, Asia y África, así como la reelaboración bajo un nuevo prisma de algunas piezas clásicas como El jardín de los cerezos.En este texto, Brook comparte con el lector sus descubrimientos y sus problemas, haciéndole partícipe de una visión íntima y enriquecedora de algunos de los mayores acontecimientos teatrales del último medio siglo. Un libro que deleitará a los aficionados del teatro tanto como a los profesionales de las artes escénicas.
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El libro es una introducción comprehensiva y accesible a la relación ambivalente entre cine y política. Inspirándose en la teoría crítica (Michel Foucault, Theodor Adorno), el autor argumenta que el cine es una herramienta clave tanto en la construcción de la autoridad política y la dominación como en las críticas delas injusticias en las sociedades contemporáneas. Desde esta perspectiva, Cine y política incluyeanálisis precisos de los clásicos del cine occidental(Fritz Lang, Stanley Kubrick, Pier-Paolo Pasolini, Agnès Varda, Jean-Luc Godard) adoptando una visión global, con ejemplos del cine africano, asiático o latinoamericano (Ousmane Sembène, Akira Kurosawa, GlauberRocha). El libro comienza cronológicamente desde losinicios del cine a fines del siglo XIX, y avanza a través de diferentes períodos históricos que llegan hasta nuestros días con el análisis de películas recientes como Joker (2019) y de series brillantes como El cuento de la criada y The Black Mirror
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Star Wars Jedi: Fallen Order es el videojuego de acción y aventura que explora la búsqueda de Cal Kestis para reconstruir la Orden Jedi mientras aprende los caminos de la Fuerza, viaja a mundos exóticos y lucha contra enemigos tiránicos. Con una arte conceptual detallado de los nuevos personajes, emocionantes armas y equipo, y escenarios tanto familiares como nuevos, este tomo ofrece una mirada entre bastidores a la producción de uno de los juegos más exitosos de la saga, todo acompañado por comentarios íntimos de artistas que revelan cómo entender este increíble universo. Un libro de arte a todo color que captura el desarrollo de una de las últimas incorporaciones al canon interactivo del universo de Star Wars.
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A lo largo de su carrera, Boal ha tenido que enfrentarse a la opresión en todas sus formas, lo que ha impulsado su creencia de que el teatro es el medio para crear un futuro y un presente mejores, y su dedicación plena a la investigación y desarrollo de diversos métodos que han inspirado y nutrido las prácticas de docentes, teatristas y psicoterapeutas de todo el mundo. El arcoiris del deseo es una lectura fascinante y completamente accesible tanto para quienes ya estén familiarizados con el trabajo de Boal, como para quienes quieran adentrarse en las técnicas del Teatro del Oprimido, y para todo profesional de la salud que desee sumar herramientas indispensables para su desarrollo y el acompañamiento terapéutico. Estas técnicas pretenden ayudar a analizar los colores de nuestros deseos y voluntades, para armonizarlos de manera diferente, con otras proporciones, con otras formas y en otros lienzos más acordes con nuestra felicidad.
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